Römische Kunst

Römische Kunst
Fresko aus dem Villa der Geheimnisse. Pompeji, 80 v. Chr

Die Kunst von Antikes Rom, es ist Republik und später Reich inklusive die Architektur, Malerei, Skulptur und Mosaikarbeit. Luxusobjekte in Metallarbeit, Edelsteingravur, Elfenbeinschnitzereien, und Glas werden manchmal als kleinere Formen der römischen Kunst angesehen,[1] obwohl sie zu dieser Zeit nicht als solche betrachtet wurden. Die Skulptur wurde vielleicht als die höchste Kunstform der Römer angesehen, aber auch die Figurenmalerei wurde hoch angesehen. Ein sehr großer Teil der Skulptur hat sich ab dem 1. Jahrhundert v. Chr. Überlebt, obwohl nur sehr wenig von zuvor, aber nur sehr wenig Gemälde bleibt, und wahrscheinlich nichts, was ein Zeitgenosse als von höchster Qualität betrachtet hätte.

Ancient Roman pottery war kein Luxusprodukt, sondern eine große Produktion von "feinen Waren" in Terra Sigillata wurden mit Reliefs dekoriert, die den neuesten Geschmack widerspiegelten, und bot eine große Gruppe in der Gesellschaft mit stilvollen Objekten zu einem offensichtlich erschwinglichen Preis. Römische Münzen waren ein wichtiges Mittel der Propaganda und haben in enormen Zahlen überlebt.

Einführung

Linksbild: Ein römischer Fresko von Pompeji zeigen a Maenad in Seidenkleid, 1. Jahrhundert n. Chr.
Richtiges Bild: Ein Fresko eines jungen Mannes aus der Villa di Arianna, Stabiae, 1. Jahrhundert n. Chr.

Während die traditionelle Sicht der alten römischen Künstler darin besteht, dass sie oft von den griechischen Präzedenzfällen ausgeliehen sind (ein Großteil der heute bekannten griechischen Skulpturen in Form von römischen Marmorkopien), hat mehr die jüngste Analyse gezeigt, dass die römische Kunst hoch ist kreativ Pastiche sich stark auf griechische Modelle verlassen, aber auch umfassen Etrusker, einheimische kursive und sogar ägyptisch visuelle Kultur. Stilistisch Eklektierung und praktische Anwendung sind die Kennzeichen vieler römischer Kunst.

Plinius, Der wichtigste Historiker des alten Roms in Bezug auf die Künste, verzeichneten, dass fast alle Formen der Kunst - Skulptur, Landschaft, Porträtmalerei, sogar Genremalerei - in griechischen Zeiten und in einigen Fällen weiter fortgeschritten waren als in Rom. Obwohl nur sehr wenig Überreste griechischer Wandkunst und Porträts, trägt die griechische Skulptur und die Vase -Malerei dies aus. Diese Formen wurden wahrscheinlich nicht von römischen Künstlern in der Feinheit des Designs oder der Ausführung übertroffen. Als ein weiteres Beispiel für die Verlorenen "Goldenes Zeitalter", er hat herausgegriffen Peiraikos, "deren Kunst von nur wenigen übertroffen wird ... er hat Barbershops und Schuhmacher Stände, Esel, Gemüse und dergleichen gemalt, und aus diesem Grund wurde als" Maler vulgärer Untertanen "bezeichnet. Doch diese Werke sind insgesamt entzückend, und sie wurden zu höheren Preisen als am größten verkauft Gemälde von vielen anderen Künstlern. “[2] Das Adjektiv "vulgär" wird hier in seiner ursprünglichen Definition verwendet, was "gemeinsam" bedeutet.

Die griechischen Vorgeschichte der römischen Kunst waren legendär. Mitte des 5. Jahrhunderts v. Chr. Waren die berühmtesten griechischen Künstler Polygnotos, bekannt für seine Wandgemälde, und Apollodoros, der Urheber von Chiaroscuro. Die Entwicklung realistischer Technik wird zugeschrieben Zeuxis und Parrhasius, wer nach Altgriechisch Legende soll einmal an einer tapferen Darstellung ihrer Talente teilgenommen haben, die frühesten Beschreibungen der Geschichte von Trompe-l'i Malerei.[3] In der Skulptur, Skopas, Praxiter, Phidias, und Lysippos waren die wichtigsten Bildhauer. Es scheint, dass römische Künstler viel alte griechische Kunst zum Kopieren hatten, da der Kunsthandel im gesamten Reich lebhaft war, und ein Großteil des griechischen künstlerischen Erbes fand seinen Weg in die römische Kunst durch Bücher und Lehre. Antike griechische Abhandlungen an den Künsten sind bekanntermaßen in römischen Zeiten existiert, sind jedoch jetzt verloren.[4] Viele römische Künstler kamen aus griechischen Kolonien und Provinzen.[5]

Ein römischer Fresko, der darstellt Amphion und Zethus Thema Dirce zum Bullen (von der Haus des Vettii, Pompeji)
Vorbereitung von an Tieropfer; Marmor, Fragment eines Architektur Hilfe, erstes Viertel des 2. Jahrhunderts; aus Rom, Italien

Die hohe Anzahl römischer Kopien der griechischen Kunst spricht auch von den römischen Künstlern, die für griechische Kunst und vielleicht von ihrer selteneren und höheren Qualität geschätzt wurden.[5] Viele der Kunstformen und -methoden, die von den Römern verwendet werden-wie hohe und niedrige Erleichterung, freistehende Skulptur, Bronzeguss, Vase-Kunst, Mosaik-, Miniatur, Münzkunst, feiner Schmuck und Metallarbeiten, Grabskulptur, Perspektivenzeichnung, Karikatur, Genre und Porträtgemälde, Landschaftsmalerei, architektonische Skulptur, und Trompe-l'i Malerei - Alle wurden von alten griechischen Künstlern entwickelt oder verfeinert.[6] Eine Ausnahme ist die römische Büste, die die Schultern nicht enthielt. Die traditionelle Kopf-und-Schultern könnte eine etruskische oder frühe römische Form gewesen sein.[7] Praktisch jede künstlerische Technik und Methode von verwendet von Renaissance Künstler 1,900 Jahre später wurden von alten griechischen Künstlern mit den bemerkenswerten Ausnahmen von Ölfarben und mathematisch genauen Perspektive demonstriert.[8] Wo in ihrer Gesellschaft griechische Künstler hoch verehrt wurden, waren die meisten römischen Künstler anonym und als Handelsmänner. Es gibt keine Aufzeichnung, wie im alten Griechenland, der großen Meister der römischen Kunst und praktisch keine signierten Werke. Wo Griechen die ästhetischen Eigenschaften großer Kunst verehrten und ausführlich über die künstlerische Theorie schrieben, war die römische Kunst dekorativer und zeigt Status und Reichtum und anscheinend nicht Gegenstand von Gelehrten oder Philosophen.[9]

Zum Teil aufgrund der Tatsache, dass die römischen Städte weitaus größer waren als die griechischen Stadtstaaten in Macht und Bevölkerung und im Allgemeinen weniger provinziell, nahmen Kunst im alten Rom einen breiteren und manchmal nützlicheren Zweck. Die römische Kultur assimilierte viele Kulturen und war größtenteils tolerant gegenüber den Wegen eroberter Völker.[5] Die römische Kunst wurde in Auftrag gegeben, ausgestellt und in weitaus größeren Mengen besessen und an mehr Verwendungen als in griechischen Zeiten angepasst. Wohlhabende Römer waren materialistischer; Sie dekorierten ihre Wände mit Kunst, ihr Zuhause mit dekorativen Gegenständen und sich selbst mit feinem Schmuck.

In der christlichen Ära des verstorbenen Reiches, von 350 bis 500 n. Chr., Wandmalerei, Mosaikdecke und Bodenarbeitund die Begräbnisskulptur gedieh, während die Skulptur in voller Größe in der Runde und in der Panelmalerei ausgefallen ist, höchstwahrscheinlich aus religiösen Gründen.[10] Als Konstantin die Hauptstadt des Imperiums nach Byzanz (in Konstantinopel umbenannt) verlegte, enthielt römische Kunst östliche Einflüsse, um den byzantinischen Stil des verstorbenen Reiches zu produzieren. Als Rom im 5. Jahrhundert entlassen wurde, zogen Handwerker in die östliche Hauptstadt und fanden Arbeiten. Die Kirche von Hagia Sophia in Konstantinopel beschäftigte fast 10.000 Arbeiter und Handwerker in einem endgültigen Ausbruch römischer Kunst unter Kaiser Justinian (527–565 n. Basilika von San Vitale in der Stadt von Ravenna.[11]

Malerei

Weiblicher Maler sitzt auf einem Campstool und malt eine Statue von Dionysos oder Priapus auf ein Panel, das von einem Jungen gehalten wird. Fresko von Pompeji, 1. Jahrhundert

Von dem riesigen Körper der römischen Malerei haben wir jetzt nur wenige Taschen von Überlebenden, wobei viele dokumentierte Typen überhaupt nicht überlebt oder nur ab dem Ende der Zeit. Die bekannteste und wichtigste Tasche sind die Wandgemälde aus Pompeji, Herculaneum und andere Standorte in der Nähe, die zeigen, wie die Bewohner eines wohlhabenden Küstenresorts ihre Wände in den Jahrhundert vor dem tödlichen Ausbruch dekorierten Vesuv in 79 n. Chr. EIN Folge datierter Stile wurden von modernen Kunsthistorikern definiert und analysiert, beginnend mit August Mau, zeigen zunehmende Ausarbeitung und Raffinesse.

Herakles und Omphale, Römischer Fresko Pompeianer viertes Stil (45-79 n. Chr.), Naples National Archäologisches Museum, Italien

Ab dem 3. Jahrhundert n. Chr. Und endet um etwa 400 Katakomben von RomNoch nicht alle christlich, die die spätere Fortsetzung der häuslichen dekorativen Tradition in einer adaptierten Version - wahrscheinlich nicht sehr angepasst - zur Verwendung in Grabkammern in einem eher bescheideneren sozialen Milieu als die größten Häuser in Pompeji zeigten. Viel von Nero's Palast in Rom, die Domus aurea, überlebt als Grottos und gibt uns Beispiele, die wir sicher sein können, die höchste Qualität des Wandmagnings in seinem Stil darzustellen und die möglicherweise erhebliche Innovationen im Stil dargestellt haben. Es gibt eine Reihe anderer Teile von bemalten Räumen, die aus Rom und anderswo überlebt, was etwas beiträgt, die Lücken unserer Kenntnisse des Wandmagnings zu füllen. Aus Römisch Ägypten Es gibt eine große Anzahl von sogenannten als Fayum Mumie Porträts, Büstenporträts auf Holz, die außen hinzugefügt werden Mumien durch eine romanisierte Mittelschicht; Trotz ihres sehr deutlichen lokalen Charakters sind sie wahrscheinlich weitgehend repräsentativ für den römischen Stil in bemalten Porträts, die ansonsten völlig verloren gehen.

Nichts übrig von den griechischen Gemälden, die im 4. und 5. Jahrhundert nach Rom importiert wurden, oder von dem Gemälde über Holz, das in dieser Zeit in Italien gemacht wurde.[4] Insgesamt beschränkt sich das Probenbereich auf nur etwa 200 Jahre von etwa 900 Jahren der römischen Geschichte.[12] und von Provinz- und Dekorationsmalerei. Der größte Teil dieses Wandgemälde wurde mit dem durchgeführt Eine Secco (trocken) Methode, aber einige Fresko Gemälde existierten auch in der römischen Zeit. Es gibt Beweise aus Mosaiken und einige Inschriften, dass einige römische Gemälde Anpassungen oder Kopien früherer griechischer Werke waren.[12] Hinzu kommt jedoch die Tatsache, dass Inschriften die Namen von griechischen Künstlern mit Migrationshintergrund aus der römischen Zeit aufzeichnen können, nicht von alten griechischen Originalen, die kopiert wurden.[8] Den Römern fehlten völlig eine Tradition der figurativen Vase-Mainting Vergleichbar mit der der alten Griechen, die die Etruskaner emuliert hatten.

Vielfalt von Themen

Die Hochzeit von Zephyrus und Chloris (54–68 n. Chr., Pompeianer viertes Stil) innerhalb von bemalten architektonischen Paneele von der Casa del Naviglio

Das römische Malerei bietet eine Vielzahl von Themen: Tiere, Stillleben, Szenen aus dem Alltag, Porträts und einige mythologische Themen. Während der hellenistischen Zeit rief es die Freuden der Landschaft hervor und repräsentierte Szenen von Hirten, Herden, rustikalen Tempeln, ländlichen Berglandschaften und Landhäusern.[8] Erotische Szenen sind ebenfalls relativ häufig. Im späten Reich überleben frühe christliche Themen, gemischt mit heidnischen Bildern, an Katakombmauern.[13]

Landschaft und Ausblicke

Boscotrecase, Pompeji. Dritter Stil

Die Hauptinnovation der römischen Malerei im Vergleich zur griechischen Kunst war die Entwicklung von Landschaften, insbesondere die Einbeziehung von Techniken der Perspektive, obwohl die wahre mathematische Perspektive 1.500 Jahre später entwickelte. Oberflächtexturen, Schattierungen und Färbung werden gut angewendet, aber Skalierung und räumliche Tiefe wurden immer noch nicht genau gerendert. Einige Landschaften waren reine Naturszenen, insbesondere Gärten mit Blumen und Bäumen, während andere architektonische Ausblicke auf städtische Gebäude waren. Andere Landschaften zeigen Episoden aus der Mythologie, den berühmtesten demonstrierenden Szenen aus dem Odyssee.[14]

Aus kultureller Sicht hätte die Kunst des alten Ostens die Landschaftsmalerei nur als Hintergrund für zivile oder militärische Erzählszenen gekannt.[15] Diese Theorie wird von verteidigt durch Franz Wickhoff, ist fraglich. Es ist möglich, Beweise für die griechische Kenntnis der Landschaftsdarstellung in Platon zu sehen Kritik (107b - 108b):

... und wenn wir das Porträt der Göttlichen und des menschlichen Körpers als von Malern ausgeführtes in Bezug auf die Leichtigkeit oder Schwierigkeit, mit der es ihnen gelingt, ihre Untertanen nach Ansicht von Zuschauern nachzuahmen, werden wir feststellen In Bezug auf Erde und Berge und Flüsse und Wälder und den gesamten Himmel sind wir mit den Dingen, die existieren und uns bewegen, zufrieden, wenn ein Mann sie mit einem kleinen Grad an Ähnlichkeit darstellen kann ...[16]

Stillleben

römisch Stillleben Die Probanden werden häufig in illusionistischen Nischen oder Regalen platziert und zeigen eine Vielzahl von alltäglichen Gegenständen, darunter Obst, lebende und tote Tiere, Meeresfrüchte und Muscheln. Beispiele für das Thema des mit Wasser gefüllten Glasglas wurden gekonnt gemalt und später als Modelle für dasselbe Thema dient Renaissance und Barock- Perioden.[17]

Porträts

Das Severan Tondo, ein Panelmalerei der kaiserlichen Familie, c. 200 n. Chr.; AntiKensamsAsämmer, Berlin
Fayum Mumie Porträt einer Frau von Römisch Ägypten mit einer Ringlet -Frisur. Royal Museum von Schottland.

Plinius Beklagte sich über den rückläufigen Stand der römischen Porträtkunst, "das Gemälde von Porträts, die früher über die Zeiten der genauen Ähnlichkeiten der Menschen übertragen wurden, ist völlig ausgegangen ... Trägheit hat die Künste zerstört."[18][19]

In Griechenland und Rom wurde die Wandmalerei nicht als hohe Kunst angesehen. Die prestigeträchtigste Form der Kunst neben der Skulptur war Panelmalerei, d.h. Tempera oder Enkaustische Malerei auf Holzpaneele. Da Holz ein verderbliches Material ist, haben nur einige Beispiele für solche Gemälde überlebt, nämlich nur einige Beispiele für solche Gemälde, nämlich die Severan Tondo aus c.200 n. Chr, ein sehr routinemäßiges offizielles Porträt eines Regierungsbüros in Provinz und dem bekannten Fayum Mumie Porträts, alle aus römisch Ägypten, und mit ziemlicher Sicherheit nicht von höchster zeitgenössischer Qualität. Die Porträts wurden an Bestattungsmumien im Gesicht gebunden, von denen fast alle jetzt abgelöst wurden. Sie zeigen normalerweise eine einzelne Person, die den Kopf oder den Kopf und die obere Brust zeigt. Der Hintergrund ist immer monochrom, manchmal mit dekorativen Elementen.[20] In Bezug auf die künstlerische Tradition leiten die Bilder eindeutig mehr aus griechisch-römischen Traditionen als ägyptische Traditionen. Sie sind bemerkenswert realistisch, wenn auch in der künstlerischen Qualität variabel und können darauf hinweisen, dass ähnliche Kunst, die anderswo weit verbreitet war, aber nicht überlebte. Einige Porträts, die mit Glas und Medaillen aus dem späteren Reich gemalt wurden, haben überlebt, ebenso wie Münzporträts, von denen einige auch als sehr realistisch gelten.[21]

Goldglas

Detail der Goldglas Medaillon in Brescia (Museo di Santa Giulia), höchstwahrscheinlich Alexandrian, 3. Jahrhundert n. Chr.[22]

Goldglasoder goldenes Sandwichglas war eine Technik zum Befestigen einer Schicht von Gold Blatt mit einem Design zwischen zwei fusionierten Glasschichten, entwickelt in Hellenistisches Glas und im 3. Jahrhundert n. Chr. Wiederbelebt. Es gibt nur sehr wenige große Designs, darunter eine sehr schöne Gruppe von Porträts aus dem 3. Jahrhundert mit zusätzlicher Farbe, aber die große Mehrheit der rund 500 Überlebenden sind Runden, die die Grenzunterflüsse von Weinbechern oder Brillen sind, die zum Markieren verwendet werden und verwendet werden. schmücken Gräber in der Katakomben von Rom Indem Sie sie in den Mörtel drücken. Sie stammen vorwiegend aus dem 4. und 5. Jahrhundert. Die meisten sind christlich, obwohl es viele heidnische und einige jüdische Beispiele gibt. Es ist wahrscheinlich, dass sie ursprünglich als Geschenke in Heirat oder festlichen Anlässen wie Neujahr gegeben wurden. Ihr Ikonographie wurde viel untersucht, obwohl sie künstlerisch relativ unkompliziert sind.[23] Ihre Probanden ähneln den Katakombmalereien, aber mit einer Unterschiedsbalance einschließlich mehr Porträts. Im Laufe der Zeit stieg die Darstellung der Heiligen.[24] Die gleiche Technik wurde für Gold verwendet Tesserae Für Mosaiken in der Mitte des 3. Jahrhunderts in Rom und im 5. Jahrhundert waren diese zum Standardhintergrund für religiöse Mosaiken geworden.

Die frühere Gruppe gehört "zu den lebendigsten Porträts, die von frühen christlichen Zeiten überleben. Sie starren uns mit einer außergewöhnlichen Heck- und Melancholie -Intensität an", "[25] und stellen die besten überlebenden Hinweise darauf dar, was hochwertige römische Porträts in der Farbe erreichen könnte. Das Gennadios -Medaillon in der Metropolitan Museum of Art In New York ist ein gutes Beispiel für ein Alexandrian -Porträt auf blauem Glas, wobei eine eher komplexere Technik und ein naturalistischer Stil verwendet wird als die meisten späten römischen Beispiele, einschließlich Malen auf das Gold, um Schattierungen zu erzeugen, und mit der griechischen Inschrift zeigt lokal Dialekt Merkmale. Er hatte das Stück vielleicht gegeben oder beauftragt, den Sieg in einem musikalischen Wettbewerb zu feiern.[26] Eine der berühmtesten Porträtmedaillons im Alexandrian-Stil mit einer Inschrift in ägyptischem Griechisch wurde später in einem montiert Frühes Mittelalter Crux Gemmata in Bresciain der falschen Überzeugung, dass es die fromme Kaiserin zeigte und gotisch Königin Galla Placida und ihre Kinder;[27] Tatsächlich kann der Knoten in der Kleid der zentralen Figur einen Devotee von markieren Isis.[28] Dies ist eine Gruppe von 14 Teilen aus dem 3. Jahrhundert n. Chr., Alle individuellen weltlichen Porträts von hoher Qualität.[29] Die Inschrift auf dem Medaillon ist in der geschrieben Alexandrischer Dialekt des Griechischen und zeigt daher höchstwahrscheinlich eine Familie aus Römisch Ägypten.[30] Das Medaillon wurde auch mit anderen Werken zeitgenössischer römisch-ägyptischer Kunstwerke wie dem verglichen Fayum Mumie Porträts.[22] Es wird angenommen, dass die winzigen Details von solchen Teilen nur mit Verwendung erreicht werden können Linsen.[31] Die spätere Brillen aus den Katakomben haben eine rudimentäre Porträtniveau mit Merkmalen, Frisuren und Kleidung, die alle folgenden stereotypen Stile sind.[32]

Genre -Szenen

Römische Genre -Szenen zeigen im Allgemeinen Römer in Freizeit und umfassen Glücksspiele, Musik und sexuelle Begegnungen. Einige Szenen zeigen Götter und Göttinnen in der Freizeit.[8][12]

Triumphgemälde

Römischer Fresko aus dem Villa Boscoreale, 43–30 v. Chr., Metropolitan Museum of Art
Roman Fresco mit einer Bankettszene aus der Casa dei Casti Amanti, Pompeji

Aus dem 3. Jahrhundert v. Chr., Ein spezifisches Genre bekannt als Triumphgemälde erschien, wie Plinius (xxxv, 22) angezeigt.[33] Dies waren Gemälde, die nach militärischen Siegen triumphale Einträge zeigten, die Episoden aus dem Krieg darstellten, und eroberten Regionen und Städte. Zusammenfassende Karten wurden angezogen, um die wichtigsten Punkte der Kampagne hervorzuheben.Josephus beschreibt das Gemälde, das anlässlich von anlässlich von Vespasian und Titus's Sack Jerusalems:

Es wurde auch Gold und Elfenbein über sie alle befestigt; und viele Ähnlichkeiten des Krieges und diejenigen auf verschiedene Weise und eine Vielzahl von Erfindungen, die eine sehr lebhafte Porträts von sich selbst ermöglichen. Denn es war ein glückliches Land zu sehen, das Verschwendung legte und ganze Staffeln von Feinden getötet wurden; Während einige von ihnen wegliefen und einige in Gefangenschaft getragen wurden; mit Wänden mit großer Höhe und Größe, die durch Maschinen gestürzt und ruiniert wurde; mit den stärksten Befestigungen, die Wände der meisten bevölkerungsreicher Städte auf den Hügeln, die beschlagnahmt wurden, und eine Armee, die sich in die Mauern strömte; wie auch jeder Ort voller Schlachten und Geflügel der Feinde, wenn sie nicht mehr in der Lage waren, ihre Hände mit Opposition zu heben. Feuer, das auch auf Tempel gesendet wurde, wurde hier vertreten und Häuser gestürzt und fielen auf ihre Besitzer Vieh, aber durch ein Land, das noch auf jeder Seite in Brand steht; Für die Juden berichteten, dass so etwas sie während dieses Krieges erlebt hatten. Jetzt war die Verarbeitung dieser Darstellungen so großartig und lebhaft bei der Konstruktion der Dinge, dass sie zeigte, was mit solchen nicht gesehen worden war, als ob sie wirklich anwesend gewesen wären. Auf jeder dieser Festziger wurde der Kommandant der Stadt, die genommen wurde, und der Art und Weise, wie er genommen wurde, platziert.[34]

Diese Gemälde sind verschwunden, aber sie haben wahrscheinlich die Zusammensetzung der historischen Reliefs beeinflusst, die auf Militär geschnitzt wurden Sarkophag, das Bogen von Titus, und Trajans Kolumne. Dieser Beweis unterstreicht die Bedeutung der Landschaftsmalerei, die manchmal dazu tendierte, Perspektivpläne zu sein.

Ranuccio beschreibt auch das älteste Gemälde, das in Rom, in einem Grab auf dem Esquiline Hill:

Es beschreibt eine historische Szene auf klarem Hintergrund, die in vier überlagerten Abschnitten gemalt wurde. Mehrere Menschen werden identifiziert, wie Marcus Fannius und Marcus Fabius. Diese sind größer als die anderen Zahlen ... in der zweiten Zone links ist eine Stadt umgeben Krenelled Wände, vor denen ein großer Krieger mit einem ovalen Buckler und einem gefiederten Helm ausgestattet ist; In seiner Nähe befindet sich ein Mann in einer kurzen Tunika, bewaffnet mit einem Speer ... Um diese beiden sind kleinere Soldaten in kurzen Tuniken, bewaffnet mit Speeren ... in der unteren Zone findet ein Kampf statt, in dem ein Krieger mit Oval Buckler und Ein gefiederter Helm wird größer als die anderen gezeigt, deren Waffen davon ausgehen können, dass dies wahrscheinlich Samniten sind.

Diese Episode ist schwer zu bestimmen. Einer von Ranuccios Hypothesen ist, dass es sich auf einen Sieg des Konsuls bezieht Fabius Maximus Rullianus während des zweiten Krieges gegen Samniten 326 v. Chr. Die Präsentation der Zahlen mit Größen, die proportional zu ihrer Bedeutung sind, ist typisch römisch und befindet sich in plebejischen Reliefs. Dieses Gemälde befindet sich im Kindesalter von Triumphmalerei und wäre zu Beginn des 3. Jahrhunderts vor Christus erreicht worden, um das Grab zu dekorieren.

Skulptur

Detail aus dem Ahenobarbus Erleichterung zwei zeigen Römische Soldaten, c. 122 v. Chr
Abschnitt von Trajans Kolumne, 113 n. Chr. Mit Szenen aus dem Dacian Wars

Die frühe römische Kunst wurde von der Kunst Griechenlands und der des Nachbarn beeinflusst Etrusker, selbst stark von ihren griechischen Handelspartnern beeinflusst. Eine etruskische Spezialität war fast lebensgroße Grabbildnisse in Terrakotta, normalerweise auf a Sarkophag Der Deckel stützte sich in dieser Zeit auf einem Ellbogen in der Pose eines Diner. Als expandierende Römische Republik begann, griechisches Territorium zu erobern, zunächst in Süditalien und dann in der gesamten hellenistischen Welt außer der Parthian Fernost, offiziell und Patrizier Die Skulptur wurde größtenteils zu einer Erweiterung des hellenistischen Stils, aus dem speziell römische Elemente schwer zu entwirren sind, zumal die griechische Skulptur nur in Kopien der römischen Zeit überlebt.[35] Bis zum 2. Jahrhundert v. Chr. Waren "die meisten in Rom arbeitenden Bildhauer" griechisch,[36] oft in Eroberungen wie die von versklavt Korinth (146 v. Chr.) Und Bildhauer waren hauptsächlich Griechen, oft Sklaven, deren Namen sehr selten aufgezeichnet sind. Eine große Anzahl griechischer Statuen wurde nach Rom importiert, sei es als Beute oder Ergebnis von Erpressung oder Handel, und Tempel wurden oft mit wiederverwendeten griechischen Werken dekoriert.[37]

Ein einheimischer italienischer Stil ist in den Grabdenkmälen von wohlhabenden bürgerlichen Römern zu sehen, die sehr oft Porträtbüsten und vorstellten, und Porträtmalerei ist wohl die Hauptstärke der römischen Skulptur. Es gibt keine Überlebnisse aus der Tradition der Masken von Vorfahren, die in Prozessionen bei den Beerdigungen der großen Familien getragen und ansonsten im Haus ausgestellt wurden, aber viele der Büsten, die überleben Tomb of the Scipios oder die spätere Mausolea außerhalb der Stadt. Der berühmte Bronzekopf angeblich von Lucius Junius Brutus ist sehr unterschiedlich veraltet, aber als sehr seltenes Überleben von angesehen Kursiv Stil unter der Republik, im bevorzugten Medium Bronze.[38] Ähnlich strenge und kraftvolle Köpfe sind in den Münzen der Konsuln und in den kaiserlichen Periodenmünzen sowie in Büsten, die um das Imperium geschickt werden, um in die zu platzieren Basilikas von Provinzstädten waren die Haupt visuelle Form der kaiserlichen Propaganda; eben Londinium hatte eine kolosale Statue von Nero, obwohl weit kleiner als der 30 Meter hohe High Koloss von Nero In Rom, jetzt verloren.[39] Das Grab von Euryaces der Bäcker, ein erfolgreicher Freedman (c. 50-20 v. Chr.) hat a Fries Das ist ein ungewöhnlich großes Beispiel für den "plebejischen" Stil.[40] Die kaiserliche Porträt wurde zunächst hellenisiert und hoch idealisiert, wie in der Blacas Cameo und andere Porträts von Augustus.

Bogen von Konstantin, 315: Hadrian Löwenjagd (links) und Opfer (rechts), über einem Abschnitt des Konstantinischen Frieze, der den Kontrast der Stile zeigt.

Die Römer versuchten im Allgemeinen nicht, mit freistehenden griechischen Werken heldenhafter Exploits aus der Geschichte oder Mythologie zu konkurrieren, sondern produzierten von frühzeitlich historische Werke in Hilfe, gipfelt im Großen Römische Triumphsäulen mit kontinuierlichen narrativen Reliefs, die sich um sie kümmern, von denen diejenigen erinnern Trajan (113 n. Chr.) Und Marcus Aurelius (bis 193) überleben in Rom, wo die Ara Pacis ("Altar des Friedens", 13 v. Chr.) Steht für den offiziellen griechisch-römischen Stil in seiner klassischsten und raffinierten und die Sperlonga -Skulpturen es im Barock. Einige späte römische öffentliche Skulpturen entwickelten einen massiven, vereinfachten Stil, der manchmal sowjet erwartet Sozialistischer Realismus. Unter anderem sind die früheren wiederverwendeten Reliefs auf der Bogen von Konstantin und die Basis der Säule von Antoninus Pius (161),[41] Campana Reliefs waren billigere Keramikversionen von Marmorreliefs und der Geschmack für Erleichterung wurde von der kaiserlichen Periode auf den Sarkophag ausgeweitet.

Alle Formen von Luxusklassenkulpturen wurden weiterhin bevormundet, und Qualität könnte extrem hoch sein, wie im Silber Warren Cup, Glas Lycurgus Cupund große Kameen wie die Gemma Auguatea, Gonzaga Cameo und die "Großer Cameo von Frankreich".[42] Für einen viel größeren Teil der Bevölkerung, geformte Hilfsdekoration von Keramikschiffe und kleine Figuren wurden in großer Quantität und oft erhebliche Qualität hergestellt.[43]

Nach einer "Barock" -Phase aus dem späten 2. Jahrhundert,[44] Im 3. Jahrhundert wurde die römische Kunst weitgehend aufgegeben oder konnte sich in der klassischen Tradition einfach nicht produzieren, eine Veränderung, deren Ursachen weiterhin viel diskutiert werden. Selbst die wichtigsten kaiserlichen Denkmäler zeigten nun stumpfe, großäugige Figuren in einem harten Frontalstil, in einfachen Kompositionen, die die Macht auf Kosten der Gnade betonen. Der Kontrast wird berühmt in der dargestellt Bogen von Konstantin von 315 in Rom, das Abschnitte im neuen Stil mit kombiniert Runden im früheren vollen griechisch-römischen Stil von anderswo und der Vier Tetrarchen (c. 305) aus der neuen Hauptstadt von Konstantinopel, jetzt in Venedig. Ernst Kitzinger In beiden Denkmälern die gleichen "stumpfen Proportionen, Winkelbewegungen, eine Reihenfolge von Teilen durch Symmetrie und Wiederholung und eine Darstellung von Merkmalen und Drapierfalten durch Einschnitte und nicht modellieren ... Das Markenzeichen des Stils besteht, wo immer er erscheint, aus einer nachdrücklichen Härte , Schwere und Winkelität - kurz gesagt, eine fast vollständige Ablehnung der klassischen Tradition ".[45]

Diese Stilrevolution ging in Kürze der Zeit voraus, in der Christentum wurde vom römischen Staat und der großen Mehrheit der Menschen übernommen, was zum Ende der großen religiösen Skulptur führte und große Statuen, die jetzt nur für Kaiser verwendet wurden, wie in den berühmten Fragmenten eines kolossalen Akrolithikum Statue von Konstantinund das 4. oder 5. Jahrhundert Koloss von Barletta. Reiche Christen beauftragten jedoch weiterhin Erleichterungen für Sarcophagi, wie in der Sarkophag von Junius Bassusund eine sehr kleine Skulptur, insbesondere in Elfenbein, wurde von Christen fortgesetzt und baute auf dem Stil des Konsularisttychon.[46]

Büste von Antinous, c. 130 ad

Die traditionelle römische Skulptur ist in fünf Kategorien unterteilt: Porträt, historischer Relief, Grabreliefs, Sarkophag und Kopien der alten griechischen Werke.[49] Entgegen dem Glauben der frühen Archäologen waren viele dieser Skulpturen groß Polychrom Terrakotta Bilder wie der Apollo von Veii (Villa Givlia, Rom), aber die bemalte Oberfläche vieler von ihnen hat die Zeit abgenutzt.

Erzählungen

Während griechische Bildhauer traditionell militärische Ausbeutung durch die Verwendung mythologischer Allegorie illustrierte, verwendeten die Römer einen dokumentarischeren Stil. Römische Reliefs von Kampfszenen, wie die auf dem Säule von Trajan, wurden für die Verherrlichung der römischen Macht geschaffen, aber auch aus erster Hand Repräsentation von militärischen Kostümen und militärischen Ausrüstungen. Trajans Kolumne zeichnet die verschiedenen auf Dacian Wars unter der Leitung von Trajan In der heutigen Zeit Rumänien. Es ist das wichtigste Beispiel für römische historische Relief und einer der großen künstlerischen Schätze der Antike. Diese beispiellose Leistung, die über 650 Fuß spiralförmiger Länge ist, zeigt nicht nur realistisch gerenderte Personen (über 2.500 von ihnen), sondern auch Landschaften, Tiere, Schiffe und andere Elemente in einer kontinuierlichen visuellen Geschichte - tatsächlich einen alten Vorläufer eines dokumentarischen Films. Es überlebte die Zerstörung, als es als Basis für die christliche Skulptur angepasst wurde.[50] Während der christlichen Ära nach 300 n. Chr. Setzte sich die Dekoration von Türverkleidungen und Sarkophagi weiter, aber die Skulptur in voller Größe starb aus und schien in frühen Kirchen kein wichtiges Element zu sein.[10]

Dekorative Künste

Das Blacas Cameo von Augustus, von seinen letzten Jahren oder bald danach

Keramik und Terrakottas

Die Römer erbten eine Kunsttradition in einer Vielzahl der sogenannten "kleinen Künste" oder dekorative Kunst. Die meisten dieser blühten auf Luxusebene am beeindruckendsten, aber eine große Anzahl von Terrakotta Figuren, sowohl religiöse als auch säkulare Figuren, wurden weiterhin billig produziert sowie einige größere Campana Reliefs in Terrakotta.[51] Die römische Kunst benutzte keine Vase-Mainting in den Wege der alten Griechen, sondern Gefäße in Ancient Roman pottery wurden oft stilvoll in geformter Relief eingerichtet.[52] Produzenten der Millionen von kleinen Ol Lampen verkauft scheinen sich auf attraktive Dekorationen zu verlassen, um Konkurrenten zu schlagen, und jedes Thema römischer Kunst außer Landschaft und Porträt ist in der Miniatur zu finden.[53]

Glas

Verschiedene Römische Glaswares auf dem ausgestellt am Metropolitan Museum of Art

Zu den Luxuskunst gehörten schickes Romanglas in einer Vielzahl von Techniken, von denen viele kleinere Arten für einen guten Teil der römischen Öffentlichkeit wahrscheinlich erschwinglich waren. Dies war sicherlich nicht der Fall bei den extravagantesten Glasstypen wie der Käfigbecher oder Diatretavon dem der Lycurgus Cup in dem Britisches Museum ist ein nahezu eindeutiges figuratives Beispiel in Glas, das die Farbe verändert, wenn sie durch Licht durchläuft. Der Augustaner Portland Vase ist das Meisterwerk von Roman Cameo -Glas,[54] und imitierte den Stil des großen Gravierte Edelsteine (Blacas Cameo, Gemma Auguatea, Großer Cameo von Frankreich) und andere Hardstone -Schnitzereien Das war auch in dieser Zeit am beliebtesten.[55]

Mosaik

Römischer Mosaik von weiblichen Athleten, die Ball am Ball spielen Villa Romana del Casale von Piazza armerina, Römische Sizilien, 4. Jahrhundert n. Chr.

Das römische Mosaik war eine kleine Kunst, obwohl sie oft in großem Maßstab bis zum Ende der Zeit, als Christen am Ende des 4. Jahrhunderts begannen, sie für große religiöse Bilder an Wänden in ihren neuen großen Kirchen zu verwenden. In früheren römischen Kunst wurde Mosaik hauptsächlich für Böden, gekrümmte Decken und Innen- und Außenwände verwendet, die nass wurden. Die berühmte Kopie eines hellenistischen Gemäldes in der Alexander Mosaic in Neapel wurde ursprünglich in einen Boden in eingelegt Pompeji; Dies ist eine viel höhere Arbeit als die meisten römischen Mosaik, wenn auch sehr feine Panels, oft von Stillleben Probanden in klein oder Mikromosaik Tesserae haben auch überlebt. Die Römer unterschieden zwischen Normal Opus Tessellatum mit Tesserae Meistens über 4 mm, was vor Ort gelegt wurde, und feiner Opus Vermiculatum Für kleine Panels, von denen angenommen wird, dass sie in einem Workshop außerhalb des Standorts hergestellt wurden, und als fertiges Panel auf die Baustelle gebracht wurden. Letzteres war ein hellenistisches Genre, das in Italien zwischen etwa 100 v. Chr. Und 100 n. Chr. Vorkommt. Die meisten signierten Mosaiken haben griechische Namen, was darauf hindeutet, dass die Künstler meistens griechisch blieben, obwohl wahrscheinlich oft Sklaven in Workshops ausgebildet wurden. Das Ende des 2. Jahrhunderts v. Chr. Nilmosaik von Palestrina ist ein sehr großes Beispiel für das beliebte Genre von Nilotische Landschaft, während das 4. Jahrhundert Gladiator Mosaik In Rom zeigt mehrere große Figuren im Kampf.[56] Orpheus -Mosaike, oft sehr groß, waren ein weiteres beliebtes Thema für Villen, mit mehreren wilden Tieren, die von gezähmt wurden Orpheus'S spiele Musik. Im Übergang zur byzantinischen Kunst übernahm die Jagdszenen große Tierszenen.

Metallarbeiten

Die Metallarbeiten waren hoch entwickelt und eindeutig ein wesentlicher Bestandteil der Häuser der Reichen, die Silber abgießen, während sie oft aus Glas trinken, und aufwändige Gussarmaturen für Möbel, Schmuck und kleine Figuren hatten. Eine Reihe wichtiger Horten In den letzten 200 Jahren, hauptsächlich aus den gewalttätigeren Rändern des verstorbenen Reiches, haben wir uns eine viel klarere Vorstellung von römischer Silberplatte gegeben. Das Mildenhall Treasure und Hoxne Hoard sind beide von Ostanglien in England.[57] Es gibt nur wenige Überlebensmarket Alte römische Möbel, aber diese zeigen raffiniert und elegantes Design und Ausführung.

Münzen und Medaillen

Hadrian, mit "restitvtori achaiae" auf der Rückseite, und feierte seine Ausgaben in Achaia (Griechenland) und die Qualität gewöhnlicher Bronzemünzen, die von der Massenpopulation verwendet wurden, und daher die Verschleiß in höheren Gebieten.

Wenig Römische Münzen Erreichen Sie die künstlerischen Gipfel der besten griechischen Münzen, aber sie überleben in großer Zahl und ihre Ikonographie und Inschriften bilden eine entscheidende Quelle für das Studium der römischen Geschichte und die Entwicklung der kaiserlichen Ikonographie sowie viele gute Beispiele für Porträts. Sie drangen in die ländliche Bevölkerung des gesamten Reiches und darüber hinaus ein, wobei Barbaren am Rande des Imperiums ihre eigenen Kopien machten. In den Empire -Medaillons in Edelmetallen wurden in kleinen Ausgaben als kaiserliche Geschenke produziert, die Münzen ähnlich sind, wenn auch größer und normalerweise feiner in der Ausführung. Bilder in Münzen folgten zunächst griechischen Stilen, mit Göttern und Symbolen, aber im Todesstörungen der Republik zuerst Pompejus und dann Julius Caesar erschien auf Münzen, und Porträts des Kaisers oder Mitglieder seiner Familie wurden zu Standard für kaiserliche Münzen. Die Inschriften wurden für Propaganda verwendet, und im späteren Reich schloss sich die Armee dem Kaiser als Begünstigter an.

Die Architektur

Im Bereich der Architektur produzierte die römische Kunst ihre größten Innovationen. Weil das Römische Reich sich über ein so großes Gebiet erstreckte und so viele urbanisierte Gebiete umfasste, entwickelten römische Ingenieure Methoden für Citybuilding in großem Maßstab, einschließlich der Verwendung von Beton. Massive Gebäude wie die Pantheon und die Kolosseum hätte niemals mit früheren Materialien und Methoden konstruiert werden können. Obwohl Beton im Nahen Osten tausend Jahre zuvor erfunden worden war, verlängerten die Römer ihre Verwendung von Befestigungen auf ihre beeindruckendsten Gebäude und Denkmäler, wodurch die Stärke und die geringen Kosten des Materials profitiert.[58] Der Betonkern war mit einem Gips-, Ziegel-, Stein- oder Marmorfurnier bedeckt, und es wurde häufig hinzugefügt, dass dekorative Polychrom und goldverdildete Skulptur zu einem schillernden Effekt von Macht und Wohlstand hinzugefügt wurden.[58]

Aufgrund dieser Methoden ist die römische Architektur legendär für die Haltbarkeit ihrer Konstruktion. Mit vielen Gebäuden, die noch stehen und einige noch in Gebrauch genutzt wurden, wurden hauptsächlich Gebäude in der christlichen Zeit in Kirchen umgewandelt. Viele Ruinen wurden jedoch von ihrem Marmorfurnier beraubt und bleiben mit ihrem Betonkern freigelegt, wodurch sich die Größe und Größe von ihrem ursprünglichen Erscheinungsbild, wie beispielsweise mit der Basilika von Konstantin, etwas verringert.[59]

Während der republikanischen Ära kombinierte die römische Architektur griechische und etruskische Elemente und produzierte Innovationen wie den runden Tempel und den gebogenen Bogen.[60] Als die römische Macht im frühen Reich wuchs, eröffneten die ersten Kaiser den Großhandel der Slums, um große Paläste auf dem Palatine Hill und in den nahe gelegenen Gebieten zu bauen, was Fortschritte bei den technischen Methoden und in großem Umfang erforderte. Römische Gebäude wurden dann in der kommerziellen, politischen und sozialen Gruppierung gebaut, die als Forum bekannt ist, das von Julius Caesar war der erste und mehrere später hinzugefügt, wobei das Forum Romanum das berühmteste war. Die größte Arena der römischen Welt, die Kolosseum, wurde am anderen Ende dieses Forums rund 80 n. Chr. Fertig. Es hielt über 50.000 Zuschauer, hatte einen einziehbaren Stoffabdeckungen für Schatten und konnte massive Brillen einschließlich riesiger Gladiatorialwettbewerbe und scheinigen Marineschlachten inszenieren. Dieses Meisterwerk der römischen Architektur verkörpert die Effizienz des römischen Ingenieurwesens und enthält alle drei Architekturordnungen - dorisch, ionisch und korinthisch.[61] Weniger gefeierter, aber genauso wichtig, wenn nicht mehr für die meisten römischen Bürger, war der fünfstöckige Insula oder Stadtblock, das römische Äquivalent eines Wohngebäudes, in dem Zehntausende Römer untergebracht waren.[62]

Römisches Theater in Mérida

Es war während der Regierungszeit von Trajan (98–117 n. Chr.) Und Hadrian (117–138 n. Chr. Besprechungshäuser, Gärten, Aquädukte, Bäder, Paläste, Pavillons, Sarkophag und Tempel.[50] Die römische Verwendung der Bogen, die Verwendung von Beton Gebäudemethoden, die Verwendung der Kuppel Alle erlaubten Bauwahlen Decken und ermöglichten den Bau dieser öffentlichen Räume und Komplexe, einschließlich der Paläste, öffentliche Bäder und Basilikas des "goldenen Zeitalters" des Reiches. Hervorragende Beispiele für die Kuppelkonstruktion sind die Pantheon, das Bäder von Diokletian, und die Bäder von Caracalla. Das Pantheon (dem alle Planetengötter gewidmet ist) ist der am besten erhaltene Tempel der Antike mit einer intakten Decke mit einem offenen "Auge" in der Mitte. Die Höhe der Decke entspricht genau dem Innenradius des Gebäudes und erzeugt ein hemisphärisches Gehäuse.[59] Diese großen Gebäude dienten später als inspirierende Modelle für Architekten der italienischen Renaissance, wie z. Brunelleschi. Nach dem Alter von Konstantin (306-337 n. Chr.) Fand die letzten großartigen Bauprogramme in Rom statt, einschließlich der Errichtung der Bogen von Konstantin gebaut in der Nähe des Kolosseum, die einige Steinarbeiten aus dem Forum in der Nähe recycelten, um eine vielseitige Mischung aus Stilen zu produzieren.[13]

Römische Aquädukteauch basierend auf dem Bogen waren im Reich und wesentlichen Wassertransportern in großen städtischen Gebieten alltäglich. Ihre stehenden Mauerwerksreste sind besonders beeindruckend, wie die Pont du Gard (mit drei Stufen von Bögen) und der Aquädukt von Segoviaals stumme Aussage für ihre Qualität und Konstruktion.[61]

Siehe auch

Verweise

Zitate

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Externe Links