Visuelle Designelemente und Prinzipien

Visuelle Designelemente und Prinzipien Beschreiben Sie grundlegende Vorstellungen über die Praxis von visuelles Design.

Elemente des Designs der Kunst

Designelemente sind die grundlegenden Einheiten eines visuellen Designs, die seine Struktur bilden und visuelle Nachrichten vermitteln.^[1][2] Maler- und Design-Theoretiker Maitland E. Graves (1902-1978), der versuchte, die Grundprinzipien der ästhetischen Reihenfolge in der visuellen Gestaltung zu begrüßen,^[3] in seinem Buch, Die Kunst der Farbe und des Designs (1941) definierte die Elemente des Designs als Linie, Richtung, Richtung, Form, Größe, Textur, Wert und Farbezu dem Schluss, dass "diese Elemente die Materialien sind, aus denen alle Designs gebaut werden".^[4]

Elemente der Kunst und des Designs

Farbstern mit primären, sekundären und tertiären Farben.

Farbe

Farbe ist das Ergebnis des Lichts, das von einem Objekt zu unseren Augen zurückgeführt wird.^[5] Die Farbe, die unsere Augen wahrnehmen, wird durch die bestimmt Pigment des Objekts selbst.^[5] Farben Lehre und die Farbkreis werden häufig auf die Untersuchung von Farbkombinationen im visuellen Design verwiesen.^[6] Farbe wird oft als ein wichtiges Element des Designs angesehen, da es sich um eine universelle Sprache handelt, die die unzähligen Möglichkeiten der visuellen Kommunikation darstellt.^[7]

Farbton, Sättigung, und Helligkeit sind die drei Eigenschaften, die Farbe beschreiben.^[8]

• Farbton kann einfach als "Farbe" bezeichnet werden wie in rot, gelb oder grün.^[9]
• Sättigung gibt eine Farbe Helligkeit oder Stumpfheit, die die Lebendigkeit der Farbe beeinflusst.^[9]
• Werte, Farbtöne und Farbtöne Farben werden durch Hinzufügen von Schwarz zu einer Farbe für einen Farbton und Weiß für einen Farbton hergestellt. Das Erstellen eines Farbtons oder Farbschatten reduziert die Sättigung.^[9]

Farbtheorie im visuellen Design

Farben Lehre Studien Farbmischung und Farbkombinationen. Es ist eines der ersten Dinge, die einen progressiven Designansatz markierten.^[7] Im visuellen Design bezeichnen Designer die Farbtheorie als eine praktische Anleitung für bestimmte visuelle Auswirkungen mit bestimmten Farbkombinationen. Theoretisches Farbwissen wird in Designs implementiert, um ein erfolgreiches Farbdesign zu erreichen.^[10]

• Farbharmonie

Farbharmonie, oft als "Maß für Ästhetik" bezeichnet,^[10] Studien, welche Farbkombinationen harmonisch und angenehm für das Auge sind und welche Farbkombinationen nicht sind.^[8] Farbharmonie ist ein Hauptanliegen für Designer, da Farben in Gegenwart anderer Farben in Form oder Raum immer vorhanden sind.^[10]

Wenn ein Designer harmonisiert Farben, die Beziehungen zwischen einer Reihe von Farben werden verbessert, um die Art und Weise zu erhöhen, wie sie sich ergänzen. Farben werden harmonisiert, um einen ausgewogenen, einheitlichen und ästhetisch ansprechenden Effekt für den Betrachter zu erzielen.^[8]

Farbharmonie wird auf verschiedene Arten erreicht, von denen einige darin bestehen, eine Reihe von Farben zu kombinieren, die den gleichen Farbton haben, oder eine Reihe von Farben, die die gleichen Werte für zwei der drei Farbeigenschaften haben (Farbton, Sättigung, Helligkeit) .^[8] Farbharmonie kann auch erreicht werden^[8] wie in der dargestellt Farbkreis.

• Farbkontraste

Farbkontraste werden mit einem Paar Farben untersucht, im Gegensatz zur Farbharmonie, die eine Reihe von Farben untersucht. Bei der Farbkontrastierung werden zwei Farben mit wahrnehmbaren Unterschieden in Aspekten wie Luminanz oder Sättigung nebeneinander platziert, um Kontrast zu erzeugen.

Johannes itten präsentierte sieben Arten von Farbkontrasten: Kontrast von Hell und Dunkel, Kontrast des Farbton, Kontrast, Kontrast von Sättigung, gleichzeitiger Kontrast, Kontrast von Größen und Kontrast von Komplementär.^[8] Diese sieben Arten von Farbkontrasten haben frühere Arbeiten inspiriert, die Farbschemata im Design betreffen.^[8]

• Farbschemata

Farbschemata werden als die für ein Design ausgewählten Farben definiert. Sie bestehen oft aus zwei oder mehr Farben, die nebeneinander attraktiv aussehen und die eine erzeugen ästhetisch Feel, wenn zusammen verwendet. Farbschemata hängen davon ab Farbharmonie wie sie zeigen, auf welche Farben nebeneinander angenehm aussehen.^[10]

Ein zufriedenstellendes Designprodukt wird häufig von einem erfolgreichen Farbschema begleitet. Im Laufe der Zeit wurden Farbdesign -Werkzeuge mit der Funktion des Erzeugung von Farbschemata entwickelt, um die Farbharmonisierung für Designer zu erleichtern.^[11]

Verwendung von Farbe im visuellen Design

• Farbe wird verwendet, um Harmonie, Gleichgewicht und visuellen Komfort in einem Design zu schaffen^[10]
• Farbe wird verwendet, um die gewünschte Stimmung und Emotionen auf den Betrachter hervorzurufen^[5]
• Farbe wird verwendet, um a zu erstellen Thema in dem Design^[8]
• Farbe hält Bedeutung und kann symbolisch sein. In bestimmten Kulturen können unterschiedliche Farben unterschiedliche Bedeutungen haben.^[5]
• Farbe wird verwendet, um die gewünschten Elemente zu betonen und zu erzeugen visuelle Hierarchie in einem Kunstwerk^[12]
• Farbe kann eine Identität für eine bestimmte Marke oder ein bestimmtes Designprodukt schaffen^[12]
• Durch die Farbe können die Zuschauer unterschiedliche Interpretationen von visuellen Designs haben. Die gleiche Farbe kann unterschiedliche Emotionen hervorrufen oder für verschiedene Individuen und Kulturen unterschiedliche Bedeutungen haben^[5]
• Farbstrategien werden für die Organisation verwendet und Konsistenz in einem Designprodukt^[9]
• In dem Architekturdesign Die Farben beeinflussen die Entscheidungsfindung, die die Verbraucher zum Kauf bestimmter Produkte motiviert, bestimmte Produkte zu kaufen^[12]

In ähnlicher Weise sind Sterne in einer Konstellation, die über imaginäre Linien verbunden ist, ein natürliches Beispiel für die Verwendung von Linien in einer Zusammensetzung

Linie

Die Linie ist ein Kunstelement, das durch einen Punkt im Raum definiert wird. Linien können vertikal, horizontal, diagonal oder gebogen sein. Sie können jede Breite oder Textur sein und kontinuierlich, implizit oder gebrochen sein. Darüber hinaus gibt es verschiedene Arten von Linien, abgesehen von den zuvor erwähnten. Zum Beispiel könnten Sie eine horizontale und zickzackte Linie haben oder eine vertikale und zickzackte Linie. Unterschiedliche Zeilen erzeugen unterschiedliche Stimmungen, alles hängt davon ab, in welcher Stimmung die Zeile erstellt wird.

Punkt

Ein Punkt ist im Grunde der Beginn von „etwas“ in „Nichts“. Es zwingt den Geist, über seine Position zu denken und gibt etwas, auf das sie sowohl in der Vorstellungskraft als auch in dem Raum aufbauen können. Einige abstrakte Punkte in einer Gruppe können die menschliche Vorstellungskraft provozieren, um sie mit vertrauten Formen oder Formen zu verbinden.

Form

A Form ist definiert als ein zweidimensionaler Bereich, der sich aufgrund einer definierten oder implizierten Grenze oder aufgrund von Wert, Farbe oder Textur vom Raum neben oder um ihn herum abhebt.^[13] Formen sind erkennbare Objekte und Formen^[5] und bestehen normalerweise aus anderen Designelementen.^[14]

Zum Beispiel a Quadrat Das auf ein Stück Papier wird als Form angesehen. Es wird mit einer Reihe von Linien erstellt, die als Grenze dienen, die das Quadrat formt und es von dem Raum um ihn herum trennt, der nicht Teil des Quadrats ist.^[5]

Arten von Formen

Geometrische Formen oder mechanische Formen sind Formen, die mit einem Lineal oder Kompass gezeichnet werden können, wie z. Quadrate, Kreise, Dreiecke, Ellipsen, Parallelogramme, Sterne, usw.^[5] Mechanische Formen, ob einfach oder komplex, erzeugen ein Gefühl von Kontrolle und Ordnung.^[14]

Organische Formen sind unregelmäßige Formen^[5] das sind oft komplex und ähneln Formen, die in gefunden werden Natur.^[14] Organische Formen können von Hand gezeichnet werden, weshalb sie manchmal subjektiv sind und nur in der Fantasie des Künstlers existieren.^[5]

Krummlinige Formen bestehen aus gekrümmten Linien und glatten Kanten. Sie geben der Form ein natürlicheres Gefühl. Im Gegensatz, geradlinige Formen bestehen aus scharfen Kanten und rechte Winkel, und geben ein Ordnung in der ab Komposition. Sie sehen menschlicher, strukturierter aus und künstlich. Künstler können sich für eine Komposition entscheiden, die sich hauptsächlich um einen dieser Formstile dreht, oder sie können sich dafür entscheiden, beide zu kombinieren.^[5]

Textur

Dies ist nur ein zweidimensionales Bild eines Baumes, scheint aber die Textur von dreidimensionaler Rinde zu haben.

Textur bezieht sich auf die physischen und visuellen Eigenschaften einer Oberfläche.

Verwendung von Textur im Design

• Die Textur kann verwendet werden, um Interesse an ein Element anzuziehen oder abzuwehren, je nachdem, wie angenehm die Textur wahrgenommen wird.^[14]
• Die Textur kann auch verwendet werden, um komplexe Details in die hinzuzufügen Komposition eines Designs.^[5]
• Im Theaterdesign formt die Oberflächenqualitäten eines Kostüms das Erscheinungsbild eines Charakters, was die Art und Weise beeinflusst, wie das Publikum auf den Charakter reagiert.^[5]

Arten von Textur

Taktile TexturAuch als "tatsächliche Textur" bezeichnet, bezieht sich auf die physikalische dreidimensionale Textur eines Objekts. Taktile Textur kann durch den Sinn der Berührung wahrgenommen werden. Eine Person kann die taktile Textur einer Skulptur spüren, indem sie ihre Hand über ihre Oberfläche läuft und seine Grate und Dellen spielt.^[5]

• Maler verwenden Impasto Gipfel bauen und Textur in ihrem Gemälde schaffen.^[14]
• Textur kann durch erstellt werden Collage. Dies ist, wenn Künstler dreidimensionale Objekte zusammenstellen und sie auf eine zweidimensionale Oberfläche wie ein Stück Papier oder Leinwand auftragen, um eine endgültige Komposition zu erstellen.^[5]
• Papierkollé ist eine weitere Collaging -Technik, bei der Künstler Papier auf eine Oberfläche kleben, um unterschiedliche Texturen auf seiner Oberfläche zu erzeugen.^[5]
• Montage ist eine Technik, die darin besteht, verschiedene dreidimensionale Objekte in eine Skulptur zusammenzustellen, die dem Betrachter auch Texturen enthüllen kann.^[5]

Visuelle Textur, auch als "implizite Textur" bezeichnet, ist nicht durch unser Berührungssinn, sondern durch unser Sehsinn nicht erkennbar. Die visuelle Textur ist die Illusion einer echten Textur auf einer zweidimensionalen Oberfläche.^[5] Jede in einem Bild oder Foto wahrgenommene Textur ist eine visuelle Textur. Ein Foto der rauen Baumrinde wird als visuelle Textur angesehen. Es schafft den Eindruck einer echten Textur auf einer zweidimensionalen Oberfläche, die sich glatt anlehnen würde, egal wie grob die dargestellte Textur ist.^[14]

In der Malerei, anders Farben werden verwendet, um verschiedene Arten von Texturen zu erreichen. Farben wie Öl, Acryl-, und Encaustic sind dicker und mehr undurchsichtig und werden verwendet, um dreidimensionale Eindrücke auf der Oberfläche zu erzeugen. Andere Farben wie z. Aquarell, neigen dazu, für visuelle Texturen verwendet zu werden, da sie dünner sind und Transparenz haben und nicht viel taktile Textur auf der Oberfläche hinterlassen.^[5]

Muster

Viele Texturen scheinen dasselbe zu wiederholen Motiv.^[5] Wenn ein Motiv in einer Oberfläche immer wieder wiederholt wird, führt es zu a Muster.^[14] Muster werden häufig in verwendet Mode-Design oder Textildesign, wo Motive wiederholt werden, um dekorative Muster auf Stoff oder anderen zu erzeugen Textil- Materialien. Muster werden auch in verwendet Architekturdesign, wo dekorative strukturelle Elemente wie z. Fenster, Säulen, oder Pedimente, werden in das Gebäudedesign eingebaut.

Platz

Im Design befasst sich der Weltraum mit dem Gebiet tief im Moment des bestimmten Designs, das Design findet statt. Für ein zweidimensionales Design betrifft der Raum die Illusion einer dritten Dimension auf einer flachen Oberfläche:^[14]

• Überlappung ist der Effekt, bei dem Objekte übereinander liegen. Diese Illusion lässt das Top -Element dem Beobachter näher sehen. Es gibt keine Möglichkeit, die Tiefe des Raums zu bestimmen, nur die Reihenfolge der Nähe.
• Die Schattierung fügt Strukturmarken hinzu, um ein Objekt einer zweidimensionalen Oberfläche dreidimensional erscheinen zu lassen.
• Highlight, Übergangslicht, Kern des Schattens, reflektiertes Licht und Gussschatten verleihen einem Objekt einen dreidimensionalen Look.^[14]
• Die lineare Perspektive ist das Konzept, das sich darauf bezieht, wie ein Objekt kleiner erscheint, je weiter es entfernt ist.
• Die atmosphärische Perspektive basiert darauf, wie Luft als Filter fungiert, um das Erscheinungsbild entfernter Objekte zu ändern.

Bilden

Im visuellen Design wird Form als die Art und Weise beschrieben, wie ein Künstler Elemente in der gesamten Komposition arrangiert.^[5] Es kann auch als alle beschrieben werden dreidimensional Objekt. Die Form kann von oben nach unten (Höhe), Seite zu Seite (Breite) und von hinten nach vorne (Tiefe) gemessen werden. Form wird auch durch Licht und Dunkel definiert. Es kann durch das Vorhandensein von Schatten auf Oberflächen oder Gesichtern eines Objekts definiert werden. Es gibt zwei Arten von Form, geometrische (künstliche) und natürliche (organische Form). Form kann durch die Kombination von zwei oder mehr Formen erzeugt werden. Es kann durch Ton, Textur oder Farbe verbessert werden. Es kann illustriert oder konstruiert werden.

Prinzipien des Designs der Kunst

Prinzipien, die auf die angewendet werden Elemente des Designs Das bringt sie zu einem Design zusammen. Wie man diese Prinzipien anwendet, bestimmt, wie erfolgreich ein Design sein kann.^[1]

Einheit/Harmonie

Laut Alex White, Autor von Die Elemente des Grafikdesigns, um eine visuelle Einheit zu erreichen, ist ein Hauptziel des Grafikdesigns. Wenn alle Elemente übereinstimmen, wird ein Design als einheitlich angesehen. Kein individueller Teil wird als wichtiger angesehen als das gesamte Design. Ein gutes Gleichgewicht zwischen Einheit und Vielfalt muss festgelegt werden, um ein chaotisches oder lebloses Design zu vermeiden.^[9]

Methoden

• Perspektive: Gefühl der Entfernung zwischen Elementen.
• Ähnlichkeit: Fähigkeit, mit anderen Elementen wiederholbar zu erscheinen.
• Fortsetzung: Das Gefühl, eine Linie oder ein Muster zu haben.
• Wiederholung: Elemente werden mehrfach kopiert oder nachgeahmt.
• Rhythmus: wird erreicht, wenn eine wiederkehrende Position, Größe, Farbe und Verwendung eines grafischen Elements eine Schwerpunkte -Unterbrechung haben.
• Das Basis ändern Thema erreicht Einheit und hilft, das Interesse zu halten.

Gleichgewicht

Es ist ein Zustand der ausgeglichenen Spannung und Gleichgewicht, der möglicherweise nicht immer ruhig ist.^[9]

Arten von Gleichgewicht im visuellen Design

Das obere Bild hat symmetrisches Gleichgewicht und das untere Bild hat asymmetrisches Gleichgewicht

• Symmetrie
• Asymmetrisch Balance erzeugt ein informelles Gleichgewicht, das Aufmerksamkeit erregt und dynamisch ist.
• Um ein zentrales Element ist radiales Gleichgewicht angeordnet. Die in radialen Balance platzierten Elemente scheinen von einem zentralen Punkt kreisförmig auszustrahlen.
• Insgesamt ist eine Mosaikform des Gleichgewichts, die normalerweise aus zu vielen Elementen auf eine Seite entsteht. Aufgrund des Mangels an Hierarchie und Kontrast kann diese Form des Gleichgewichts laut, aber manchmal ruhig aussehen.

Hierarchie/Dominanz/Betonung

Ein gutes Design enthält Elemente, die den Leser in der Reihenfolge seiner Bedeutung durch jedes Element führen. Der Typ und die Bilder sollten von am wichtigsten bis zum am wenigsten wichtigen ausgedrückt werden. Die Dominanz wird durch Kontrastgröße, Positionierung, Farbe, Stil oder Form erzeugt. Der Schwerpunkt sollte das Design mit Skala und Kontrast dominieren, ohne die Einheit des Ganzen zu beeinträchtigen.^[9]

Maßstab/Proportion

Die Verwendung der relativen Größe der Elemente gegeneinander kann auf einen Schwerpunkt aufmerksam machen. Wenn Elemente größer als das Leben sind, wird die Skala verwendet, um Drama zu zeigen.^[9]

Ähnlichkeit und Kontrast

Die Planung eines konsistenten und ähnlichen Designs ist ein wichtiger Aspekt der Arbeit eines Designers, um ihren Schwerpunkt sichtbar zu machen. Zu viel Ähnlichkeit ist langweilig, aber ohne Ähnlichkeit existiert wichtige Elemente nicht und ein Bild ohne Kontrast ist ereignislos, daher besteht der Schlüssel darin, das Gleichgewicht zwischen Ähnlichkeit und Kontrast zu finden.^[9]

Ähnliche Umgebung

Es gibt verschiedene Möglichkeiten, eine ähnliche Umgebung zu entwickeln:^[9]

• Erstellen Sie eine einzigartige interne Organisationsstruktur.
• Manipulieren Sie Formen von Bildern und Text, um miteinander zu korrelieren.
• Ausdrücken Kontinuität von Seite zu Seite in Veröffentlichungen. Zu den zu sehenen Gegenständen gehören Header, Themen, Grenzen und Räume.
• Entwickeln a Stilhandbuch und haften Sie sich daran.

Kontraste

• Platz
  • Gefüllt / leer
  • In der Nähe / weit
  • 2-D / 3-D
• Position
  • Links rechts
  • Isoliert / gruppiert
  • Zentriert / außerhalb der Center
  • Oben unten
• Bilden
  • Einfach / komplex
  • Schönheit / hässlich
  • Ganz / kaputt
• Richtung
  • Stabilität / Bewegung
• Struktur
  • Organisiert / chaotisch
  • Mechanisch / handgezeichnet
• Größe
  • Groß Klein
  • Tief / flach
  • Fett dünn
• Farbe
  • Graustufen / Farbe
  • Schwarz & Weiß / Farbe
  • Hell dunkel
• Textur
  • Fein / grob
  • Glatte rauhe
  • Scharf stumpf
• Dichte
  • Transparent / undurchsichtig
  • Dick dünn
  • Flüssig / fest
• Schwere
  • Leicht schwer
  • Stabil / instabil

Bewegung ist der Weg, den das Auge des Betrachters durch das Kunstwerk führt, oft in Branchenbereiche. Eine solche Bewegung kann in den Linienkanten, Form und Farbe innerhalb des Kunstwerks gerichtet werden.

Siehe auch

• Komposition (bildende Künste)
• Innenarchitektur
• Landschaftsdesign
• Mustersprache
• Kunstelemente
• Kunstprinzipien
• Farben Lehre

Anmerkungen

Verweise

• Kilmer, R. & Kilmer, W. O. (1992). Innenräume entwerfen. Orland, FL: Holt, Rinehart und Winston, Inc. ISBN978-0-03-032233-4.
• K. J. Nielson & D. A. Taylor (2002). Innenräume: Eine Einführung. New York: McGraw-Hill Companies, Inc. ISBN978-0-07-296520-9
• Pile, J. F. (1995; vierte Ausgabe, 2007). Innenarchitektur. New York: Harry N. Abrams, Inc. ISBN978-0-13-232103-7
• Sully, Anthony (2012). Innenarchitektur: Theorie und Prozess. London: Bloomsbury. ISBN978-1-4081-5202-7.

Externe Links

• Kunst, Design und visuelles Denken. Ein interaktives Online -Lehrbuch von Charlotte Jirousek an der Cornell University.
• Die 6 Prinzipien des Designs