Skulptur

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Die sterbenden Gallien, oder Die Kapitolin Gallien[1] eine römische Marmorkopie von a Hellenistisch Arbeit des späten 3. Jahrhunderts v. Chr. Kapitolinmuseen, Rom
Assyrer Lamassu Torwächter von Khorsabad, ca. 800–721 v. Chr.
Michelangelo's Moses, (c. 1513–1515), San Pietro in Vincoli, Romfür das Grab von Papst Julius II
Netsuke von Tigerress mit zwei Cubs, Japan aus dem 19. Jahrhundert, Elfenbein mit Muscheleinlagen
Der Engel des Nordens durch Antony Gormley, 1998

Skulptur ist der Zweig der bildende Kunst das funktioniert in drei Dimensionen. Skulptur ist das dreidimensionale Kunstwerk, das physisch in den Abmessungen von Höhen, Breite und Tiefe dargestellt wird. Es ist einer der Plastische Künste. Dauerhafte skulpturale Prozesse ursprünglich verwendet Carving (die Entfernung von Material) und Modellierung (die Zugabe von Material als Ton) in Stein, Metall, Keramik, Holz und andere Materialien, aber seitdem ModernismusEs gab eine fast vollständige Material- und Prozessfreiheit. Eine Vielzahl von Materialien kann durch Entfernen wie das Schnitzen bearbeitet werden, zusammengestellt von Schweißen oder Modellierung oder geformt oder gießen.

Die Skulptur in Stein überlebt weitaus besser als Kunstwerke in verderblichen Materialien und repräsentiert oft die Mehrheit der überlebenden Werke (andere als Keramik) aus alten Kulturen, obwohl umgekehrt die Skulpturtraditionen in Holz fast ausschließlich verschwunden sind. Die meisten alten Skulpturen waren jedoch hell gestrichen, und dies ist verloren gegangen.[2]

Die Skulptur war in vielen Kulturen von zentraler Bedeutung in der religiösen Hingabe, und bis zu den letzten Jahrhunderten waren große Skulpturen, die für Privatpersonen zu teuer waren, normalerweise ein Ausdruck von Religion oder Politik. Diejenigen Kulturen, deren Skulpturen in Mengen überlebt haben, umfassen die Kulturen des alten Mittelmeers, Indiens und China sowie viele in Mittel- und Südamerika und Afrika.

Das Western Die Tradition der Skulptur begann in Altes Griechenlandund Griechenland wird allgemein als produzierende großartige Meisterwerke in der angesehen klassisch Zeitraum. Während der Mittelalter, gotisch Die Skulptur repräsentierte die Qualien und Leidenschaften des christlichen Glaubens. Die Wiederbelebung klassischer Modelle in der Renaissance produzierte berühmte Skulpturen wie Michelangelo's Statue von David. Die modernistische Skulptur bewegte sich von traditionellen Prozessen und der Betonung der Darstellung des menschlichen Körpers mit der Herstellung von konstruierte Skulpturund die Präsentation von gefundene Objekte als fertige Kunstwerke.

Typen

Eine grundlegende Unterscheidung zwischen Skulptur "in der Runde", freistehende Skulptur wie Statuen, nicht befestigt (außer möglicherweise an der Basis) an einer anderen Oberfläche und den verschiedenen Arten von Hilfe, die zumindest teilweise an einer Hintergrundoberfläche befestigt sind. Die Erleichterung wird oft durch den Projektionsgrad der Wand in niedrig oder in niedrigem oder klassifiziert Basrelief, hohe Erleichterungund manchmal ein Zwischenprodukt Mittelrelief. Gesunkener Relief ist eine Technik, die beschränkt ist antikes Ägypten. Relief ist das übliche skulpturale Medium für große Figurengruppen und narrative Themen, die in der Runde schwer zu erreichen sind, und ist die typische Technik für beide für Architekturskulptur, die an Gebäuden befestigt ist und für kleine Skulpturen, die andere Objekte dekoriert, wie in viel Keramik, Metallarbeiten und Schmuck. Reliefskulptur kann auch dekorieren Steles, aufrechte Platten, normalerweise aus Stein, die oft auch Inschriften enthalten.

Eine weitere grundlegende Unterscheidung besteht zwischen subtraktiven Schnitztechniken, die Material aus einem vorhandenen Block oder Klumpen entfernen, zum Beispiel Stein oder Holz, und Modellierungstechniken, die die Arbeiten aus dem Material formen oder aufbauen. Techniken wie CastingStempeln und Formteilen Verwenden Sie eine Zwischenmatrix, die das Design enthält, um die Arbeit zu erstellen; Viele davon ermöglichen die Produktion mehrerer Exemplare.

Open Air Buddhist Felsreliefs Bei der Longmen Grotten, China

Der Begriff "Skulptur" wird häufig hauptsächlich verwendet, um große Werke zu beschreiben, die manchmal genannt werden monumentale Skulptur, was entweder oder beide der großen Skulptur ist oder an einem Gebäude verbunden ist. Der Begriff deckt jedoch viele Arten von kleinen Arbeiten in drei Abmessungen mit denselben Techniken, einschließlich Münzen und, ordnungsgemäß ab Medaillen, Hardstone -Schnitzereien, ein Begriff für kleine Schnitzereien in Stein, der detaillierte Arbeiten erledigen kann.

Die sehr große oder "kolossale" Statue hat seitdem einen dauerhaften Einspruch gehabt Antike; das größtenteils Bei 182 m (597 ft) befindet sich der Indianer 2018 Statue der Einheit. Eine weitere große Form der Porträtskulptur ist die Reiterstandbild eines Fahrers auf Pferd, der in den letzten Jahrzehnten selten geworden ist. Die kleinsten Formen der lebensgroßen Porträtskulptur sind der "Kopf", der genau das oder das zeigt Büste, eine Darstellung einer Person von der Brust nach oben. Kleine Formen der Skulptur umfassen die FigurNormalerweise eine Statue, die nicht mehr als 46 cm groß ist, und die Reliefs der Plaquette, Medaille oder Münze.

Moderne und zeitgenössische Kunst haben eine Reihe nicht-traditioneller Skulpturenformen hinzugefügt, einschließlich Schallskulptur, Lichtskulptur, Umweltkunst, Umweltskulptur, Straßenkunstskulptur, Kinetische Skulptur (Aspekte von Aspekten von physische Bewegung), Land Kunst, und ortsspezifische Kunst. Skulptur ist eine wichtige Form von öffentliche Kunst. Eine Sammlung von Skulpturen in einer Gartenumgebung kann genannt werden Skulpturgarten.

Bewohnte Skulptur

An example of Inhabited Sculpture Bewohnte Skulptur ist eine Art von angewandten Skulpturen, die im dreidimensionalen Raum mit bewohnten Merkmalen betrieben wird. Nach Brancusi ist "Architektur bewohnt Skulptur".

Zwecke und Subjekte

Moai aus Osterinsel, wo die Konzentration von Ressourcen auf große Skulpturen schwerwiegende politische Auswirkungen hatte.

Einer der häufigsten Zwecke der Skulptur ist in irgendeiner Form der Verbindung mit Religion. Kultbilder sind in vielen Kulturen häufig, obwohl sie oft nicht die kolossalen Statuen von Gottheiten sind, die charakterisiert sind Antike griechische Kunst, wie Zeus -Statue bei Olympia. Die tatsächlichen Kultbilder in den innersten Heiligtümern von Ägyptische Tempel, von denen niemand überlebt hat, war offensichtlich eher klein, selbst in den größten Tempeln. Das gleiche gilt oft in Hinduismus, wo die sehr einfache und alte Form der Lingam ist das häufigste. Buddhismus brachte die Skulptur religiöser Figuren nach Ostasien, wo es anschein Bi und cong Wahrscheinlich hatte religiöse Bedeutung.

Kleine Skulpturen als persönliche Besitztümer gehen auf die früheste prähistorische Kunst und die Verwendung einer sehr großen Skulptur als öffentliche Kunst, insbesondere um den Betrachter mit der Macht eines Herrschers zu beeindrucken, geht zumindest zurück in die Tolle Sphinx von vor etwa 4.500 Jahren. Im Archäologie und Kunstgeschichte Das Erscheinungsbild und manchmal das Verschwinden einer großen oder monumentalen Skulptur in einer Kultur wird als von großer Bedeutung angesehen, obwohl die Entstehung der Entstehung oft durch die vermutete Existenz von Skulpturen in Holz und anderen verderblichen Materialien kompliziert wird, von denen keine Aufzeichnungen bestehen;[3]

Das Totempfahl ist ein Beispiel für eine Tradition der monumentalen Skulptur in Holz, die keine Spuren für die Archäologie hinterlassen würde. Die Fähigkeit, die Ressourcen zur Schaffung monumentaler Skulpturen zu beschwören, indem sie in der Regel sehr starke Materialien transportiert und die Zahlung der normalerweise als Vollzeitbildhauer angesehenen Bildhauerin angesehen werden, wird als Marke einer relativ fortgeschrittenen Kultur in Bezug auf die soziale Organisation angesehen. Jüngste unerwartete Entdeckungen des alten Chinesisch Bronzezeit Zahlen bei SanxingduiEinige mehr als zweimal menschliche Größe haben viele Ideen über die frühe chinesische Zivilisation gestört, da bisher nur viel kleinere Bronzen bekannt waren.[4]

Einige zweifellos fortgeschrittene Kulturen, wie die Indus -Tal -Zivilisation, scheinen überhaupt keine monumentale Skulptur gehabt zu haben, obwohl sie sehr raffinierte Figuren und Robben produzieren. Das Mississippische Kultur Es scheint, als hätten er sich mit kleinen Steinfiguren auf den Weg zu seiner Verwendung voranschreitet, wenn sie zusammenbrach. Andere Kulturen wie das alte Ägypten und die Osterinselkultur, scheinen sehr frühen Stadien enorme Ressourcen für sehr große monumentale Skulpturen gewidmet zu haben.

Medaille von Johannes VIII Paläologus, c. 1435, von PisanelloDie erste Porträtmedaille, ein Medium, das im Wesentlichen zum Sammeln hergestellt wurde.

Das Sammeln von Skulpturen, einschließlich der früheren Perioden, reicht in Griechenland, China und Mesoamerica etwa 2.000 Jahre zurück, und viele Sammlungen waren lange vor der Modern Museum wurde erfunden. Ab dem 20. Jahrhundert wurde der relativ eingeschränkte Bereich der in großen Skulpturen gefundenen Probanden stark erweitert, wobei abstrakte Probanden und die Verwendung oder Darstellung jeglicher Art von Subjekt sind, die jetzt gemeinsam sind. Heutzutage wird viel Skulptur für zeitweilige Darstellung in Galerien und Museen gemacht, und die Fähigkeit, die zunehmend großen Arbeiten zu transportieren und zu speichern, ist ein Faktor für ihren Bau. Kleine dekorativ Figuren, meistens in Keramik, sind heute genauso beliebt (obwohl seltsam vernachlässigt von durch modern und Zeitgenössische Kunst) wie sie in der waren Rokokooder im alten Griechenland, wenn Tanagra -Figuren waren eine große Industrie oder in ostasiatisch und Präkolumbianische Kunst. Kleine geformte Ausstattung für Möbel und andere Gegenstände gehen gut in die Antike zurück, wie in der Nimrud Ivoies, Begram -Elfenbein und findet aus dem Grab von Tutanchamun.

Die Porträtskulptur begann in Ägypten, wo die Narmer Palette zeigt einen Herrscher des 32. Jahrhunderts v. Chr. Und Mesopotamien, wo wir 27 überleben lassen Statuen von Gudea, wer regierte Lagash c. 2144–2124 v. Chr. Im alten Griechenland und Rom war die Errichtung einer Porträtstatue an einem öffentlichen Ort fast das höchste Ehrenzeichen und der Ehrgeiz der Elite, der auch auf einer Münze dargestellt werden könnte.[5] In anderen Kulturen wie Ägypten und den öffentlichen Statuen in der Nähe des Ostens waren fast ausschließlich das Erhaltung des Herrschers, wobei andere wohlhabende Menschen nur in ihren Gräbern dargestellt wurden. Herrscher sind typischerweise die einzigen Personen, die Porträts in präkolumbianischen Kulturen angegeben haben, beginnend mit dem Olmec Kolossalköpfe von vor etwa 3.000 Jahren. Die ostasiatische Porträtskulptur war völlig religiös, wobei der führende Geistliche mit Statuen, insbesondere den Gründern von Klöster, nicht, aber nicht an Herrschern oder Vorfahren, erinnert wurde. Die mediterrane Tradition wurde im Mittelalter zunächst nur für Grabbildnisse und Münzen wiederbelebt, aber in der Renaissance stark erweitert, die neue Formen wie das persönliche Porträt erfand Medaille.

Tiere sind mit der menschlichen Figur das früheste Subjekt für Skulpturen und waren immer beliebt, manchmal realistisch, aber oft imaginärer Monster; In China sind Tiere und Monster fast die einzigen traditionellen Themen für Steinskulpturen außerhalb von Gräbern und Tempeln. Das Königreich der Pflanzen ist nur in Schmuck und dekorativen Reliefs wichtig, aber diese bilden fast alle großen Skulpturen von Byzantinische Kunst und Islamische Kunstund sind in den meisten eurasischen Traditionen sehr wichtig, wo Motive wie die Palmette und Vine Scroll sind über zwei Jahrtausende nach Osten und West vorbeigegangen.

Eine Form der Skulptur, die in vielen prähistorischen Kulturen auf der ganzen Welt zu finden ist, sind speziell vergrößerte Versionen von gewöhnlichen Werkzeugen, Waffen oder Gefäßen, die in unpraktischen kostbaren Materialien entstehen, entweder für irgendeine Form der zeremoniellen Verwendung oder als Display oder als Angebote. Jade oder andere Arten von Greenstone wurden in China verwendet, Olmec Mexiko, und Neolithisches Europaund in frühen Mesopotamien wurden große Keramikformen in Stein gemeißelt. Bronze wurde in Europa und China für große Äxte und Klingen wie die verwendet Oxborough Dirk.

Materialien und Techniken

Sumerianer männlicher Anbeter, Alabaster mit Muschelaugen, 2750–2600 v. Chr.

Die in der Skulptur verwendeten Materialien sind vielfältig und verändern sich im Laufe der Geschichte. Die klassischen Materialien mit hervorragender Haltbarkeit sind insbesondere Metall Bronze-, Stein und Keramik, mit Holz, Knochen und Geweih Weniger langlebige, aber billigere Optionen. Kostbare Materialien wie z. Gold, Silber-, Jade, und Elfenbein werden oft für kleine Luxusarbeiten verwendet und manchmal in größeren, wie in Chryselefantine Statuen. Häufiger und günstigere Materialien wurden zur Skulptur für einen breiteren Verbrauch verwendet, einschließlich Harthölzer (wie zum Beispiel Eiche, Box/Boxwood, und Kalk/Linden); Terrakotta und andere Keramik, Wachs (ein sehr häufiges Material für Modelle für das Gießen und den Eindruck von Zylinderdichtungen und gravierte Edelsteine) und gossen Metalle wie Zinn und Zink (Spelter). Im Rahmen der Skulpturen wurde jedoch eine Vielzahl anderer Materialien in ethnografischen und alten Werken genauso wie moderne verwendet.

Skulpturen sind oft gestrichen, aber gewöhnlich ihre Farbe zu Zeit oder Restauratoren. Viele verschiedene Maltechniken wurden zur Herstellung von Skulpturen verwendet, einschließlich Tempera, Ölgemälde, Vergoldung, Hausfarbe, Aerosol, Emaille und Sandstrahlung.[2][6]

Viele Bildhauer suchen nach neuen Wegen und Materialien, um Kunst zu machen. Einer von Pablo Picasso'S berühmteste Skulpturen inklusive Fahrrad Teile. Alexander Calder und andere Modernisten machten die spektakuläre Verwendung von bemalten Stahl. Seit den 1960er Jahren, Acryl Auch andere Kunststoffe wurden verwendet. Andy Goldsworthy macht seine ungewöhnlich kurzlebigen Skulpturen aus fast völlig natürlichen Materialien in natürlichen Umgebungen. Einige Skulpturen, wie z. Eisskulptur, Sand Skulptur, und Gasskulptur, ist absichtlich kurzlebig. Jüngste Bildhauer haben verwendet Buntglas, Tools, Maschinenteile, Hardware und Verbraucherverpackungen, um ihre Arbeiten zu gestalten. Bildhauer verwenden manchmal gefundene Objekte, und Felsen des chinesischen Gelehrten sind seit vielen Jahrhunderten geschätzt.

Stein

Moderne Rekonstruktion des ursprünglichen gemalten Aussehens einer späten archaischen griechischen Marmorfigur aus der Tempel der Aphaeabasierend auf der Analyse von Pigmentspuren,,[7] c. 500 v. Chr

Steinskulptur ist eine alte Aktivität, bei der raue natürliche Stücke Stein sind geformt von der kontrollierte Entfernung von Stein. Aufgrund der Beständigkeit des Materials sind Beweise zu finden, dass selbst die frühesten Gesellschaften, die in irgendeiner Form von Steinarbeit verwöhnt sind . Petroglyphen (Auch Felsgravuren genannt) sind vielleicht die früheste Form: Bilder, die durch Entfernen eines Teils einer Felsoberfläche erzeugt werden, die übrig bleibt vor Ort, durch Einägeln, Picken, Schnitzen und Abrading. Monumentale Skulptur deckt große Arbeiten ab, und Architekturskulptur, die an Gebäude befestigt ist. Hardstone -Schnitzen ist das Schnitzen für künstlerische Zwecke von halbwichtig Steine ​​wie Jade, Achat, Onyx, Bergkristall, Sard oder Karneierund ein allgemeiner Begriff für ein auf diese Weise hergestelltes Objekt. Alabaster oder Mineral Gips ist ein weiches Mineral, das für kleinere Arbeiten leicht zu schnitzen ist und immer noch relativ langlebig ist. Gravierte Edelsteine sind kleine geschnitzte Edelsteine, einschließlich Cameos, ursprünglich verwendet als Siegelringe.

Das Kopieren einer Originalstatue in Stein, die für alte griechische Statuen, die fast alle aus Kopien bekannt sind, sehr wichtig war, wurde traditionell durch "Zeigen"Zusammen mit mehr Freihandmethoden. Zeigen beinhaltete das Einrichten eines Gitters von Saitenquadraten auf einem Holzrahmen, das das Original umgibt, und dann die Position des Gitters und den Abstand zwischen Gitter und Statue einer Reihe einzelner Punkte und dann zu verwenden, und dann verwenden Diese Informationen, um in den Block zu schnitzen, aus dem die Kopie hergestellt wird.[8]

Metall

Ludwig Gies, Gusseisen Plaquette, 8 x 9,8 cm,, Flüchtlinge1915

Bronze und die damit verbundenen Kupferlegierungen sind die ältesten und immer noch die beliebtesten Metalle für gießen Metallskulpturen; eine Besetzung Bronzeskulptur wird oft einfach als "Bronze" bezeichnet. Gemeinsame Bronzlegierungen haben die ungewöhnliche und wünschenswerte Eigenschaft, kurz vor ihrer Einstellung leicht zu expandieren, wodurch die besten Details einer Form ausgefüllt werden. Ihre Stärke und Mangel an Sprödigkeit (Duktilität) sind ein Vorteil, wenn Zahlen in Aktion geschaffen werden sollen, insbesondere im Vergleich zu verschiedenen Keramik oder Steinmaterialien (siehe Marmorskulptur für mehrere Beispiele). Gold ist das weichste und kostbarste Metall und sehr wichtig in Schmuck; mit Silber- Es ist weich genug, um mit Hämmern und anderen Werkzeugen und Besetzung bearbeitet zu werden. Repoussé und Verfolgungsjagd gehören zu den Techniken, die in Gold verwendet werden und Silversmithing.

Casting ist eine Gruppe von Herstellungsprozessen, durch die ein flüssiges Material (Bronze, Kupfer, Glas, Aluminium, Eisen) (normalerweise) in eine Form gegossen wird, die eine Hohlhöhle der gewünschten Form enthält und dann zu verfestigen ist. Das feste Gießen wird dann ausgeworfen oder ausgebrochen, um den Prozess abzuschließen.[9] Obwohl eine letzte Phase der "kalten Arbeit" auf der fertigen Besetzung folgen kann. Gießen kann verwendet werden, um heiße flüssige Metalle oder verschiedene Materialien zu bilden, die Kaltessatz Nach dem Mischen von Komponenten (wie z. Epoxis, Beton, Gips und Ton). Das Casting wird am häufigsten zur Herstellung komplexer Formen verwendet, die ansonsten schwierig oder unwirtschaftlich sind, um mit anderen Methoden herzustellen. Das älteste überlebende Casting ist ein kupfermesopotamischer Frosch von 3200 v. Chr.[10] Spezifische Techniken umfassen Casting verlorene Wachs, Gipsformguss und Sandguss.

Schweißen ist ein Prozess, bei dem verschiedene Metallstücke miteinander verschmolzen werden, um unterschiedliche Formen und Designs zu erzeugen. Es gibt viele verschiedene Formen des Schweißens, wie z. Oxy-Kraftstoffschweißen, Stabschweißen, MIG -Schweißen, und TIG -Schweißen. Oxy-Fuel ist wahrscheinlich die häufigste Schweißmethode, wenn es um die Erstellung von Stahlskulpturen geht, da es am einfachsten ist, den Stahl zu formen und saubere und weniger spürbare Verbindungen des Stahls herzustellen. Der Schlüssel zum Oxy-Brennstoffschweißen ist das Erhitzen jedes Metallstücks, das gleichmäßig verbunden werden soll, bis alle rot sind und einen Glanz haben. Sobald dieser Glanz auf jedem Stück ist, wird dieser Glanz bald zu einem "Pool", in dem das Metall verflikt und der Schweißer die Pools zum Verbinden bringen und das Metall verschmelzen. Nach dem Abkühlen ist der Ort, an dem sich die Pools verbinden, jetzt ein kontinuierliches Stück Metall. Auch in der Kreation der Skulpturen von Oxy-Brennern ist stark eingesetzt. Schmieden Ist das Erhitzen von Metall auf einen bestimmten Punkt, um es ausreichend zu erweichen, um in verschiedene Formen geformt zu werden. Ein sehr häufiges Beispiel ist das Erhitzen des Ende eines Stahlstabes und das Treff der roten erhitzten Spitze mit einem Hammer, während er auf einem Amboss einen Punkt bildet. Zwischen den Hammerschwankungen dreht der Fälscher die Stange und bildet allmählich einen geschärften Punkt vom stumpfen Ende einer Stahlstange.

Glas

Dale Chihuly, 2006, (Geplatztes Glas)

Glas Kann für eine Skulptur durch eine Vielzahl von Arbeitstechniken verwendet werden, obwohl die Verwendung von IT für große Arbeiten eine aktuelle Entwicklung ist. Es kann geschnitzt werden, wenn auch mit erheblichen Schwierigkeiten; die römische Lycurgus Cup ist so gut wie einzigartig.[11] Es gibt verschiedene Möglichkeiten von Glasscheibe: Heißes Gießen kann durch Schöpfen geschmolzenes Glas in Formen erfolgen, die durch Drücken von Formen in Sand, geschnitztes Graphit oder detaillierte Gips-/Siliciumdioxidformen hergestellt wurden. In Ofengussglas werden Glasbrocken in einem Ofen erwärmt, bis sie flüssig sind und in eine wartende Form im Ofen darunter fließen. Heißes Glas kann auch geblasen werden und/oder heiß mit Handwerkzeugen entweder als feste Masse oder als Teil eines geblasenen Objekts geformt. Neuere Techniken beinhalten Meißel- und Bindungsplattenglas mit Polymersiger und UV -Licht.[12]

Ein geschnitzter Holz Bodhisattva aus Chinas Lied Dynastie 960–1279, Shanghai Museum

Keramik

Weitere Informationen: Keramik § Formierungsmethoden

Keramik ist eines der ältesten Materialien für die Skulptur, und Ton ist das Medium, in dem viele im Metall gegossene Skulpturen ursprünglich zum Gießen modelliert werden. Bildhauer bauen oft kleine vorläufige Werke, die genannt werden Maquettes von kurzlebigen Materialien wie z. Gips, Wachs, unfeuer Ton, oder Plastilin.[13] Viele Kulturen haben Keramik produziert, die eine Funktion als Gefäß mit skulpturaler Form und klein kombiniert Figuren waren oft so beliebt wie in der modernen westlichen Kultur. Briefmarken und Formen wurden von den meisten alten Zivilisationen verwendet, von antikes Rom und Mesopotamien nach China.[14]

Holzschnitzen

Detail der Kreuzigung von Jesus Christus, Spanisch, Holz und Polychrom, 1793.

Holzschnitzen wurde extrem weit verbreitet, überlebt aber viel weniger gut als die anderen Hauptmaterialien und sind anfällig für Verfall, Insektenschäden und Feuer. Es bildet daher ein wichtiges verborgenes Element in der Kunstgeschichte vieler Kulturen.[3] Die Holzskulptur im Freien hält in den meisten Teilen der Welt nicht lange an, so dass wir wenig Ahnung haben, wie die Totempfahl Tradition entwickelt. Viele der wichtigsten Skulpturen Chinas und Japans sind insbesondere in Holz, und die große Mehrheit von Afrikanische Skulptur und das von Ozeanien und andere Regionen.

Holz ist leicht, so für Masken und andere Skulpturen geeignet, die getragen werden sollen, und kann sehr feine Details einnehmen. Es ist auch viel einfacher zu arbeiten als Stein. Es wurde nach dem Schnitzen sehr oft bemalt, aber die Farbe trägt weniger gut als das Holz und fehlt oft in überlebenden Teilen. Altholzes Holz wird oft technisch als "Holz und als Polychrom". Typischerweise eine Schicht von Gesso oder Gips wird auf das Holz aufgetragen, und dann wird die Farbe darauf aufgetragen.

Sozialer Status der Bildhauer

Nürnberg Bildhauer Adam Kraft, Selbstporträt von St. Lorenz Kirche, 1490er.

Weltweit waren Bildhauer normalerweise Handwerker, deren Arbeit nicht signiert ist. In einigen Traditionen zum Beispiel China, wo Skulptur das Prestige von nicht teilte Literati -GemäldeDies hat den Status der Skulptur selbst beeinflusst.[15] Selbst in Altes Griechenland, wo Bildhauer wie Phidias Wurde berühmt, sie scheinen den gleichen sozialen Status beibehalten zu haben wie andere Handwerker und vielleicht nicht viel mehr finanzielle Belohnungen, obwohl einige ihre Werke unterschrieben haben.[16] In dem Mittelalter Künstler wie das 12. Jahrhundert Gislebertus manchmal unterschrieben ihre Arbeit und wurde von verschiedenen Städten gesucht, insbesondere von der TRECENTO weiter in Italien, mit Zahlen wie z. Arnolfo di Cambio, und Nicola Pisano und sein Sohn Giovanni. Goldschmiede und Juweliere, die sich mit wertvollen Materialien befassen und oft als Banker verdoppeln, gehörten mächtig Gilden und hatte einen beträchtlichen Status und hielt oft ein Büroamt. Viele Bildhauer praktizierten auch in anderen Künsten; Andrea del Verrocchio auch gemalt und Giovanni Pisano, Michelangelo und Jacopo Sansovino war Architekten. Einige Bildhauer hatten große Workshops. Selbst in der Renaissance wurde die physische Natur der Arbeit von Leonardo da Vinci und anderen als den Status der Skulptur in den Künsten wahrgenommen, obwohl der Ruf von Michelangelo diese lang gehegte Idee vielleicht ausruht.

Von dem Hohe Renaissance Künstler wie Michelangelo, Leone Leoni und Giambologna Könnte wohlhabend und enzosen und in den Kreis der Fürsten eintreten, nach einer Zeit scharfer Argumentation über den relativen Status von Skulptur und Malerei.[17] Viel dekorative Skulpturen in Gebäuden blieben ein Handel, aber Bildhauer, die einzelne Stücke produzierten, wurden auf einer Ebene mit Malern erkannt. Ab dem 18. Jahrhundert oder der früheren Skulptur zog auch Studenten der Mittelklasse an, obwohl es langsamer war als das Malen. Die Bildhauerinnen waren länger als Frauen Maler und waren bis zum 20. Jahrhundert weniger prominent.

Anti-Skulpturbewegungen

Anikaonismus Ursprung von Judentum, was bis zum 19. Jahrhundert nicht die figurative Skulptur akzeptierte,[18] Vor dem Ausdehnen auf Christentum, die anfänglich große Skulpturen akzeptierte. Im Christentum und Buddhismus wurde die Skulptur sehr bedeutend. Christian Ostorthodoxie hat nie die monumentale Skulptur angenommen, und Islam hat konsequent fast alle figurativen Skulpturen abgelehnt, mit Ausnahme sehr kleiner Figuren in Reliefs und einigen tierischen Figuren, die eine nützliche Funktion erfüllen, wie die berühmten Löwen, die einen Brunnen in der stützen Alhambra. Viele Formen von Protestantismus Genehmigen Sie auch nicht religiöser Skulpturen. Es hat viel gegeben Bilderstürmerei der Skulptur für religiöse Motive, von den frühen Christen und der Beelddenstorm des Protestantische Reformation zur Zerstörung von 2001 der Buddhas von Bamyan bis zum Taliban.

Geschichte

Prähistorische Perioden

Europa

Venus of Hohle Fels (auch bekannt als die Venus von Schelklingen; ist ein Oberer Paläolithikum Venus -Figur Hewn aus Elfenbein von a Mammut- Stoßzahn gefunden im Jahr 2008 in der Nähe Schelklingen, Deutschland. Es ist vor 35.000 und 40.000 Jahren datiert, die zu Beginn gehören Aurignacian, am Anfang des Oberer Paläolithikum, was mit der angenommenen frühesten Anwesenheit von verbunden ist Homo sapiens in Europa (Cro-Magnon). Zusammen mit Löwenmensch, es ist das älteste unbestrittene Beispiel von Obere paläolithische Kunst und figurativ prähistorische Kunst Im Algemeinen.

Die frühesten unbestrittenen Beispiele der Skulptur gehören zur Aurignacian Kultur, das sich in Europa und Südwestasien befand und zu Beginn des Oberer Paläolithikum. Sowie einige der frühesten Bekannten produzieren HöhlenkunstDie Menschen dieser Kultur entwickelten fein gefertigte Steinwerkzeuge, Herstellungsanhänger, Armbänder, Elfenbeinperlen und Knochenflüsse sowie dreidimensionale Figuren.[19][20]

Die 30 cm hoch Löwenmensch In der Region Hohlenstein Stadel in Deutschland gefunden ist ein anthropomorph Löwenmenschen aus geschnitztem aus wolliges Mammut Elfenbein. Es wurde auf etwa 35–40.000 datiert BP, der es zusammen mit dem macht Venus of Hohle Fels, die ältesten bekannten unbestrittenen Beispiele für Skulpturen.[21]

Viel überlebt prähistorische Kunst ist kleine tragbare Skulpturen mit einer kleinen Gruppe von Frauen Venus -Figuren so wie die Venus von Willendorf (24–26.000 BP) in ganz Mitteleuropa gefunden.[22] Das Rentier schwimmen von vor etwa 13.000 Jahren ist einer der besten von einer Reihe von Magdalenianer Schnitzereien in Knochen oder Geweihen von Tieren in der Kunst des oberen Paläolithikums, obwohl sie von gravierten Stücken zahlenmäßig unterlegen sind, die manchmal als Skulptur eingestuft werden.[23] Zwei der größten prähistorischen Skulpturen finden Sie in der Tuc d'Audobert Höhlen In Frankreich, wo vor rund 12 bis 17.000 Jahren ein meisterhafter Bildhauer ein Spatel-ähnliches Steinwerkzeug und Finger verwendete, um ein Paar großer Bison in Ton gegen einen Kalksteingestein zu modellieren.[24]

Mit dem Beginn der Mesolithikum in Europa figurative Skulptur stark reduziert,[25] und blieb ein weniger häufiges Element in der Kunst als die Erleichterungsdekoration praktischer Objekte bis zur römischen Zeit, trotz einiger Werke wie dem Gundestrup Cauldron von dem Europäische Eisenzeit und die Bronzezeit Trundholm Sun Chariot.[26]

Altes Nahen Osten

Von dem Altes Nahen Osten, der Steingeiststein Urfa Mann von modern Truthahn kommt von ungefähr 9.000 v. Chr. Und die 'Ain Ghazal Statuen von ungefähr 7200 und 6500 v. Chr. Diese stammen aus der Moderne Jordanien, aus Kalkpflaster und Schilf und ungefähr halb lebensgroß; Es gibt 15 Statuen, einige mit zwei Köpfen nebeneinander und 15 Büsten. Kleine Tonfiguren von Menschen und Tieren werden an vielen Stellen im Nahen Osten von der gefunden Vorpotterischer Neolithikumund repräsentieren den Beginn einer mehr oder weniger kontinuierlichen Tradition in der Region.

Altes Nahen Osten

Hauptartikel: Kunst von Mesopotamien, Assyrische Skulptur, und Persische Kunst
Zylinderdichtung mit seinem Eindruck auf Ton; Serpopards und Eagles, Uruk Periode, 4100–3000 v. Chr.

Das Protolitikzeit in Mesopotamien, dominiert von Uruksah die Produktion hoch entwickelter Werke wie die Warka Vase und Zylinderdichtungen. Das Guennol Lioness ist ein hervorragender kleiner kleiner Kalkstein Figur von Elam von ungefähr 3000–2800 v. Chr., Teil menschlicher und teilser Löwin.[27] Wenig später gibt es eine Reihe von Figuren von großäugigen Priestern und Anbetern, hauptsächlich in Alabaster und bis zu einem Fuß hoch, der den Tempel besuchte Kultbilder der Gottheit, aber nur sehr wenige von diesen haben überlebt.[28] Skulpturen aus dem Sumerianer und Akkadian Die Periode hatte im Allgemeinen große, starrende Augen und lange Bärte auf den Männern. Viele Meisterwerke wurden auch auf dem Royal Cemetery bei gefunden Ur (um 2650 v. Chr.), einschließlich der beiden Zahlen von a Ram in einem Dickicht, das Kupferbull und ein Bullenkopf auf einem der Lyres von Ur.[29]

Aus den vielen nachfolgenden Perioden vor dem Aufstieg der Neo-Assyrischen Reich Im 10. Jahrhundert v. Chr. Überlebt die mesopotamische Kunst in einer Reihe von Formen: Zylinderdichtungen, relativ kleine Figuren in der Runde und Reliefs verschiedener Größen, einschließlich billiger Plaketten von geformten Keramik für das Haus, einige religiöse und einige scheinbar nicht.[30] Das Burney Erleichterung ist ungewöhnlich aufwändig und relativ groß (20 x 15 Zoll, 50 x 37 cm) Terrakotta Plakette einer nackten geflügelten Göttin mit den Füßen eines Beutevogels und den damit verbundenen Eulen und Löwen. Es kommt aus dem 18. oder 19. Jahrhundert v. Chr. Und kann auch geformt werden.[31] Stein Stelae, Votivangeboteoder diejenigen, die wahrscheinlich gegen Siege erinnern und Feste zeigen, stammen auch aus Tempeln, die im Gegensatz zu offiziellen Inschriften fehlen, die sie erklären würden.[32] das fragmentarische Stele der Geier ist ein frühes Beispiel für den eingeschriebenen Typ,[33] und der Assyrer Schwarzer Obelisk von Shalmaneser III. ein großer und fester spät.[34]

Die Eroberung des gesamten Mesopotamiens und viel umgebenden Gebiet benachbartes ägyptisches Reich. Im Gegensatz zu früheren Staaten konnten die Assyrer leicht aus dem Nordirak leicht geschnitzt werden, und dies taten dies in großer Menge. Die Assyrer entwickelten einen Stil von extrem große Systeme sehr fein detaillierter narrativer Reliefs in Stein für Paläste, mit Kriegsszenen oder Jagd; das Britisches Museum hat eine herausragende Sammlung, einschließlich der Löwe Jagd von Ashurbanipal und die Lachische Erleichterungen eine Kampagne zeigen. Sie produzierten in der Runde nur sehr wenig Skulptur, mit Ausnahme der kolossalen Schutzenfiguren des menschlichen Kopfs Lamassu, die auf zwei Seiten eines rechteckigen Blocks in hohem Relief in hohem Relief geformt sind, wobei die Köpfe effektiv in der Runde (und auch fünf Beine, so dass beide Ansichten vollständig erscheinen). Noch bevor sie die Region dominierten, hatten sie die Tradition der Zylindersiegel mit Designs fortgesetzt, die oft außergewöhnlich energisch und raffiniert sind.[35]

Antikes Ägypten

Thutmose, Büste von Nefertiti, 1345 v. Chr., Ägyptisches Museum von Berlin
Siehe auch: Kunst des alten Ägyptens und Amarna Art

Das monumentale Skulptur des alten Ägyptens ist weltberühmt, aber raffinierte und empfindliche kleine Werke existieren in viel größerer Zahl. Die Ägypter verwendeten die charakteristische Technik von versunkener Erleichterung, was gut für ein sehr helles Sonnenlicht geeignet ist. Die Hauptfiguren in Reliefs haften an derselben Figur -Konvent "Fäuste", um vom Boden zur Haarlinie auf der Stirn zu gehen.[36] Dies erscheint bereits der Narmer Palette Aus Dynastie I. wird jedoch dort, wie es an anderer Stelle, nicht für kleinere Figuren verwendet, die sich mit einer Aktivität wie den Gefangenen und Leichen befassen.[37] Andere Konventionen machen Statuen von Männern dunkler als Frauen. Sehr konventionalisierte Porträtstatuen erscheinen bereits vor 2.780 v. Chr. Aus Dynasty II.[38] und mit Ausnahme der Kunst der Amarna -Periode von Ahkenaten,[39] und einige andere Perioden wie Dynastie XII, die idealisierten Merkmale von Herrschern, wie andere ägyptische künstlerische Konventionen, veränderten sich bis nach der griechischen Eroberung wenig.[40]

ägyptisch Pharaonen wurden immer als Gottheiten angesehen, aber andere Gottheiten sind in großen Statuen viel seltener, außer wenn sie den Pharao repräsentieren wie eine andere Gottheit; Die anderen Gottheiten werden jedoch häufig in Gemälden und Reliefs gezeigt. Die berühmte Reihe von vier kolossalen Statuen außerhalb der Haupttempel in Abu Simbel jede Show Rameses II, ein typisches Schema, wenn auch außergewöhnlich groß.[41] Kleine Zahlen von Gottheiten oder deren tierische Personifikationen sind sehr häufig und sind in beliebten Materialien wie Töpferwaren enthalten. Die meisten größeren Skulpturen überlebt von Ägyptische Tempel oder Gräber; von Dynasty IV (2680–2565 v. Chr.) Zum letzten Mal die Idee des Ka -Statue wurde fest etabliert. Diese wurden in Gräber als Ruheplatz für die gestellt Ka Teil der SeeleUnd so haben wir eine gute Anzahl weniger konventionalisierter Statuen von wohlhabenden Administratoren und ihrer Frauen, viele in Holz als Ägypten sind einer der wenigen Orte der Welt, an denen das Klima es Holz über Jahrtausende überleben lässt. Die sogenannte Reserveköpfe, schlichte haarlose Köpfe sind besonders naturalistisch. Frühe Gräber enthielten auch kleine Modelle der Sklaven, Tiere, Gebäude und Objekte wie Boote Uschabti Zahlen.[42]

Europa

Altes Griechenland

Wagenlenker von Delphi, Altgriechisch Bronzeskulptur, 5. Jahrhundert v. Chr., Nahaufnahme Kopfdetails
Hauptartikel: Alte griechische Skulptur

Der erste charakteristische Stil von Alte griechische Skulptur entwickelt in der frühen Bronzezeit Zykladisch Periode (3. Jahrtausend v. Am typischsten ist eine stehende Pose mit vorne verschränkten Armen, aber andere Zahlen sind in verschiedenen Posen gezeigt, einschließlich einer komplizierten Figur eines Harfenkisten, der auf einem Stuhl sitzt.[43]

Das anschließende Minoaner und Mykenaer Kulturen entwickelten die Skulptur weiter unter Einfluss von Syrien und anderswo, aber im späteren Archaische Periode ab ca. 650 v. Chr. Das die Kouros aufgetreten. Dies sind große stehende Statuen von nackten Jugendlichen, die in Tempeln und Gräbern vorhanden sind, mit dem Kore als das gekleidete weibliche Äquivalent mit kunstvoll gekleidetem Haar; Beide haben das "archaisches Lächeln". Sie scheinen eine Reihe von Funktionen gedient zu haben, die vielleicht manchmal Gottheiten repräsentieren und manchmal die Person, die in einem Grab begraben ist, wie mit dem Kroisos Kouros. Sie sind eindeutig von ägyptischen und syrischen Stilen beeinflusst, aber die griechischen Künstler waren viel mehr bereit, im Stil zu experimentieren.

Während der griechischen Skulptur des 6. Jahrhunderts entwickelte sich rasant und wurde naturalistischer und mit viel aktiver und abwechslungsreichere Figuren in narrativen Szenen, obwohl sie immer noch in idealisierten Konventionen sind. Skulpturiert Pedimente wurden hinzugefügt zu Tempel, einschließlich der Parthenon In Athen, wo die Überreste des Giebels von rund 520 Zahlen in der Runde nach dem persischen Sack im Jahr 480 v. Chr. Zum Glück als Infill für neue Gebäude genutzt wurden und sich von den 1880er Jahren in frischem Understand erholten. Andere bedeutende Überreste der architektonischen Skulptur stammen aus Paestum in Italien, Korfu, Delphi und die Tempel der Aphaea in Aegina (Viel jetzt in München).[44] Die meisten griechischen Skulpturen enthielten ursprünglich zumindest einige Farbe; das NY Carlsberg Glyptotek Museum In Kopenhagen, Dänemark, hat die ursprünglichen Farben umfangreiche Forschung und Erholung durchgeführt.[45][46]

  • Cycladic statue 2700–2300 BCE. Head from the figure of a woman, H. 27 centimetres (11 in)

    Cycladic Statue 2700–2300 v. Chr. Gehen Sie aus der Figur einer Frau, H. 27 Zentimeter (11 Zoll)

  • Cycladic Female Figurine, c. 2500–2400 BCE, 41.5 cm (16.3 in) high

    Cyccladic Figurine, c. 2500–2400 v. Chr., 41,5 cm hoch

  • Mycenae, 1600−1500 BCE. Silver rhyton with gold horns and rosette on the forehead

    Mykene, 1600–1500 v. Chr. Silberrhyton mit goldenen Hörnern und Rosette auf der Stirn

  • Lifesize New York Kouros, c. 590–580 BCE, Metropolitan Museum of Art

    Lebenssesize New York Kouros, c. 590–580 v. Chr., Metropolitan Museum of Art

  • The "Naxian Sphinx" from Delphi, 570–560 BCE, the figure 222 cm (87 in) high

    Das "Naxier Sphinx" aus Delphi, 570–560 v. Chr., Abbildung 222 cm (87 Zoll) hoch

  • Peplos Kore, c. 530 BCE, Athens, Acropolis Museum

    Peplos Kore, c. 530 v. Chr., Athen, Akropolis Museum

Klassisch
Hoch klassisch hohe Erleichterung von der Elgin Murmeln, was ursprünglich die dekorierte Parthenon, c. 447–433 v. Chr

Es gibt weniger Originalreste aus der ersten Phase der klassischen Periode, die oft als die genannt werden Severe style; Freistehende Statuen wurden jetzt hauptsächlich in Bronze hergestellt, die immer als Schrott einen Wert hatten. Der schwere Stil dauerte rund 500 Reliefs, und kurz nach 480 Statuen bis zu 450. Die relativ starre Posen von Figuren entspannten sich und asymmetrische Wendepositionen und schräge Ansichten wurden üblich und suchten absichtlich ein. Dies wurde mit einem besseren Verständnis der Anatomie und der harmonischen Struktur der geformten Figuren und der Streben nach naturalistischer Repräsentation als Ziel kombiniert, das zuvor noch nicht vorhanden war. Ausgrabungen am Zeus -Tempel, Olympia Seit 1829 haben die größte Gruppe von Überresten von etwa 460 bekannt gegeben, von denen viele in der sind Louvre.[47]

Die "hochklassische" Zeit dauerte nur wenige Jahrzehnte von etwa 450 bis 400, hatte aber einen bedeutenden Einfluss auf die Kunst und behält trotz einer sehr eingeschränkten Anzahl von ursprünglichen Überlebenden ein spezielles Prestige bei. Die bekanntesten Werke sind die Parthenon Murmelntraditionell (seitdem Plutarch) von einem Team ausgeführt, das vom berühmtesten alten griechischen Bildhauer angeführt wird Phidias, aktiv von etwa 465 bis 425, der in seinem eigenen Tag berühmter für seine Kolossale war Chryselefantine Zeus -Statue bei Olympia (c. 432), einer der der Seven Wonders of the Ancient World, seine Athena Parthenos (438) das Kultbild der Parthenon, und Athena Promachos, eine kolossale Bronzefigur, die neben dem Parthenon stand; Alle diese sind verloren, sind aber aus vielen Darstellungen bekannt. Er wird auch als Schöpfer einiger lebensgroßer Bronzestatuen zugeschrieben, die nur aus späteren Kopien bekannt sind, deren Identifizierung umstritten ist, einschließlich der Ludovisi Hermes.[48]

Der hochklassische Stil entwickelte weiterhin Realismus und Raffinesse in der menschlichen Figur und verbesserte die Darstellung von Vorhängen (Kleidung), um die Auswirkungen aktiver Posen zu erhöhen. Die Gesichtsausdrücke waren in der Regel sehr zurückhaltend, selbst in Kampfszenen. Die Zusammensetzung von Gruppen von Figuren in Reliefs und auf Pedimenten kombinierte Komplexität und Harmonie auf eine Weise, die einen dauerhaften Einfluss auf die westliche Kunst hatte. Die Erleichterung könnte in der Tat sehr hoch sein, wie in der Parthenon -Illustration unten, wo der größte Teil des Kriegers vollständig vom Hintergrund abgelöst wird, ebenso wie die fehlenden Teile; Erleichterung Diese hohen Skulpturen unterliegen mehr Schaden.[49] Der späte klassische Stil entwickelte die freistehende weibliche Nacktstatue, angeblich eine Innovation von Praxiterund entwickelte immer komplexer und subtiler, die interessant waren, wenn sie aus einer Reihe von Winkeln sowie ausdrucksvolleren Gesichtern betrachtet wurden; Beide Trends sollten in der hellenistischen Phase viel weiter gehen.[50]

Hellenistisch
Der Pergamen -Stil der hellenistischen Periode aus dem Pergamon Altar, Anfang des 2. Jahrhunderts

Das Hellenistische Periode ist herkömmlich aus dem Tod von datiert Alexander der Große 323 v. Chr. Und entweder mit der endgültigen Eroberung des griechischen Kernlands von Rom 146 v. Chr. Oder mit der endgültigen Niederlage des letzten verbleibenden Nachfolgerstaates gegen Alexanders Reich nach dem Schlacht von Actium 31 v. Chr., was auch das Ende von markiert Republikanisches Rom.[51] Es ist also viel länger als die früheren Perioden und umfasst mindestens zwei Hauptphasen: einen "Pergamen" -Stil des Experimentierens, Überschwang und etwas Sentimentalität und Vulgarität sowie im 2. Jahrhundert v. Abgesehen von solchen Verallgemeinerungen ist die Datierung in der Regel sehr ungewiss, insbesondere wenn erst spätere Kopien bekannt sind, wie es normalerweise der Fall ist. Der anfängliche Pergamenstil war nicht besonders mit damit verbunden mit Pergamon, von dem es seinen Namen nimmt, aber die sehr wohlhabenden Könige dieses Staat Pergamon Altar deren Skulptur jetzt hauptsächlich in Berlin ist und was den neuen Stil veranschaulicht, ebenso wie das Mausoleum in Halicarnassus (ein weiterer der sieben Wunder), die Berühmten Laocoön und seine Söhne in dem Vatikan Museen, ein spätes Beispiel und das Bronze -Original von Die sterbenden Gallien (Illustriert oben), von dem wir wissen Ludovisi Gaul war auch eine Kopie. Die Gruppe nannte die Farnese BullMöglicherweise ist ein Marmor-Original des 2. Jahrhunderts immer noch größer und komplexer,[52]

Klein Griechische Terrakotta -Figuren waren sehr beliebt als Ornamente im Haushalt

Die hellenistische Skulptur erweiterte die Auswahl der dargestellten Themen, teilweise aufgrund eines größeren allgemeinen Wohlstands und der Entstehung einer sehr wohlhabenden Klasse, die große Häuser mit Skulptur dekoriert hatte, obwohl wir wissen, dass einige Beispiele für Themen, die am besten zu Hause geeignet zu sein scheinen, am besten geeignet zu sein scheinen wie Kinder mit Tieren wurden tatsächlich an Tempeln oder anderen öffentlichen Orten platziert. Für einen viel beliebteren Markt für Heimdekoration gab es Tanagra -Figurenund diejenigen aus anderen Zentren, in denen kleine Keramikfiguren im industriellen Maßstab produziert wurden, einige religiöse, andere, die Tiere und elegant gekleidete Damen zeigten. Bildhauer wurden technisch mehr in der Repräsentation von Gesichtsausdrücken, die eine Vielzahl von Emotionen und das Porträt der Individuen vermitteln sowie verschiedene Altersgruppen und Rassen darstellen. Die Reliefs aus dem Mausoleum sind in dieser Hinsicht ziemlich untypisch; Die meisten Arbeiten waren freistehend und Gruppenzusammensetzungen mit mehreren Zahlen in der Runde, wie die Laookoon Und die Pergamon -Gruppe, die den Sieg über die Gallier feierte, wurde populär, nachdem er schon einmal selten war. Das Barberini Faun, zeigen a Satyr Einschlafen, vermutlich nach dem Getränk, ist ein Beispiel für die moralische Entspannung der Zeit und die Bereitschaft, große und teure Skulpturen von Themen zu schaffen, die nicht dem Helden zurückgreifen.[53]

Nach den Eroberungen von Alexander Hellenistische Kultur war vor Gericht des größten Teils des Nahen Ostens und einige von einigen von einigen von Zentralasienund zunehmend von europäischen Eliten übernommen, insbesondere in Italien, wo Griechische Kolonien ursprünglich den größten Teil des Südens kontrolliert. Hellenistische Kunst und Künstler verbreiteten sich sehr weit und waren besonders einflussreich in der wachsenden römischen Republik und als sie in den östlichsten Erweiterungen des hellenistischen Gebiets den Buddhismus trafen. Die massiven sogenannten Alexander Sarkophag gefunden in Sidon Im modernen Libanon wurde dort wahrscheinlich zu Beginn der Zeit von Expatriate griechische Künstler für einen hellenisierten persischen Gouverneur hergestellt.[54] Der Reichtum dieser Zeit führte zu einer stark verstärkten Produktion von Luxusformen kleiner Skulpturen, einschließlich Gravierte Edelsteine und Kameen, Schmuck sowie Gold und Besteck.

Europa nach den Griechen

Römische Skulptur
Hauptartikel: Römische Skulptur
Abschnitt von Trajans Kolumne, CE 113, mit Szenen aus dem Dacian Wars

Die frühe römische Kunst wurde von der Kunst Griechenlands und der des Nachbarn beeinflusst Etrusker, selbst stark von ihren griechischen Handelspartnern beeinflusst. Eine etruskische Spezialität war fast lebensgroße Grabbildnisse in Terrakotta, normalerweise auf a Sarkophag Der Deckel stützte sich in dieser Zeit auf einem Ellbogen in der Pose eines Diner. Als expandierende Römische Republik begann, griechisches Territorium zu erobern, zunächst in Süditalien und dann in der gesamten hellenistischen Welt außer der Parthian Fernost, offiziell und Patrizier Die Skulptur wurde größtenteils zu einer Erweiterung des hellenistischen Stils, aus dem speziell römische Elemente schwer zu entwirren sind, zumal die griechische Skulptur nur in Kopien der römischen Zeit überlebt.[55] Bis zum 2. Jahrhundert v. Chr. Waren "die meisten in Rom arbeitenden Bildhauer" Griechisch,[56] oft in Eroberungen wie die von versklavt Korinth (146 v. Chr.) Und Bildhauer waren hauptsächlich Griechen, oft Sklaven, deren Namen sehr selten aufgezeichnet sind. Eine große Anzahl griechischer Statuen wurde nach Rom importiert, sei es als Beute oder Ergebnis von Erpressung oder Handel, und Tempel wurden oft mit wiederverwendeten griechischen Werken dekoriert.[57]

Ein einheimischer italienischer Stil ist in den Grabdenkmälen zu sehen, die sehr oft Porträtbüsten aus prosperierenden bürgerlichen Römern und Römer aussahen, und Porträtmalerei ist wohl die Hauptstärke der römischen Skulptur. Es gibt keine Überlebnisse aus der Tradition der Masken von Vorfahren, die in Prozessionen bei den Beerdigungen der großen Familien getragen und ansonsten im Haus ausgestellt wurden, aber viele der Büsten, die überleben Tomb of the Scipios oder die spätere Mausolea außerhalb der Stadt. Der berühmte Bronzekopf angeblich von Lucius Junius Brutus ist sehr unterschiedlich veraltet, aber als sehr seltenes Überleben des iktalischen Stils unter der Republik im bevorzugten Medium Bronze.[58] Ähnlich strenge und kraftvolle Köpfe sind auf Münzen der verstorbenen Republik und in den kaiserlichen Periodenmünzen sowie in Büsten, die um das Imperium geschickt werden, um in die zu platzieren Basilikas von Provinzstädten waren die Haupt visuelle Form der kaiserlichen Propaganda; eben Londinium hatte eine kolosale Statue von Nero, obwohl weit kleiner als der 30 Meter hohe High Koloss von Nero In Rom, jetzt verloren.[59]

Augustan Staat griechisch-römischer Stil auf der Ara Pacis, 13 v. Chr

Die Römer versuchten im Allgemeinen nicht, mit freistehenden griechischen Werken heldenhafter Exploits aus der Geschichte oder Mythologie zu konkurrieren, sondern produzierten von frühzeitlich historische Werke in Erleichterung, die im Großen gipfelten Römische Triumphsäulen mit kontinuierlichen narrativen Reliefs, die sich um sie kümmern, von denen diejenigen erinnern Trajan (CE 113) und Marcus Aurelius (bis 193) überleben in Rom, wo die Ara Pacis ("Altar of Peace", 13 v. Chr.) Repräsentiert den offiziellen griechisch-römischen Stil in seiner klassischsten und raffiniertesten. Unter anderem sind die früheren wiederverwendeten Reliefs auf der Bogen von Konstantin und die Basis der Säule von Antoninus Pius (161),[60] Campana Reliefs waren billigere Keramikversionen von Marmorreliefs und der Geschmack für Erleichterung wurde von der kaiserlichen Periode auf den Sarkophag ausgeweitet. Alle Formen von Luxusklassenkulpturen wurden weiterhin bevormundet, und Qualität könnte extrem hoch sein, wie im Silber Warren Cup, Glas Lycurgus Cupund große Kameen wie die Gemma Auguatea, Gonzaga Cameo und die "Großer Cameo von Frankreich".[61] Für einen viel größeren Teil der Bevölkerung, geformte Hilfsdekoration von Keramikschiffe und kleine Figuren wurden in großer Quantität und oft erhebliche Qualität hergestellt.[62]

Nach einer "Barock" -Phase des späten 2. Jahrhunderts, nach dem Ende des späten 2. Jahrhunderts,[63] Im 3. Jahrhundert wurde die römische Kunst weitgehend aufgegeben oder konnte sich in der klassischen Tradition einfach nicht produzieren, eine Veränderung, deren Ursachen weiterhin viel diskutiert werden. Selbst die wichtigsten kaiserlichen Denkmäler zeigten nun stumpfe, großäugige Figuren in einem harten Frontalstil, in einfachen Kompositionen, die die Macht auf Kosten der Gnade betonen. Der Kontrast wird berühmt in der dargestellt Bogen von Konstantin von 315 in Rom, das Abschnitte im neuen Stil mit kombiniert Runden im früheren vollen griechisch-römischen Stil von anderswo und der Vier Tetrarchen (c. 305) aus der neuen Hauptstadt von Konstantinopeljetzt in Venedig. Ernst Kitzinger In beiden Denkmälern die gleichen "stumpfen Proportionen, Winkelbewegungen, eine Reihenfolge von Teilen durch Symmetrie und Wiederholung und eine Darstellung von Merkmalen und Drapierfalten durch Einschnitte und nicht modellieren ... Das Markenzeichen des Stils besteht, wo immer er erscheint, aus einer nachdrücklichen Härte , Schwere und Winkelität - kurz gesagt, eine fast vollständige Ablehnung der klassischen Tradition ".[64]

Diese Stilrevolution ging in Kürze der Zeit voraus, in der Christentum wurde vom römischen Staat und der großen Mehrheit der Menschen verabschiedet, was zum Ende einer großen religiösen Skulptur führte und große Statuen, die jetzt nur für Kaiser verwendet wurden. Reiche Christen beauftragten jedoch weiterhin Erleichterungen für Sarcophagi, wie in der Sarkophag von Junius Bassusund eine sehr kleine Skulptur, insbesondere in Elfenbein, wurde von Christen fortgesetzt und baute auf dem Stil des Konsularisttychon.[65]

Frühes Mittelalter und byzantinisch
Silbermonster auf einem Chap, Schottisch oder angelsächsische, St. Ninian's Isle Treasure, c. 800?
Das Gero Kreuz, c. 965–970, Köln, Deutschland. Das erste große Beispiel für die Wiederbelebung der großen Skulptur

Das Frühe Christen waren gegen monumentale religiöse Skulpturen, obwohl sie römische Traditionen in Porträtbüsten fortsetzten und Sarkophag Reliefs sowie kleinere Objekte wie der konsularische Diptychon. Solche Objekte, oft in wertvollen Materialien, waren auch die wichtigsten skulpturalen Traditionen (soweit bekannt) der barbarische Zivilisationen des Migrationsperiode, wie in den Objekten zu sehen ist, die im Bestattungsschatz des 6. Jahrhunderts gefunden wurden Sutton Hoound der Schmuck von Scythian Art und der hybride Christ und der hybride Christ und Tierstil Produktionen von Inselkunst. Folgt der anhaltenden byzantinischen Tradition, Karolingische Kunst Wiederbelebte Elfenbeinschnitzen, oft in Panels für die Schatzbindungen von Grand Beleuchtete Manuskripte, ebenso gut wie Crozier Köpfe und andere kleine Armaturen.

Byzantinische KunstObwohl hervorragende Elfenbeinreliefs und architektonische dekorative Schnitzereien produziert, kehrte sie nie in die monumentale Skulptur oder sogar viel kleiner Skulptur in der Runde zurück.[66] Im Westen während der Karolinger und Ottonisch Perioden Es gab die Anfänge einer Produktion von monumentalen Statuen in Gerichten und großen Kirchen. Dies breitete sich allmählich aus; Bis zum späten 10. und 11. Jahrhundert gibt es Aufzeichnungen über mehrere scheinbar lebensgroße Skulpturen in Anglo-Sachse Kirchen, wahrscheinlich von kostbarem Metall um einen Holzrahmen, wie der Goldene Madonna von Essen. Kein angelsächsisches Beispiel hat überlebt,[67] und Überlebensdaten einer großen nichtarchitekturalen Skulptur von vor 1.000 sind außergewöhnlich selten. Vieles ist das Beste Gero Kreuzvon 965–970, was a ist Kruzifix, was offensichtlich die häufigste Art von Skulptur war; Karl der Große hatte einen in der eingerichtet Palatinkapelle in Aachen Rund 800. Diese wurden immer beliebter, insbesondere in Deutschland und Italien. Das Runensteine des nordisch Welt, die Pictish Stones von Schottland und möglicherweise der Hochkreuz Reliefs christlicher Großbritannien waren nordkulpturale Traditionen, die die Zeit der Christianisierung überbrückten.

Romanik
Hauptartikel: Romanische Kunst
Das Brunswick Lion, 1166, das erste große hohle Gießen einer Figur seit der Antike, 1,78 Meter hoch und 2,79 Meter lang

Ab 1000 gab es in ganz Europa eine allgemeine Wiedergeburt der künstlerischen Produktion, angeführt von allgemeinem Wirtschaftswachstum in Produktion und Handel und dem neuen Stil von Romanische Kunst war der erste mittelalterliche Stil, der in ganz Westeuropa verwendet wurde. Die neuen Kathedralen und Pilgerkirchen wurden zunehmend mit architektonischen Steinreliefs dekoriert, und neue Fokussierungen für Skulpturen, wie die, wie die Tympanum über Kirchentüren im 12. Jahrhundert und die Bewohner Hauptstadt mit Figuren und oft narrativen Szenen. Hervorragende Abteikirchen mit Skulptur umfassen in Frankreich Vézelay und Moissac und in Spanien Silos.[68]

Die romanische Kunst war sowohl in Skulptur als auch in der Malerei durch einen sehr kräftigen Stil gekennzeichnet. Die Hauptstädte von Säulen waren nie aufregender als in dieser Zeit, als sie oft mit kompletten Szenen mit mehreren Figuren geschnitzt wurden.[69] Der große Holz Kruzifix war zu Beginn des Zeitraums eine deutsche Innovation, ebenso wie freistehende Statuen der thronten Madonna, aber die hohe Erleichterung war vor allem der skulpturale Modus der Zeit. Die Kompositionen hatten normalerweise wenig Tiefe und mussten flexibel sein, um sich in die Formen der Hauptstädte und in Kirchentypen zu drücken. Die Spannung zwischen einem dicht umschließenden Rahmen, aus dem die Komposition manchmal entkommt, ist ein wiederkehrendes Thema in der romanischen Kunst. Die Zahlen variierten in Bezug auf ihre Wichtigkeitsporträt immer noch häufig in der Größe.

Das Schrein der drei Könige in Kölner Dom.

Objekte in kostbaren Materialien wie Elfenbein und Metall hatten in dieser Zeit einen sehr hohen Status, viel mehr als die monumentale Skulptur-wir kennen die Namen von mehr Herstellern dieser als Maler, Illuminatoren oder Architektenmasons. Metallarbeiten, einschließlich Dekoration in Emaille, wurde sehr raffiniert, und viele spektakuläre Schreine, die für Relikte überlebt haben, von denen das bekannteste ist Schrein der drei Könige in der Kölner Kathedrale durch Nicholas von Verdun. Die Bronze Gloucester Candlestick und die Messing -Schriftart von 1108–17 jetzt in Liège sind hervorragende Beispiele, sehr unterschiedlich im Stil, das Metallguss, der ehemalige hochkarätige und energiegeladene, auf das Manuskriptmalerei stützt, während die Schriftart den Mosan -Stil in seiner klassischsten und majestätischen Seite zeigt. Die Bronzetüren, eine triumpale Säule und andere Ausstattung bei Hildesheim Kathedrale, das Gniezno -Türenund die Türen der Basilika di San Zeno in Verona sind andere wesentliche Überlebende. Das aquamanil, ein Behälter für Wasser zum Waschen, scheint im 11. Jahrhundert in Europa eingeführt worden zu sein und nahm oft fantastisch an Zoomorph Formen; Überlebende Beispiele sind hauptsächlich in Messing. Viele Wachsimpressionen von beeindruckenden Siegel überleben Chartas und Dokumente, obwohl romanische Münzen im Allgemeinen nicht von großem ästhetischem Interesse sind.[70]

Das Kreuzfahrer kreuzen sich ist ungewöhnlich groß Elfenbein Kruzifix, mit komplexen Schnitzen, einschließlich vielen Figuren von Propheten und andere, die einem der relativ wenigen Künstler zugeschrieben wurden, deren Name bekannt ist, Meister Hugo, der auch Manuskripte beleuchtete. Wie viele Stücke war es ursprünglich teilweise gefärbt. Das Lewis Chessmen sind gut erhaltene Beispiele für kleine Elfenbein Croziers, Plaques, Brustkreuze und ähnliche Objekte.

gotisch
Hauptartikel: Gothic Art
Französische Elfenbein Jungfrau und Kind, Ende des 13. Jahrhunderts, 25 cm hoch, geschwungen, um die Form des Elfenbeintusks anzupassen

Die gotische Periode wird im Wesentlichen durch definiert durch gotische Architekturund passt nicht ganz zur Entwicklung des Stils in der Skulptur in seinem Start oder Ende. Die Fassaden großer Kirchen, insbesondere um Türen, hatten weiterhin große Typen, aber auch Reihen von geformten Figuren, die sich um sie herum verbreiten. Die Statuen auf dem westlichen (königlichen) Portal um Chartres Kathedrale (c. 1145) Zeigen Sie eine elegante, aber übertriebene säulenförmige Dehnung, aber die im Süden Querschiff Das Portal von 1215 bis 1220 zeigt einen naturalistischeren Stil und eine zunehmende Ablösung von der Mauer hinterher und ein gewisses Bewusstsein für die klassische Tradition. Diese Trends wurden im West -Portal fortgesetzt Reims Kathedrale Von einigen Jahren später, wo die Figuren fast in der Runde sind, wurde es üblich, als gotische Verbreitung in ganz Europa üblich wurde.[71]

In Italien Nicola Pisano (1258–1278) und sein Sohn Giovanni entwickelte einen Stil, der oft genannt wird Proto-Renaissancemit unverkennbarem Einfluss von römischem Sarkophag und raffinierten und überfüllten Kompositionen, einschließlich eines sympathischen Umgangs mit Nacktheit, in Reliefschemen auf ihrem Kanzel der Siena -Kathedrale (1265–68), das Fontana Maggiore in Perugiaund Giovanni's Kanzel in Pistoia von 1301.[72] Eine weitere Wiederbelebung des klassischen Stils ist in der gesehen Internationale Gotik Arbeit von Claus Sluter und seine Anhänger in Burgund und Flandern Um 1400.[73] Die späte gotische Skulptur setzte sich im Norden fort, mit einer Mode für sehr große, hölzerne, geformte Altarpiees mit zunehmend virtuosen Schnitzerei und großen zahlreichen ausdrucksstarken Figuren; Die meisten überlebenden Beispiele sind in Deutschland nach viel ikonoklasmus an anderer Stelle. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss und andere setzten den Stil bis weit in das 16. Jahrhundert fort und nahmen allmählich italienische Renaissance -Einflüsse ab.[74]

Lebensgroße Grabbildnisse in Stein oder Alabaster wurde populär für die wohlhabenden und Grand Multi-Level-Gräber, die sich mit dem entwickelten Skaligere Gräber von Verona So groß, dass sie außerhalb der Kirche bewegt werden mussten. Bis zum 15. Jahrhundert exportierte Branchen Nottingham alabaster Altar -Reliefs in Gruppen von Panels über einen Großteil Europas für wirtschaftliche Gemeinden, die sich keine Steinregierungen leisten konnten.[75] Kleine Schnitzereien für einen hauptsächlich lagigen und oft weiblichen Markt wurden zu einer beträchtlichen Industrie in Paris und einigen anderen Zentren. Arten von Elfenbein beinhalteten kleine Andacht Polyptychen, Einzelfiguren, insbesondere der Jungfrau, Spiegelkämme, Kämme und aufwändige Schatullen mit Szenen aus Romanzen, verwendet als Engagement.[76] Die sehr wohlhabenden gesammelten extravagant kunstvollen juwelenisierten und emaillierten Metallarbeiten, sowohl weltlich als auch religiös, wie die Duc de Berry's Holy Thorn ReliquaryBis sie Geld nicht mehr gingen, als sie für Bargeld wieder geschmolzen wurden.[77]

Renaissance

Michelangelo, Pietà, 1499
Michelangelo, Das Grab von Papst Julius II., c. 1545 mit Statuen von Rachel und Leah links und rechts von ihm Moses
Hauptartikel: Skulptur in der Renaissance -Periode und Italienische Renaissance -Skulptur

Renaissanceskulptur wird oft mit dem berühmten Wettbewerb um die Türen der Florence Taufen 1403, aus dem die vom Gewinner eingereichten Testmodelle, Lorenzo Ghiberti, und Filippo Brunelleschi überleben. Ghibertis Türen sind noch vorhanden, waren aber zweifellos von seinem zweiten Paar für den anderen Eingang, das sogenannte, verdunkelt Tore des Paradieses, das ihn von 1425 bis 1452 führte und schillernd zuversichtlich ist, um Kompositionen mit unterschiedlichen Erleichterungen zu klassifizieren, die ausführliche Hintergründe ermöglichen.[78] In den dazwischenliegenden Jahren hatte Ghibertis frühen Assistent Donatello sich mit wegweisenden Statuen einschließlich seiner entwickeln Davids in Marmor (1408–09) und Bronze (1440er) und seine Reitstatue von Gattamelatasowie Erleichterungen.[79] Eine führende Figur in der späteren Zeit war Andrea del Verrocchio, bekannt für seine Reiterstandbild von Bartolomeo Colleoni in Venedig;[80] Sein Schüler Leonardo da Vinci entwarf 1482 eine Pferdeskulptur Das Pferd zum MailandEs gelang es aber nur gelungen, ein 24-Fuß-Lehmmodell zu machen, das 1499 von französischen Bogenschützen zerstört wurde, und seine anderen ehrgeizigen skulpturalen Pläne wurden nie abgeschlossen.[81]

Die Periode war durch eine starke Steigerung der Skulptur des Staates für öffentliche Kunst und durch die Reichen für ihre Häuser geprägt. Besonders in Italien bleibt die öffentliche Skulptur ein entscheidendes Element für das Erscheinungsbild historischer Stadtzentren. Die Skulptur der Kirche bewegte sich größtenteils innen, als außerhalb öffentlicher Denkmäler üblich wurden. Porträtskulptur, normalerweise in Büsten, wurde in Italien um 1450 mit dem populären Neapolitaner Francesco Laurana spezialisiert auf junge Frauen in meditativen Posen, während Antonio Rossellino und andere zeigten häufiger mit knobblem Gesicht, aber auch kleine Kinder.[82] Das Porträt Medaille erfunden von Pisanello Auch oft dargestellte Frauen; Hilfe Plaquetten waren eine weitere neue kleine Form der Skulptur in Gussmetall.

Michelangelo war ein aktiver Bildhauer von etwa 1500 bis 1520 und seine großen Meisterwerke, einschließlich seiner David, Pietà, Mosesund Stücke für die Grab von Papst Julius II. und Medici -Kapelle konnte von nachfolgenden Bildhauern nicht ignoriert werden. Sein legendärer David (1504) hat eine Contrapposto Pose, entlehnt von der klassischen Skulptur. Es unterscheidet sich von früheren Darstellungen des Subjekts darin, dass David vor seinem Kampf gegen Goliath und nicht nach der Niederlage des Riesen dargestellt wird. Anstatt als Siegerin zu sehen, wie Donatello und Verocchio getan hatten, sieht David angespannt aus und schlägt bereit.[83]

Manierist

Adriaen de Vries, Quecksilber und Psyche Northern Manierist lebensgroße Bronze, die 1593 für Rudolf II., Heiliger römischer Kaiser.
Hauptartikel: Manierismus

Wie in der Malerei, frühes Italiener Manierist Die Skulptur war sehr weitgehend ein Versuch, einen originellen Stil zu finden, der die Errungenschaft des Hohe Renaissance, was in der Skulptur im Wesentlichen Michelangelo bedeutete und ein Großteil des Kampfes, dies zu erreichen Piazza della Signoria in Florenz neben Michelangelo's David. Baccio Bandinelli übernahm das Projekt von Herkules und Cacus vom Meister selbst, aber es war kaum beliebter als jetzt und böswillig verglichen von Benvenuto Cellini zu "einen Sack Melonen", obwohl es einen lang anhaltenden Effekt bei der Einführung von Reliefschirmen auf dem hatte Sockel zum ersten Mal von Statuen. Wie andere Werke von ihm und anderen Manieristen entfernt es weitaus mehr des ursprünglichen Blocks als Michelangelo.[84] Cellinis Bronze Perseus mit dem Kopf der Medusa ist sicher DavidS von Michelangelo und Donatello.[85] Ursprünglich ein Goldschmied, sein berühmtes Gold und sein Emaille Salzstreuer (1543) war seine erste Skulptur und zeigt sein Talent von seiner besten Seite.[86] Wie diese Beispiele zeigen, erweiterte die Periode den Bereich der säkularen Probanden für große Werke außerhalb der Porträts, wobei mythologische Figuren besonders bevorzugt wurden. Zuvor waren diese hauptsächlich in kleinen Werken gefunden worden.

Kleine Bronzefiguren für Sammler Schränke, oft mythologische Themen mit Akten, waren eine beliebte Renaissance -Form, bei der Giambologna, ursprünglich flämisch Aber in Florenz, hervorragend im späteren Teil des Jahrhunderts und schuf auch lebensgroße Skulpturen, von denen zwei der Sammlung in der Piazza della Signoria angeschlossen wurden. Er und seine Anhänger entwickelten elegante, längliche Beispiele der Figura Serpentinataoft von zwei miteinander verflochtenen Figuren, die aus allen Winkeln interessant waren.[87]

Barock und Rococo

Hauptartikel: Barockskulptur
Gian Lorenzo Bernini, Apollo und Daphne in dem Galleria Borghese, 1622–1625

In der Barockskulptur nahmen Gruppen von Figuren eine neue Bedeutung an, und es gab eine dynamische Bewegung und Energie menschlicher Formen - sie lösten sich um einen leeren zentralen Wirbel oder griffen nach außen in den umgebenden Raum. Die Barockskulptur hatte oft mehrere ideale Betrachtungswinkel und reflektierte eine allgemeine Fortsetzung der Renaissance, die sich von der in der Runde geschaffenen Relief zur Skulptur entfernen und in der Mitte eines großen Raum Fontana dei Quattro Fiumi (Rom, 1651) oder die in der Gardens of Versailles waren eine Barockspezialität. Das Barock- Der Stil war perfekt zur Skulptur geeignet, mit Gian Lorenzo Bernini die dominierende Zahl des Alters in Werken wie z. Die Ekstase von St. Theresa (1647–1652).[88] Viel Barockskulptur fügte extra-skulpturale Elemente hinzu, zum Beispiel, versteckte Beleuchtung oder Wasserbrunnen oder eine fusionierte Skulptur und Architektur, um ein transformatives Erlebnis für den Betrachter zu schaffen. Künstler sahen sich wie in der klassischen Tradition, bewunderten sich aber Hellenistisch und später die römische Skulptur und nicht die der "klassischeren" Perioden, wie sie heute gesehen werden.[89]

Das Protestantische Reformation brachte in weiten Teilen Nordeuropas einen fast totalen Stopp in die religiöse Skulptur und obwohl säkulare Skulpturen, insbesondere für Porträtbüsten und Grabdenkmäler, fuhr fort, die Niederländisches goldenes Zeitalter hat keine signifikante skulpturale Komponente außerhalb Goldmut.[90] Teilweise in direkter Reaktion war Skulptur in genauso prominenter römischer Katholizismus Wie im späten Mittelalter. Statuen der Herrscher und der Adel wurden immer beliebter. Im 18. Jahrhundert wurde viel Skulptur auf Barocklinien fortgesetzt - der Trevi -Brunnen wurde erst 1762 fertiggestellt. Rokoko Stil war besser für kleinere Werke geeignet und fand wohl seine ideale skulpturale Form in Frühes europäisches Porzellan, und Innenarchitekturschemata in Holz oder Gips wie denen in französischen Haushaltsinnen und in den Französisch -Innenräumen und Österreichische und bayerische Pilgerkirchen.[91]

Neoklassisch

Hauptartikel: Neoklassische Skulptur
Antonio Canova: Psyche wurde durch den Kuss der Liebe wiederbelebt, 1787

Das Neoklassisches Stil Das kam im späten 18. Jahrhundert auf die Skulptur. Jean-Antoine Houdon Beispiele für die durchdringende Porträtskulptur, die der Stil erzeugen kann, und Antonio CanovaNudes der idealistische Aspekt der Bewegung. Die neoklassische Zeit war eines der großen Altersgruppen der öffentlichen Skulptur, obwohl es sich bei den "klassischen" Prototypen eher römische Kopien hellenistischer Skulpturen handelte. In der Skulptur sind die bekanntesten Vertreter der Italiener Antonio Canova, der Engländer John Flaxman und die Dane Bertel Thorvaldsen. Die neoklassische europäische Art und Weise ergriff auch in den Vereinigten Staaten, wo ihr Höhepunkt etwas später auftrat und in den Skulpturen von veranschaulicht wird Hiram Powers.

Asien

Griechisch-buddhistische Skulptur und Asien

Eine der ersten Darstellungen des Buddha, 1. bis 2. Jahrhundert n. Chr., Gandhara
Hauptartikel: Greco-Buddhist Art

Greco-Buddhist Art ist die künstlerische Manifestation von Griechen-Buddhismus, ein kultureller Synkretismus zwischen den Klassisches Griechisch Kultur und Buddhismus, die sich über einen Zeitraum von fast 1000 Jahren in Zentralasien entwickelte, zwischen den Eroberungen von Alexander dem Großen Im 4. Jahrhundert v. Chr. Und die islamischen Eroberungen des 7. Jahrhunderts n. Chr. Die griechisch-buddhistische Kunst zeichnet sich durch den starken idealistischen Realismus der hellenistischen Kunst und die ersten Darstellungen des Buddha in menschlicher Form gekennzeichnet, die dazu beigetragen haben, den künstlerischen (und insbesondere skulpturalen) Kanon für buddhistische Kunst im gesamten asiatischen Kontinent bis heute zu definieren. Obwohl die Datierung ungewiss ist, scheint es, dass im Osten einige Jahrhunderte stark hellenistische Stile im Osten verweilen, nachdem sie im Mittelmeer im 5. Jahrhundert n. Chr. Einige Aspekte der griechischen Kunst wurden übernommen, während sich andere nicht über den griechisch-buddhistischen Gebiet hinausbreiten. Insbesondere die stehende Figur, oft mit einer entspannten Pose und einem Bein gebeugt und den fliegenden Amors oder Siegen, die in ganz Asien als beliebt wurden Apsaras. Die griechische Laubdekoration war ebenfalls einflussreich mit indischen Versionen der Korinthische Hauptstadt erscheinen.[92]

Die Ursprünge der griechisch-buddhistischen Kunst sind im Hellenistik zu finden Griechisch-bactrianisches Königreich (250–130 v. Chr.) In der heutigen Stelle befindet sich Afghanistan, von denen die hellenistische Kultur in die ausstrahlte Indischer Subkontinent mit der Gründung der kleinen Indo-griechischer Königreich (180–10 v. Chr.). Unter dem Indo-Griechen und dann die KushansDie Wechselwirkung der griechischen und buddhistischen Kultur blühte im Bereich von Gandhara, in der heutigen nördlichen Pakistan, bevor sie sich weiter nach Indien ausbreiteten und die Kunst von beeinflussen Mathuraund dann die Hindu- Kunst der Gupta Empire, die sich auf den Rest Südostasiens erstrecken sollte. Der Einfluss der griechisch-buddhistischen Kunst breitete sich ebenfalls nach Norden in Richtung Zentralasien, stark beeinflussen die Kunst der Tarim Basin und die Dunhuang -Höhlenund letztendlich die geformte Figur in China, Korea und Japan.[93]

China

Hauptartikel: Chinesische Kunst, Chinesische Keramik, Lackwaren, und Chinesische Jade
Sitzend Bodhisattva Guanyin, Holz und Pigment, 11. Jahrhundert, Nordlied -Dynastie.

Chinese ritual bronzes von dem Shang und Western Zhou -Dynastien kommen aus einer Zeit von über tausend Jahren ab c. 1500 v. Chr. Und haben einen anhaltenden Einfluss auf Chinesische Kunst. Sie werden mit komplex gemusterten und gegossenen Zoomorph Dekoration, aber vermeiden Sie die menschliche Figur, im Gegensatz zu den riesigen Figuren erst kürzlich entdeckt bei Sanxingdui.[94] Das spektakuläre Terracotta Armee wurde für das Grab von versammelt Qin Shi HuangDer erste Kaiser eines einheitlichen China von 221 bis 210 v. Chr. Als große imperiale Version der Figuren, die lange in Gräber platziert wurden, damit der Verstorbene den gleichen Lebensstil im Jenseits wie lebendig genießen kann, wodurch tatsächliche Opfer in sehr frühen Perioden ersetzt werden. Kleinere Figuren in Töpferwaren oder Holz wurden danach über viele Jahrhunderte in Gräber gestellt, wobei sie einen Qualitätsspitzenpeak in erreichten Tang Dynastie Grabfiguren.[95] Die Tradition ungewöhnlich großer Keramikfiguren hielt in China durch Tang an sancai Grabfiguren zu späteren buddhistischen Statuen wie dem fast lebensgroßen Satz von Yixische glasierte Keramik Luohans und spätere Figuren für Tempel und Gräber. Diese ersetzten frühere Äquivalente in Holz.

Einheimische chinesische Religionen verwenden normalerweise keine Kultbilder von Gottheiten oder repräsentieren sie sogar, und eine große religiöse Skulptur ist fast alle buddhistisch, die hauptsächlich vom 4. bis zum 14. Jahrhundert ausgehen und zunächst griechisch-buddhistische Modelle verwenden, die über die ankommen Seidenstraße. Der Buddhismus ist auch der Kontext aller großen Porträtskulpturen; Insgesamt wurden im mittelalterlichen China sogar Bilder des Kaisers als privat angesehen. Imperiale Gräber haben spektakuläre Annäherungswege, die mit realen und mythologischen Tieren auf einer Skala übereinstimmen, und kleinere Versionen dekorieren Tempel und Paläste.[96]

Kleine buddhistische Figuren und Gruppen wurden in einer Reihe von Medien zu einer sehr hohen Qualität hergestellt,[97] Wie war die Erleichterungsdekoration aller Arten von Objekten, insbesondere in Metallarbeiten und Jade.[98] In den früheren Perioden wurden große Mengen Skulpturen aus dem lebenden Felsen in Pilgerhöhlenkomplexen und als draußen geschnitten Felsreliefs. Diese wurden meist ursprünglich gemalt. In bemerkenswertem Gegensatz zu Literaten Maler, Bildhauer aller Art wurden als Handwerker angesehen und nur sehr wenige Namen werden aufgezeichnet.[99] Von dem Ming-Dynastie Weiter wurden Statuetten religiöser und säkularer Figuren erzeugt in Chinesisches Porzellan und andere Medien, die zu einem wichtigen Export wurden.

Japan

Siehe auch: Japanische Kunst, Japanische Skulptur, und Liste der nationalen Schätze Japans (Skulpturen)
Nara Daibutsu, c. 752, Nara, Japan

Gegen Ende des langen neolithisch Jōmon -Periode, etwas Keramikschiffe wurden mit extravaganten Erweiterungen des Randes "flammenrangt", die nur als Skulptur bezeichnet werden können,[102] und sehr stilisierte Keramik Dogū Es wurden Figuren erzeugt, viele mit den charakteristischen "Schnee-" -augen. Während der Kofunperiode des 3. bis 6. Jahrhunderts n. Chr., Haniwa Terrakotta -Figuren von Menschen und Tieren in einem simplen Stil wurden außerhalb wichtiger Gräber errichtet. Die Ankunft des Buddhismus im 6. Jahrhundert brachte anspruchsvolle Traditionen in der Skulptur mit, die chinesischen Stile über Korea vermittelt wurden. Das 7. Jahrhundert Hōryū-ji und sein Inhalt hat intakter als jeder ostasiatische buddhistische Tempel seines Datums mit Werken einschließlich a Shaka Trinity von 623 in Bronze, der den historischen Buddha zeigt, der von zwei Bodhisattvas und auch der flankiert wurde Guardian Kings der vier Richtungen.[103]

Jōchō soll einer der größten buddhistischen Bildhauer nicht nur in sein Heian Periode aber auch in der Geschichte buddhistischer Statuen in Japan. Jōchō definierte die Körperform der Buddha -Statuen neu, indem er die Technik von "Yosegi Zukuri" (寄木 造り 造り 造り 造り 造り 造り 造り 造り 造り 造り 造り 造り 造り 造り 造り 造り 造り) hat Der friedliche Ausdruck und die anmutige Figur der Buddha -Statue, dass er einen japanischen Stil der Skulptur von Buddha -Statuen beendete, namens "Jōchō yō" (Jōchō -Stil, 定朝 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 様 jōchō yō hat. Seine Leistung erhöhte dramatisch den sozialen Status von BUSSHI (Buddhistischer Bildhauer) in Japan.[104]

In dem Kamakura -Periode, das Minamoto Clan etablierte die Kamakura Shogunate und die Samurai Die Klasse regierte Japan zum ersten Mal praktisch. Jochos Nachfolger, Bildhauer der Kei School von buddhistischen Statuen, die realistische und dynamische Statuen geschaffen wurden, um den Geschmack von Samurai zu entsprechen, und die japanische buddhistische Skulptur erreichten ihren Höhepunkt. Unkei, Kaikei, und Tankei waren berühmt und machten viele neue Buddha -Statuen in vielen Tempeln wie Kofuku-ji, wo viele Buddha -Statuen in Kriegen und Bränden verloren gegangen waren.[105]

Fast alle nachfolgenden bedeutenden großen Skulpturen in Japan waren mit einigen buddhist Schintoismus Die Äquivalente und nach dem Abfall des Buddhismus in Japan im 15. Jahrhundert wurde die monumentale Skulptur weitgehend architektonische Dekoration und weniger bedeutend.[106] Die skulpturale Arbeit in der dekorativen Künste wurde jedoch zu einem bemerkenswerten technischen Leistungsniveau und Verfeinerung in kleinen Objekten wie z. Inro und Netsuke in vielen Materialien und Metall tosogu oder Japanische Schwertmontage. Im 19. Jahrhundert gab es Exportindustrien kleiner Bronzeskulpturen extremer Virtuosität, Elfenbein- und Porzellanfiguren sowie anderen Arten kleiner Skulpturen, die zunehmend technische Leistung betonen.

  • 'Flame-style' vessel, Neolithic Jōmon period; c. 2750 BCE; earthenware with carved and applied decoration; height: 61 cm, diameter: 55.8 cm

    Gefäß im Flammstil, neolithisch Jōmon -Periode; c. 2750 v. Chr.; Erdgeschirr mit geschnitzter und angewandter Dekoration; Höhe: 61 cm, Durchmesser: 55,8 cm

  • Dogū with "snow-goggle" eyes, 1000–400 BCE

    Dogū mit "Schnee-Goggle" -Egen, 1000–400 v. Chr.

  • 6th-century haniwa figure

    6. Jahrhundert Haniwa Zahl

  • Kongo Rishiki (Guardian Deity) at the Central Gate of Hōryū-ji

    Kongo Rishiki (Schutzengottheit) am zentralen Tor von Hōryū-ji

  • Priest Ganjin (Jianzhen), Nara period, 8th century

    Priester Ganjin (Jianzhen), Nara -Periode, 8. Jahrhundert

  • Taishakuten Śakra, 839, Tō-ji

    Taishakuten Śakra, 839, Tō-ji

  • Dainichi Nyorai by Unkei, 1176, at Enjō-ji

    Dainichi Nyorai durch Unkei, 1176, bei Enjō-ji

  • Tsuba sword fitting with a "Rabbit Viewing the Autumn Moon", bronze, gold and silver, between 1670 and 1744

    Tsuba Schwert, die mit einem "Kaninchen sehen den Herbstmond", Bronze, Gold und Silber, zwischen 1670 und 1744

  • Izumiya Tomotada, netsuke in the form of a dog, late 18th century

    Izumiya Tomotada, Netsuke in Form eines Hundes, Ende des 18. Jahrhunderts

  • Eagle by Suzuki Chokichi, 1892, Tokyo National Museum

    Eagle von Suzuki Chokichi, 1892, Tokio National Museum

  • Yamada Chōzaburō, Wind God in repoussé iron, c. 1915

    Yamada Chōzaburō, Windgott in Repoussé Eisen, c. 1915

Indischer Subkontinent

Siehe auch: Skulptur in Südasien, Liste der Felsen-Tempel in Indien, und Skulptur Bangladeschs
Hindu- Gupta Terrakotta Erleichterung, 5. Jahrhundert n. Chr. Von, von Krishna Den Pferdedämon töten Keshi

Das erste bekannte Skulptur auf dem indischen Subkontinent ist von der Indus -Tal -Zivilisation (3300–1700 v. Chr.), Gefunden in Standorten an Mohenjo-daro und Harappa im heutigen Tag Pakistan. Dazu gehören die Berühmten kleine Bronze -Tänzer und die sogenannten Priesterking. Solche Figuren in Bronze und Stein sind jedoch selten und stark von Keramikfiguren und Steinsiegeln, oft von Tieren oder Gottheiten, die sehr fein abgebildet sind. Nach dem Zusammenbruch der Indus -Valley -Zivilisation gibt es bis zur buddhistischen Ära kaum eine Skulptur, abgesehen von einem Hort von Kupferfiguren (etwas kontrovers) c. 1500 v. Chr. Von Daimabad.[107] So scheint die große Tradition der indischen monumentalen Skulptur in Stein im Verhältnis zu anderen Kulturen und der Entwicklung der indischen Zivilisation relativ spät mit der Regierungszeit von der indischen Zivilisation zu beginnen Asoka von 270 bis 232 v. Chr. Und die Säulen von Ashoka Er errichtete in Indien, trug seine Edikte und wurde von berühmten Skulpturen von Tieren, hauptsächlich Löwen, übertroffen, von denen sechs überleben.[108] Große Mengen an figurativer Skulpturen, hauptsächlich in Erleichterung Sanchi; Diese entwickelten sich wahrscheinlich aus einer Tradition mit Holz, die ebenfalls umarmte Hinduismus.[109]

Der rosa Sandstein Hindu, Jain und buddhistische Skulpturen von Mathura Vom 1. bis 3. Jahrhundert spiegelte CE sowohl indische traditionelle Traditionen als auch die westlichen Einflüsse wider, die durch die griechisch-buddhistische Kunst von Gandhara empfangen wurden, und stellte die Grundlage für die nachfolgende indische religiöse Skulptur effektiv fest.[109] Der Stil wurde durch den größten Teil Indiens unter dem entwickelt und verbreitet Gupta Empire (c. 320–550) was bleibt a "klassische" Zeit für die indische Skulptur, die frühere abdecken Ellora -Höhlen,[110] obwohl die Elephanta Höhlen sind wahrscheinlich etwas später.[111] Die spätere groß angelegte Skulptur bleibt fast ausschließlich religiös und im Allgemeinen eher konservativ und kehrt oft zu einfachen Frontalständigen für Gottheiten zurück, obwohl die damit verbundenen Geister wie Apsaras und Yakshi Oft sinnlich geschwungene Posen haben. Das Schnitzen ist oft sehr detailliert, wobei eine komplizierte Unterstützung hinter der Hauptfigur mit hoher Erleichterung ist. Die berühmten Bronzen der Chola Dynastie (ca. 850–1250) aus Südindien, von denen viele für Prozessionen entwickelt werden, umfassen die ikonische Form von Shiva wie Nataraja,[112] mit den massiven Granitschnitzereien von Mahabalipuram Datierung aus dem vorherigen Pallava Dynastie.[113]

Südostasien

9. Jahrhundert Khmer Sturz

Die Skulptur der Region ist in der Regel durch ein hohes Grad an Ornaments gekennzeichnet, wie in den großen Denkmälern von Hindu und Buddhisten zu sehen ist Khmer Skulptur (9. bis 13. Jahrhundert) bei Angkor Wat und anderswo der riesige buddhistische Komplex aus dem 9. Jahrhundert bei Borobudur in Javaund die hinduistischen Denkmäler von Bali.[114] Beide umfassen viele Reliefs sowie Zahlen in der Runde; Borobudur verfügt über 2.672 Hilfstafeln, 504 Buddha-Statuen, viele halbversetzt in offenen Arbeiten Stupasund viele große Wächterfiguren.

In Thailand und Laos war die Skulptur hauptsächlich von Buddha Bilderoft vergoldet, sowohl groß für Tempel als auch Klöster und kleine Figuren für Privathäuser. Traditionelle Skulptur in Myanmar tauchte vor dem auf Bagan -Periode. Wie anderswo in der Region sind die meisten Holzskulpturen der Bagan- und AVA -Perioden verloren gegangen.

Traditionell Anitist Skulpturen aus den Philippinen werden von anitistischen Designs dominiert, die das verwendete Medium und die Kultur widerspiegeln, während sie durch die Umgebungen hervorgehoben werden, in denen solche Skulpturen normalerweise aufgestellt werden. Christliche und islamische Skulpturen der Philippinen haben unterschiedliche Motive im Vergleich zu anderen christlichen und islamischen Skulpturen an anderer Stelle. In späteren Zeiträumen dominierte der chinesische Einfluss in Vietnam, Laos und Kambodscha, und mehr Holzskulptur überlebt aus der gesamten Region.

Islam

Elfenbein mit Farbspuren, 11. und 12. Jahrhundert, Ägypten

Islam ist Bekannt anikonischso ist die überwiegende Mehrheit der Skulptur Arabeske Dekoration in Erleichterung oder offener Arbeit, basierend auf Gemüsemotiven, aber zu geometrischen abstrakten Formen. Sehr früh Mshatta -Fassade (740s), jetzt hauptsächlich in BerlinEs gibt Tiere in den dichten Arabesken in hoher Erleichterung, und in Verbindung mit Tieren und Männern, die hauptsächlich mit niedrigem Relief mit Dekoration in vielen späteren Stücken in verschiedenen Materialien, einschließlich Metallarbeiten, Elfenbein und Keramik, befinden.[115]

Tierezahlen in der Runde waren oft für Werke in privaten Kontexten akzeptabel, wenn das Objekt eindeutig praktisch war, daher enthält die mittelalterliche islamische Kunst viele Metalltiere, die es sind Aquamaniles, Weihrauch Brenner oder Anhänger für Brunnen, wie in den Steinlöwen, die den berühmten in der unterstützen Alhambra, der in der größten mittelalterlichen islamischen Tierfigur bekannt ist, die, die Pisa Griffin. Ebenso Luxus Hardstone -Schnitzereien wie Dolchkörper und Tassen können als Tiere gebildet werden, insbesondere in Mogulkunst. Der Grad der Akzeptanz solcher Entspannungen strenger islamischer Regeln variiert zwischen Perioden und Regionen mit Islamisches Spanien, Persien und Indien führen oft Entspannung und sind in höflicher Kontexte in der Regel am höchsten.[116]

Afrika

Maske von Gabon
Zwei Chiwara c. Ende des 19. Jahrhunderts, Anfang des 19. Jahrhunderts, Kunstinstitut von Chicago. Weiblich (links) und männliche vertikale Stile

In der Vergangenheit wurde mit Ausnahme einer monumentalen ägyptischen Skulptur die meisten afrikanischen Skulpturen in Holz und anderen organischen Materialien geschaffen, die vor einigen Jahrhunderten nicht überlebt haben. Ältere Keramikzahlen stammen aus einer Reihe von Bereichen. Masken sind wichtige Elemente in der Kunst vieler Völker, zusammen mit menschlichen Figuren, die oft stark stilisiert sind. Es gibt eine Vielzahl von Stilen, die häufig im gleichen Kontext des Ursprungs je nach Verwendung des Objekts variieren, aber breite regionale Trends sind sichtbar. Die Skulptur ist am häufigsten unter "Gruppen besiedelter Kultivierende in den Gebieten, die von der ausgelöst werden Niger und Kongo -Flüsse"In Westafrika.[117] Direkte Bilder von Gottheiten sind relativ selten, insbesondere für religiöse Zeremonien, insbesondere Masken. Heute sind viele für Touristen als "Flughafenkunst" gemacht.[118] Afrikanische Masken hatten Einfluss auf die Europäer Modernist Kunst, die von ihrer mangelnden Sorge um die naturalistische Darstellung inspiriert war.

Das Nubier Königreich Kush Im modernen Sudan befand sich in enger und oft feindlicher Kontakt mit Ägypten und produzierte monumentale Skulptur, die hauptsächlich im Norden von Stilen der Stile abgeleitet wurden. In Westafrika stammen die frühesten bekannten Skulpturen aus der NOK -Kultur die zwischen 500 und 500 CE in modernen Nigeria gedieh, mit Tonfiguren typischerweise mit länglichen Körpern und Winkelformen. Spätere westafrikanische Kulturen entwickelten Bronze -Casting für Erleichterungen, um Paläste wie das berühmte zu dekorieren Benin Bronzesund sehr feine naturalistische königliche Köpfe aus der Umgebung Yoruba Stadt von Ife in Terrakotta und Metall vom 12. bis 14. Jahrhundert. Akan Goldgewichte sind eine Form von kleinen Metallskulpturen, die im Zeitraum 1400–1900 produziert werden, einige repräsentieren sich anscheinend Sprichwörter und so mit einem narrativen Element, das in der afrikanischen Skulptur selten selten, umfasste Royal Regalia beeindruckende goldene Skulpturelemente.[119]

Viele westafrikanische Persönlichkeiten werden in religiösen Ritualen verwendet und werden häufig mit Materialien beschichtet, die für zeremonielle Angebote aufgestellt werden. Das Mande-Sprechende Völker derselben Region machen Holzstücke mit breiten, flachen Oberflächen und Armen und Beinen sind wie Zylinder geformt. In Zentralafrika umfassen die wichtigsten Unterscheidungsmerkmale jedoch herzförmige Gesichter, die nach innen gekrümmt sind und Muster von Kreisen und Punkten anzeigen.

Populationen in der Afrikanische Große Seen sind nicht für ihre Skulptur bekannt.[117] Ein Stil aus der Region sind jedoch Polkulpturen, die in menschlichen Formen geschnitzt und mit geometrischen Formen dekoriert sind, während die Oberteile mit Figuren von Tieren, Menschen und verschiedenen Objekten geschnitzt sind. Diese Pole werden also neben Gräbern platziert und mit dem Tod und der Ahnenwelt verbunden. Die Kultur, die bekannt ist aus Großartiger Simbabwe ließ beeindruckendere Gebäude als Skulptur, aber die acht Seifenstein Simbabwe Vögel scheinen eine besondere Bedeutung gehabt zu haben und wurden auf montiert Monolithen. Moderne simbabwische Bildhauer in Seifenstein haben erreicht beträchtlicher internationaler Erfolg. Die ältesten bekannten Tonfiguren des südlichen Afrikas stammen von 400 bis 600 n.

  • Nok terracotta, 6th century BCE–6th century CE

    Nok Terrakotta, 6. Jahrhundert v. Chr. - 6. Jahrhundert n. Chr.

  • Ife head, terracotta, probably 12–14th centuries CE

    Ife Kopf, Terrakotta, wahrscheinlich vom 12. bis 14. Jahrhundert CE

  • Yoruba bronze head sculpture, Ife, Nigeria c. 12th century

    Yoruba Bronzekopfskulptur, Ife, Nigeria c. 12. Jahrhundert

  • Sculpture of a 'Queen Mother' from Benin, 16th century.

    Skulptur einer "Königinmutter" aus Benin, 16. Jahrhundert.

  • 16th-century ivory mask from Benin

    18. Jahrhundert Elfenbeinmaske von Benin

  • One of the Benin Bronzes, 16th–18th century, Nigeria.

    Einer der Benin Bronzes, 16. bis 18. Jahrhundert, Nigeria.

  • Mask from Burkina Faso, 19th century

    Maske von Burkina Faso, 19. Jahrhundert

  • Mambila figure, Nigeria

    Mambila Figur, Nigeria

Äthiopien und Eritrea

Weitere Informationen: Äthiopische Kunst und Lalibela Kreuz

Die Schaffung von Skulpturen in Äthiopien und Eritrea kann mit den Königreichen von auf seine alte Vergangenheit zurückgeführt werden Dschrift und Aksum. Christliche Kunst wurde in Äthiopien mit der Bekehrung von gegründet Heidentum zu Christentum Im 4. Jahrhundert n. Chr. Während der Regierungszeit von König Ezana von Axum.[120] Christliche Bilder dekorierten Kirchen während der Frittiezeit und späteren Epochen.[121] Zum Beispiel bei Lalibela, lebensgroß Heilige wurden in die Kirche von BET Golgotha ​​geschnitzt; Durch Tradition wurden diese während der Regierungszeit der Zagwe Lineal Gebre Mesqel Lalibela Im 12. Jahrhundert, aber sie wurden im 15. Jahrhundert während der Solomonische Dynastie.[122] Allerdings die Kirche von Saint George, Lalibela, eines von mehreren Beispielen von Rock -Cut -Architektur In Lalibela mit komplizierten Schnitzereien wurde im 10. bis 13. Jahrhundert erbaut, wie durch die Archäologie nachgewiesen.[123]

Sudan

Weitere Informationen: Nubische Pyramiden

Im Alter SudanDie Entwicklung der Skulptur erstreckt sich von der einfachen Töpferei der Kerma Kultur ab 2500 v. Chr. Bis zur monumentalen Statuen und Architektur der Architektur der Königreich Kush, seine letzte Phase - die Meroitische Zeit- Abgabe von rund 350 n. Chr.[124][125] Über die Kerma -Kultur hinaus stellte die Kerma -Kultur auch Möbel her, die Skulpturen enthielten, wie goldene Rinderhänge als Beine der Betten.[124] Die Skulptur während des Königreichs Kush umfasste Statuen in voller Größe (insbesondere von Königen und Königinnen), kleinere Figuren (am häufigsten darstellende königliche Diener) und Reliefs in Stein, die von der zeitgenössischen alten ägyptischen skulpturalen Tradition beeinflusst wurden.[126][127]

Die Amerikaner

Siehe auch: Skulptur der Vereinigten Staaten, Bildende Künste von indigenen Völkern Amerikas, Präkolumbianische Kunst, Nordwestküste Kunst, und Inuit Art

Skulptur in dem heutigen Lateinamerika, das in zwei getrennten und unterschiedlichen Bereichen entwickelt wurde, Mesoamerica im Norden und Peru im Süden. In beiden Gebieten war die Skulptur anfangs aus Stein und später aus Terrakotta und Metall als Zivilisationen in diesen Bereichen wurden technologisch kompetenter.[128] Das Mesoamerikanische Region produzierte mehr monumentale Skulptur aus den massiven blockartigen Werken der Olmec und Toltec Kulturen, zum hervorragenden Tiefst Erleichterungen das charakterisieren die Maya- und aztekisch Kulturen. In der Andenregion waren die Skulpturen in der Regel klein, zeigen aber oft hervorragende Fähigkeiten.

Präkolumbianer

Nordamerika

St James Panel, von Retabel in Cristo Rey Church, Santa Fe, New Mexico, c. 1760

In Nordamerika wurde Holz nach geformt Totem Pfahl, Masken, Utensilien, Kriegskanus und eine Vielzahl anderer Verwendungen mit unterschiedlichen Variationen zwischen verschiedenen Kulturen und Regionen. Die am besten entwickelten Stile sind die der der der Pazifische Nordwestküste, wo eine Gruppe von aufwändigen und hochstilisierten formalen Stilen die Grundlage einer Tradition bildete, die bis heute andauert. Zusätzlich zu den berühmten Totemstangen, gestrichen und geschnitzt Hausfronten wurden durch geschnitzte Pfosten von innen und außen sowie von Leichenfiguren und anderen Gegenständen ergänzt. Unter den Inuit Im hohen Norden werden traditionelle Schnitzstile in Elfenbein und Speisestein noch fortgesetzt.[129]

Die Ankunft der europäischen katholischen Kultur passte die lokalen Fähigkeiten leicht an die vorherrschenden Fähigkeiten an Barock- Stil, enorm aufwändig produzieren Retablos und andere hauptsächlich kirchliche Skulpturen in einer Vielzahl von Hybridstilen.[130] Das berühmteste Beispiele in Kanada ist das Altargebiet der Notre Dame Basilica in Montreal, Quebec, das von Bauern geschnitzt wurde Häuser Arbeiter. Später folgten Künstler, die in der westlichen akademischen Tradition ausgebildet waren Churrigueresque. Die Völker der Aborigines adaptierten auch die Skulptur der Kirche bei Variationen auf Zimmermann Gothic; Ein berühmtes Beispiel ist das Kirche des Heiligen Kreuzes in Skookumchuck Hot Springs, British Columbia.

Die Geschichte von Skulptur in den Vereinigten Staaten Nach der Ankunft der Europäer spiegelt die Stiftung des Landes aus dem 18. Jahrhundert in der Stiftung des Landes wider in römisch republikanische bürgerliche Werte und Protestantisches Christentum. Im Vergleich zu Gebieten, die durch die Spanier kolonisiert wurden, hatte die Skulptur einen äußerst langsamen Start in den britischen Kolonien, wobei die Skulptur in den Kirchen so gut wie kein Platz in den Kirchen gekommen ist, und wurde nur durch die Notwendigkeit gegeben, die Nationalität nach der Unabhängigkeit zu behaupten. Die amerikanische Skulptur des Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts war oft klassisch, oft romantisch, zeigte jedoch einen dramatischen, narrativen, fast journalistischen Realismus. Öffentliche Gebäude im letzten Viertel des 19. Jahrhunderts und in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts boten häufig eine architektonische Umgebung für Skulpturen, insbesondere in der Erleichterung. In den 1930er Jahren die Internationaler Stil von Architektur und Design und Art Deco gekennzeichnet durch die Arbeit von Paul Manship und Lee Lawrie und andere wurden populär. In den 1950er Jahren würde die traditionelle Skulpturerziehung fast vollständig durch a ersetzt werden Bauhaus-inflused Sorge um abstrakt Entwurf. Minimalistisch Die Skulptur ersetzte die Figur in öffentlichen Umgebungen und Architekten hörten fast vollständig auf, Skulpturen in oder in ihren Entwürfen zu verwenden. Moderne Bildhauer (21. Jahrhundert) verwenden sowohl klassische als auch abstrakt inspirierte Designs. Ab den 1980er Jahren gab es einen Rückblick in die figurative öffentliche Skulptur; Bis 2000 waren viele der neuen öffentlichen Stücke in den Vereinigten Staaten im Entwurf bildend.

Umzug in Richtung moderner Kunst

19. - frühes 20. Jahrhundert, frühe Moderne und anhaltender Realismus

Edgar Degas, Kleiner Tänzer von vierzehn Jahren, 1922 aus a gemischte Medien Skulptur modelliert c. 1879–80, Bronze, teilweise getönt, mit Baumwolle

Moderner Klassizismus in vielerlei Hinsicht mit der klassischen Skulptur des 19. Jahrhunderts, die durch Verpflichtungen zum Naturalismus gekennzeichnet war (Antoine-Louis Barye) - der melodramatische (François unhöflich) Sentimentalität (Jean-Baptiste Carpeaux) - oder eine Art stattliche Grandiosität (Lord Leighton). Es wurden verschiedene Richtungen in der klassischen Tradition als das Jahrhundert angenommen, aber das Studium des lebenden Modells und der Post-Renaissance-Tradition war für sie immer noch grundlegend.Auguste Rodin war der bekannteste europäische Bildhauer des frühen 20. Jahrhunderts.[131][132] Er wird oft als skulptural angesehen Impressionist, ebenso wie seine Schüler, einschließlich Camille Claudel, und Hugo RheinholdVersuch, einen flüchtigen Moment des gewöhnlichen Lebens zu modellieren. Der moderne Klassizismus zeigte ein geringeres Interesse am Naturalismus und ein größeres Interesse an formaler Stylisierung. Die Rhythmen von Volumina und Räumen wurden größere Aufmerksamkeit geschenkt-sowie größere Aufmerksamkeit für die kontrastierenden Eigenschaften von Oberflächen (offen, geschlossen, planar, gebrochen usw.), während weniger Aufmerksamkeit auf die Erzählungen und überzeugende Details der Anatomie oder des Kostüms geschenkt wurde . Der psychologischen Wirkung wurde mehr Beachtung als der physische Realismus geschenkt, und Einflüsse aus früheren Stilen weltweit wurden verwendet.

Zu den frühen Meistern des modernen Klassizismus gehörten: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Konstantin Brâncuși. Im Laufe des Jahrhunderts wurde der moderne Klassizismus als nationaler Stil der beiden großen europäischen totalitären Reiche übernommen: Nazi Deutschland und Soviet Russland, der das Werk früherer Künstler wie Kolbe und mit Wilhelm Lehmbruck in Deutschland[133] und Matveyev in Russland. In den 70 Jahren der UdSSR wurden neue Generationen von Bildhauern in ihrem System ausgebildet und ausgewählt, und ein ausgeprägter Stil. Sozialistischer Realismusentwickelt, die zum Schwerpunkt des 19. Jahrhunderts auf Melodrama und Naturalismus zurückkehrte.

Die klassische Ausbildung wurde 1970 in Westeuropa (und Amerika) aus der Kunstausbildung verwurzelt, und die klassischen Varianten des 20. Jahrhunderts wurden in der Geschichte der Moderne marginalisiert. Der Klassizismus wurde jedoch bis 1990 als Grundlage für Kunstbildung in den sowjetischen Akademien fortgesetzt und bildete eine Grundlage für ausdrucksstarke figurative Kunst in ganz Osteuropa und Teilen des Nahen Ostens. Bis 2000 erwartet die klassische europäische klassische Tradition die Öffentlichkeit, wartet jedoch auf eine Bildungstradition, um ihre zeitgenössische Entwicklung wiederzubeleben.

Einige der modernen Klassik wurden entweder dekorativer/Art -Deco (Paul Manship, Jose de Creeft, Carl Milles) oder abstrakter stilisierter oder ausdrucksstärker (und gotisch) (Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) - oder wandte sich mehr an die Renaissance (Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) oder gleich bleiben (Charles Despiau, Marcel Gimond).

Modernismus

Gaston Lachaise, Schwebende Figur 1927, Bronze, Nr. 5 aus einer Ausgabe von 7,, National Gallery of Australia
Hauptartikel: Moderne Skulptur

Modernist Zu den Skulpturenbewegungen gehören Kubismus, Geometrische Abstraktion, De stijl, Suprematismus, Konstruktivismus, Dadaismus, Surrealismus, Futurismus, Formalismus, Abstrakter Expressionismus, Pop-Art, Minimalismus, Land Kunst, und Installationskunst unter anderen.

Henry Moore, Große Liegefigur1984 (basierend auf einem kleineren Modell von 1938), Fitzwilliam Museum, Cambridge
David Smith, Kubi VI, (1963), Israel Museum, Jerusalem.

In den frühen Tagen des 20. Jahrhunderts,, Pablo Picasso revolutionierte die Kunst der Skulptur, als er anfing, seine zu erschaffen Konstruktionen Gestellt durch Kombination unterschiedlicher Objekte und Materialien in ein konstruiertes Stück Skulptur; das skulpturale Äquivalent der Collage in zweidimensionaler Kunst. Das Aufkommen von Surrealismus führte dazu, dass Dinge gelegentlich als "Skulptur" beschrieben wurden, die nicht so weit gewesen wäre, wie "unfreiwillige Skulptur" in mehreren Sinnen, einschließlich Coulage. In späteren Jahren wurde Picasso produktiv Töpfer, führt, mit Interesse an historischen Keramik aus der ganzen Welt, zu einer Wiederbelebung von Keramikkunst, mit Zahlen wie George E. Ohr und folglich Peter Voulkos, Kenneth Price, und Robert Arneson. Marcel Duchamp entstanden die Verwendung des "Objekt gefunden"(Französisch: Objet Trouvé) oder Readymade mit Stücken wie z. Brunnen (1917).

In ähnlicher Weise die Arbeit von Konstantin Brâncuși Zu Beginn des Jahrhunderts ebnete der Weg für eine spätere abstrakte Skulptur. In Revolte gegen den Naturalismus von Rodin und seinen Zeitgenossen des späten 19. Jahrhunderts destillierten Themen, die von den elegant verfeinerten Formen seiner illustrierten Themen seinesdachten Vogel im Raum Serie (1924).[134]

Brâncușis Wirkung mit seinem Wortschatz der Reduktion und Abstraktion ist in den 1930er und 1940er Jahren zu beobachten und von Künstlern wie z. Gaston Lachaise, Sir Jacob Epstein, Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González, Pablo Serrano, Jacques Lipchitz[135] und in den 1940er Jahren wurde die abstrakte Skulptur beeinflusst und erweitert von Alexander Calder, Len Lye, Jean tinguely, und Frederick Kiesler Wer waren Pioniere von Kinetische Kunst.

Modernistische Bildhauer haben den enormen Boom in der öffentlichen Kunst weitgehend verpasst, die sich aus der Nachfrage nach resultieren Kriegsdenkmäler Für die beiden Weltkriege, aber ab den 1950er Jahren wurden die öffentlichen und in Auftrag gegebenen Stellen mit modernistischer Skulptur und großen öffentlichen Kommissionen sowohl abstrakt als auch figurativ gemeinsam. Picasso wurde beauftragt, eine zu machen Maquette Für eine riesige 50-Fuß-Skulptur von 50 m), die sogenannte öffentliche Skulptur Chicago Picasso (1967). Sein Design war mehrdeutig und etwas umstritten, und was die Figur darstellt, ist nicht klar; Es könnte ein Vogel, ein Pferd, eine Frau oder eine völlig abstrakte Form sein.

In den späten 1950er und 1960er Jahren experimentierten abstrakte Bildhauer mit einer Vielzahl neuer Materialien und unterschiedlicher Ansätze zur Schaffung ihrer Arbeit. Surrealistische Bilder, anthropomorphe Abstraktion, neue Materialien und Kombinationen neuer Energiequellen und unterschiedlicher Oberflächen und Objekte wurden für viel neue modernistische Skulptur charakteristisch. Kooperative Projekte mit Landschaftsarchitekten, Architekten und Landschaftsarchitekten erweiterten den Standort im Freien und die Kontextintegration. Künstler wie Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois, Philip Pavia und Louise Nevelson kam, um das Aussehen der modernen Skulptur zu charakterisieren.

In den 1960er Jahren Abstrakter Expressionismus, Geometrische Abstraktion und Minimalismus, was die Skulptur auf seine wichtigsten und grundlegendsten Merkmale reduziert. Einige Werke dieser Zeit sind: The Cubi Works of David Smith und die geschweißten Stahlwerke von Sir Anthony Caro, ebenso gut wie geschweißte Skulptur durch eine große Vielfalt von Bildhauern die groß angelegte Arbeit von John Chamberlainund Umweltinstallationsskala funktioniert von Mark di Suvero. Andere Minimalisten sind Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin, Carl Andre, und John Safer Wer fügte dem Thema Reinheit der Linie Bewegung und Monumentalität hinzu.[136]

In den 1960er und 1970er Jahren wurde die figurative Skulptur modernistischer Künstler in stilisierten Formen von Künstlern wie hergestellt, z. Leonard Baskin, Ernest Trova, George Segal, Marisol Escobar, Paul Thek, Robert Graham in einem klassischen artikulierten Stil und Fernando Botero Die übergroßen Figuren seines Gemäldes in monumentale Skulpturen bringen.

Galerie der modernistischen Skulptur

Zeitgenössische Bewegungen

Christo und Jeanne-Claude, Regenschirme 1991, Japan[137]
Gerät, um das Böse auszulösen (1997) Skulptur von Dennis Oppenheim bei
Palma de Mallorca, Plaça de la Porta de Santa Catalina

Standortspezifisch und Umweltkunst Werke werden von Künstlern dargestellt: Andy Goldsworthy, Walter de Maria,[138] Richard lang, Richard Serra, Robert Irwin,[139] George Rickey und Christo und Jeanne-Claude LED zeitgenössische abstrakte Skulptur in neue Richtungen. Künstler geschaffen Umweltskulptur auf expansiven Websites in ''Landkunst im amerikanischen Westen'Gruppe von Projekten. Diese Land Kunst oder "Erdkunst" Umweltskala -Skulpturwerke veranschaulicht von Künstlern wie z. Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell (Rodenkrater). Eva Hesse, Sol Lewitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, Bruce Nauman und Dennis Oppenheim unter anderem waren Pioniere von Postminimalistisch Skulptur.

Auch in den 1960er und 1970er Jahren Künstler, die so vielfältig sind wie Eduardo Paolozzi, Chryssa, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Nam June Paik, Wolf Vostell, Duane Hanson, und John DeanDrea Erforschte Abstraktion, Bilder und Figuration durch Videokunst, Umwelt, Lichtskulptur und Installationskunst auf neue Weise.

Konzeptkunst ist Kunst, in der die an der Arbeit beteiligten Konzepte oder Idee Vorrang vor traditionellen Ästhetik- und materiellen Bedenken haben. Werke sind Ein und drei Stühle, 1965, ist von Joseph Kosuth, und An Oak Tree durch Michael Craig-Martinund diejenigen von Joseph Beuys, James Turrell und Jacek Tylicki.

Minimalismus

Postminimalismus

Zeitgenössische Genres

Spiralsteg durch Robert Smithson, im Jahr 2005

Einige moderne Skulpturenformen werden jetzt im Freien praktiziert wie Umweltkunst und Umweltskulpturoft in voller Sicht der Zuschauer. Lichtskulptur, Straßenkunstskulptur und ortsspezifische Kunst Nutzen Sie auch oft die Umwelt. Eisskulptur ist eine Form der kurzlebigen Skulptur, die Eis als Rohstoff verwendet. Es ist in China, Japan, Kanada, Schweden und Russland beliebt. Eisskulpturen sind dekorativ in einigen Küchen, insbesondere in Asien. Kinetische Skulpturen sind Skulpturen, die sich bewegen sollen, einschließlich Handys. Schneeskulpturen werden normalerweise aus einem einzigen Schneeblock etwa 1,8 bis 4,6 m auf jeder Seite geschnitzt und etwa 20–30 Tonnen wiegen. Der Schnee wird dicht in eine Form verpackt, nachdem er nach künstlichen Mitteln produziert oder nach einem Schneefall vom Boden gesammelt wurde. Soundskulpturen Nehmen Sie in Form von Innenstallinstallationen, Installationen im Freien wie Äol -Harfen, Automaten oder weniger in der Nähe herkömmlicher Musikinstrumente an. Die Schallskulptur ist oft ortsspezifisch. Kunstspielzeug sind seit Ende der neunziger Jahre ein anderes Format für zeitgenössische Künstler geworden Takashi Murakami und Kinderroboter, entworfen von Michael Lau, oder handgefertigt von Michael Leavitt (Künstler).[140]

Erhaltung

Sichtbarer Schaden durch saurer Regen Auf einer Skulptur

Skulpturen sind empfindlich gegenüber Umweltbedingungen wie z. Temperatur, Feuchtigkeit und Lichtbelastung und ultraviolettes Licht. Saurer Regen kann auch Schäden an bestimmten Baumaterialien und historischen Denkmälern verursachen. Dies ergibt sich, wenn Schwefelsäure Im Regen reagiert chemisch mit den Calciumverbindungen in den Steinen (Kalkstein, Sandstein, Marmor und Granit), um zu erzeugen Gips, was dann abblättert.

Zu jeder Zeit waren viele zeitgenössische Skulpturen in der Regel an öffentlichen Orten ausgestellt. der Diebstahl war kein Problem, da Teile sofort erkennbar waren. Im frühen 21. Jahrhundert stieg der Wert von Metall so weit, dass der Diebstahl der massiven Bronzeskulptur für den Wert des Metalls zum Problem wurde; Skulpturen, die Millionen wert sind, wurden für den relativ niedrigen Wert des Metalls gestohlen und geschmolzen, ein winziger Bruchteil des Wertes des Kunstwerks.[141]

Bilden

Kulturell

Methode

Anwendung

Siehe auch

Anmerkungen

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