Rockmusik
Rockmusik ist ein breites Genre von Populärmusik das entstand als "Rock'n'Roll"In den Vereinigten Staaten in den späten 1940er und frühen 1950er Jahren entwickelte sich Mitte der 1960er Jahre und später, insbesondere in den USA und im Vereinigten Königreich, zu einer Reihe verschiedener Stile.[3] Es hat seine Wurzeln in den 1940er und 1950er Jahren Rock and Roll, ein Stil, der direkt aus dem stammt Blues und Rhythmus und Blues Genres von Afroamerikanische Musik und von Land musik. Rockmusik stützte sich auch stark von einer Reihe anderer Genres wie Elektrischer Blues und Volk, und integrierte Einflüsse von Jazz, klassische und andere Musikstile. Für die Instrumentierung hat sich Rock auf die E -Gitarre konzentriert, normalerweise als Teil einer Rockgruppe mit elektrischer Bass, Schlagzeug und eine oder mehrere Sänger. Normalerweise ist Rock Song-basierte Musik mit einem 4
4 Zeitstempel Verwendung einer Vers -Chorus -Form, aber das Genre ist extrem vielfältig geworden. Wie Popmusik betonen Texte oft romantische Liebe, sondern wenden sich auch an eine Vielzahl anderer Themen, die häufig sozial oder politisch sind.
Rockmusiker Mitte der 1960er Jahre begannen, die voranzutreiben Album Vor dem Single als dominante Form des aufgezeichneten Musikausdrucks und -verbrauchs mit die Beatles An der Spitze dieser Entwicklung. Ihre Beiträge liehen dem Genre eine kulturelle Legitimität in der Mainstream und initiierte eine Gesteinsformation Album -Ära in der Musikindustrie für die nächsten Jahrzehnte. In den späten 1960er Jahren "Klassischer Rock"[3] Periode, eine Reihe verschiedener Rockmusik -Subgenres, waren entstanden, einschließlich Hybriden wie Blues Rock, Schlager-Rock, Country Rock, Southern Rock, Raga Rock, und Jazz Rock, von denen viele zur Entwicklung von beitrugen Psychedelic Rock, was von der beeinflusst wurde Gegenkulturelle Psychedelic- und Hippie -Szene. Neue Genres, die entstanden sind progressive Rock, was die künstlerischen Elemente erweiterte, Glamgestein, die Showmanship und visuelles Stil und das vielfältige und dauerhafte Subgenre von hervorgehoben haben Schwermetall, die Volumen, Kraft und Geschwindigkeit betonte. In der zweiten Hälfte der 1970er Jahre,, Punk Rock reagiert durch die Herstellung von abgespeckten, energetischen sozialen und politischen Kritiken. Punk war in den 1980er Jahren Einfluss auf neue Welle, Post-Punk und schließlich alternativer Rock.
Ab den 1990er Jahren begann Alternative Rock, Rockmusik zu dominieren und in den Mainstream in Form von zu brechen Grunge, Britpop, und indie Rock. Weitere Fusion -Subgenres sind seitdem entstanden, einschließlich Pop -Punk, elektronischer Gestein, Rap -Rock, und Rap -Metallsowie bewusste Versuche, die Geschichte von Rock zu überdenken, einschließlich der Garage Rock/Post-Punk und Techno-Pop Wiederbelebung in den 2000er Jahren. Die 2010er Jahre verzeichneten einen langsamen Rückgang der Mainstream -Popularität und der kulturellen Relevanz der Rockmusik mit Hip Hop Übertret es als das beliebteste Genre in den Vereinigten Staaten.
Rockmusik hat auch als Mittel für kulturelle und soziale Bewegungen verkörpert und dient, was zu wichtigen Subkulturen führt, einschließlich Modifikationen und Rocker im Vereinigten Königreich und der Hippie Gegenkultur, die sich ausbreitete San Francisco in den USA in den 1960er Jahren. Ebenso 1970er Jahre Punkkultur brachte die Goth, Punk, und Emo Subkulturen. Erben der Volkstradition der Protestlied, Rockmusik wurde sowohl mit politischem Aktivismus als auch mit Veränderungen der sozialen Einstellungen zu Rasse, Sex und Drogenkonsum in Verbindung gebracht und wird oft als Ausdruck des Jugendaufruhrs gegen Erwachsene angesehen Konsumismus und Konformität. Gleichzeitig war es kommerziell sehr erfolgreich und führte zu Gebühren von ausverkaufend.
Eigenschaften
Eine gute Definition von Rock ist in der Tat, dass es sich um populäre Musik handelt, die sich bis zu einem gewissen Grad nicht darum kümmert, ob es populär ist.
—Bill Wyman in Geier (2016)[4]
Der Klang von Rock konzentriert sich traditionell auf die verstärkt E -Gitarre, die in den 1950er Jahren in seiner modernen Form mit der Popularität von Rock'n'Roll auftrat.[5] Außerdem wurde es von den Klängen von beeinflusst Elektrischer Blues Gitarristen.[6] Der Sound einer E -Gitarre in Rockmusik wird normalerweise von einer E -Bass -Gitarre unterstützt, die in derselben Zeit Pionierarbeit in Jazzmusik hat.[7] und Percussion aus einem Drum -Kit, das Schlagzeug und Becken kombiniert.[8] Dieses Trio von Instrumenten wurde oft durch die Aufnahme anderer Instrumente, insbesondere durch Tastaturen wie das Klavier, ergänzt Hammond -Orgel, und die Synthesizer.[9] Die grundlegende Rockinstrumentierung wurde von der Basis abgeleitet Blues Bandinstrumentation (prominente Leadgitarre, zweites Akkordinstrument, Bass und Schlagzeug).[6] Eine Gruppe von Musikern, die Rockmusik aufführen, wird als Rockband oder Rockgruppe bezeichnet. Darüber hinaus besteht es typischerweise zwischen drei (dem Power Trio) und fünf Mitglieder. Klassischerweise nimmt eine Rockband die Form von a Quartett deren Mitglieder decken eine oder mehrere Rollen ab, einschließlich Sänger, Leadgitarrist, Rhythmusgitarrist, Bassgitarrist, Schlagzeuger und oft Keyboardspieler oder ein anderer Instrumentalist.[10]
4 Drum -Muster in Rockmusik üblich
Spielen (Hilfe·die Info) Rockmusik basiert traditionell auf einer Grundlage einfacher synkopierter Rhythmen in a 4
4 Meter, mit einer sich wiederholenden Snare -Trommel Back Beat auf Beats zwei und vier.[11] Melodien stammen oft von älter Musikalische Modi so wie die Dorian und Mixolydian, ebenso gut wie Haupt und unerheblich Modi. Harmonien reichen von den gemeinsamen Triade parallel Perfekte Vierter und Fünftel und dissonante harmonische Fortschritte.[11] Seit Ende der 1950er Jahre,[12] und insbesondere ab Mitte der 1960er Jahre verwendete Rockmusik oft die Vers-Chorus-Struktur Abgeleitet von Blues- und Volksmusik, aber es gab beträchtliche Unterschiede von diesem Modell.[13] Kritiker haben die Eklektizismus und die stilistische Vielfalt von Rock betont.[14] Aufgrund seiner komplexen Geschichte und seiner Tendenz, sich von anderen musikalischen und kulturellen Formen auszuleihen, wurde argumentiert, dass "es unmöglich ist, Rockmusik an eine streng beschriebene musikalische Definition zu binden".[15] Nach Meinung des Musikjournalisten Robert Christgau, "die besten Felsenstümpfe Volkskunst Tugenden - Registrierung, Dienstprogramm, natürliches Publikum - in der Gegenwart mit Aufnahmen moderner Technologie und Modernist Dissoziation".[16]
Rock and Roll wurde als Auslass für jugendliche Sehnsüchte konzipiert ... es ist auch eine ideale Möglichkeit, Rock' Schnittpunkte von Sex, Liebe, Gewalt und Spaß, um die Freuden und Grenzen von zu übertragen der regionaleund um mit den Defadationen und Vorteilen von zu umgehen Massenkultur selbst.
—Robert Christgau in Christgaus Rekordführer (1981)[17]
Im Gegensatz zu vielen früheren Stilen der populären Musik haben sich Rock -Texte mit einer Vielzahl von Themen befasst, darunter romantische Liebe, Sex, Rebellion gegen ".Die Einrichtung", soziale Bedenken und Lebensstile.[11] Diese Themen wurden aus einer Vielzahl von Quellen wie dem vererbt Zinnpfanne Gasse Pop -Tradition, Volksmusik und Rhythmus und Blues.[18] Christgau charakterisiert Rock -Texte als "cooles Medium" mit einfachem Diktion und wiederholten Refrains und behauptet, dass Rocks primäre "Funktion" "" Musik "oder allgemeiner, allgemeiner bezieht. Lärm. "[19] Die Vorherrschaft von weißen, männlichen und oft Mittelklasse -Musikern in Rockmusik wurde oft festgestellt,[20] Und Rock wurde als Aneignung schwarzer musikalischer Formen für ein junges, weißes und weitgehend männliches Publikum angesehen.[21] Infolgedessen wurde auch gesehen, dass es die Bedenken dieser Gruppe sowohl in Stil als auch in den Texten artikuliert.[22] Christgau, der 1972 schrieb, sagte trotz einiger Ausnahmen: "Rock'n'Roll impliziert normalerweise eine Identifizierung männlicher Sexualität und Aggression."[23]
Da der Begriff "Rock" aus den späten 1960er Jahren als "Rock and Roll" verwendet wurde, wurde er normalerweise mit Popmusik im Gegensatz über Musiker, Live -Performance und einen Fokus auf ernsthafte und progressive Themen als Teil einer Ideologie von Authentizität Das wird häufig mit einem Bewusstsein für die Geschichte und Entwicklung des Genres kombiniert.[24] Entsprechend Simon Frith, Rock war "etwas mehr als Pop, etwas mehr als Rock'n'Roll" und "[R] Ock -Musiker kombinierten einen Schwerpunkt auf Geschicklichkeit und Technik mit dem romantischen Konzept der Kunst als künstlerischer Ausdruck, originell und aufrichtig".[24]
Im neuen Jahrtausend der Begriff Felsen wurde gelegentlich als verwendet Deckenbegriff einschließlich Formen wie Popmusik, Reggae-Musik, Soul Musik, und sogar Hip Hop, mit dem es beeinflusst wurde, aber oft durch einen Großteil seiner Geschichte kontrastiert wurde.[25] Christgau hat den Begriff allgemein verwendet, um auf Populär zu beziehen und Semipopuläre Musik Das ist seine Sensibilität als "Rock'n'Roller", einschließlich einer Vorliebe für einen guten Beat, eine sinnvolle Lyrik mit etwas Witz und das Thema Jugend, das eine "ewige Attraktion" so objektiv "hat, dass alle Jugendmusik teils an der soziologie und der Feldbericht. "Schreiben in Christgaus Rekordhandbuch: Die 80er Jahre (1990) sagte er, diese Sensibilität sei in der Musik des Folk-Singer-Songwriters offensichtlich Michelle schockierte, Rapper Ll cool j, und Synth-Pop-Duo Pet Shop Boys- "Alle Kinder, die ihre Identität ausarbeiten" - wie in der Musik von Chuck Berry, The Ramones, und die Ersatz.[26]
Ende der 1940er bis 1960er Jahre
Rock'n'Roll
Die Fundamente der Rockmusik befinden sich in Rock'n'Roll, die in den USA in den späten 1940er und frühen 1950er Jahren stammen und sich schnell auf einen Großteil des Restes der Welt ausbreiteten. Seine unmittelbaren Ursprünge lagen in einer Verschmelzung verschiedener Schwarzes Musical Genres der Zeit, einschließlich Rhythmus und Blues und Kirchenmusik, mit Country und Western.[27] Im Jahr 1951, Cleveland, Ohio Discjockey Alan befreit begann Rhythmus- und Blues -Musik zu spielen (dann bezeichnet. "Rennmusik") Für ein multisassisches Publikum und wird zuerst mit dem Ausdruck" Rock and Roll "zugeschrieben, um die Musik zu beschreiben.[28]
Die Debatte umgibt die vielen Aufnahmen, die als "die vorgeschlagen wurden Erster Rock'n'Roll -Rekord". Zu den Anwärtern gehören Wynonie Harris'"Gutes Schaukeln heute Abend"(1948);[29] Goree Carter"S" Rock a andle thewhe "(1949);[30] Jimmy Preston's "Das Gelenk rocken"(1949), das später war bedeckt durch Bill Haley & seine Kometen 1952;[31] und "Rakete 88" durch Jackie Brenston und seine Delta -Katzen (in der Tat, Ike Turner und seine Band die Könige des Rhythmus), aufgenommen von Sam Phillips zum Sonnenaufzeichnungen 1951.[32] Vier Jahre später, Bill Haley's "Rocken rund um die Uhr"(1955) war der erste Rock'n'Roll -Song, der an die Spitze steht Werbetafel Die wichtigsten Verkaufs- und Airplay -Charts des Magazins und öffnete die Tür weltweit für diese neue Welle der Populärkultur.[33][34]
Es wurde auch argumentiert, dass "Das ist in Ordnung (Mama)"(1954), Elvis Presley's erste Single für Sun Records in Memphiskönnte der erste Rock'n'Roll -Rekord sein,[35] aber zur selben Zeit, Big Joe Turner's "Schütteln, rasseln und rollen"später von Haley bedeckt, stand bereits ganz oben auf dem Billboard R & B Charts. Andere Künstler mit frühen Rock'n'Roll -Hits enthalten Chuck Berry, Bo Diddley, Fette Domino, Kleiner Richard, Jerry Lee Lewis, und Gene Vincent.[32] Bald war Rock and Roll die wichtigste Kraft im amerikanischen Rekordverkauf und der Verkauf von amerikanischem Rekord und Crooner, wie zum Beispiel Eddie Fisher, Perry Como, und Patti -Seite, der das vergangene Jahrzehnt der populären Musik dominiert hatte, fand ihren Zugang zu den Pop -Charts erheblich eingeschränkt.[36]
Rock and Roll wurde zu einer Reihe unterschiedlicher Subgenres angesehen, darunter Rockabilly, die Rock' Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly Und mit dem größten kommerziellen Erfolg Elvis Presley.[37] Hispanic und Latino American Bewegungen in Rock and Roll, die schließlich zum Erfolg von führen würden Lateinischer Stein und Chicano Rock in den USA begann sich zu erheben der Südwesten; mit Rock'n'Roll -Standardmusiker Ritchie Valens und sogar diejenigen innerhalb anderer Erbe -Genres, wie z. Al Hurricane Zusammen mit seinen Brüdern Tiny Morrie und Baby Gaby, als sie anfingen, Rock'n'Roll mit Land zu kombinieren-Western Innerhalb traditioneller New Mexico Musik.[38] Andere Stile mögen Doo Wop legte einen Schwerpunkt auf mehrteiligen Gesangsharmonien und Backing-Texten (aus dem das Genre später seinen Namen erhielt), die normalerweise mit leichten Instrumenten unterstützt wurden und in den 1930er und 1940er Jahren afroamerikanische Gesangsgruppen Ursprünge hatten.[39] Verhält sich wie die Krähen, Die Pinguine, die El Dorados und die Turbane Alle erzielten wichtige Hits und Gruppen mögen die Platten, mit Songs einschließlich "Der große Pretender"(1955),[40] und die Untersetzer mit humorvollen Liedern wie "Yakety Yak"(1958),[41] Eingestuft zu den erfolgreichsten Rock'n'Roll -Acts dieser Zeit.[42]
Die Ära sah auch das Wachstum der Beliebtheit der elektrische Gitarreund die Entwicklung eines speziell rockigen Rollstils des Spielens durch Exponenten wie Chuck Berry, Link Wray, und Scotty Moore.[43] Die Verwendung von Verzerrung, Pionierarbeit von Elektrischer Blues Gitarristen wie Gitarre schlank,[44] Willie Johnson und Pat Hare In den frühen 1950er Jahren,[45] wurde Mitte der 1950er Jahre von Chuck Berry populär gemacht.[46] Die Verwendung von Machtakkorde, Pioniere von Willie Johnson und Pat Hare in den frühen 1950er Jahren,[45] wurde Ende der 1950er Jahre von Link Wray populär gemacht.[47]
Im Vereinigten Königreich die Trad Jazz und Volk Bewegungen brachten Besuch Blues Künstler nach Großbritannien.[48] Lonnie Donegan'S 1955 Hit "Rock Island Line"war ein großer Einfluss und half bei der Entwicklung des Trends von Kiffelmusik Gruppen im ganzen Land, von denen viele, einschließlich John Lennon's Steinbraumen, ging weiter, um Rock'n'Roll zu spielen.[49]
Die Kommentatoren haben in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren traditionell einen Rückgang von Rock'n'Roll wahrgenommen. Bis 1959 der Tod von Buddy Holly, der große Bopper und Ritchie Valens bei einem Flugzeugabsturz, der Abreise von Elvis gegen die Armee, der Rücktritt von Little Richard, Prediger zu werden, Strafverfolgung von Jerry Lee Lewis und Chuck Berry und das Brechen des Schmiergeld Der Skandal (der die Hauptfiguren, einschließlich Alan Freed, in Bestechung und Korruption bei der Förderung einzelner Handlungen oder Lieder verwickelte) gab das Gefühl, dass die an diesem Zeitpunkt festgelegte Rock'n'Roll -Ära zu Ende war.[50]
Pop Rock und Instrumental Rock
Der Begriff Pop Seit dem frühen 20. Jahrhundert wurde sie im Allgemeinen auf Populärmusik verwendet, aber ab Mitte der 1950er Jahre wurde es für ein eigenes Genre verwendet, das auf einen Jugendmarkt gerichtet war und oft als weichere Alternative zu Rock'n'Roll charakterisiert wurde.[51][52] Ab 1967 wurde es zunehmend im Gegensatz zu dem Begriff Rockmusik verwendet, um eine Form zu beschreiben, die kommerzieller, kurzlebiger und zugänglich war.[24] Im Gegensatz dazu wurde Rockmusik als konzentriert sich auf erweiterte Werke, insbesondere Alben, häufig mit bestimmten Subkulturen (wie dem Gegenkultur der 1960er Jahre), legte einen Schwerpunkt auf künstlerischen Werten und "Authentizität", betonte Live -Performance und instrumentelle oder vokale Virtuosität und wurde oft als zusammenfassende progressive Entwicklungen angesehen, anstatt nur vorhandene Trends widerzuspiegeln.[24][51][52][53] Trotzdem war viel Pop- und Rockmusik in Klang, Instrumentierung und sogar lyrischen Inhalten sehr ähnlich.[NB 1]
Die Zeit der späteren 1950er und frühen 1960er Jahre wurde traditionell als Ära der Pause für Rock'n'Roll angesehen.[57] In jüngerer Zeit einige Autoren[Wieselwörter] haben wichtige Innovationen und Trends in dieser Zeit betont, ohne die zukünftige Entwicklungen nicht möglich gewesen wären.[58][59] Während früher Rock'n'Roll, insbesondere durch das Aufkommen von Rockabilly, den größten kommerziellen Erfolg für männliche und weiße Darsteller in dieser Zeit, wurde das Genre von schwarzen und weiblichen Künstlern dominiert. Rock and Roll war Ende der 1950er Jahre nicht verschwunden, und ein Teil seiner Energie ist in der zu sehen Twist Tanzschau Chubby Checker.[59][NB 2]
Cliff Richard hatte den ersten British Rock and Roll Getroffen mit "Bewege es", effektiv den Klang von einleiten Britischer Rock.[62] Zu Beginn der 1960er Jahre seine Hintergrundgruppe die Schatten war die erfolgreichste Gruppenaufzeichnungsinstrumentals.[63] Während Rock 'n' Roll in leichte Pop- und Balladen verblasste, britisch Rockgruppen bei Clubs und lokalen Tänzen, stark von Blues-Rock-Pionieren wie möglich beeinflusst Alexis Korner, begannen mit einer Intensität zu spielen und selten in weißen amerikanischen Acts zu finden.[64]
Auch bedeutend war das Aufkommen von Soul Musik als große kommerzielle Kraft. Sich aus Rhythmus und Blues mit einer Neuinjektion von Gospelmusik und Pop entwickeln, angeführt von Pionieren wie Ray Charles und Sam Cooke ab Mitte der 1950er Jahre,[65] In den frühen 1960er Jahren wie wie Marvin Gaye, James Brown, Aretha Franklin, Curtis Mayfield und Stevie Wonder dominierten die R & B -Diagramme und brachen in die Haupt -Pop -Charts ein, um ihre Desegregation zu beschleunigen, während Motown und STAX/Volt Aufzeichnungen wurden zu Hauptkräften in der Rekordindustrie.[66][NB 3] Einige Musikhistoriker[Wieselwörter] haben auch auf wichtige und innovative technische Entwicklungen hingewiesen, die in dieser Zeit auf Rock'n'Roll basieren, einschließlich der elektronischen Behandlung von Sound durch Innovatoren wie Joe Meekund die aufwändigen Produktionsmethoden der Schallwand verfolgt bei Phil Spector.[59]
Surfmusik
Das instrumentelle Rock and Roll von Darstellern wie Duane Eddy, Link Wray und die Unternehmungen wurde entwickelt von Dick Dale, der unverwechselbar "nass" hinzufügte Hall, schnelle alternative Auswahl und Nahen Osten und Mexikaner Einflüsse. Er produzierte den regionalen Hit "Lass uns trippin gehen '"1961 und startete den Surf Music -Wahnsinn und folgte mit Songs wie"Misirlou"(1962).[68] Wie Dale und sein Del-TonesDie meisten frühen Surfbands wurden in Südkalifornien gegründet, einschließlich der Bel-Spairs, das Herausforderer, und Eddie & The Showmen.[68] Die Chantays erzielte einen Top Ten National Treffer mit "Pipeline"1963 und wahrscheinlich die bekannteste Surf -Melodie war 1963"Auslöschen", bis zum Surfaris, die Nummer 2 und Nummer 10 auf der Werbetafel Charts im Jahr 1965.[69]
Surfmusik erzielte ihren größten kommerziellen Erfolg als Vokalmusik, insbesondere die Arbeit von The Beach Boys1961 in Südkalifornien gegründet. Zu ihren frühen Alben gehörten sowohl Instrumental Surf Rock (darunter Musikabdeckungen von Dick Dale) als auch Vocal -Songs, die auf Rock' Doo Wop und die engen Harmonien von Vokal -Pop -Acts wie die Vier Neulinge.[70] Die erste Charts der Beach Boys traf auf ","Surfen '"1962 erreichte die Werbetafel Top 100 und half dabei, die Surfmusik zu einem nationalen Phänomen zu machen.[71] Es wird oft argumentiert, dass die Surfmusik und die Karriere fast aller Surfakte effektiv durch die Ankunft der britischen Invasion von 1964 beendet wurden, da die meisten Surfmusik -Hits zwischen 1961 und 1965 aufgenommen und veröffentlicht wurden.[72][NB 4]
Mitte der 1960er-Jahre 1980er Jahre
Britische Invasion
Bis Ende 1962 wurde die britische Rockszene begonnen Beat -Gruppen wie die Beatles, Gerry & die Herzschrittmacher und die Sucher aus Liverpool und Freddie und die Träumer, Hermans Ermits und die Hollies von Manchester. Sie stützten sich auf eine breite Palette amerikanischer Einflüsse, darunter Rock and Roll, Soul, Rhythmus und Blues der 1950er Jahre und Surfmusik.[73] Zunächst interpretieren Sie Standard -amerikanische Melodien und spielen Sie für Tänzer. Bands mögen die Tiere aus Newcastle und Sie aus Belfast,[74] und besonders die aus London wie die Rolling Stones und die Yardbirds, wurden viel direkter von Rhythmus und Blues und später Bluesmusik beeinflusst.[75] Bald komponierten diese Gruppen ihr eigenes Material, kombinierten uns Musikformen und infusierten es mit einem hohen Energieschlag. Beat Bands tendierten zu "Bouncy, unwiderstehlichen Melodien", während er frühzeitig Britischer Blues Acts tendierten zu weniger sexuell unschuldigen, aggressiveren Liedern und nahmen oft eine Anti-Establishment-Haltung ein. Insbesondere in den frühen Stadien gab es jedoch erhebliche musikalische Crossover zwischen den beiden Tendenzen.[76] Bis 1963, angeführt von den Beatles, hatten Beat -Gruppen begonnen, in Großbritannien den nationalen Erfolg zu erzielen, und es wurde bald von den mehr Rhythmus- und Blues -fokussierten Acts in die Charts eingehalten.[77]
"Ich möchte deine Hand halten"War die erste Nummer eins der Beatles auf die Werbetafel Heiß 100,[78] sieben Wochen an der Spitze und insgesamt 15 Wochen auf der Tabelle verbringen.[79][80] Ihr erster Auftritt auf Die Ed Sullivan Show Am 9. Februar 1964 gilt das Zeichnen von geschätzten 73 Millionen Zuschauern (zu dieser Zeit ein Rekord für ein amerikanisches Fernsehprogramm) als Meilenstein in der amerikanischen Popkultur angesehen. In der Woche vom 4. April 1964 hielten die Beatles 12 Positionen auf dem Werbetafel Heiß 100 Singles Chart, einschließlich der gesamten Top 5. Die Beatles wurden die meistverkaufte Rockband aller Zeiten und wurden von zahlreichen britischen Bands in die US -Charts verfolgt.[76] In den nächsten zwei Jahren dominierten britische Acts ihre eigenen und die US -Charts mit Peter und Gordon, die Tiere,[81] Manfred Mann, Petula Clark,[81] Freddie und die Träumer, Wayne Fontana und die Mindbenders, Hermans Ermits, die Rolling Stones,[82] Die Troggs, und Donovan[83] Alle haben einen oder mehrere Singles Nummer eins.[79] Andere wichtige Handlungen, die Teil der Invasion waren die Knicke und der Dave Clark fünf.[84][85]
Die britische Invasion trug dazu bei, die Produktion von Rock'n'Roll zu internationalisieren und die Tür für nachfolgende britische (und irische) Darsteller zu öffnen, um internationalen Erfolg zu erzielen.[86] In Amerika hat es wohl das Ende der instrumentellen Surfmusik, der vokalen Mädchengruppen und (für eine Zeit) die Teen IdoleDas hatte die amerikanischen Charts in den späten 1950er und 1960er Jahren dominiert.[87] Es hat die Karrieren etablierter R & B -Acts wie in die Gegenleistung wie Fette Domino und Chubby Checker und selbst vorübergehend den Erfolg von überlebenden Rock'n'Roll -Acts, einschließlich Elvis, entgleist.[88] Die britische Invasion spielte auch eine wichtige Rolle beim Aufstieg eines bestimmten Genre der Rockmusik und festig Singer-Songwriter.[39] Folgt dem Beispiel, das von festgelegt wurde die Beatles'1965 LP Gummi -Seele Insbesondere andere britische Rock -Acts veröffentlichten Rockalben, die 1966 als künstlerische Aussagen gedacht waren, einschließlich die Rolling Stones' Nachwirkungen, die Beatles 'eigen Revolver, und die WHO's Eine schnellesowie amerikanische Acts in The Beach Boys (Haustiergeräusche) und Bob Dylan (Blond auf Blond).[89]
Garage Rock
Garage Rock war eine rohe Form der Rockmusik, die Mitte der 1960er Jahre in Nordamerika und so genannt wurde, weil sie in der Garage für die Familien der Vorstadt einstudiert wurde.[90][91] Garage -Rock -Songs drehten sich oft um die Traumata des Highschool -Lebens, mit Liedern über "Lying Girls" und unfaire soziale Umstände waren besonders häufig.[92] Die Texte und die Lieferung waren tendenziell aggressiver als damals üblich, oft mit knurrten oder geschrauten Gesang, die sich in inkohärentes Schreien auflösten.[90] Sie reichten von groben Ein-Akkord-Musik (wie wie die Samen) bis nahezu studio musiker Qualität (einschließlich Die Knickerbockers, die Überreste, und das fünfte Anwesen). Es gab auch regionale Unterschiede in vielen Teilen des Landes mit blühenden Szenen, insbesondere in Kalifornien und Texas.[92] Die pazifischen Nordweststaaten Washingtons und Oregon hatten vielleicht vielleicht[Nach wem?] der am meisten definierte regionale Klang.[93]
Der Stil hatte sich bereits 1958 aus regionalen Szenen entwickelt. "Tall Cool One" (1959) von die Wehschürze und "Louie Louie" durch die Königsmänner (1963) sind Mainstream -Beispiele des Genres in seinen formativen Stadien.[94] Bis 1963 schlichen sich die Garage -Band -Singles in größerer Zahl in die nationalen Charts ein, einschließlich Paul Revere und die Raiders (Boise),[95] die Trasken (Minneapolis)[96] und Die Rivieras (South Bend, Indiana).[97] Andere einflussreiche Garagenbänder, wie z. die Sonics (Tacoma, Washington), erreichte nie das Werbetafel Heiß 100.[98]
Die britische Invasion beeinflusste Garage Bands stark und versorgte ihnen ein nationales Publikum, das viele führte (oft Surfen oder frisiertes Auto Gruppen) einen britischen Einfluss annehmen und viele weitere Gruppen zur Bildung ermutigen.[92] Tausende Garagenbänder waren in den USA und Kanada in der Zeit vorhanden, und Hunderte produzierten regionale Hits.[92] Obwohl zahlreiche Bands für große oder große regionale Etiketten unterzeichnet wurden, waren die meisten kommerzielle Ausfälle. Es wird allgemein vereinbart, dass Garage Rock um 1966 kommerziell und künstlerisch erreicht hat.[92] Bis 1968 verschwand der Stil weitgehend aus den nationalen Charts und auf lokaler Ebene als Amateurmusiker konfrontierten College, Arbeit oder der Entwurf.[92] Neue Stile hatten sich entwickelt, um Garage Rock zu ersetzen.[92][NB 5]
Blues Rock
Obwohl der erste Einfluss der Britische Invasion Auf der amerikanischen Populärmusik wurde durch Beat- und R & B -basierte Acts aufgenommen. Der Impuls wurde bald von einer zweiten Bands von Bands aufgenommen, die ihre Inspiration direkter von Amerikaner ließen Blues, einschließlich die Rolling Stones und die Yardbirds.[100] Britische Bluesmusiker der späten 1950er und frühen 1960er Jahre waren von dem akustischen Spiel von Figuren wie inspiriert worden, z. Bauch führen, der ein großer Einfluss auf den Skiffle -Wahn war, und Robert Johnson.[101] Zunehmend nahmen sie einen lauten verstärkten Klang ein, der oft auf der E -Gitarre zentriert ist, basierend auf dem Chicago Bluesbesonders nach der Großbritannien -Tour durch Muddy Waters im Jahr 1958, was dazu veranlasste Cyril Davies und Gitarrist Alexis Korner die Band bilden Blues eingebaut.[102] Die Band beteiligte und inspirierte viele der Figuren der nachfolgenden Figuren Britischer Blues Boom, einschließlich Mitglieder der Rolling Stones und CremeKombination von Blues -Standards und -formen mit Rockinstrumenten und Schwerpunkt.[64]
Der andere zentrale Schwerpunkt für den britischen Blues lag lag John Mayall; Seine Band, Die Bluesbreaker, inbegriffen Eric Clapton (nach Claptons Abreise von den Yardbirds) und später Peter Green. Besonders bedeutend war die Freisetzung von Blues Breaker mit Eric Clapton (Beano) Album (1966), der als eines der wegweisenden britischen Blues -Aufnahmen gilt und deren Sound sowohl in Großbritannien als auch in den Vereinigten Staaten viel emuliert wurde.[103] Eric Clapton fuhr fort, Supergruppencreme zu bilden, Blinder Glaube, und Derek und die Dominos, gefolgt von einer umfangreichen Solokarriere, die Blues Rock in die einbrachte Mainstream.[102] Grün zusammen mit dem Rhythmusabschnitt des Bluesbreaker Mick Fleetwood und John McVie, bildete Peter Green's Fleetwood Mac, der einige der größten kommerziellen Erfolg im Genre genoss.[102] In den späten 1960er Jahren Jeff beckAuch ein Alumnus der Yardbirds bewegte Blues Rock mit seiner Band in Richtung schwerer Rock. Die Jeff Beck -Gruppe.[102] Der letzte Yardbirds -Gitarrist war Jimmy Seite, der sich formulierte Die neuen Yardbirds was schnell wurde Led Zeppelin. Viele der Songs auf ihren ersten drei Alben und gelegentlich später in ihrer Karriere waren Erweiterungen auf traditionelle Blues -Songs.[102]
In Amerika war Blues Rock in den frühen 1960er Jahren vom Gitarristen Pionierarbeit geworden Lonnie Mack,[104] Aber das Genre begann Mitte der 1960er Jahre zu starten, als Acts einen Klang ähnelte wie britische Blues-Musiker. Schlüsselakte enthalten Paul Butterfield (deren Band sich wie Mayalls Bluesbreakers in Großbritannien als Ausgangspunkt für viele erfolgreiche Musiker verhält), Hitze in Konserven, der frühe Jefferson Flugzeug, Janis Joplin, Johnny Winter, Die J. Geils Band und Jimi Hendrix mit seinem Power Trios, Die Jimi Hendrix -Erfahrung (darunter zwei britische Mitglieder und wurde in Großbritannien gegründet) und Bande von Gips, deren Gitarrenvirtuosität und Showmanship zu den am häufigsten nachgeahmten Jahrzehnt gehören.[102] Blues -Rockbands aus den südlichen Staaten, wie die Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd, und ZZ Top, eingebaut Land Elemente in ihren Stil, um das charakteristische Genre zu produzieren Southern Rock.[105]
Frühe Blues -Rock -Bands emulierten oft Jazz und spielten lange im Improvisationen, die später ein wichtiges Element von Progressive Rock waren. Von ungefähr 1967 Bands wie Cream und The Jimi Hendrix Experience hatten sich von rein auf Blues-basierter Musik entfernt Psychedelia.[106] In den 1970er Jahren war Blues Rock schwerer und riffbasiert geworden, beispielhaft durch die Arbeiten von Led Zeppelin und Dunkellilaund die Grenzen zwischen Blues Rock und Hardrock "waren kaum sichtbar",[106] Als Bands anfingen, Alben im Rock-Stil aufzunehmen.[106] Das Genre wurde in den 1970er Jahren von Zahlen wie fortgesetzt, z. B. George Thorogood und Pat Travers,[102] aber besonders in der britischen Szene (außer vielleicht für das Aufkommen von Gruppen wie z. Status Quo und Nebel wer bewegte sich auf eine Form von hoher Energie und sich wiederholend Boogie Rock), Bands konzentrierten sich auf Schwermetall Innovation und Blues Rock begann aus dem Mainstream zu rutschen.[107]
Schlager-Rock
In den 1960er Jahren hat sich die Szene, die sich aus dem entwickelt hatte Amerikanische Volksmusik -Wiederbelebung war zu einer großen Bewegung gewachsen und verwendete traditionelle Musik und neue Kompositionen in einem traditionellen Stil, normalerweise auf akustischen Instrumenten.[108] In Amerika wurde das Genre von Zahlen wie Pionierarbeit wie Pionierarbeit Woody Guthrie und Pete Seeger und oft identifiziert mit progressiv oder Arbeitspolitik.[108] In den frühen sechziger Zahlen wie z. Joan baez und Bob Dylan war in dieser Bewegung als Singer-Songwriter in den Vordergrund gekommen.[109] Dylan hatte begonnen, ein Mainstream -Publikum mit Hits zu erreichen. "Im Wind blasen"(1963) und"Kriegsmeister"(1963), was brachte"Protestlieder"zu einer breiteren Öffentlichkeit,[110] Obwohl die Rock- und Volksmusik, obwohl sie sich gegenseitig beeinflussen, weitgehend getrennte Genres geblieben waren, oft mit gegenseitig exklusivem Publikum.[111]
Frühe Versuche, Elemente von Volk und Felsen zu kombinieren, beinhalteten die Tiere ""Haus der aufgehenden Sonne"(1964), der erste kommerziell erfolgreiche Folk -Song, der mit Rock'n'Roll -Instrumentierung aufgenommen wurde[112] und die Beatles "Ich bin ein Verlierer"(1964), wohl das erste Beatles -Song, das direkt von Dylan beeinflusst wird.[113] Es wird normalerweise angenommen die Byrds'Aufnahme von Dylan' "Mr. Tambourine Mann"Was 1965 die Charts anführte.[111] Mit Mitgliedern, die Teil der Cafe-in Los Angeles waren, nahmen die Byrds Rock-Instrumentierung an, einschließlich Schlagzeug und 12 Saiten Rickenbacker Gitarren, die zu einem wichtigen Element im Klang des Genres wurden.[111] Später in diesem Jahr übernahm Dylan elektrische Instrumente, sehr zu dem Empörung von vielen Volkspuristen mit seinem ""Wie ein rollender Stein"Ein US -Hit -Single zu werden.[111] Entsprechend Ritchie Unterberger, Dylan (noch vor seiner Einführung elektrischer Instrumente) beeinflusste Rockmusiker wie The Beatles und demonstrierte "der Rock -Generation im Allgemeinen, dass ein Album eine wichtige eigenständige Aussage ohne Hit -Singles sein könnte", wie auf Der Freirad Bob Dylan (1963).[114]
Volksrock startete besonders in Kalifornien, wo es Acts wie leitete wie Die Mamas & die Papas und Crosby, Stills und Nash Um zu elektrischen Instrumenten zu wechseln, und in New York, wo es Darsteller einschließlich der hervorgebracht hat Der liebevolle Löffel und Simon und Garfunkelmit der akustischen der letzteren "Die Geräusche der Stille"(1965) mit Rockinstrumenten remixte, um die ersten von vielen Treffern zu sein.[111] Diese Acts beeinflussten direkt britische Darsteller wie Donovan und Fairport -Konvent.[111] 1969 gab Fairport Convention ihre Mischung aus amerikanischen Covers und von Dylan beeinflussten Liedern auf, um traditionelle englische Volksmusik auf elektrischen Instrumenten zu spielen.[115] Diese britische Folk-Rock wurde von Bands einschließlich Bands aufgenommen Pentangle, Steeleye -Spannweite und Die Albion -Band, was wiederum irische Gruppen veranlasste wie Pferde und schottische Handlungen wie das JSD -Band, Spencers Kunststück und später Fünf Handrolle, um ihre traditionelle Musik zu nutzen, um eine Marke von zu kreieren Celtic Rock In den frühen 1970er Jahren.[116]
Folk-Rock erreichte seinen Höhepunkt der kommerziellen Popularität in der Zeit 1967 bis 1968, bevor viele Akte in verschiedene Richtungen abfiel, darunter Dylan und die Byrds, die sich zu entwickeln begannen zu entwickeln Country Rock.[117] Die Hybridisierung von Volk und Rock hat jedoch einen großen Einfluss auf die Entwicklung von Rockmusik, die Einführung von Elementen von Psychedelia und zur Entwicklung der Ideen des Singer-Songwriters, des Protestlieds und der Konzepte von "Authenticity ".[111][118]
Psychedelic Rock
Psychedelische Musik LSD-Inspirierte Stimmung begann in der Folk -Szene.[119] Die erste Gruppe, die sich als Psychedelic Rock bewerbe, waren die 13. Stockaufzüge aus Texas.[119] Die Beatles haben in dieser Zeit viele der wichtigsten Elemente des psychedelischen Klangs zum Publikum vorgestellt, wie sie Gitarren -Feedback, Der Inder Sitar und Backmasking Soundeffekte.[120] Psychedelic Rock startete insbesondere in der aufstrebenden Musikszene Kaliforniens, als Gruppen dem folgten Byrds's Verlagerung von Volk zu Schlager-Rock Ab 1965.[120] Der psychedelische Lebensstil, der sich um halluzinogene Medikamente drehte, hatte sich bereits in San Francisco entwickelt und insbesondere prominente Produkte der Szene waren Big Brother und die Holdinggesellschaft, die Grateful Dead und Jefferson Flugzeug.[120][121] Das Jimi Hendrix Erfahrung'S Lead Gitarrist, Jimi Hendrix erweiterte verzerrte, feedback gefüllte Marmeladen, die zu einem zentralen Merkmal von Psychedelia wurden.[120] Psychedelic Rock erreichte in den letzten Jahren des Jahrzehnts seinen Höhepunkt. 1967 veröffentlichen die Beatles ihre endgültige psychedelische Aussage in Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band, einschließlich der kontroversen Track "lucy im Himmel mit diamanten", Die Rolling Stones reagierten später in diesem Jahr mit Ihre satanische Majestäten bitten,[120] und Pink Floyd debütiert mit Der Pfeifer an den Pforten der Dämmerung. Zu den wichtigsten Aufnahmen gehörten Jefferson Airplane's Surrealistisches Kissen und die Türen' Seltsame Tage.[122] Diese Trends erreichten 1969 ihren Höhepunkt Woodstock Festival, die Auftritte von den meisten großen psychedelischen Handlungen sah.[120]
Sgt. Pfeffer wurde später als das größte Album aller Zeiten und als Ausgangspunkt für die angesehen Album -Ära, in denen die Rockmusik vom Singles -Format zu Alben wechselte und kulturelle Legitimität in der erreichte Mainstream.[123] Angeführt von den Beatles Mitte der 1960er Jahre,[124] Rockmusiker förderten die LP als dominierende Form des aufgenommenen Musikausdrucks und -verbrauchs und initiierten in den nächsten Jahrzehnten eine Rock-informierte Album-Ära in der Musikindustrie.[125]
Progressive Rock
Progressive Rock, ein Begriff, der manchmal austauschbar verwendet wird Art Rock, über etablierte musikalische Formeln hinaus, indem sie mit verschiedenen Instrumenten, Songtypen und Formen experimentieren.[126] Ab Mitte der 1960er Jahre die linke Banke, Die Beatles, die Rolling Stones und die Strandjungen hatten Pionierarbeit in die Aufnahme von Pionierarbeit von Cemboschar, Wind, und Saite Abschnitte auf ihren Aufzeichnungen, um eine Form von zu erstellen Barockgestein und ist in Singles wie zu hören Procol Harum's "Ein weißer Schatten von blassem Farbton"(1967), mit seinem Bach-inspirierte Einführung.[127] The Moody Blues Ich benutzte ein volles Orchester auf ihrem Album Tage der Zukunft vergingen (1967) und anschließend erstellte Orchesterklänge mit Synthesizer.[126] Klassische Orchestrierung, Tastaturen und Synthesizer waren eine häufige Ergänzung zum etablierten Gesteinsformat von Gitarren, Bass und Schlagzeug in nachfolgenden progressiven Gestein.[128]
Instrumentals waren häufig, während Songs mit Texten manchmal konzeptionell, abstrakt oder basierten in Fantasie und Science-Fiction.[129] Die hübschen Dinge' SF Trauer (1968) und die Kinks ' Arthur (oder der Niedergang und Fall des britischen Empire) (1969) stellten das Format von vor Rockoper und öffnete die Tür zu Konzeptalbenoft eine epische Geschichte erzählen oder ein großartiges übergeordnetes Thema angehen.[130] King Crimson's 1969 Debut Album, Im Hof des purpurroten Königs, die mächtige Gitarrenriffs mischte und Mellotron, mit Jazz und Symphonische Musik, wird oft als wichtige Aufnahme in Progressive Rock angesehen und hilft der weit verbreiteten Einführung des Genres in den frühen 1970er Jahren unter bestehenden Blues-Rock- und Psychedelic-Bands sowie neu gebildeten Acts.[126] Der lebendige Canterbury -Szene Saw Acts, die weiche Maschine von Psychedelia, durch Jazzeinflüsse zu einem expansiveren harten Rock, einschließlich Wohnwagen, Hatfield und der Norden, Gong, und Nationale Gesundheit.[131]
Der größere kommerzielle Erfolg wurde von Pink Floyd, der auch nach dem Abgang von Syd Barrett im Jahr 1968 von Psychedelia weggezogen wurde, mit Psychedelia genossen. Die dunkle Seite des Mondes (1973), das als Meisterwerk des Genres angesehen wird und zu einem der meistverkauften Alben aller Zeiten wird.[132] Es lag einen Schwerpunkt auf instrumentaler Virtuosität mit Ja Präsentation der Fähigkeiten beider Gitarristen Steve Howe und Tastaturspieler Rick Wakeman, während Emerson, Lake & Palmer waren eine Supergruppe, die einige der technisch anspruchsvollsten Arbeiten des Genres produzierte.[126] Jethro Tull und Genesis Beide verfolgten sehr unterschiedliche, aber deutlich englische Musikmarken.[133] Renaissance, 1969 von Ex-Yardbirds Jim McCarty und Keith Relf gegründet, entwickelte Annie Haslam.[134] Die meisten britischen Bands waren von einer relativ kleinen Kult -Anhängerschaft angewiesen, aber eine Handvoll, darunter Pink Floyd, Genesis und Jethro Tull, gelang es, zu Hause die Top -Ten -Singles zu produzieren und den amerikanischen Markt zu brechen.[135] Die amerikanische Marke des progressiven Rocks war von der vielseitigen und innovativen Innovativen unterschiedlich Frank Zappa, Captain Beefheart und Blut Schweiß Tränen,[136] zu mehr Pop -Rock -orientierten Bands wie Boston, Ausländer, Kansas, Reise, und Styx.[126] Diese neben britischen Bands Supertramp und Eloalle zeigten einen Prog -Rock Pomp oder Arena Rock, was bis zu den Kosten des Komplexes (oft mit Theaterstaging und Spezialeffekten) dauern würde, würden durch wirtschaftliche Ersetzung ersetzt Rockfestivals Als große Live -Veranstaltungsorte in den neunziger Jahren.
Der Instrumentalstrang des Genres führte zu Alben wie Mike Oldfield's Röhrenglocken (1973), der erste Rekord und weltweit Hit für die Virgin Records Label, das zu einer Hauptstütze des Genres wurde.[126] Instrumentalgestein war in Kontinentaleuropa besonders bedeutend und erlaubte Bands wie Kraftwerk, Tangerine -Traum, dürfen, und Faust Um die Sprachbarriere zu umgehen.[137] Ihr Synthesiser-schwer ""Krautrock", zusammen mit der Arbeit von Brian Eno (Für eine Zeit lang der Tastaturspieler mit Roxy Musik), wäre ein großer Einfluss auf die nachfolgende elektronischer Gestein.[126] Mit dem Aufkommen von Punkrock und technologischen Veränderungen in den späten 1970er Jahren wurde Progressive Rock zunehmend als prätentiös und übertrieben abgetan.[138][139] Viele Bands haben sich getrennt, aber einige, darunter Genesis, ELP, Yes und Pink Floyd, erzielten regelmäßig Top -Ten -Alben mit erfolgreichen begleitenden weltweiten Touren.[99] Einige Bands, die nach Punk aufgetaucht sind, wie z. Siouxsie und die Banshees, Ultravox, und Einfache Gedanken, zeigten den Einfluss von progressivem Gestein sowie ihre normalerweise anerkannten Punk -Einflüsse.[140]
Jazz Rock
In den späten 1960er Jahren trat Jazz-Rock zu einem bestimmten Subgenre aus den Blues-Rock-, Psychedelic- und Progressive Rock-Szenen auf und mischte die Kraft des Rocks mit der musikalischen Komplexität und der improvisatorischen Elemente des Jazz. Jede Musik stellt fest, dass der Begriff Jazz-Rock "sich auf die lautesten, wildesten und elektrifiziertesten Fusionsbänder aus dem Jazzlager beziehen kann, aber meistens beschreibt er Darsteller, die von der Rockseite der Gleichung kommen". Jazz-Rock "... wuchs im Allgemeinen aus den künstlerisch ehrgeizigsten Rock-Subgenres der späten 60er und frühen 70er Jahre heraus, einschließlich der Singer-Songwriter Bewegung.[141] Viele frühe US -Rock'n'Roll -Musiker hatten im Jazz begonnen und einige dieser Elemente in die neue Musik getragen. In Großbritannien das Subgenre von Blues Rock und viele seiner führenden Figuren wie Ingwer Baker und Jack Bruce des Eric Clapton-Freizte Band Creme, war aus dem entstanden Britischer Jazz Szene. Oft als die erste wahre Jazz-Rock-Aufnahme hervorgehoben ist, ist das einzige Album des relativ obskuren New Yorker in New York ansässig die freien Geister mit Außer Sicht und Geräusch (1966). Die erste Gruppe von Bands, die das Etikett selbstbewusst verwenden, waren R & B-orientierte weiße Rockbänder, die jazzige Hornabschnitte benutzten, wie Elektrische Flagge, Blut, Schweiß & Tränen und Chicago, um einige der kommerziell erfolgreichsten Akte der späten 1960er und frühen 1970er Jahre zu werden.[142]
Britische Handlungen, die im gleichen Zeitraum aus der Blues -Szene entstehen, um die tonalen und improvisatorischen Aspekte des Jazz zu nutzen, enthalten Kern[143] und die Graham Bond und John Mayall Spin-off Kolosseum. Aus dem psychedelischen Rock und den Canterbury -Szenen kamen Soft Machine, die, wie vorgeschlagen wurde, eine der künstlerisch erfolgreichen Fusionen der beiden Genres produzierte. Die vielleicht von der Kritik gefeierte Fusion kam von der Jazzseite der Gleichung mit Meilen davisinsbesondere beeinflusst von der Arbeit von Hendrix, die Rockinstrumentierung in seinen Sound für das Album einbezieht Hündinnen brauen (1970). Es war ein großer Einfluss auf die nachfolgenden Rock-beeinflussten Jazzkünstler, einschließlich Herbie Hancock, Chick Corea und Wetterbericht.[142] Das Genre begann in den späten 1970er Jahren zu verblassen, als eine msichere Form der Fusion begann, sein Publikum zu nehmen,[141] aber wirkt wie Stähle Dan,[141] Frank Zappa und Joni Mitchell In dieser Zeit haben bedeutende Jazzalben aufgenommen, und es hat weiterhin einen großen Einfluss auf die Rockmusik.[142]
Erhöhte Kommerzialisierung in den 1970er Jahren
Nachdenken über Entwicklungen, die in den frühen 1970er Jahren in der Rockmusik aufgetreten sind, Robert Christgau schrieb in Christgaus Plattenleitfaden: Rockalben der siebziger Jahre (1981):[17]
Das Jahrzehnt ist natürlich ein willkürliches Schema selbst - die Zeit führt nicht nur eine ordentliche Wende in die Zukunft alle zehn Jahre aus. Aber wie viele künstliche Konzepte - Geld, beispielsweise -, nimmt die Kategorie eine eigene Realität an, sobald die Menschen herausgefunden haben, wie sie sie zur Arbeit bringen können. "Die 60er Jahre sind vorbei", begann ein Slogan erst 1972 zu hören, mobilisierte all diejenigen zu glauben, dass der Idealismus geworden war, und sobald sie mobilisiert wurden, hatte er es. In der populären Musik bedeutete die Umarmung der 70er Jahre beide eine elitär Rückzug aus dem unordentlichen Konzert und Gegenkultur Szene und ein profitierendes Streben nach dem niedrigsten gemeinsamen Nenner in FM-Radio und Album Rock.
Rock sah in diesem Jahrzehnt eine größere Vermarktung, verwandelte sich in eine milliarden Dollar-Branche und verdoppelte ihre Markt Während, wie Christgau feststellte, einen bedeutenden "Verlust des kulturellen Prestige" litt. "Vielleicht der Bee Gees wurde beliebter als die Beatles, aber sie waren es nie populärer als Jesus", sagte er." Soweit die Musik mythische Kraft beibehielt, war der Mythos selbstreferenziell - Es gab viele Songs über das Rock'n'Roll -Leben, aber nur sehr wenige darüber, wie Rock die Welt verändern konnte, außer als neue Marke von Painkiller ... in den 70er Jahren übernahm die Mächtigen als Rock die Leitung Industrielle Vortrag von der nationalen Stimmung, um starke Musik auf eine oft reaktionäre Unterhaltungspezies zu reduzieren - und um Rocks beliebte Basis vom Publikum zum Markt zu übertragen. "[17]
Wurzeln Rock
Roots Rock ist der Begriff, der jetzt verwendet wird, um einen Abzug von dem zu beschreiben, was einige als Exzesse der psychedelischen Szene ansah, zu einer grundlegenderen Form von Rock'n'Roll, die ihre ursprünglichen Einflüsse, insbesondere Country- und Volksmusik, umfasste, was zur Schaffung von zur Schaffung führte Country Rock und Southern Rock.[144] 1966 ging Bob Dylan zu Nashville das Album aufnehmen Blond auf Blond.[145] Dies und nachfolgender klarer von Country beeinflusste Alben wurde als Erstellen des Genres von gesehen Ländermuster, eine Route, die von einer Reihe größtenteils akustischer Volksmusiker verfolgt wird.[145] Andere Acts, die dem Back-to-Basics-Trend folgten, waren die kanadische Gruppe die Band und das Kalifornien ansässig Creedence Clearwater RevivalBeide mischten Basic Rock and Roll mit Volk, Land und Blues als zu den erfolgreichsten und einflussreichsten Bands der späten 1960er Jahre.[146] Die gleiche Bewegung sah den Beginn der Aufnahmekarrieren kalifornischer Solokünstler wie Ry Cooder, Bonnie Raitt und Lowell George,[147] und beeinflusste die Arbeit etablierter Darsteller wie die Rolling Stones ' Bettler Bankett (1968) und die Beatles ' Kümmer dich nicht darum (1970).[120] Christgau schrieb in seiner "Consumer Guide" -Spalte im Juni 1970 über diese Veränderung der Trends in der Rockmusik in den letzten Jahren nach, dass diese "neue Orthodoxie" und "kulturelle Verzögerung" aufgegebene improvisatorische Produktionen zugunsten eines Betonischen "Enge, Ersatzinstrumentation" und Songkomposition: "Seine Referenten sind Rock, Country-Musik und Rhythmus-Blues der 50er Jahre, und ihre wichtigste Inspiration ist die Band."[148]
1968,, Gramm Parsons verzeichnet Sicher zu Hause mit dem Internationale U -Boot -Band, wohl der erste wahr Country Rock Album.[149] Später in diesem Jahr trat er den Byrds an Schatz des Rodeo (1968) gilt im Allgemeinen als eine der einflussreichsten Aufzeichnungen im Genre.[149] Die Byrds setzten sich in der gleichen Weise fort, aber Parsons wurde von einem anderen Ex-Byrds-Mitglied verbunden Chris Hillman In Forming die fliegenden Burrito -Brüder Wer hat dazu beigetragen, die Seriosität und Parameter des Genres festzustellen, bevor Parsons abreiste, um eine Solokarriere zu verfolgen.[149] Bands in Kalifornien, die Country Rock adoptierten, beinhalteten Herzen und Blumen, Poco, Neue Fahrer des lila Salbeis,[149] das Beau Brummels,[149] und die Kiesige Dirtband.[150] Einige Künstler genossen auch eine Renaissance, indem sie Landlaugs adoptierten, darunter: die Everly Brothers; einmal Teen Idol Rick Nelson, der Frontmann der Stone Canyon Band wurde; Ehemaliger Affen Mike Nesmith wer bildete das Erste Nationalband; und Neil Young.[149] Die Dillards waren ungewöhnlich ein Country -Act, der sich auf Rockmusik bewegte.[149] Der größte kommerzielle Erfolg für Country Rock kam in den 1970er Jahren mit Künstlern, einschließlich der Doobie Brothers, Emmylou Harris, Linda Ronstadt und die Adler (bestehend aus Mitgliedern der Burritos, Poco und der Stone Canyon Band), die sich zu einer der erfolgreichsten Rock -Acts aller Zeiten entwickelten und Alben produzierten, die enthielten Hotel Californien (1976).[151]
Die Gründer von Southern Rock werden normalerweise als Allman Brothers -Band angesehen, die einen unverwechselbaren Klang entwickelte, der größtenteils abgeleitet ist Blues Rock, aber Elemente von einbeziehen Boogie, Seele und Land in den frühen 1970er Jahren.[105] Die erfolgreichste Tat, die ihnen folgt, war Lynyrd Skynyrd, die half, das zu etablieren "Guter alter Junge"Bild des Subgenre und der allgemeinen Form des Gitarrenrocks der 1970er Jahre.[105] Zu ihren Nachfolgern gehörten die Fusion/Progressive Instrumentalisten Dixie Degs, desto landesbeerdigter VerbindungenFunk/R & B-Lein Nass Willie und (integrieren Elemente von R & B und Evangelium) das Ozark Mountain Daredevils.[105] Nach dem Verlust der ursprünglichen Mitglieder der Allmans und der Lynyrd Skynyrd begann das Genre Ende der 1970er Jahre immer beliebter zu werden, wurde aber in den 1980er Jahren mit Acts wie erlangt wie .38 Spezial, Molly Hatchet und Die Marshall Tucker Band.[105]
Glamgestein
Glamgestein entstand aus den englischen Psychedelic- und Art -Rock -Szenen der späten 1960er Jahre und kann sowohl als Erweiterung als auch als Reaktion gegen diese Trends angesehen werden.[152] Musikalisch vielfältig, variiert zwischen dem einfachen Rock'n'Roll -Wiederbelebung von Figuren wie Alvin Stardust zum komplexen Kunstrock der Roxy -Musik und kann genauso wie eine Mode als musikalisches Subgenre angesehen werden.[152] Visuell war es ein Netz verschiedener Stile, von den 1930er Jahren reichte es Hollywood Glamour, bis 1950er Jahre Pin-up Sex Appeal, vor dem Krieg Kabarett Theatralik, viktorianisch literarisch und Symbolist Stile, Science-Fictionzu Alt und okkult Mystik und Mythologie; Manifestiert sich in empörenden Kleidern, Make-up, Frisuren und plattformgestellten Stiefeln.[153] Glam ist am bekanntesten für seine sexuelle und geschlechtsspezifische Mehrdeutigkeit und Darstellungen von Androgynie, neben umfassender Verwendung von Theater.[154] Es wurde von der Manipulation amerikanischer Handlungen der Showmanship und der Geschlechtsidentität wie vorgefertigt die Schwanze und Alice Cooper.[155]
Die Ursprünge von Glamgestein sind miteinander verbunden mit Marc Bolan, der sein Volksuo umbenannt hatte T-Rex und bis Ende der 1960er Jahre elektrische Instrumente aufgenommen. Oft zitiert als der Moment der Inception sein Auftritt in der BBC -Musikshow Pops Im März 1971 mit Glitzer und Satins, um seinen zweiten UK Top 10 Hit (und First UK Nr. 1 Hit) auszuführen, ","Heiße Liebe".[156] Ab 1971 bereits ein kleiner Stern, David Bowie entwickelte seine ziggy Stardust -Person, die Elemente von professionellem Make -up, Mime und Leistung in seine Handlung einbezog.[157] Diese Künstler wurden bald im Stil von Acts wie Roxy Music verfolgt. Süss, Slade, Mott den Hoople, Dreck und Alvin Stardust.[157] Obwohl sehr wenige dieser Musiker in den einzelnen Charts im Vereinigten Königreich sehr erfolgreich waren, konnten sie in den Vereinigten Staaten ernsthafte Auswirkungen haben. Bowie war die Hauptausnahme, die ein internationaler Superstar wurde und die Einführung von Glamour -Stilen unter Akten wie veranlasste Lou Reed, Iggy Pop, New Yorker Puppen und Jobreinoft als "Glitter Rock" und mit einem dunkleren lyrischen Inhalt als ihre britischen Kollegen bekannt.[158] In Großbritannien wurde der Begriff Glitter Rock am häufigsten verwendet, um sich auf die extreme Version von Glam zu beziehen Gary Glitter und seine Unterstützungsmusiker die Glitzerband, der zwischen 1972 und 1976 in Großbritannien achtzehn Top -Ten -Singles erreichte.[159] Eine zweite Welle von Glamgesteinsakten, einschließlich Suzi Quatro, Roy Wood's Wizzard und Funken, dominierte die britischen Single -Charts von ungefähr 1974 bis 1976.[157] Bestehende Handlungen, von denen einige normalerweise nicht als zentral für das Genre angesehen werden, haben auch Glamour -Stile angenommen, einschließlich Rod Stewart, Elton John, Königin Und für eine Zeit sogar die Rollsteine.[157] Es war auch ein direkter Einfluss auf die Handlungen Kuss und Adam Antund weniger direkt auf die Bildung von Gothic Rock und Glam Metall sowie auf Punkrock, die die Mode für Glam aus dem Jahr 1976 beendete.[158] Glam hat seitdem sporadische bescheidene Wiederbelebungen durch Bands wie genossen, z. Kettensägenkätzchen, die Finsternis[160] und im R & B Crossover Act Prinz.[161]
Chicano Rock
Nach den frühen Erfolgen von Latin Rock in den 1960er Jahren,, Chicano musicians like Carlos Santana und Al Hurricane in den 1970er Jahren weiterhin erfolgreiche Karrieren. Santana eröffnete das Jahrzehnt mit Erfolg in seiner Single von 1970 "Frau schwarzer Magie" auf der Abraxas Album.[162] Sein drittes Album Santana III ergab die Single "No One to Devey abhängig" und sein viertes Album Karawanserei experimentierte mit seinem Sound zum gemischten Empfang.[163][164] Später veröffentlichte er eine Reihe von vier Alben, die alle Goldstatus erreichten: Herzlich willkommen, Borboletta, Amigos, und Festival. Al Hurricane mischte seine Rockmusik weiterhin mit New Mexico Musikobwohl er auch mehr mit experimentierterem mit Jazz Musik, die zu mehreren erfolgreichen Singles führte, insbesondere bei ihm Vestido Mojado Album mit dem gleichnamigen "Vestido Mojado" sowie "Por Una Mujer Casada" und "Puño de Tierra"; Seine Brüder hatten erfolgreiche New Mexico -Musik -Singles in "La del Moño Colorado" von Tiny Morrie und "La Cumbia de San Antone" von Baby Gaby.[165] Al Hurricane Jr. In den 1970er Jahren begann auch seine erfolgreiche Rock-geprägte Musikkarriere in New Mexico mit seiner Wiedergabe von "Flor de Las Flores" von 1976.[166][167] Los Lobos mit ihrem ersten Album in dieser Zeit Popularität gewonnen Los Lobos del Este de Los Angeles 1977.
Weicher Gestein, Hardgestein und frühes Heavy Metal
Eine seltsame Zeit, 1971 - obwohl Rock's Balkanisierung In den Genres war es in ganzem Weg, es war oft schwierig, einen Fangwechsel vom nächsten zu erzählen. "Art-Rock"könnte alles bedeuten von die Samt zu The Moody Blues, und obwohl Led Zeppelin wurde gestartet und Black Sabbath gefeiert, "Schwermetall"blieb ein amorphes Konzept.
Ab den späten 1960er Jahren wurde es üblich, Mainstream -Rockmusik in sanfte und harte Rock zu teilen. Soft Rock wurde oft aus Folk -Gestein abgeleitet, wobei akustische Instrumente verwendet wurden und mehr Melodie und Harmonien betonen.[169] Hauptkünstler eingeschlossen Carole King, Katze Stevens und James Taylor.[169] Es erreichte seinen kommerziellen Höhepunkt Mitte bis Ende der 1970er Jahre mit Acts wie Billy Joel, Amerika und die reformierten Fleetwood Mac, Deren Gerüchte (1977) war das meistverkaufte Album des Jahrzehnts.[170] Im Gegensatz dazu wurde Hard Rock häufiger von Blues-Rock abgeleitet und lauter und mit mehr Intensität gespielt.[171] Es betonte oft die E -Gitarre, sowohl als Rhythmusinstrument mit einfachen sich wiederholenden Riffs als auch als Solo führen Instrument und wurde eher mit verwendet Verzerrung und andere Effekte.[171] Zu den wichtigsten Acts gehörten britische Invasionsbänder wie The Kinks sowie Psychedelic -Ära -Darsteller wie Cream, Jimi Hendrix und Die Jeff Beck -Gruppe.[171] Hard-Rock-beeinflusste Bands, die in den späten 1970er Jahren den internationalen Erfolg hatten, gehörten Queen, Queen,[172] Dünne Lizzy,[173] Aerosmith, AC/DC,[171] und Van Halen.
Ab den späten 1960er Jahren wurde der Begriff "Heavy Metal" verwendet, um einen harten Stein zu beschreiben, der mit noch mehr Volumen und Intensität gespielt wurde, zuerst als Adjektiv und in den frühen 1970er Jahren als Substantiv.[174] Der Begriff wurde zuerst in Musik in verwendet Steppenwolf's "Geboren um Wild zu sein"(1967) und begann mit Pionierbands wie San Francisco in Verbindung gebracht zu werden Blauer Jubel, Clevelands James Gang und Michigan Grand Funk Railroad.[175] Bis 1970 hatten drei wichtige britische Bands die charakteristischen Klänge und Stile entwickelt, die das Subgenre prägen würden. Led Zeppelin Elemente von hinzugefügt Fantasie zu ihrem riff beladenen Blues-Rock, Dunkellila brachte symphonische und mittelalterliche Interessen aus ihrer progressiven Felsphase und Black Sabbath eingeführte Facetten der gotisch und Modale Harmonie, hilft, einen "dunkleren" Geräusch zu erzeugen.[176] Diese Elemente wurden von einer "zweiten Generation" von Heavy -Metal -Bands in den späten 1970er Jahren aufgenommen, darunter: Judas Priest, UFO, Motörhead und Regenbogen aus Großbritannien; Kuss, Ted Nugent, und Blue Oyster Cult aus den USA; Sich beeilen aus Kanada und Skorpione Aus Deutschland markieren alle die Expansion der Popularität des Subgenres.[176] Trotz mangelnder Airplay und sehr wenig Präsenz in den Singles Charts bauten Heavy Metal Ende der 1970er Jahre eine beträchtliche Anhängerschaft, insbesondere bei Männern der Arbeiterklasse in Nordamerika und Europa.[177]
Christian Rock
Rock, meistens das Heavy -Metal -Genre, wurde von einigen kritisiert Christian Führer, die es als unmoralisch, anti-christlich und sogar satanisch verurteilt haben.[178] Christian Rock begann sich jedoch in den späten 1960er Jahren zu entwickeln, insbesondere aus dem Jesus -Bewegung Beginnend in Südkalifornien und trat in den 1970er Jahren mit Künstlern wie ein Subgenre auf Larry Norman, normalerweise als erster großer "Star" von Christian Rock angesehen.[179] Das Genre war in den Vereinigten Staaten hauptsächlich ein Phänomen.[180] Viele christliche Rockkünstler haben Verbindungen zur zeitgenössische christliche Musik Szene. Ab den 1980er Jahren hatten christliche Pop -Performer einige Mainstream -Erfolg. Während diese Künstler in christlichen Gemeinschaften weitgehend akzeptabel waren, haben die Einführung schwerer Rock- und Glam -Metal -Stile nach Bands wie Stryper, der in den 1980er Jahren beträchtlichen Mainstream -Erfolg erzielte, war umstrittener.[181][182] Ab den neunziger Jahren gab es immer mehr Apostelgeschichte, die versuchten, das christliche Bandlabel zu vermeiden, und zogen es vor, als Gruppen angesehen zu werden, die auch Christen waren, einschließlich P.O.D.[183]
Heartland Rock
Amerikanischer Arbeiterklasse orientierter Heartland Rock, gekennzeichnet durch einen unkomplizierten Musikstil und ein Problem mit dem Leben des Gewöhnlichen, blaues Halsband Amerikanische Menschen entwickelten sich in der zweiten Hälfte der 1970er Jahre. Der Begriff Heartland Rock wurde erstmals verwendet, um zu beschreiben Mittlerer Westen Arena Rock Gruppen mögen Kansas, Reo Speedwagon und Styx, aber das wurde mit einer sozial besorgten Form von Wurzeln in Verbindung gebracht, die direkter von Volk, Land und Rock'n'Roll beeinflusst wurde.[184] Es wurde als amerikanischer Mittlerer Westen angesehen und Rostgürtel Gegenstück zum West Coast Country Rock und der südliche Rock des amerikanischen Südens.[185] Unter der Leitung von Zahlen, die ursprünglich mit Punk und New Wave identifiziert worden waren Van Morrisonund der Basisgestein der Garage der 1960er Jahre und die Rollsteine.[186]
Beispiel durch den kommerziellen Erfolg von Sänger Songwritern Bruce Springsteen, Bob Seger, und Tom Pettyzusammen mit weniger weithin bekannten Handlungen wie z. Southside Johnny und Asbury Jukes und Joe Grushecky und die HouserockersEs war teilweise eine Reaktion auf den postindustriellen städtischen Niedergang im Osten und im Mittleren Westen, der sich häufig in Fragen des sozialen Zerfalls und der Isolation befasste, neben einer Form des Rock'n'Roll-Revivalismus von Good Time.[186] Das Genre erreichte Mitte der 1980er Jahre mit Springsteen seinen kommerziellen, künstlerischen und einflussreichen Gipfel In den USA geboren (1984), über die Charts weltweit und laichen eine Reihe von Top -Ten -Singles zusammen mit der Ankunft von Künstlern, einschließlich John Mellencamp, Steve Earle und sanfte Singer-Songwriter wie Bruce Hornsby.[186] Es kann auch als Einfluss auf Künstler gehört werden, die so vielfältig sind wie Billy Joel,[187] Kinderrock[188] und die Mörder.[189]
Heartland Rock verblasste Anfang der neunziger Jahre als anerkanntes Genre als Rockmusik im Allgemeinen sowie die Themen der Arbeiterklasse im Besonderen an, verlorenen Einfluss auf das jüngere Publikum, und als Heartlands Künstler sich persönlichere Werke zuwandten.[186] Viele Heartland -Rockkünstler werden bis heute mit kritischem und kommerziellem Erfolg aufnehmen, insbesondere Bruce Springsteen, Tom Petty und John Mellencamp, obwohl ihre Werke persönlicher und experimenteller geworden sind und nicht mehr leicht in ein einzelnes Genre passen. Neuere Künstler, deren Musik vielleicht als Heartland Rock bezeichnet worden wäre, wenn sie in den 1970er oder 1980er Jahren veröffentlicht worden wäre, wie beispielsweise Missouri's Flaschenraketen und Illinois ' Onkel Tupelo, oft beschriftet Alt-Country.[190]
Punk Rock
Punkrock wurde zwischen 1974 und 1976 in den USA und im Vereinigten Königreich entwickelt. Punkrock -Bands verwurzelt in Garage Rock und anderen Formen der heutigen Protopunk -Musik und verzichtete auf die wahrgenommenen Exzesse des Mainstream -Rocks der 1970er Jahre.[191] Sie kreierten schnelle, hartnäckige Musik, typischerweise mit kurzen Liedern, abgespeckten Instrumenten und oft politischen, Anti-Establishment-Texten. Punk umarmt a DIY (mach es selbst) Ethikmit vielen Bands, die ihre Aufnahmen selbst produzieren und sie über informelle Kanäle verteilen.[192]
Ende 1976 Acts wie die Ramones und Patti Smithin New York City und die Sexpistolen und das Aufeinandertreffen, in London, wurden als Avantgarde einer neuen musikalischen Bewegung anerkannt.[191] Im folgenden Jahr breitete sich Punkrock auf der ganzen Welt aus. Punk wurde schnell zu einem großen kulturellen Phänomen in Großbritannien. Live -TV -Gefecht der Sexpistolen mit Bill Grundy Am 1. Dezember 1976 war der Moment in British Punk in ein großes Medienphänomen, selbst als einige Geschäfte sich weigerten, die Rekorde zu lagern, und Radio Airplay war schwer zu bekommen.[193] Im Mai 1977 erreichten die Sexpistolen neue Höhen der Kontroversen (und Nummer zwei in der Singles -Tabelle) mit einem Song, auf das sich verwiesen hat Königin Elizabeth die zweite, "Gott schütze die Königin", während ihr Silberhochzeit.[194] Zum größten Teil nahm Punk in lokalen Szenen Wurzeln, die dazu neigten, die Assoziation mit dem Mainstream abzulehnen. Ein assoziiertes Punk -Subkultur tauchte auf, drückte jugendliche Rebellion aus und gekennzeichnet durch unverwechselbare Kleidungsstile und eine Vielzahl von antiautoritäre Ideologien.[195]
Anfang der 1980er Jahre schneller, aggressivere Stile wie Hardcore und Oi! war die vorherrschende Art von Punkrock geworden.[196] Dies hat zu mehreren entwickelten Hardcore -Punk -Stämmen geführt, wie sie D-Beat (Ein von der britischer Band beeinflusstes verzerrendem Subgenre Entladung), Anarcho-Punk (wie zum Beispiel Krass), Grindcore (wie zum Beispiel Napalm Tod), und Kruste Punk.[197] Musiker, die sich mit Punk identifizieren oder von Punk inspiriert haben Neue Welle, Post-Punk und die alternativer Rock Bewegung.[191]
Neue Welle
Obwohl Punkrock ein bedeutendes soziales und musikalisches Phänomen war, erreichte es weniger den Umsatz von Rekordverkäufen (von kleinen Spezialetiketten wie verteilt wie z. Steife Aufzeichnungen),[198] oder American Radio Airplay (wie die Radioszene weiterhin von Mainstream -Formaten dominiert wurde wie z. Disko und Album-orientiertes Rock).[199] Punkrock hatte Anhänger aus der Kunst- und Collegiate -Welt angezogen und bald Bands mit einem gebildeten, künstlerischeren Ansatz wie Sprechende Köpfe und Devo begann die Punkszene zu infiltrieren; In einigen Bereichen wurde die Beschreibung "New Wave" verwendet, um diese weniger offenen Punkbänder zu unterscheiden.[200] Record -Führungskräfte, die größtenteils von der Punkbewegung mystifiziert worden waren, erkannten das Potenzial der zugänglicheren New Wave Acts und begannen aggressiv, eine Band zu signieren und zu vermarkten, die eine entfernte Verbindung zu Punk oder New Wave beanspruchen könnte.[201] Viele dieser Bands, wie z. die Autos und Die Go-Go's kann als Popbands als neue Welle angesehen werden;[202] andere bestehende Handlungen, einschließlich die Polizei, die Pretenders und Elvis Costello, benutzte die neue Wellenbewegung als Sprungbrett für relativ lange und kritisch erfolgreiche Karrieren,[203] während "Skinny Tie" Bands veranschaulicht durch das Talent,[204] oder das fotogene Blondiebegann als Punk -Acts und zog in mehr kommerzielles Gebiet.[205]
Zwischen 1979 und 1985, beeinflusst von Kraftwerk,, Gelbes Magie Orchester, David Bowie und Gary Numan, Britische neue Welle ging in Richtung neuer Romantiker wie Spandau Ballet, Ultravox, Japan, Duran Duran, Eine Herde von Möwen, Kulturklub, Talk Talk und die Eurythmiemanchmal mit dem Synthesizer, um alle anderen Instrumente zu ersetzen.[206] Diese Zeit fiel mit dem Aufstieg von zusammen MTV und führte zu viel Belichtung für diese Marke von Synthesizer-Pop, was das schafft, was als charakterisiert wurde Zweite britische Invasion.[207] Einige traditionelle Rockbands, die an das Videoalter angepasst und von MTVs profitiert wurden luftspiel, am offensichtlichsten Dire -Straits, Deren "Geld für nichts"Über die Tatsache, dass es ihnen dazu beigetragen hatte, internationale Stars zu machen, machte sich sanft lustig.[208] Aber im Allgemeinen war Gitarre-orientiertes Rock kommerziell in den Schatten gestellt.[209]
Post-Punk
Wenn Hardcore die entkühlte Ästhetik von Punk am direkten verfolgte und New Wave seinen kommerziellen Flügel darstellte, trat Post-Punk in den späteren 1970er und frühen 1980er Jahren als künstlerischer und herausfordernder auf. Haupteinflüsse neben Punkbands waren Der Samt unterirdisch, Frank Zappa und Captain Beefheartund der in New York ansässige Sitz keine Welle Szene, die einen Schwerpunkt auf Leistung legte, einschließlich Bands wie James Chance und die Verunressten, DNA und Sonic Youth.[210] Zu den frühen Mitwirkenden des Genres gehörten die US -Bands Pere Ubu, Devo, die Bewohner und Sprechende Köpfe.[210]
Die erste Welle des britischen Post-Punks enthalten Gruppe von vier, Siouxsie und die Banshees und Freude Abteilung, der weniger die Kunst legte als ihre US -amerikanischen Kollegen und mehr auf die dunklen emotionalen Eigenschaften ihrer Musik.[210] Bands wie Siouxsie und die Banshees, Bauhaus, Die Heilung, und Die Schwestern der Barmherzigkeit, bewegte sich zunehmend in diese Richtung zu Gothic Rock, das zur Grundlage eines Majors geworden war Subkultur In den frühen 1980er Jahren.[211] Ähnliches emotionales Territorium wurde von australischen Handlungen wie verfolgt wie die Geburtstags Party und Nick Höhle.[210] Mitglieder von Bauhaus und Joy Division erkundeten ein neues stilistisches Territorium als Liebe und Raketen und Neue Ordnung beziehungsweise.[210] Eine weitere frühe Post-Punk-Bewegung war die Industriemusik[212] entwickelt von britischen Bands Pochende Grafte und Kabarett Voltaireund in New York ansässig Selbstmordmit einer Vielzahl elektronischer und Probenahme -Techniken, die den Klang der industriellen Produktion emulierten und sich zu einer Vielzahl von Formen von entwickeln würden postindustrielle Musik in den 1980er Jahren.[213]
Die zweite Generation britischer Post-Punk-Bands, die in den frühen 1980er Jahren durchbrach, einschließlich der Herbst, die Popgruppe, die Mekons, Echo und das Bunnymen und die Teardrop explodiert, neigte dazu, sich von dunklen Klanglandschaften zu entfernen.[210] Die wohl erfolgreichste Band, die aus dem Post-Punk hervorging, war Irlands von Irland U2, der Elemente religiöser Bilder zusammen mit politischen Kommentaren in ihre oft hymnische Musik einbezog und bis in die späten 1980er Jahre zu einer der größten Bands der Welt geworden war.[214] Obwohl viele Post-Punk-Bands weiterhin aufgenommen und auftraten, nahm es Mitte der 1980er Jahre als Bewegung ab, als Acts aufgelöst oder abgelöst wurden, um andere Musikbereiche zu erkunden, aber es hat weiterhin die Entwicklung von Rockmusik beeinflusst und wurde als als als er ansah als als als er angesehen wurde, und wurde als als als er ansah als als ers Ein Hauptelement bei der Schaffung der alternativen Gesteinsbewegung.[215]
Entstehung alternativer Gestein
Der Begriff Alternative Gestein wurde in den frühen 1980er Jahren geprägt, um Rockkünstler zu beschreiben, die nicht in die Mainstream -Genres der Zeit passen. Bands, die als "Alternative" bezeichnet wurden, hatten keinen einheitlichen Stil, wurden aber alle als von Mainstream -Musik unterschieden. Alternative Bands wurden durch ihre kollektive Schulden mit Punkrock über Hardcore, New Wave oder die Post-Punk-Bewegungen verknüpft.[216] Wichtige alternative Rockbands der 1980er Jahre in den USA eingeschlossen R.E.M., Hüsker dü, Janes Sucht, Sonic Youth, und die Pixies,[216] und in Großbritannien Die Heilung, Neue Ordnung, Die Kette Jesus und Maria, und Schmiede.[217] Künstler waren weitgehend beschränkt auf Unabhängige Plattenlabelseine umfangreiche unterirdische Musikszene basieren basierend auf College -Radio, Fanzines, Touring und Mundpropaganda.[218] Sie lehnten den dominanten Synth-Pop der frühen 1980er Jahre ab und markierten eine Rückkehr zum gruppenbasierten Gitarrenrock.[219][220][221]
Nur wenige dieser frühen Bänder erzielten den Mainstream -Erfolg, obwohl die Ausnahmen von dieser Regel R.E.M., die Smiths und die Heilung umfassen. Trotz eines allgemeinen Mangels an spektakulärem Albumverkauf hatten die ursprünglichen alternativen Rockbands einen erheblichen Einfluss auf die Generation von Musikern, die in den 1980er Jahren erwachsen wurden und in den 1990er Jahren den Mainstream -Erfolg durchbrach. In den 1980er Jahren wurden in den 1980er Jahren alternative Gesteinsstile in den USA Jangle Pop, verbunden mit den frühen Aufnahmen von R.E.M. 10.000 Wahnsinnige und das Gefühl.[216] In Großbritannien dominierte Gothic Rock in den frühen 1980er Jahren, aber am Ende des Jahrzehnts Indie oder Dream Pop[222] wie Urschrei, Bogshed, Halbmann Halbkeks und Das Hochzeitsgeschenkund was wurde synchronisiert Shoegaze Bands mögen Mein blutiger Valentine, Langsam, Reiten und Üppig trat ein.[223] Besonders lebendig war das Madchester Szene, die Bands produzieren als Frohe montags, Inspirale Teppiche und Die steinernen Rosen.[217][224] Das nächste Jahrzehnt würde den Erfolg von sehen Grunge in den USA und Britpop In Großbritannien bringen Sie alternativen Rock in den Mainstream.
Anfang der neunziger Jahre - Late 2000er Jahre
Grunge
Unzufrieden mit kommerzialisiertem und stark produziertem Pop und Rock Mitte der 1980er Jahre, Bands in Washington (besonders in der Seattle Gebiet) bildete einen neuen Gesteinsstil, der stark mit der Mainstream -Musik der Zeit kontrastierte.[225] Das sich entwickelnde Genre wurde als "Grunge" bekannt, ein Begriff, der den schmutzigen Klang der Musik und das ungepflegte Erscheinungsbild der meisten Musiker beschreibt, die aktiv gegen die übergeborenen Bilder anderer Künstler rebellierten.[225] Grunge verschmolze Elemente von Hardcore Punk und Schwermetall in einen einzigen Sound und nutzte die Gitarre stark Verzerrung, Flaum und Rückmeldung.[225] Die Texte waren typischerweise apathisch und mittenig gefüllt, und oft betroffene Themen wie soziale Entfremdung und Einschluss, obwohl sie auch für seinen dunklen Humor und seine Parodien des kommerziellen Rocks bekannt war.[225]
Bands wie Grüner Fluss, Klanggarten, Melvins und Hauthof leistete das Genre mit Mudhoney Am Ende des Jahrzehnts der erfolgreichste werden. Grunge blieb bis 1991 weitgehend ein lokales Phänomen, wann Nirwana's Album Egal wurde ein großer Erfolg und enthielt das hymnische Lied "Smells Like Teen Spirit".[226] Egal war melodischer als seine Vorgänger, indem sie bei Geffen Records eine der ersten, die traditionelle Unternehmensförderungs- und Marketingmechanismen wie ein MTV -Video, in Store Displays und die Verwendung von Radioberatern, die Airplay im Major Mainstream beworben hatten Rockstationen. In den Jahren 1991 und 1992 andere Grunge -Alben wie Perlenmarmelade's Zehn, Soundgardens Badmotorfinger und Alice in Ketten' Schmutz, zusammen mit Tempel des Hundes Das Album mit Mitgliedern von Pearl Jam und Soundgarden wurde zu den 100 meistverkauften Alben.[227] Große Rekordetiketten unterzeichneten die meisten verbleibenden Grunge -Bänder in Seattle, während ein zweiter Zustrom von Acts in die Stadt in der Hoffnung auf Erfolg zog.[228] Jedoch mit dem Tod von Kurt Cobain und die anschließende Trennung von Nirvana im Jahr 1994, Touring-Probleme für Pearl Jam und den Abgang von Alice in Chains 'Lead-Sänger Layne Staley 1998 begann das Genre zu sinken, teilweise von Britpop und kommerziellem Klang überschattet zu werden Post-Grunge.[229]
Britpop
Britpop stammte aus der britischen Alternative Rockszene der frühen 1990er Jahre und wurde durch Bands gekennzeichnet, die besonders von der britischen Gitarrenmusik der 1960er und 1970er Jahre beeinflusst wurden.[217] Schmiede waren ein großer Einfluss, ebenso wie Bänder der Madchester Szene, die sich Anfang der neunziger Jahre aufgelöst hatte.[86] Die Bewegung wurde teilweise als Reaktion gegen verschiedene US-amerikanische, musikalische und kulturelle Trends in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren angesehen, insbesondere der Grunge Phänomen und als Wiederbeschäftigung einer britischen Felsidentität.[217] Britpop war stilvoll unterschiedlich, verwendete aber oft eingängige Melodien und Haken, neben Texten mit besonders britischen Bedenken und der Annahme der Ikonographie der britischen Invasion der 1960er Jahre, einschließlich der Symbole der zuvor von den Mods verwendeten britischen Identität.[230] Es wurde um 1993 mit Veröffentlichungen von Gruppen wie ins Leben gerufen, z. B. Wildleder und Verwischen, zu der bald von anderen einschließlich teilgenommen wurde, einschließlich Oase, Zellstoff, Supergras, und Elastica, der eine Reihe erfolgreicher Alben und Singles produzierte.[217] Für eine Weile wurde der Wettbewerb zwischen Blur und Oase von der beliebten Presse in die "Schlacht von Britpop" gebaut, die zunächst von Blur gewonnen wurde, aber mit Oasis einen größeren langfristigen und internationalen Erfolg erzielte und später spätere Britpop-Bands beeinflusst, wie sie Ozeanfarbenszene und Kula Shaker.[231] Britpop -Gruppen brachten britische alternative Gestein in den Mainstream und bildeten das Rückgrat einer größeren britischen Kulturbewegung, die als bekannt ist Coole Britannia.[232] Obwohl seine beliebteren Bands, insbesondere Unschärfe und Oasis, ihren kommerziellen Erfolg in Übersee, insbesondere in die USA, verbreiten konnten, war die Bewegung bis zum Ende des Jahrzehnts weitgehend auseinander gefallen.[217]
Post-Grunge
Der Begriff post-Grunge wurde für die Generation von Bändern geprägt, die dem Entstehen in den Mainstream und die anschließende Pause der Seattle Grunge-Bänder folgten. Post-Grunge-Bands emulierten ihre Einstellungen und Musik, aber mit einem funkfreundlicheren kommerziell orientierten Sound.[229] Oft haben sie die wichtigsten Labels durchgearbeitet und fanden verschiedene Einflüsse von Jangle Pop, Pop-Punk, einbezogen Alternatives Metall oder harter Stein.[229] Der Begriff Post-Grunge sollte ursprünglich abwertend sein, was darauf hindeutet, dass sie einfach musikalisch Derivat oder eine zynische Reaktion auf eine "authentische" Felsbewegung waren.[233] Ursprünglich wurden Grunge-Bänder, die beim Mainstream entstanden waren, und wurden verdächtigt, den Grunge-Sound nachzuahmen, abwertend als postgrunge.[233] Ab 1994 der ehemalige Nirvana -Schlagzeuger Dave GrohlDie neue Band, die Foo -Kämpfer, half bei der Popularisierung des Genres und definiert seine Parameter.[234]
Einige Post-Grunge-Bands, wie Candleboxstammten aus Seattle, aber das Subgenre war durch eine Verbreiterung der geografischen Basis des Grunge mit Bands wie Los Angeles 'gekennzeichnet. Audioslaveund Georgiens Kollektive Seele und jenseits der USA in Australien Silverchair und Großbritannien Busch, die alle postgrunge als eines der kommerziell lebensfähigsten Subgenres der späten 1990er Jahre zementierten.[216][229] Obwohl männliche Bands Post-Grunge vorherrschten, weibliche Solokünstlerin Alanis Morissette's 1995 Album Jagierte kleine PilleAls Postgrunge wurde auch ein Multi-Platin-Hit.[235] Post-Grunge verwandelte sich in den späten 1990er Jahren als Post-Grunge-Bands wie wie Glaube und Nickelback aufgetaucht.[233] Bands wie Creed und Nickelback nahmen nach dem Grunge in das 21. Jahrhundert mit beträchtlichem kommerziellem Erfolg und gaben den größten Teil der Angst und Wut der ursprünglichen Bewegung für konventionellere Hymnen, Erzählungen und romantische Songs auf und wurden in diesem Sinne von neueren Handlungen einschließlich dessen verfolgt Herabscheinen, Seether, 3 Türen weiter und Schlammpfütze.[233]
Pop -Punk
Die Ursprünge des Pop-Punks der 1990er Jahre sind in den mehr Song-orientierten Bands der Punk-Bewegung der 1970er Jahre zu sehen Buzzcocks und das Aufeinandertreffen, kommerziell erfolgreiche neue Wellenakte wie wie die Marmelade und die Untertöneund die hardcore-beeinflussten Elemente von Alternative Rock in den 1980er Jahren.[236] Pop-Punk verwendet tendenziell Power-Pop-Melodien und Akkordänderungen mit schnellen Punk-Tempos und lauten Gitarren.[237] Punkmusik lieferte die Inspiration für einige in Kalifornien ansässige Bands auf unabhängigen Labels in den frühen neunziger Jahren, einschließlich Ranzig, Pennywise, Weezer und Grüner Tag.[236] 1994 wechselte Green Day zu einem großen Label und produzierte das Album Dookie, das einen neuen, größtenteils Teenager, Publikum fand und sich als Überraschungsverkäufe erwies, was zu einer Reihe von Hit-Singles führte, darunter zwei Nummer eins in den USA.[216] Sie folgten bald die gleichnamiges Debüt aus Weezer, der drei Top -Ten -Singles in den USA hervorbrachte.[238] Dieser Erfolg öffnete die Tür für den Multi-Platinum-Verkauf von Metallic Punk Band der Nachwuchs mit Zerschlagen (1994).[216] Diese erste Welle von Pop -Punk erreichte seinen kommerziellen Höhepunkt mit dem Green Day Nimrod (1997) und die Nachkommen Americana (1998).[239]
Eine zweite Welle von Pop -Punk wurde von angeführt von Blink 182mit ihrem bahnbrechenden Album Einlauf des Staates (1999), gefolgt von Bands wie Gute Charlotte, Einfacher Plan und Summe 41, der Humor in ihren Videos benutzte und einen funkfreundlicheren Ton für ihre Musik hatte, während sie die Geschwindigkeit, einige der Haltung und sogar den Aussehen des Punks der 1970er Jahre beibehielt.[236] Spätere Pop-Punk-Bands, einschließlich Allzeit niedrig, Die All-American lehnt ab und Fallout Boy, hatte einen Ton, der dem Hardcore der 1980er Jahre als näher beschrieben wurde und gleichzeitig kommerziellen Erfolg erzielte.[236]
Indie Rock
In den 1980er Jahren wurden die Begriffe Indie -Rock und alternativer Gestein austauschbar verwendet.[240] Mitte der neunziger Jahre, als Elemente der Bewegung begannen, ein Mainstream-Interesse zu wecken, insbesondere Grunge, und dann Britpop, Post-Grunge und Pop-Punk, begann der Begriff Alternative seine Bedeutung zu verlieren.[240] Diese Bands, die den weniger kommerziellen Konturen der Szene folgen, wurden vom Label Indie zunehmend bezeichnet.[240] Sie versuchten charakteristisch, die Kontrolle über ihre Karriere zu behalten, indem sie Alben auf ihren eigenen oder kleinen unabhängigen Labels veröffentlichen, während sie sich auf Touring, Mundpropaganda und Airplay für unabhängige oder College-Radiosender für die Werbung verlassen.[240] Die Indie-Rock-Bewegung, die durch ein Ethos mehr als ein musikalischer Ansatz verbunden ist, umfasste eine breite Palette von Stilen, von hart geschnittenen, grunge beeinflussten Bands wie Die Preiselbeeren und Superchunkdurch do-it-yourself-experimentelle Bänder wie Gehweg, zu Punk-Folk-Sängern wie Ani DiFranco.[216][217] Es wurde festgestellt, dass Indie-Rock im Vergleich zu den vorhergehenden Felsgenres einen relativ hohen Anteil weiblicher Künstler hat Riot Grrrl Musik.[241] Viele Länder haben eine umfangreiche lokale Entwicklung entwickelt Indie Szene, die mit Bands mit genug Popularität floriert, um innerhalb des jeweiligen Landes zu überleben, aber praktisch unbekannt außerhalb von ihnen.[242]
Bis zum Ende der 1990er Jahre wurden viele erkennbare Subgenres, die meisten mit ihrem Ursprung in der alternativen Bewegung der späten 1980er Jahre, unter den Dach von Indie aufgenommen. LO-Fi meidete polierte Aufzeichnungstechniken für einen D.I.Y. Ethos und wurde von angeführt von Beck, Sebadoh und Gehweg.[216] Die Arbeit von Talk Talk und Slint half beider Post Rock, ein experimenteller Stil, der von beeinflusst wurde von Jazz und elektronische Musik, Pionierarbeit von Rindenpsychose und von Acts wie z. Schildkröte, Stereolab, und Laika,[243][244] Es führt nicht nur dichtere und komplexere, gitarrenbasierte Math Rock, die von Acts wie entwickelt wurde wie Polvo und Chavez.[245] Space Rock blickte auf progressive Wurzeln zurück, mit Drohnen schweren und minimalistischen Handlungen wie Raumleute 3, die beiden Bands, die aus seiner Trennung geschaffen wurden, Spektrum und Spiritualisiertund spätere Gruppen einschließlich Flying Saucer -Angriff, Godspeed du! Schwarzer Kaiser und Schnellspace.[246] Im Gegensatz, Sadcore Betonte Schmerzen und Leiden durch melodische Verwendung von akustischer und elektronischer Instrumentierung in der Musik von Bändern wie American Music Club und Maler des Roten Hauses,[247] Während die Wiederbelebung des Barock-Pop gegen LO-Fi und experimentelle Musik reagierte, indem er einen Schwerpunkt auf Melodie und klassische Instrumentierung legte, mit Künstlern wie Arcade Fire, Belle und Sebastian und Rufus Wainwright.[248]
Alternatives Metall, Rap Rock und Nu Metal
Alternatives Metal kam in den späten 1980er Jahren aus der Hardcore -Szene von Alternative Rock in den USA hervor, erhielt jedoch ein breiteres Publikum, nachdem Grunge Anfang der neunziger Jahre in den Mainstream eingebrochen war.[249] Frühe alternative Metallbanden mischten eine Vielzahl von Genres mit Hardcore- und Schwermetallempfindlichkeiten, mit Akten wie Janes Sucht und Primus Verwendung progressiver Rock, Klanggarten und Korrosion der Konformität mit Garage Punk, die Jesus Eidechse und Helm Mischen Rauschen, Ministerium und Neun Zoll Nägel beeinflusst von Industriemusik, Monstermagnet einziehen in Psychedelia, Pantera, Sepultura und Weißer Zombie Erstellen Rillenmetall, während Biohazard, Limp Bizkit und Glaube nicht mehr wandte sich an Hip Hop und Rap.[249]
Hip Hop hatte in den frühen 1980er Jahren von Felsakten aufmerksam gemacht, einschließlich des Zusammenstoßes mit "Die glorreichen Sieben"(1980) und blondie mit"Entrückung"(1980).[250][251] Frühe Crossover -Acts enthalten Run DMC und die Beastie Boys.[252] Detroit Rapper Esham wurde bekannt für seinen "Acid Rap" -Stil, der mit einem Sound, das oft in Fels und Heavy -Metal basiert, verschmolzen.[253][254] Rapper, die Rocksongs probierten Eis-T, die dicken Jungs, Ll cool j, Staatsfeind und Whodini.[255] Das Mischen von Thrash -Metall und Rap wurde von Pionierarbeit von Pionierarbeit Milzbrand auf ihrer 1987er Comedy beeinflussten Single "Ich bin der Mann".[255]
In 1990, Glaube nicht mehr mit ihrer Single in den Mainstream eingebrochen "Epos", oft als die erste wirklich erfolgreiche Kombination von Heavy Metal mit Rap angesehen.[256] Dies ebnete den Weg für den Erfolg bestehender Bands wie 24-7 Spyz und Lebendige Farbeund neue Acts einschließlich Wut gegen die Maschine und rote scharfe Chilischoten, der alle unter anderem Rock- und Hip Hop hüpfen.[255][257] Unter den ersten Wellen von Darstellern, die den Mainstream -Erfolg als Rap -Rock erzielten 311,[258] Bluthundbande,[259] und Kinderrock.[260] Ein metallischer Klang - Nu Metall- wurde von Bands verfolgt, einschließlich Limp Bizkit, Korn und Slipknot.[255] Später im Jahrzehnt dieser Stil, der eine Mischung aus Grunge, Punk, Metall, Rap und Plattenspieler enthielt Kratzen, brachte eine Welle erfolgreicher Bands wie hervor Linkin Park, P.O.D. und Färbung, die oft als Rap-Metal oder Nu Metal eingestuft wurden, von denen die erste die meistverkaufte Bande des Genres ist.[261]
Im Jahr 2001 erreichte Nu Metal seinen Höhepunkt mit Alben wie Staind's Den Kreislauf durchbrechen, P.o.ds Satellit, Slipknots Iowa und Linkin Park's Hybrid-Theorie. Neue Bands tauchten ebenfalls auf Gestört, Godsmack und Papa Roach, dessen Hauptlabel Debut Befallen wurde ein Platin -Hit.[262] Korns lang erwartete fünfte Album Unberührbareund Papa Roachs zweites Album LovehatetRagierte, verkaufte sich nicht so gut wie ihre früheren Veröffentlichungen, während Nu Metal -Bands selten auf Rock -Radiosendern gespielt wurden und MTV begann sich auf zu konzentrieren Pop -Punk und Emo.[263] Seitdem haben sich viele Bands zu einem konventionelleren Hardrock-, Heavy -Metal- oder Elektronikmusik -Sound verwandelt.[263]
Post-Britpop
Ab ungefähr 1997, als die Unzufriedenheit mit dem Konzept der coolen Britannia zunahm, und Britpop als Bewegung auflösten, begannen aufstrebende Bands, das Britpop -Label zu vermeiden, während sie immer noch Musik produzierte, die daraus abgeleitet wurden.[264][265] Viele dieser Bands mischen Elemente des britischen traditionellen Rocks (oder britischen Markenzeichens).[266] Besonders die Beatles, Rolling Stones und Kleine Gesichter,[267] mit amerikanischen Einflüssen, einschließlich Post-Grunge.[268][269] Aus dem gesamten Vereinigten Königreich (mit mehreren wichtigen Bands aus dem Norden Englands, Schottlands, Wales und Nordirlands) waren die Themen ihrer Musik tendenziell weniger parochial auf britisches, englisches Leben und Londoner Leben und introspektiv als introspektiv als gewesen der Fall mit Britpop auf seiner Höhe.[270][271] Dies könnte neben einer größeren Bereitschaft, sich mit der amerikanischen Presse und den Fans zu beschäftigen, einigen von ihnen geholfen haben, internationalen Erfolg zu erzielen.[272]
Post-Britpop-Bands wurden als das Bild des Rockstars als gewöhnliche Person angesehen, und ihre zunehmend melodische Musik wurde dafür kritisiert, dass sie langweilig oder derivativ war.[273] Post-Britpop-Bänder mögen Travis aus Der Mann, der (1999), Stereophonik aus Leistung und Cocktails (1999), Feeder aus Echo Park (2001) und insbesondere Coldplay Aus ihrem Debütalbum Fallschirme (2000) erzielten einen viel umfassenderen internationalen Erfolg als die meisten Britpop -Gruppen, die ihnen vorausgegangen waren, und waren einige der kommerziell erfolgreichsten Akte der späten 1990er und frühen 2000er Jahre, was wohl ein Launchpad für die nachfolgenden Garage Rock oder Wiederbelebung nach dem Punk, was auch als Reaktion auf ihre introspektive Rockmarke angesehen wurde.[269][274][275][276]
Post-Hardcore und Emo
Post-Hardcore entwickelte sich in den USA, insbesondere in den Bereichen Chicago und Washington, DC, Anfang bis Mitte der 1980er Jahre mit Bands, die von der Do-it-yourself-Ethik und der Gitarren-Last-Musik von Hardcore Punk inspiriert waren, aber beeinflusst wurden, aber beeinflusst durch Post-Punk, übernehmen längere Songformate, komplexere musikalische Strukturen und manchmal melodischere Stimmstile.[277]
Emo stammte auch aus der Hardcore -Szene in den 1980er Jahren Washington, DC, zunächst als "Emocore", der als Begriff verwendet wurde, um Bands zu beschreiben, die ausdrucksstarke Vocals gegenüber dem häufigeren abrasiven, bellenden Stil bevorzugten.[278] Die frühe Emo-Szene wurde als Untergrund operiert. Kurzlebige Bands veröffentlichen kleine Vinyl-Rekorde auf winzigen unabhängigen Etiketten.[278] Emo brach in den frühen 2000er Jahren in die Mainstream-Kultur ein Bluten amerikanisch (2001) und Dashboard Beichtstuhl's Die Orte, an denen Sie am meisten fürchten (2003).[279] Das neue Emo hatte einen viel mehr Mainstream -Sound als in den neunziger Jahren und eine weitaus größere Anziehungskraft bei Jugendlichen als bei früheren Inkarnationen.[279] Gleichzeitig wurde die Verwendung des Begriffs EMO über das musikalische Genre hinaus und wurde mit Mode, einer Frisur und jeder Musik, die Emotionen zum Ausdruck brachte.[280] Bis 2003 hatten die Post-Hardcore-Bands auch die Aufmerksamkeit der großen Labels auf sich gezogen und begann, den Mainstream-Erfolg in den Album-Charts zu genießen. Einige dieser Bänder wurden als aggressiverer Ableger von Emo angesehen und erhielten das oft vage Etikett von Screamo.[281]
Wiederbelebung von Garage Rock/Post-Punk
In den frühen 2000er Jahren tauchte eine neue Gruppe von Bands, die eine abgesprengte und back-to-Basic-Version von Guitar Rock spielten, in den Mainstream auf. Sie wurden unterschiedlich als Teil eines Garagengesteins, Post-Punk oder charakterisiert Neue Wave -Wiederbelebung.[282][283][284][285] Da die Bands aus aller Welt kamen, verschiedene Einflüsse (von traditionellem Blues über New Wave bis Grunge) zitierten und unterschiedliche Kleidungsstile übernommen haben, wurde ihre Einheit als Genre umstritten.[286] In den 1980er und 1990er Jahren gab es Versuche, Garage Rock und Punkelemente zu wiederbeleben, und in mehreren Ländern wurden 2000 Szenen gewachsen.[287]
Der kommerzielle Durchbruch dieser Szenen wurde von vier Bands angeführt: die Striche, der mit ihrem Debütalbum aus der New Yorker Clubszene hervorging Ist das es (2001); die weißen Streifen, aus Detroit, mit ihrem dritten Album Weiße Blutkörperchen (2001); die Bienenstöcke aus Schweden nach ihrem Zusammenstellung Album Deine neue Lieblingsband (2001); und die Reben aus Australien mit Hoch entwickelt (2002).[288] Sie wurden von den Medien als "Bands" getauft und "The Saviors of Rock 'n' Roll" genannt, was zu Anschuldigungen des Hype führte.[289] Eine zweite Welle von Bändern, die aufgrund der Bewegung eine internationale Anerkennung erhielten Black Rebel Motorcycle Club, die Mörder, Interpol und König der Löwen aus den USA,[290] die Libertinen, Arktische Affen, Blockparty, Kaiser Chiefs und Franz Ferdinand aus dem Vereinigten Königreich,[291] Jet aus Australien,[292] und Die Datsuns und der d4 von Neuseeland.[293]
Digital Electronic Rock
In den 2000er Jahren, als die Computertechnologie zugänglicher wurde und Musiksoftware Fortgeschritten wurde es möglich, hochwertige Musik mit kaum mehr als einer einzigen zu schaffen Laptop -Computer.[294] Dies führte zu einer massiven Zunahme der Menge an hausgemachten elektronischen Musik, die der Öffentlichkeit über das wachsende Internet zur Verfügung stand.[295] und neue Leistungsformen wie z. Laptronica[294] und Live -Codierung.[296] Diese Techniken begannen auch von vorhandenen Bändern und durch Entwicklung von Genres, die Rock mit digitalen Techniken und Klängen mischten, einschließlich Indie elektronisch, Elektroklash, Tanzpunk und Neues Rave.
2010er
Rückgang der Mainstream -Relevanz
Während der 2010er Jahre verzeichnete Rockmusik einen Rückgang der Mainstream -Popularität und der kulturellen Relevanz und bis 2017. Hip -Hop -Musik hatte es als das am meisten konsumierte musikalische Genre in den Vereinigten Staaten übertroffen.[297] Kritiker in der zweiten Hälfte des Jahrzehnts haben die abnehmende Popularität des Genres zur Kenntnis genommen, und zitierte die Popularität von Hip Hop[298] elektronische Tanzmusik,[299] Der Aufstieg des Streamings und das Aufkommen der Technologie, der sich als Faktoren zur Musikschöpfung verändert hat.[300] Ken Partridge von Genius schlug vor, dass Hip-Hop populärer wurde, da es sich um ein transformativeres Genre handelt und sich nicht auf vergangene Geräusche verlassen muss und dass es eine direkte Verbindung zum Niedergang der Rockmusik und der sich ändernden sozialen Einstellungen während der 2010er Jahre gibt.[298] Bill Flanagan in einem Meinungsstück 2016 für Die New York Timesverglichen den Zustand des Felsens in dieser Zeit in den frühen 1980er Jahren mit dem Bundesstaat Jazz, "Verlangsamung und Rückblick".[301] Vize deutet darauf hin, dass dieser Beliebtheitsrückgang dem Genre tatsächlich zugute kommen könnte, indem er Außenstehende mit "etwas zu beweisen und nichts zu gewinnen" anzieht.[302]
Trotz des Rückgangs der Mainstream -Popularität von Rock haben einige Rockbands weiterhin den Mainstream -Erfolg in den 2010er und 2020er Jahren erzielt, einschließlich Werkzeug,[303] Fallout Boy,[299] Greta van Flotte,[304] Panik! in der Disco,[305] Einundzwanzig Piloten,[305] Gehen Sie mit dem Mond,[305] Portugal. Der Mann,[305] Die schwarzen Schlüssel,[305] Siebenfach gerächt.[306]und die Foo -Kämpfer.[307]
2020s
Inmitten der Covid-19 PandemieDas Virus brachte weltweit extreme Veränderungen in die Rockszene. Einschränkungen wie z. Quarantäne Regeln, verursachte weit verbreitete Stornierungen und Verschiebungen von Konzerten, Touren, Festivals, Albumveröffentlichungen, Preisverzerrungen und Wettbewerben.[308][309][310][311][312] Einige Künstler greifen auf Online -Auftritte zurück, um ihre Karriere aktiv zu halten.[313] Ein weiteres Schema zur Umgehung der Quarantänemenbeschränkungen wurde bei einem Konzert des dänischen Rockmusikers verwendet Mads Langer: Das Publikum beobachtete die Aufführung aus ihren Autos, ähnlich wie in einem Drive-In-Theater.[314] Musikalisch führte die Pandemie zu einem Anstieg der Neuveröffentlichungen aus langsameren, weniger energischen und akustischen Subgenres der Rockmusik.[315][316] Die Branche sammelte Spenden, um sich selbst durch Bemühungen wie Crew Nation, einen Hilfsfonds für Live -Musikcrews, zu helfen, die von organisiert sind Livivation.[317]
Zu Beginn der 2020er Jahre veröffentlichten die Aufnahme von Künstlern in Pop- und Rap-Musik beliebte Pop-Punk-Aufnahmen, von denen viele von Blink-182-Schlagzeuger produziert oder unterstützt wurden Travis Barker. Diese Handlungen repräsentieren eine kommerzielle Wiederbelebung des Genres Maschinengewehr Kelly, Willow Smith, Trippie Redd, Halsey, Yungblud, und Olivia Rodrigo. Die Popularität der Social -Media -Plattform Tick Tack half bei der Förderung der Nostalgie für den angstgetriebenen Musikstil unter jungen Zuhörern während der Pandemie. Zu den erfolgreichsten dieser Veröffentlichungen gehörte Maschinengewehrkellys 2020 -Album 2020 Tickets für meinen Untergang, was das überstieg Werbetafel 200 und Rodrigos Nummer-Eins-Single "Gut 4 u"(2021).[318]
Sozialer Einfluss
Verschiedene Subgenres von Gesteinen wurden von der Identität einer großen Anzahl von von zentraler Bedeutung und wurden von zentraler Bedeutung Subkulturen. In den 1950er bzw. 1960er Jahren nahmen die britischen Jugendlichen die an Teddy Junge und Rocker Subkulturen, die sich um uns herum drehten, Rock'n'Roll.[319] Das Gegenkultur der 1960er Jahre war eng verbunden mit Psychedelic Rock.[319] Die Mitte der 1970er Jahre Punk -Subkultur Begann in den USA, aber es wurde ein unverwechselbarer Blick von britischem Designer vergeben Vivienne Westwood, ein Blick, der sich weltweit ausbreitet.[320] Aus der Punkszene heraus die Goth und Emo Die Subkulturen wuchsen, die beide unverwechselbare visuelle Stile zeigten.[321]
Als sich eine internationale Rockkultur entwickelte, ersetzte sie das Kino als Hauptquellen des Modeeinflusses.[322] Paradoxerweise haben die Anhänger der Rockmusik der Welt der Mode oft missbrußen, die als Erhöhung des Bildes über der Substanz angesehen wurde.[322] Rockfashionen wurden als Kombination von Elementen verschiedener Kulturen und Perioden sowie von unterschiedlichen Ansichten zu Sexualität und Geschlecht aus, und Rockmusik im Allgemeinen wurde festgestellt und kritisiert, um mehr sexuelle Freiheit zu erleichtern.[322][323] Rock wurde auch mit verschiedenen Formen des Drogenkonsums in Verbindung gebracht, einschließlich der Amphetamine von Mods Anfang bis Mitte der 1960er Jahre durch die LSD, Meskalin, Haschisch und andere halluzinogene Arzneimittel miteinander verbunden mit Psychedelic Rock Mitte der 1960er und frühen 1970er Jahre; und manchmal zu Cannabis, Kokain und Heroin, die alle im Lied geschliffen wurden.[324][325]
Rock wurde zugeschrieben, die Einstellungen zum Rennen durch Öffnen zugeschrieben zu haben Afroamerikanische Kultur zum weißen Publikum; Gleichzeitig wurde Rock beschuldigt Aneignung und diese Kultur ausnutzen.[326][327] Während Rockmusik viele Einflüsse absorbiert und das westliche Publikum in verschiedene Musiktraditionen eingeführt hat, hat er sich in verschiedenen Musiktraditionen befasst.[328] Die globale Verbreitung von Rockmusik wurde als eine Form von interpretiert kultureller Imperialismus.[329] Rockmusik erbte die Volkstradition von Protestliedpolitische Aussagen zu Themen wie Krieg, Religion, Armut, Bürgerrechten, Gerechtigkeit und Umwelt.[330] Der politische Aktivismus erreichte einen Mainstream -Peak mit dem "Wissen sie, dass es Weihnachten ist?"Single (1984) und Live -Hilfe Das Konzert für Äthiopien im Jahr 1985, das zwar erfolgreich das Bewusstsein für die Weltarmut und die Hilfsmittel schärfte, wurde jedoch ebenfalls kritisiert (zusammen mit ähnlichen Ereignissen), um eine Bühne für Selbstveranstalter und erhöhte Gewinne für die beteiligten Rockstars zu bieten.[331]
Seit seiner frühen Entwicklung wurde Rockmusik mit Rebellion gegen soziale und politische Normen in Verbindung gebracht, die am offensichtlichsten in der Ablehnung einer erwachsenen Kultur durch Rock'n'Roll, der Ablehnung des Konsumismus und der Konformität durch die Gegenkultur und Punk-Ablehnung aller Formen des sozialen Konvents, der Ablehnung von Konformität und Punk, in Verbindung gebracht wurden, am offensichtlichsten.[332] Es kann jedoch auch als Mittel zur kommerziellen Ausbeutung solcher Ideen und der Ableitung von Jugendlichen von politischen Handeln angesehen werden.[333][334]
Rolle von Frauen
Instrumentalisten für professionelle Frauen sind in Rockgenres wie Heavy Metal, obwohl Bands wie Innerhalb Verführung Habe Frauen als Leadsänger mit Männern vorgestellt, die Instrumente spielen. Laut Schaap und Berkers "ist das Spielen in einer Band größtenteils eine männliche homosoziale Aktivität, dh zu lernen, in einer Band zu spielen, ist größtenteils eine Peer-basierte Erfahrung, die von bestehenden sexuierten Freundschaftsnetzwerken geprägt ist.[335] Sie stellen fest, dass Rockmusik "oft als eine Form männlicher Rebellion gegenüber weiblichen Schlafzimmerkultur definiert wird".[336] (Die Theorie der "Schlafzimmerkultur" argumentiert, dass die Gesellschaft Mädchen beeinflusst, sich nicht an Kriminalität und Abweichung zu beteiligen, indem sie sie in ihrem Schlafzimmer praktisch einbiegt; sie wurde von einem Soziologen namens entwickelt Angela McRobbie.) In der populären Musik gab es eine geschlechtsspezifische "Unterscheidung zwischen öffentlicher (männlicher) und privater (weiblicher) Teilnahme an Musik.[336] "Mehrere Wissenschaftler haben argumentiert, dass Männer Frauen aus Bands oder aus den Proben, Aufnahmen, Auftritten und anderen sozialen Aktivitäten der Bands ausschließen".[337] "Frauen gelten hauptsächlich als passive und private Verbraucher angeblich schicker, vorgefertigter - minderwertiger - Popmusik ... und mit Ausnahme von Rockmusikern mit hoher Status".[337] Einer der Gründe, warum es selten gemischte Geschlechtsbänder gibt, ist, dass "Bands als engmaschige Einheiten wirken, in denen die homosoziale Solidarität-soziale Bindungen zwischen Menschen des gleichen Geschlechts ...-eine entscheidende Rolle spielt".[337] In den 1960er Jahren Rockmusikszene war "Singen manchmal ein akzeptabler Zeitvertreib für ein Mädchen, aber ein Instrument zu spielen ... einfach noch nicht fertig".[338]
"Die Rebellion der Rockmusik war größtenteils eine männliche Rebellion; Philip Auslander sagt: "Obwohl es Ende der 1960er Jahre viele Frauen in Felsen gab, sind die meisten nur als Sänger aufgetreten, eine traditionell weibliche Position in der Populärmusik". Obwohl einige Frauen Instrumente in Amerikaner spielten All Frau Garage Rock BandsKeiner dieser Bands erzielte mehr als regionaler Erfolg. Sie "haben keine praktikablen Vorlagen für die fortlaufende Teilnahme von Frauen an Rock bereitgestellt".[339] In Bezug auf die Geschlechtszusammensetzung von SchwermetallbänderEs wurde gesagt, dass "[H] Eavy Metall -Darsteller fast ausschließlich männlich sind"[340] "... zumindest bis Mitte der 1980er Jahre"[341] Abgesehen von "... Ausnahmen wie z. Mädchenschule".[340] "... jetzt [in den 2010er Jahren] vielleicht mehr als je zuvor - sind große Metallfrauen ihre Herzöge aufgestellt und sich darauf eingestellt."[342] "Carv [einen beträchtlichen Ort für sie] selbst."[343] Wann Suzi Quatro 1973 trat "kein anderer prominenter Musiker weiblicher Musiker in Rock als Sängerin, Instrumentalistin, Songwriter und Bandleaderin".[339] Laut Auslander "trat sie in Rock and Roll die männliche Tür und beweisen, dass eine Frau Musiker... und das ist ein Punkt, über den ich sehr besorgt bin ... könnte auch spielen, wenn nicht besser als die Jungs. "[339]
Ein All-Frau-Band ist eine musikalische Gruppe in Genres wie Rock und Blues, die ausschließlich bestehend besteht weibliche Musiker. Dies unterscheidet sich von einer Mädchengruppe, in der die weiblichen Mitglieder ausschließlich Sänger sind, obwohl diese Terminologie nicht allgemein verfolgt wird.[344]
Siehe auch
Anmerkungen
- ^ Die Begriffe "Pop-Rock" und "Power Pop" wurden verwendet, um kommerziell erfolgreichere Musik zu beschreiben, die Elemente oder die Form von Rockmusik verwendet.[54] Pop-Rock wurde als "optimistische Vielfalt von Rockmusik, die von Künstlern wie Elton John, definiert, definiert. Paul McCartney, Die Everly Brothers, Rod Stewart, Chicago, und Peter Frampton. "[55] Der Begriff Power Pop wurde von geprägt von Pete Townshend von die WHO 1966, aber nicht viel verwendet, bis es auf Bands wie angewendet wurde Badfinger In den 1970er Jahren, die einige der kommerziell erfolgreichsten Zeiten bewiesen haben.[56]
- ^ Nachdem Doo Wop Ende der 1950er Jahre gestorben war, erlebte er im gleichen Zeitraum eine Wiederbelebung mit Hits für Acts wie die Marcels, die Capris, Maurice Williams und die Zodiacs, und Shep und die Limelights.[42] Der Aufstieg von Mädchengruppen wie die Chantels, die Shirelles und die Kristalle legte einen Schwerpunkt auf Harmonien und polierte Produktion, die im Gegensatz zu früheren Rock'n'Roll stand.[60] Einige der bedeutendsten Girl Group -Hits waren Produkte der Brill Building Sound, benannt nach dem Block in New York, in dem viele Songwriter basierten, die den Nr. 1 -Hit für die Shirelles enthielten. "Wirst du mich morgen lieben"1960, geschrieben von der Partnerschaft von Gerry Goffin und Carole King.[61]
- ^ Alle diese Elemente, einschließlich der engen Harmonien von Doo Wop und Girl-Gruppen, das sorgfältig gefertigte Songschreiben der Brill Building Sound und die polierten Produktionswerte der Seele wurden als beeinflussen, die die beeinflussen Merseybeat Klang, insbesondere die frühe Arbeit von die Beatlesund durch sie die Form späterer Rockmusik.[67]
- ^ Nur die Beach Boys konnten bis Mitte der 1960er Jahre eine kreative Karriere aufrechterhalten und eine Reihe von Hit-Singles und Alben produzierten, einschließlich der hoch geschätzten Haustiergeräusche 1966 machte sie wohl den einzigen amerikanischen Rock- oder Pop -Act, der mit den Beatles konkurrieren konnte.[71]
- ^ In Detroit blieb das Vermächtnis von Garage Rock in den frühen 1970er Jahren lebendig, mit Bands wie dem MC5 und die Stooges, der einen viel aggressiveren Ansatz für die Form verwendete. Diese Bänder wurden beschriftet Punk Rock und werden jetzt oft als gesehen als Proto-Punk oder Proto-Hardrock.[99]
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Weiteres Lesen und Zuhören
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- Robinson, Richard. Pop, Rock und Seele. New York: Pyramid Books, 1972. ISBN0-0515-2660-3
- Shepherd, J., ed. (2003). Continuum Encyclopedia der populären Musik der Welt: Band II: Leistung und Produktion. New York: Kontinuum. ISBN 0-8264-6322-3.
- Szatmary, David P. Rockin 'in Time: Eine Sozialgeschichte von Rock'n'Roll. Dritte ed. Upper Saddle River NJ: Prentice-Hall, 1996. XVI, 320 S., Ill., Hauptsächlich mit B & W-Fotos. ISBN0-13-440678-8
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