Ruth Asawa

Ruth Asawa
Imogen Cunningham - Ruth Asawa.jpg
Asawa im Jahr 1952
Geboren
Ruth Aiko Asawa[1]

24. Januar 1926
Norwalk, Kalifornien, UNS.[1]
Gestorben 6. August 2013 (87 Jahre)
San Francisco, Kalifornien, UNS.
Ausbildung Black Mountain College
Bekannt für Skulptur
Ehepartner (en)
Albert Lanier
​
​
(m.1949; gestorben 2008)​
Kinder 6
Webseite Ruthasawa.com

Ruth Aiko Asawa (24. Januar 1926 - 6. August 2013) war ein amerikanischer Modernist Bildhauer. Ihre Arbeit wird in Sammlungen in der vorgestellt Solomon R. Guggenheim Museum und die Whitney Museum of American Art in New York City.[2] Fünfzehn der Drahtskulpturen von Asawa sind im Turm von San Francisco dauerhaft ausgestellt De Young Museum in Golden Gate Parkund einige ihrer Brunnen befinden sich an öffentlichen Orten in San Francisco.[3] Sie war eine Anwältin für Kunstunterricht und die treibende Kraft hinter der Schaffung der San Francisco School of the Arts, die in die in die in den Ruth Asawa San Francisco School of the Arts in 2010.[4] Im Jahr 2020 die US -Postdienst Ehre ihre Arbeiten, indem sie eine Reihe von zehn Briefmarken produzierte, die an ihre bekannten Drahtskulpturen erinnern.[5][6]

Frühes Leben und Ausbildung

Ruth Asawa wurde 1926 in geboren Norwalk, Kalifornien und war eines von sieben Kindern.[7][8] Ihre Eltern, Einwanderer aus Japan, betrieben a Gärtnerei bis zum Japanische amerikanische Internierung während Zweiter Weltkrieg.[9] Mit Ausnahme von Ruths Vater wurde die Familie in einem Versammlungszentrum in hastigem Anteil an der Praktikum verarbeitet Rennstrecke Santa Anita für einen Großteil von 1942, an das sie geschickt wurden Rohwer War -Umzugszentrum in Arkansas.[10] Ruths Vater, Umakichi Asawa, wurde im Februar 1942 von FBI -Agenten verhaftet und in einem Haftlager in einem Haftlager interniert New-Mexiko. Sechs Monate später wusste die Familie Asawa nicht, ob er lebte oder tot war. Asawa sah ihren Vater sechs Jahre lang nicht.[11][12] Ruths jüngere Schwester Nancy (Kimiko) besuchte die Familie in Japan, als ihre Familie interniert wurde. Sie war nicht in der Lage, zurückzukehren, da die USA den Eintritt auch von amerikanischen Bürgern aus Japan verhinderten. Nancy war gezwungen, für die Dauer des Krieges in Japan zu bleiben. Asawa sagte über die Internierung:

Ich habe keine Feindseligkeiten für das, was passiert ist. Ich beschuldige niemanden. Manchmal kommt Gut durch Widrigkeiten. Ich wäre nicht der, der ich heute bin, wenn es nicht für die Internierung gewesen wäre, und ich mag, wer ich bin.[13]

Asawa interessierte sich schon in jungen Jahren für Kunst. Als Kind wurde sie von ihrer Lehrerin der dritten Klasse ermutigt, ihr eigenes Kunstwerk zu schaffen. Infolgedessen erhielt Asawa 1939 einen ersten Preis in einem Schulkunstwettbewerb für Kunstwerke, das Themen der amerikanischen Identität erkundete.[8]

Nach ihrem Abschluss an der High School des Internierungszentrums besuchte Asawa Milwaukee State Teachers Collegebeabsichtigt, Kunstlehrer zu werden. Sie wurde daran gehindert, das College an der kalifornischen Küste zu besuchen, da der Krieg fortgesetzt wurde und die Zone ihres beabsichtigten College noch für ethnische Japaner verboten wurde, unabhängig davon, ob sie amerikanische Staatsbürger waren oder nicht. Sie konnte nicht für die erforderliche Praxislehre eingestellt werden, um ihren Abschluss abzuschließen, und verließ Wisconsin ohne Abschluss. (Wisconsin verlieh sie 1998 an sie.)[14] Asawa erzählte von einer Erfahrung, als sie in Missouri anhielt, um die Toilette zu benutzen, als sie und ihre Schwester nicht wussten, welches Badezimmer sie verwenden sollten. Es gab eine farbige und eine weiße Toilette an der Bushaltestelle und aufgrund der Rassendiskriminierung zum Zeitpunkt der Verwendung der farbigen Toilette. Einmal am Black Mountain gab es mehr Gleichheit für sie und andere Minderheitenstudenten, darunter andere asiatische Amerikaner und Afroamerikaner. Auf dem Campus waren sie gleich, aber in der Stadt war die Realität des Rassismus in Amerika offensichtlich. Dies führte zu einem direkten Gefühl des sozialen Bewusstseins in Asawas Skulpturen und einer Intimität, die von der Widrigkeit beeinflusst wurde, die ihre Familie als Minderheit in Amerika erlebt hat.[15]

Im Sommer vor ihrem letzten Jahr in Milwaukee reiste Asawa mit ihrer älteren Schwester Lois (Masako) nach Mexiko. Asawa nahm an einer Kunstklasse teil Universidad Nacional Autonoma de Mexiko; Unter ihren Lehrern war Clara Porset, ein Innenarchitekt aus Kuba.[16] Ein Freund des Künstlers Josef Albers, Porset erzählte Asawa davon Black Mountain College wo er unterrichtete.[11] Asawa erzählte:

Mir wurde gesagt, dass es für mich schwierig sein könnte, mit den Erinnerungen des Krieges noch frisch, in einer öffentlichen Schule zu arbeiten. Mein Leben könnte sogar in Gefahr sein. Dies war ein Glücksfall, weil es mich ermutigte, meinem Interesse an Kunst zu folgen, und ich habe mich anschließend am Black Mountain College in North Carolina eingeschrieben.[17]

Von 1946 bis 1949 studierte sie bei Black Mountain College mit Josef Albers.[18] Asawa lernte, allgemeine Materialien von Albers zu verwenden, und begann mit Draht mit einer Vielzahl von Techniken zu experimentieren.[19] Wie alle Black Mountain College -Studenten belegte Asawa Kurse in verschiedenen Kunstformen, und dieser interdisziplinäre Ansatz half dabei, ihre künstlerische Praxis zu formen. Ihr Studium der Zeichnung mit Ilya Bolotowsky und Josef Albers war prägend. Ihre Zeichnungen aus dieser Zeit untersuchen Muster und Wiederholung, und sie war besonders fasziniert von den Mäander als Motiv.[20] Sie wurde besonders von den Sommersitzungen von 1946 und 1948 beeinflusst, in denen Kurse von Künstler teilnahmen Jacob Lawrence, Fotografiekurator und Historiker Beaumont Newhall, Jean Varda, Komponist John CageChoreograf Merce Cunningham, Künstler Willem de Kooning, Bildhauer Leo Amino, und R. Buckminster Fuller. Laut Asawa waren die Tanzkurse, die sie mit Merce Cunningham belegte, besonders inspirierend.[21] In einer Klasse, in der die Mitarbeiterin Raumschenberg Asawa gehörte, berichteten sie, dass sie einen großen Hügel hinuntergefahren waren, als wäre es ein Tanz mit flammenden Fackeln, die Strawinskys Frühlingsritus ausstreuten. Im Gegensatz dazu beschrieb Asawa ihre Erfahrungen mit dem Studium von Josef Albers als formalistischer und was andere Schüler als faschistisch im Verhalten bezeichneten und die Gefühle seiner Schüler in seinen Lehren nicht betrachteten. Sie zitierte ihn mit den Worten: "Wenn Sie sich ausdrücken möchten, tun Sie das in Ihrer eigenen Zeit. Tu es nicht in meiner Klasse." Er zog es vor, Erkundungen und Entdeckungen durch Design zu lehren, anstatt das von anderen Akademikern unterrichtete geladene, freigeladene Wissen. Asawa verband sich mit diesem Ansatz wegen des kulturellen Hintergrunds ihrer Familie und dem, was sie als Intoleranz gegenüber Emotionen beschreibt.[22]

Karriere

Asawas Skulpturen in der David Zwirner Gallery in New York City ausgestellt

In den 1950er Jahren, als Student am Black Mountain College in Asheville, North Carolina, machte Asawa eine Reihe häkelnder Drahtskulpturen in verschiedenen abstrakten Formen. Asawa war der Ansicht, dass sie und ihre Kommilitonen der Verwaltung voraus waren und ihre eigene Form der Moderne in der Skulptur entwickelten und ständig neue Dinge ausprobierten. Sie begann mit Korbdesigns und erkundete später biomorphe Formen, die an der Decke hing. Sie lernte die Draht-Crocheting Toluca, Mexiko, wo Dorfbewohner eine ähnliche Technik verwendeten, um Körbe aus verzinktem Draht herzustellen. Sie erklärte:

Ich war daran interessiert, weil ich eine Linie wirtschaftlich machte, etwas im Weltraum gemacht habe und es umschließt, ohne es zu blockieren. Es ist immer noch transparent. Mir wurde klar, dass, wenn ich diese Formen erstellen wollte, die zusammenarbeiten und miteinander verwickeln, sie nur mit einer Linie erfolgen kann, weil eine Linie überall hingehen kann.[12]

Nach ihrer Reise nach Mexiko stellte Asawas Zeichenlehrer Ilya Bolotowsky fest, dass ihr Interesse an der konventionellen Zeichnung durch eine Faszination der Verwendung von Draht als Auszeichnung im Weltraum ersetzt worden war.[20] Ihre Skulpturen für Looped-Wire untersuchen das Verhältnis von Innen- und Außenbänden und erzeugen, wie sie es ausdrückte, "eine Form, die gleichzeitig innen und außen war".[23] Es wurde beschrieben, dass sie verschiedene Materialzustände verkörpern: Innen- und Außenbereich, Linie und Volumen, Vergangenheit und Zukunft.[24] Awawa sagte: "Es war 1946, als ich dachte, ich sei modern. Aber jetzt ist es 2002 und du kannst nicht für immer modern sein." Während sie ihre Materialität und Techniken entwickelte, experimentierte sie mit manuellen Mitteln der visuellen Kommunikation. Das Experimentieren war der Schlüssel, um ihre visuelle Identität als Künstlerin zu finden.[22] Während ihre Technik zur Herstellung von Skulpturen das Weben ähnelt, studierte sie weder das Weben, noch verwendete sie Glasfasermaterialien.[25] Materialien waren wichtig. Als schlechte Studentin, die Asawa günstig fand, fanden Objekte wie Steine, Blätter und Stöcke, weil sie weder über die Mittel noch den Zugang zu guter Papier verfügten. Nähe und Entdeckung waren ihre Ressource.[22]

Asawas Drahtskulpturen brachten ihre Bekanntheit in den 1950er Jahren, als ihre Arbeit mehrmals in der erschien Whitney Biennale, in einer Ausstellung von 1954 in der San Francisco Museum für moderne Kunstund 1955 São Paulo Art Biennale.[26][27]

1962 begann Asawa mit gebundenen Drahtskulpturen von verzweigten Formen zu experimentieren, die in der Natur verwurzelt wurden und zunehmend geometrisch und abstrakt wurden, als sie weiter in dieser Form arbeitete.[28] Mit diesen Teilen behandelte sie manchmal den Draht mit Galvanisierung es. Sie experimentierte auch mit elektroplierendAusführen des elektrischen Stroms in der "falschen" Richtung, um strukturelle Effekte zu erzielen.[29] "Ruth war ihrer Zeit voraus, zu verstehen, wie Skulpturen den Raum definieren und interpretieren könnten", sagte Daniell Cornell, Kuratorin des De Young Museum in San Francisco. "Dieser Aspekt ihrer Arbeit erwartet einen Großteil der Installationsarbeit, die die zeitgenössische Kunst dominiert."[30]

Asawa nahm an der teil Tamarinde Lithographie Workshop Fellowship in Los Angeles im Jahr 1965 als Künstler. In Zusammenarbeit mit den sieben Druckmachern des Workshops produzierte sie zweiundfünfzig Lithografien von Freunden, Familie (einschließlich ihrer Eltern, Umakichi und Haru), natürlichen Objekten und Pflanzen.[31]

In den 1960er Jahren erhielt Asawa Provisionen für groß angelegte Skulpturen in öffentlichen und kommerziellen Räumen in San Francisco und anderen Städten.[32] Awasa installierte ihre erste öffentliche Skulptur Andrea (1968) nach Einbruch der Dunkelheit in Ghirardelli Squarein der Hoffnung, den Eindruck zu erwecken, dass es immer dort gewesen war.[33] Die Skulptur zeigt zwei Gussbronze -Meerjungfrauen in einem Brunnen, der einen Merbaby stillt und zwischen Meeresschildkröten und Fröschen spritzt.[33] Das Kunstwerk führte bei der Installation viel Kontroversen über Ästhetik, Feminismus und öffentliche Kunst.[34] Lawrence HalprinDer Landschaftsarchitekt, der den Raum am Wasser entworfen hat, beschrieb die Skulptur als ein Vorstadtrasenornament und forderte die Entfernung des Kunstwerks.[34] Asawa konterte: "Für die Alten würde es die Fantasie ihrer Kindheit zurückbringen, und für die Jungen würde es ihnen etwas geben, an das sie sich erinnern würden, wenn sie alt werden."[34] Viele San Franciscans, insbesondere Frauen, unterstützten die Meerjungfrau -Skulptur von Asawa und versammelten sich erfolgreich hinter ihr, um sie zu schützen.[35]

Nahe Union Square (In der Stockton Street, zwischen Post- und Sutter Street), schuf sie einen Brunnen, für den sie 200 Schulkinder mobilisierte, um Hunderte von Bildern der Stadt San Francisco im Teig zu formen, die dann in Eisen gegossen wurden.[12] Im Laufe der Jahre entwerfen sie andere öffentliche Brunnen und wurde in San Francisco als "Brunnendame" bekannt.[12]

Das Anwesen des Künstlers wird durch vertreten David Zwirner Galerie.[36]

Aktivismus des öffentlichen Dienstes und der Kunstbildung

Asawa hatte leidenschaftlich ein leidenschaftliches Engagement und war ein leidenschaftlicher Verfechter der Kunstbildung als transformativer und ermächtigender Erfahrung, insbesondere für Kinder.[37] 1968 wurde sie zum Mitglied der San Francisco Arts Commission ernannt[38] und begann, Politiker und gemeinnützige Stiftungen zu setzten, um Kunstprogramme zu unterstützen, die kleinen Kindern und durchschnittlichen San Franciscans zugute kommen.[39] Asawa half 1968 bei der Mitbeauftragung des Alvarado Arts Workshops für Schulkinder.[39] In den frühen 1970er Jahren wurde dies zum Modell des CETA/Neighborhood Arts -Programms der Kunstkommission mit Geld aus dem Bundesfinanzierungsprogramm, der Umfassendes Gesetz über Beschäftigungs- und Ausbildungsgesetze (CETA), das zu einem national replizierten Programm wurde Künstler beschäftigt von allen Disziplinen, um den öffentlichen Dienst für die Stadt zu erledigen.

Der Alvarado -Ansatz arbeitete an der Integration der Künste und der Gartenarbeit und spiegelte Asawas eigene Erziehung auf einer Farm wider. Asawa glaubte an eine praktische Erfahrung für Kinder und folgte dem Ansatz "Lernen durch". Asawa glaubte an den Vorteil von Kindern, von professionellen Künstlern zu lernen, was sie vom Lernen von praktizierenden Künstlern bei verabschiedet hat Black Mountain College. Sie glaubte, dass Unterrichtslehrer nicht erwartet werden konnten, dass sie die Künste lehren, zusätzlich zu all ihren anderen Verantwortlichkeiten. 85 Prozent des Budgets des Programms gingen an die Einstellung professioneller Künstler und Künstler, aus denen die Schüler lernen konnten.[17] Dies folgte 1982 mit dem Bau einer High School für öffentliche Künste, der San Francisco School of the Arts,[2] das wurde in der umbenannt Ruth Asawa San Francisco School of the Arts Zu ihren Ehren im Jahr 2010.[40] Asawa würde weiter im California Arts Council tätig sein, die Nationale Stiftung für die Künste 1976,,[38] und von 1989 bis 1997 diente sie als Treuhänderin der Fine Arts Museen von San Francisco.[38]

Am Ende ihres Lebens erkannte Asawa die Kunstausbildung als zentral für die Bedeutung ihres Lebenswerks.[41]

Persönliches Leben

Im Juli 1949 heiratete Asawa den Architekten Albert Lanier, den sie 1947 am Black Mountain College traf.[42] Das Paar hatte sechs Kinder, obwohl Lanier überhaupt zögerte, Kinder zu haben: Xavier (1950), Aiko (1950), Hudson (1952), Adam (1956–2003), Addie (1958) und Paul (1959).[8] Albert Lanier starb 2008.[8] Asawa glaubte, dass "Kinder wie Pflanzen sind. Wenn Sie sie füttern und im Allgemeinen gießen, werden sie wachsen." Er erzählte einem anderen Künstler und Freund von ihnen "Ihre Bilder werden deine Blumen sein" und sie hatten nie Kinder. Ihre interrassische Ehe war zu dieser Zeit umstritten und beförderte die künstlerische Ausrichtung von Asawa.[15] Die Familie zog in die Noe Valley Nachbarschaft auf Castro am 28. und 23.,[22] von San Francisco im Jahr 1960, wo sie viele Jahre in der Gemeinde aktiv war.[3]

Tod

Asawa starb am 6. August 2013 an natürlichen Gründen bei ihr San Francisco Zuhause im Alter von 87 Jahren.[8][43]

Auszeichnungen und Ehrungen

Ausgewählte Werke

  • Andrea (1966), der Meerjungfrau -Brunnen bei Ghirardelli Square, San Francisco, Kalifornien[3]
  • Fountain (1973), The Hyatt am Union Square, San Francisco, Kalifornien
  • Fountains (1976), The Buchanan Mall (Nihonmachi), San Francisco, Kalifornien
  • Aurora (1986), der Origami-inspirierte Brunnen am San Francisco Waterfront.[3]
  • Die japanisch-amerikanische Internierungsgedenksskulptur (1994) in San Jose, Kalifornien[3]
  • The Garden of Remembrance (2002) an der San Francisco State University, San Francisco, Kalifornien

Auszeichnungen

  • 1966: Erster Dymaxion Award für Künstler/Wissenschaftler[49]
  • 1974: Goldmedaille aus der American Institute of Architects[50]
  • 1990: Handelskammer von San Francisco Cyril Magnin Award[51]
  • 1993: Ehrenpreis von der Frauen -Caucus für die Künste[50]
  • 1995: Asian American Art Foundations Golden Ring Lifetime Achievement Award[51]
  • 2002: Ehrensprachel der San Francisco State University [43]
  • Seit 1982 hat San Francisco den 12. Februar zum "Ruth Asawa Day" erklärt [47]

Film

  • Snyder, Robert, Produzent (1978) Ruth Asawa: über Formen und Wachstum, Pacific Palisades, CA: Masters and Masterworks Produktion
  • Direktoren von Soe, Valerie und Ruth Asawa (2003) Jeder lehrt einen: das Alvarado School Art Program, San Francisco: Alvarado Arts -Programm.[52]

Siehe auch

Verweise

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Weitere Lektüre

  • Abrahamson, Joan und Sally Woodridge (1973) Das Alvarado School Art Community -Programm. San Francisco: Alvarado School Workshop.
  • Bancroft Library (1990) Ruth Asawa, Kunst, Kompetenz und städtische Zusammenarbeit für San Francisco," in Die Kunst und das Community Oral History Project. Universität von Kalifornien, Berkeley.
  • Bell, Tiffany und Robert Storr (2017) Ruth Asawa. David Zwirner Bücher: New York.
  • Chase, Marilyn (2020) Alles, was sie berührte: Das Leben von Ruth Asawa. Chronikbücher: San Francisco.
  • Cook, Mariana (2000) Paare. Chronikbücher.
  • Cornell, Daniell et al. (2006) Die Skulptur von Ruth Asawa: Konturen in der Luft. Presse der Universität von Kalifornien.
  • Cunningham, Imogen (1970) Fotos, Imogen Cunningham. Universität Washington Press.
  • D'Aquino, Andrea (2019) Ein von Hand gemachtes Leben: Ruth Asawa (Kinderbuch). Princeton Architectural Press.
  • Dobbs, Stephen (1981) "Gemeinschaft und Engagement: Ein Interview mit Ruth Asawa", IN Kunstunterricht Vol 34 Nr. 5.
  • Faul, Patricia et al. (1995) Die neue ältere Frau. Himmelskunst.
  • Harris, Mary Emma (1987) Die Künste am Black Mountain College. MIT Press.
  • Hatfield, Zack. "Ruth Asawa: den Metallgarten pflegen", NY täglich, New York Review of Books, 21. September 2017
  • Hopkins, Henry und Mimi Jacobs (1982) 50 West Coast -Künstler. Chronikbücher.
  • Jepson, Andrea und Sharon Litsky (1976) Die Alvarado -Erfahrung. Alvarado Art Workshop.
  • Laib, Jonathan et al. (2015) Ruth Asawa: Linie nach Linie. Christies Show -Katalog.
  • McClintock, Elizabeth (1977) Der japanische Teegarten, Golden Gate Park. San Francisco: Die John McLaren Society. (Pflanzenabbildungen von Asawa.)
  • Rountree, Cathleen (1999) Bei Frauen 70: Ehren der Stimmen der Weisheit. Jossey-Bass.
  • Rubinstein, Charlotte Streifer (1992) Amerikanische Women -Bildhauer. G.K. Saal.
  • San Francisco Museum of Art. (1973) Ruth Asawa: Eine retrospektive Ansicht. San Francisco Museum of Art.
  • Schatz, Howard (1992) Begabte Frau. Pacific Photographic Press.
  • Schenkenberg, Tamara et al. (2019) Ruth Asawa: Lebensarbeit. New Haven: Yale University Press.
  • Schoettler, Joan (2018) Ruth Asawa: Ein Bildhauerleben (Kinderbuch). Gretna, Louisiana: Pelican Publishing.
  • Villa, Carlos et al. (1994) Welten in der Kollision: Dialoge zu multikulturellen Kunstfragen. San Francisco Art Institute.
  • Woodridge, Sally (1973) Ruth Asawas San Francisco Brunnen. San Francisco Museum of Art.

Externe Links