Pictorialism

Pictorialism ist eine internationale Stil- und ästhetische Bewegung, die dominierte Fotografie im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert. Es gibt keine Standarddefinition des Begriffs, aber im Allgemeinen bezieht er sich auf einen Stil, in dem der Fotograf irgendwie manipuliert hat, was sonst ein einfaches Foto wäre, um ein Bild zu erstellen, anstatt es einfach aufzunehmen. Normalerweise scheint ein bildliches Foto einen scharfen Fokus zu fehlen (einige mehr als andere), wird in einer oder mehreren Farben als Schwarz-Weiß (von warmbraun bis tiefblau) gedruckt und kann sichtbare Pinselstriche oder andere haben Manipulation der Oberfläche. Für den Pictorialist war ein Foto wie ein Gemälde, Zeichnen oder Gravur eine Möglichkeit, eine emotionale Absicht in den Bereichen der Vorsorgerin des Betrachters zu projizieren.^[1]

Der Pictorialism als Bewegung gedieh von 1885 bis 1915, obwohl er noch von einigen in den 1940er Jahren gefördert wurde. Es begann als Antwort auf Behauptungen, dass ein Foto nichts weiter als eine einfache Aufzeichnung der Realität war, und verwandelte sich in eine Bewegung, um den Status aller Fotografie als echte Kunstform voranzutreiben. Mehr als drei Jahrzehnte über Maler, Fotografen und Kunstkritiker diskutierten gegen die gegensätzlichen künstlerischen Philosophien und gipfelten letztendlich in der Übernahme von Fotografien mehrerer großer Kunstmuseen.

Der Pictorialismus lehnte nach 1920 allmählich die Popularität ab, obwohl er erst am Ende von Popularität verblasste Zweiter Weltkrieg. In dieser Zeit der neue Fotostil der Fotografie Modernismus kam in Mode, und das Interesse der Öffentlichkeit verlagerte sich auf stärker fokussierte Bilder. Mehrere wichtige Fotografen des 20. Jahrhunderts begannen ihre Karriere in einem bildlichistischen Stil, verwandelten sich jedoch in den 1930er Jahren in scharf fokussierte Fotografie.

Überblick

Fotografie als technischer Prozess mit der Entwicklung von Film und Drucken in einer Dunkelkammer, die im frühen 19. Jahrhundert entstand Andere stritten sich über die Beziehung zwischen den wissenschaftlichen und künstlerischen Aspekten des Mediums. Bereits 1853 schlug der englische Maler William John Newton vor, dass die Kamera künstlerische Ergebnisse erzielen könnte, wenn der Fotograf ein Bild etwas unscharf halten würde.^[2] Andere glaubten vehement, dass ein Foto der visuellen Aufzeichnung eines Chemie -Experiments entspricht. Fotografiehistoriker Naomi Rosenblum weist darauf hin, dass "der doppelte Charakter des Mediums - die Fähigkeit, sowohl Kunst als auch Dokumente zu produzieren - kurz nach seiner Entdeckung demonstriert wurde ... dennoch ein guter Teil des 19. Jahrhunderts verbracht wurde Die Richtungen waren die wahre Funktion des Mediums. "^[3]

Diese Debatten erreichten ihren Höhepunkt im späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhundert und gipfelten in der Schaffung einer Bewegung, die normalerweise als bestimmter Stil der Fotografie charakterisiert ist: Pictorialism. Dieser Stil wird zunächst durch einen deutlich persönlichen Ausdruck definiert, der die Fähigkeit der Fotografie hervorhebt, visuelle Schönheit zu schaffen, anstatt einfach Fakten aufzuzeichnen.^[4] In jüngster Zeit haben Historiker jedoch erkannt, dass der Pictorialismus mehr als nur ein visueller Stil ist. Es entwickelte sich im direkten Kontext mit den sich verändernden sozialen und kulturellen Einstellungen der Zeit und sollte daher nicht einfach als visueller Trend charakterisiert werden. Ein Schriftsteller hat festgestellt, dass der Pictorialismus "gleichzeitig eine Bewegung, eine Philosophie, eine Ästhetik und ein Stil" war.^[5]

Im Gegensatz zu den Darstellungen der Fotografie entstand der Pictorialism nicht als Ergebnis einer linearen Entwicklung künstlerischer Sensibilitäten. Vielmehr wurde es durch "eine komplizierte, unterschiedliche, oft leidenschaftlich widersprüchliche Flut von Strategien" gebildet.^[6] Während Fotografen und andere darüber diskutierten, ob Fotografie Kunst sein könnte, wirkte sich das Aufkommen der Fotografie direkt auf die Rollen und den Lebensunterhalt vieler traditioneller Künstler aus. Vor der Entwicklung der Fotografie ein gemaltes Mal Miniaturporträt war das häufigste Mittel, um die Ähnlichkeit einer Person aufzunehmen. Tausende Maler waren in dieser Kunstform beschäftigt. Die Fotografie negierte jedoch schnell die Notwendigkeit und das Interesse an Miniaturporträts. Ein Beispiel für diesen Effekt wurde auf der jährlichen Ausstellung der königliche Akademie in London; 1830 wurden mehr als 300 Miniaturmalereien ausgestellt, aber bis 1870 waren nur 33 zu sehen.^[7] Die Fotografie hatte für eine Art von Kunstform übernommen, aber die Frage, ob die Fotografie selbst künstlerisch sein könnte, war nicht gelöst worden.

Einige Maler übernahmen bald Fotografie als Werkzeug, um ihnen zu helfen, die Pose eines Modells, eine Landschaftsszene oder andere Elemente in ihre Kunst aufzunehmen. Es ist bekannt, dass viele der großen Maler des 19. Jahrhunderts, einschließlich Delacroix, Courbet, Manet, Entgasen, Cézanne, und Gauguin, fotografierte selbst, verwendete Fotos von anderen und botte Bilder von Fotografien in ihre Arbeit ein.^[8] Während hitzige Debatten über die Beziehung zwischen Fotografie und Kunst in gedruckter und in Hörsälen fortgesetzt wurden, wurde die Unterscheidung zwischen einem fotografischen Bild und einem Gemälde immer schwieriger zu erkennen. Während sich die Fotografie weiterentwickelte, wurden die Wechselwirkungen zwischen Malerei und Fotografie zunehmend gegenseitig.^[9] Mehr als ein paar bildliche Fotografen, einschließlich Alvin Langdon Coburn, Edward Steichen, Gertrude Käsebier, Oscar Gustave Rejlander, und Sarah Choate Searswurden ursprünglich als Maler ausgebildet oder haben zusätzlich zu ihren fotografischen Fähigkeiten ein Malerei aufgenommen.

Im gleichen Zeitraum wurden Kulturen und Gesellschaften auf der ganzen Welt von einem raschen Anstieg der interkontinentalen Reise und des Handels betroffen. Auf einem Kontinent veröffentlichte Bücher und Zeitschriften könnten mit zunehmender Leichtigkeit exportiert und verkauft werden, und die Entwicklung zuverlässiger Mail -Dienste erleichterte den einzelnen Austausch von Ideen, Techniken und vor allem für die Fotografie tatsächliche Drucke. Diese Entwicklungen führten dazu, dass Pictorialismus "eine internationale Bewegung in der Fotografie als fast jedes andere fotografische Genre war.^[10] Kameraclubs in den USA, England, Frankreich, Deutschland, Österreich, Japan und anderen Ländern liehen regelmäßig den Ausstellungen des anderen, tauschten technische Informationen und veröffentlichte Aufsätze und kritische Kommentare in den Zeitschriften des anderen aus. Angeführt von Der verknüpfte Ring In England die Photosezession In den USA und der Photo-Club de Paris in Frankreich verfolgten zuerst Hunderte und dann Tausende von Fotografen leidenschaftlich gemeinsame Interessen an dieser mehrdimensionalen Bewegung. Innerhalb von etwas mehr als einem Jahrzehnt wurden in West- und Osteuropa, Nordamerika, Asien und Australien bemerkenswerte Bildfotografen gefunden.

Die Auswirkungen von Kodak -Kameras

In den ersten vierzig Jahren nach einem praktischen Prozess der Erfassung und Reproduktion von Bildern blieb die Fotografie die Domäne einer hoch engagierten Gruppe von Personen, die über Wissen über Wissenschaft, Mechanik und Kunst fachmännisches Wissen und Fähigkeiten hatten. Um ein Foto zu machen, musste eine Person viel über Chemie, Optik, Licht, die Mechanik der Kameras und darüber, wie diese Faktoren zu einer Szene richtig gemacht werden. Es war nicht etwas, das man leicht lernte oder sich leicht lernte, und als solche beschränkte sich es auf eine relativ kleine Gruppe von Akademikern, Wissenschaftlern und professionellen Fotografen.

All dies änderte sich in ein paar Jahren. 1888 George Eastman stellte die erste Handkamera für Handheld -Kamera vor, die Kodak Kamera. Es wurde mit dem Slogan vermarktet. "Sie drücken die Taste, wir machen den Rest."^[11] Die Kamera wurde mit einer Filmrolle vorinstalliert, die etwa 100 2,5-Zoll-Bildbelichtungen produzierte, und sie konnte während ihres Betriebs leicht getragen und handheld werden. Nach all den Aufnahmen des Films wurde die gesamte Kamera zurückgegeben Die Kodak Company in Rochester, New York, wo der Film entwickelt wurde, wurden Drucke gedreht, und der neue Fotografiefilm wurde im Inneren gestellt. Dann wurden die Kamera und die Drucke an den Kunden zurückgegeben, der bereit war, mehr Bilder zu machen.

Der Einfluss dieser Veränderung war enorm. Plötzlich konnte fast jeder ein Foto machen, und innerhalb weniger Jahre wurde die Fotografie zu einer der größten Modeerscheinungen in der Welt. Fotografiesammler Michael Wilson beobachtete "Tausende von kommerziellen Fotografen und hundertmal so viele Amateure produzierten jährlich Millionen von Fotografien Ein kurzer Schuss, ohne sich die Zeit zum Ziel zu nehmen) führte zu einer Welt, die technisch gute, aber ästhetisch gleichgültige Fotografien beeindruckt hat. "^[11]

Gleichzeitig mit dieser Änderung war die Entwicklung nationaler und internationaler Handelsunternehmen, um die neue Nachfrage nach Kameras, Filmen und Drucken zu befriedigen. Am 1893 Weltkolumbianische Ausstellung In Chicago, in dem mehr als 27 Millionen Menschen angezogen wurden, wurde die Fotografie für Amateure in beispiellosem Maßstab vermarktet.^[12] Es gab mehrere große Exponate, in denen Fotos aus der ganzen Welt gezeigt wurden, viele Hersteller von Kamera- und Dunkelkammergeräten zeigten und verkauften ihre neuesten Waren, Dutzende von Porträtstudios und sogar Dokumentation der Ausstellung selbst vor Ort. Plötzlich waren Fotografie und Fotografen Haushaltsgüter.

Viele ernsthafte Fotografen waren entsetzt. Ihr Handwerk und für einige ihre Kunst wurde von einer neu engagierten, unkontrollierten und größtenteils unversagten Bürgerschaft kooptiert. Die Debatte über Kunst und Fotografie verstärkte sich um das Argument, dass, wenn jemand ein Foto machen könnte, die Fotografie unmöglich als Kunst bezeichnet werden konnte. Einige der leidenschaftlichsten Verteidiger der Fotografie, wie Kunst darauf hinwies, dass die Fotografie nicht als "oder" (entweder/oder "Medium gesehen werden sollte - einige Fotos sind in der Tat einfache Aufzeichnungen der Realität, aber mit den richtigen Elementen sind einige tatsächlich Kunstwerke. William Howe Downs, Kunstkritiker für die Boston Evening Transcript, fasste diese Position im Jahr 1900 zusammen, indem sie sagte: "Kunst ist nicht so sehr eine Frage von Methoden und Prozessen wie eine Angelegenheit des Temperaments, des Geschmacks und des Gefühls ... in den Händen des Künstlers wird das Foto zu einem Werk von Kunst ... mit einem Wort, Fotografie ist das, was der Fotograf es macht - eine Kunst oder ein Handel.^[13]

Alle diese Elemente - die Debatten über Fotografie und Kunst, die Auswirkungen von Kodak -Kameras und die sich verändernden sozialen und kulturellen Werte der Zeit - haben die Bühne für eine Entwicklung in der Art und Fotografie, unabhängig und zusammen, auftreten die Jahrhundertwende. Der Kurs, der den Pictorialism fuhr, wurde fast sobald fotografische Prozesse eingerichtet, aber erst im letzten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts kam eine internationale bildlichistische Bewegung zusammen.

Bildfestialsfunktionen

1869 englischer Fotograf Henry Peach Robinson veröffentlichte ein Buch mit dem Titel " Bildungseffekt in der Fotografie: Hinweise auf Komposition und Chiaroscuro für Fotografen.^[14] Dies ist die erste häufige Verwendung des Begriffs "Bild", das sich auf Fotografie im Kontext eines bestimmten stilistischen Elements bezieht. Chiaroscuro - Ein italienischer Begriff von Malern und Kunsthistorikern, die sich auf die Verwendung von dramatischer Beleuchtung und Schattierung beziehen, um eine ausdrucksstarke Stimmung zu vermitteln. In seinem Buch förderte Robinson das, was er als "Kombinationsdruck" bezeichnete, eine Methode, die er fast 20 Jahre zuvor entwickelt hatte, indem er einzelne Elemente aus getrennten Bildern in ein neues einzelnes Bild kombiniert hatte, indem er mehrere Negative oder Drucke manipulierte. Robinson war der Ansicht, dass er durch Fotografie "Kunst" geschaffen hatte, da es nur durch seine direkte Intervention das endgültige Bild entstand. Robinson erweiterte die Bedeutung des Begriffs seines Lebens weiter.

Andere Fotografen und Kunstkritiker, einschließlich Oscar Rejlander, Marcus Aurelius Wurzel, John Ruskinwiederholte diese Ideen. Eine der Hauptkräfte hinter dem Aufstieg des Pictorialismus war der Glaube, dass gerade Fotografie war rein repräsentativ - dass es die Realität ohne den Filter der künstlerischen Interpretation zeigte. Es war für alle Absichten und Zwecke, eine einfache Aufzeichnung der visuellen Fakten, ohne künstlerische Absicht oder Verdienste.^[15] Robinson und andere waren fest davon überzeugt, dass die "normalerweise akzeptierten Einschränkungen der Fotografie überwunden werden mussten, wenn eine Statusgleichheit erreicht werden sollte.^[9]

Robert Demachy fasste dieses Konzept später in einem Artikel mit dem Titel "Welchen Unterschied gibt es zwischen einem guten Foto und einem künstlerischen Foto?". Er schrieb: "Wir müssen erkennen, dass wir uns bei der Durchführung bildlicher Fotografie möglicherweise auf die strenge Einhaltung von Regeln, die hunderte von Jahren mehr älter als die ältesten Formeln unseres chemischen Handwerks sind eine Hintertür und befand sich unter der Menge von Adepts. "^[16]

Eine der Herausforderungen bei der Förderung der Fotografie als Kunst bestand darin, dass es viele verschiedene Meinungen darüber gab, wie Kunst aussehen sollte. Nach dem dritten Philadelphia Salon 1900, der Dutzende Bildfotografen zeigte, fragte sich ein Kritiker: "Ob die Idee der Kunst in so etwas wie dem wahren Sinn jemals von der großen Mehrheit der Aussteller gehört oder gedacht wurde."^[17]

Während einige Fotografen sahen, dass sie durch das Gemälde zu wahren Künstlern wurden, inspirierte mindestens eine School of Maltes direkt Fotografen. In den 1880er Jahren, als Debatten über Kunst und Fotografie zutreffend wurden, wurde ein Malstil, der als bekannt ist Tonalismus erstmals erschienen. Innerhalb weniger Jahre wurde es zu einem bedeutenden künstlerischen Einfluss auf die Entwicklung des Pictorialism.^[18] Maler wie James McNeill Whistler, George Inness, Ralph Albert Blakelock und Arnold Böcklin sah die Interpretation der Naturerfahrung, im Gegensatz dazu, einfach ein Bild der Natur als die höchste Pflicht des Künstlers aufzunehmen. Für diese Künstler war es wichtig, dass ihre Gemälde dem Betrachter eine emotionale Reaktion vermitteln, die durch einen Schwerpunkt auf den atmosphärischen Elementen des Bildes und durch die Verwendung von "vagen Formen und gedämpften Tonalitäten) hervorgerufen wurde ... [um einen Sinn zu vermitteln] der elegischen Melancholie. "^[19]

Anwenden der gleichen Sensibilität für die Fotografie, Alfred Stieglitz Später erklärte es so: "Die Atmosphäre ist das Medium, durch das wir alle Dinge sehen. Um sie daher in ihrem wahren Wert auf einem Foto zu sehen, wie wir in der Natur tun, muss die Atmosphäre dort sein. Die Atmosphäre macht alle Linien aus. Der Übergang von Licht zu Schatten absolviert sich für die Reproduktion des Gefühls der Entfernung. Diese Dunkelheit der Umrisse, die für entfernte Objekte charakteristisch ist, ist auf die Atmosphäre zurückzuführen. Nun, welche Atmosphäre ist für die Natur, der Ton für ein Bild. "^[20]

Paul L. Anderson, ein produktiver zeitgenössischer Promoter des Pictorialism, riet seinen Lesern, dass die wahre Kunstfotografie "Vorschlag und Mysterium" vermittelte, in dem "Mysterium eine Gelegenheit für die Ausübung der Fantasie beinhaltet oder indirekte Mittel. "^[21] Wissenschaft, die sich behaupten, könnten eine Forderung nach wahrheitsgemäßen Informationen beantworten, aber Kunst muss auf das menschliche Bedürfnis nach Stimulation der Sinne reagieren.^[19] Dies konnte nur durch Erstellen eines Zeichens der Individualität für jedes Bild und idealerweise jeden Druck erstellt werden.

Für Pictorialisten wurde die wahre Individualität durch die Schaffung eines einzigartigen Drucks ausgedrückt, der von vielen als Inbegriff der künstlerischen Fotografie angesehen wurde.^[19] Durch die Manipulation des Auftritts von Bildern durch das, was einige "enzelnde Prozesse" bezeichneten,^[22] wie zum Beispiel Gummi oder Bromoil Drucken konnten sich die Bilderer einzigartige Fotos erstellen, die manchmal für Zeichnungen oder Lithografien verwechselt wurden.

Viele der stärksten Stimmen, die sich zu Beginn auf den Bildmaterial einsetzten, waren eine neue Generation von Amateurfotografen. Im Gegensatz zu seiner heutigen Bedeutung hielt das Wort "Amateur" in den Diskussionen dieser Zeit eine andere Konnotation. Anstatt einen unerfahrenen Neuling vorzuschlagen, charakterisierte das Wort jemanden, der nach künstlerischer Exzellenz und einer Freiheit vom starre akademischen Einfluss strebte.^[23] Ein Amateur wurde als jemand angesehen, der die Regeln brechen konnte Royal Photographic Society. Ein Artikel im British Journal Amateurfotograf Ganze "Fotografie ist eine Kunst - vielleicht der einzige, in dem der Amateur bald den Fachmann in Kompetenz entspricht und häufig auszeichnet."^[23] Diese Haltung setzte sich in vielen Ländern auf der ganzen Welt durch. Bei der internationalen Fotothampf -Ausstellung von Hamburg in Deutschland von 1893 war nur die Arbeiten der Amateure erlaubt. Alfred Lichtwark, dann Direktor der Kunsthalle Hamburg glaubte, "die einzige gute Porträt in jedem Medium wurde von Amateursfotografen gemacht, die die wirtschaftliche Freiheit und Zeit hatten, um zu experimentieren."^[23]

1948, S.D.Jouhar definierte ein bildliches Foto als "hauptsächlich eine ästhetische symbolische Aufzeichnung einer Szene Plus Der persönliche Kommentar und die Interpretation des Künstlers, die in der Lage ist, eine emotionale Reaktion auf den Geist eines empfänglichen Zuschauers zu übermitteln. Es sollte Originalität, Vorstellungskraft, Einheit des Zwecks, eine Qualität von Ruhe zeigen und eine unendliche Qualität haben. "^[24]

Im Laufe der Jahre wurden Pictorialismus andere Namen gegeben, einschließlich "Kunstfotografie" und Kameraarbeit (beide von Alfred Stieglitz), "impressionistische Fotografie" (von George Davison), "neue Vision (Neue Vision) und schließlich "subjektive Fotografie" (Subjektive fotographie) in Deutschland nach den 1940er Jahren.^[25] In Spanien wurden Bildfotografen manchmal "Interventionisten" genannt (Intercionistas), obwohl der Stil selbst nicht als "Interventionismus" bekannt war.^[26]

Galerie

• 

  Alice Boughton, Dämmerung1909

• 

  Annie Brigman, Seele der gesprengten Kiefer1908

• 

  Clarence H. White, Morgen1908

• 

  Paul Haviland, Doris Keane1912

• 

  Robert Demachy, Kampf1904

• 

  Alfred Stieglitz, Die Hand des Menschen1902

• 

  Edward Steichen, Flatiron -Gebäude1904

• 

  Ständiges Puyo, Sommeil, 1897

• 

  Alvin Langdon Coburn, Spinnennetze1908

• 

  F. Holland Day, Ebenholz und Elfenbein, ca.1897

• 

  Adolph de Meyer, "Marchesa Casati", 1912

• 

  Joseph Keiley, Lenore1907

• 

  Clarence H. White, Nackt1908

• 

  Ständiges Puyo, Montmartre1906

• 

  Clarence H. White und Alfred Stieglitz, Torso1907

• 

  Gesegnete Kunst, du unter Frauen durch Gertrude Käsebier, 1899. Brooklyn Museum

Übergang in die Moderne

Die Evolution des Pictorialismus aus dem 19. Jahrhundert bis in die 1940er Jahre war sowohl langsam als auch entschlossen. Von seinen Wurzeln in Europa breitete es sich in den USA und den Rest der Welt in mehreren halbdistesten Stadien aus. Vor 1890 entstanden sich der Pictorialism durch Befürworter, die hauptsächlich in England, Deutschland, Österreich und Frankreich waren. In den 1890er Jahren wechselte das Zentrum nach New York und Stieglitz 'facettenreichen Bemühungen. Bis 1900 hatte der Pictorialism Länder auf der ganzen Welt erreicht, und in Dutzenden von Städten fanden große Ausstellungen der Bildfotografie statt.

Ein kulminierender Moment für den Piktorialismus und für die Fotografie im Allgemeinen trat 1910 auf, als der Albright Gallery In Buffalo kaufte 15 Fotos von Stieglitz ' 291 Galerie. Dies war das erste Mal, dass Fotografie offiziell als Kunstform anerkannt wurde, die einer Museumssammlung würdig war, und sie signalisierte eine eindeutige Verschiebung im Denken vieler Fotografen. Stieglitz, der für diesen Moment so lange gearbeitet hatte, antwortete, indem er angab, dass er bereits an eine neue Vision über den Pictorialism nachgedacht hatte. Er schrieb,

Es ist höchste Zeit, dass die Dummheit und Schein in der Bildfotografie ein Solarplexus -Schlag beeinträchtigt werden ... Behauptungen der Kunst werden es nicht tun. Lassen Sie den Fotografen ein perfektes Foto machen. Und wenn er zufällig ein Liebhaber der Perfektion und eines Sehers ist, ist das resultierende Foto gerade und schön - ein wahres Foto.^[27]

Kurz nachdem Stieglitz seine Aufmerksamkeit mehr auf das moderne Malerei und Skulptur lenkte und Clarence H. White und andere die Führung einer neuen Generation von Fotografen übernahmen. Als harte Realitäten von Erster Weltkrieg Betroffene Menschen auf der ganzen Welt begannen sich der Geschmack der Öffentlichkeit für die Kunst der Vergangenheit zu verändern. Die Industrieländer der Welt konzentrierten sich immer mehr auf Industrie und Wachstum, und Kunst spiegelte diese Veränderung wider, indem sie hartnäckige Bilder von neuen Gebäuden, Flugzeugen und Industrielandschaften aufwiesen.

Adolf Fassbender, ein Fotograf aus dem 20. Jahrhundert, der bis in die 1960er Jahre weiterhin bildliche Fotos machte, glaubte, dass der Pictorialism ewig ist, weil er zuerst auf Schönheit basiert. Er schrieb: "Es gibt keine Lösung, um den Pictorialism für einen zu beseitigen, dann müsste Idealismus, Gefühle und aller Sinn für Kunst und Schönheit zerstören. Es wird immer einen Pictorialismus geben."^[28]

Bild des Landes

Australien

Einer der Hauptkatalysatoren des Pictorialismus in Australien war John Kauffmann (1864–1942), der zwischen 1889 und 1897 in London, Zürich und Wien fotografische Chemie und Druck studierte. Als er 1897 in sein Heimatland zurückkehrte, beeinflusste er seine Kollegen sehr Indem Sie die Zeitung ausstellen, die Fotografien nannte, die "mit Kunstwerken gehalten" werden könnten.^[29] In den nächsten zehn Jahren ein Kern von Fotografenkünstlern, einschließlich Harold Cazneaux, Frank Hurley, Cecil Bostock, Henri Mallard, Rose Simmonds^[30] und Olivenbaumwolle, Ausstellte bildliche Werke in Salons und Ausstellungen im ganzen Land und veröffentlichte ihre Fotos in der Australian Photographic Journal und die Australasian Photo-Review.

Österreich

1891 fotografierte der Club der Amateur in Wien (Wien Amateur -Fotografen) die erste internationale Ausstellung der Fotografie in Wien. Der Club, gegründet von Carl Sma, Federico Mallmann und Charles Scolik[DE], wurde gegründet, um Beziehungen zu fotografischen Gruppen in anderen Ländern zu fördern. Nachdem Alfred Buschbeck 1893 Leiter des Clubs wurde, vereinfachte es seinen Namen an Wiener Camera-Klub (Wiener Camera Club) und begann, ein verschwenderisches Magazin namens zu veröffentlichen Wiener fotografische Blätter Das dauerte bis 1898. Es enthielt regelmäßig Artikel von einflussreichen ausländischen Fotografen wie Alfred Stieglitz und Robert Demachy.^[31]

Wie in anderen Ländern engagierte sich gegensätzliche Standpunkte mit einer breiteren Palette von Fotografen, um zu definieren, was Pictorialism bedeutet. Hans Watzek[DE], Hugo Henneberg[DE] und Heinrich Kühn bildete eine Organisation namens Das Kleeblatt (das Trilfolium) ausdrücklich, um den Informationsaustausch mit anderen Organisationen in anderen Ländern, insbesondere in Frankreich, Deutschland und den Vereinigten Staaten, zu erhöhen. Das Kleeblatt hat zunächst eine kleine, informelle Gruppe, das Kleeblatt, durch seine internationalen Verbindungen erhöht, und mehrere andere Organisationen, die den Piktorialismus fördern, wurden in anderen Städten in der gesamten Region geschaffen. Wie in anderen Ländern verblasste das Interesse am Pictorialism nach dem Ersten Weltkrieg, und schließlich geriet der größte Teil der österreichischen Organisation in den 1920er Jahren in Dunkelheit.^[31]

Kanada

Der Pictorialism in Kanada konzentrierte sich zunächst auf Sidney Carter (1880–1956), die erste seiner Landsleute, die in die Photosezession gewählt wurde. Dies inspirierte ihn, eine Gruppe bildlicher Fotografen in Toronto, dem Studioclub in Toronto, zusammenzubringen, mit Harold Mortimer-Lamb (1872–1970) und Kollegen Percy Hodgins.^[32] Im Jahr 1907 organisierte Carter die erste große Ausstellung der kanadischen Ausstellung für Bildfotografie bei Montreal's Art Association. Carter und Mitfotograf Arthur Goss Versuch, den Mitgliedern der Mitglieder der bildlichistischen Prinzipien vorzustellen Toronto Camera Club, obwohl ihre Bemühungen mit etwas Widerstand begegnet waren.^[33]

England

Bereits 1853 schlug der Amateur -Fotograf William J. Newton die Idee vor, dass "ein natürliches Objekt" wie ein Baum gemäß den anerkannten Grundsätzen der bildenden Kunst "fotografiert werden sollte.^[34] Von dort aus anderen frühen Fotografen, einschließlich Henry Peach Robinson und Peter Henry Emersonförderte das Konzept der Fotografie weiter als Kunst. 1892 Robinson zusammen mit George Davison und Alfred Maskell, etablierte die erste Organisation, die speziell dem Ideal der Fotografie als Kunst gewidmet ist - den verknüpften Ring. Sie luden gleichgesinnte Fotografen ein, einschließlich Frank Sutcliffe, Frederick H. Evans, Alvin Langdon Coburn, Frederick Hollyer, James Craig Annan, Alfred Horsley Hinton und andere, um sich ihnen anzuschließen. Bald war der verknüpfte Ring an der Spitze der Bewegung, um die Fotografie als Kunstform zu betrachten.

Nachdem der verknüpfte Ring eine ausgewählte Gruppe von Amerikanern als Mitglieder eingeladen hatte, brachen die Debatten über die Ziele und den Zweck des Vereins aus. Als mehr Amerikaner als britische Mitglieder auf ihrer jährlichen Ausstellung im Jahr 1908 gezeigt wurden, wurde ein Antrag vorgestellt, um die Organisation aufzulösen. Bis 1910 hat sich der verknüpfte Ring aufgelöst, und seine Mitglieder gingen ihren eigenen Weg.

Frankreich

Pictorialism in Frankreich wird von zwei Namen dominiert. Ständiges Puyo und Robert Demachy. Sie sind die berühmtesten Mitglieder des Photo-Club de Paris, eine separate Organisation von der Société Française de Fotografie. Sie sind besonders bekannt für den Einsatz von Pigmentprozessen, insbesondere für die Verwendung von Pigmentprozessen Kaugummi Bichromat.^[35] 1906 veröffentlichten sie ein Buch zu diesem Thema. Les Procédés d'Art und Fotografie. Beide schrieben auch viele Artikel für die Bulletin du Photo-Club de Paris (1891–1902) und La Revue de Fotografie (1903–1908), eine Zeitschrift, die im frühen 20. Jahrhundert schnell zur einflussreichsten französischen Veröffentlichung wurde.^[36]

Deutschland

Die Brüder Theodor und Oskar Hofmeister aus Hamburg waren zu den ersten, die sich für die Fotografie als Kunst in ihrem Land einsetzten. Bei den Treffen der Gesellschaft zur Förderung der Amateurfotografie (Gesellschaft zur Förderung der Amateur-Photographie) ging andere Fotografen, darunter Heinrich Beck, George Einbeck und Otto Scharf, die Ursache des Bildes vor. Die Hausstoffe zusammen mit Heinrich Kühnspäter bildete das Präsidium (Das Praesidium), dessen Mitglieder im Kunsthalle in Hamburg an großen Ausstellungen im Kunsthalle maßgeblich waren. Heutzutage Karl Maria Udo Remmes repräsentiert den Stil des Pictorialismus im Bereich der Theaterfotografie im Theater.

Japan

1889 Fotografen Ogawa Kazumasa, W. K. Burton, Kajima SeiBei und mehrere andere bildeten den Nihon Shashin-Kai (Japan Photographic Society) um zu fördern Geijutsu Shashin (Kunstfotografie) in diesem Land. Die Akzeptanz dieses neuen Stils war zunächst langsam, aber 1893 koordinierte Burton eine wichtige Einladungsausstellung als bekannt als als Gaikoku Shashin-Ga Tenrain-Kai oder der Ausstellung für ausländische Fotokunst.^[37] Die 296 gezeigten Werke stammten von Mitgliedern des London Camera Clubs, einschließlich wichtiger Fotos von Peter Henry Emerson und George Davison. Die Breite und Tiefe dieser Ausstellung hatte einen enormen Einfluss auf japanische Fotografen und "den Diskurs der Kunstfotografie im ganzen Land".^[37] Nach dem Ende der Ausstellung gründeten Burton und Kajima eine neue Organisation, die Dai Nihon Shashin Hinpyō-Kai (Greater Japan Photography Critique Society), um ihre besonderen Standpunkte zur Kunstfotografie voranzutreiben.

1904 ein neues Magazin namens namens Shashin Geppo (Monatliches Fotojournal) wurde begonnen und war viele Jahre lang das Herzstück für die Weiterentwicklung und Debatten über den Pictorialism. Die Bedeutung und Richtung der Kunstfotografie, wie sie von Ogawa und anderen verfälscht wurde, wurde in der neuen Zeitschrift von den Fotografen Tarō Saitō und Haruki Egashira herausgefordert, die zusammen mit Tetsusuke Akiyama und Seiichi Katō eine neue Gruppe bildeten, die als Yūtsuzu-Sha bekannt ist. Diese neue Gruppe förderte ihre eigenen Konzepte von dem, was sie "die innere Wahrheit" der Kunstfotografie nannten.^[37] Für das nächste Jahrzehnt haben sich viele Fotografen mit einer dieser beiden Organisationen ausgerichtet.

In den 1920er Jahren wurden neue Organisationen gebildet, die den Übergang zwischen Pictorialismus und Modernismus überbrückten. Am prominentesten war der Shashin Geijustu-Sha (Photographic Art Society), der von gebildet wurde Shinzō Fukuhara und sein Bruder Rosō Fukuhara. Sie förderten das Konzept von Hikari an Sono Kaichō (Licht mit seiner Harmonie), die eine offene Manipulation eines Bildes zugunsten von weichen fokussierten Bildern unter Verwendung von Silber-Gelatine-Drucken ablehnte.^[37]

Niederlande

Die erste Generation niederländischer Bilderer, darunter Bram Loman, Chris Schuver und Carl Emile Mögle, begann um 1890 zu arbeiten. Sie konzentrierten sich zunächst auf naturalistische Themen und bevorzugten Platindruck. Obwohl es zunächst kein niederländisches Äquivalent zum verknüpften Ring oder zur Photosezession gab, arbeiteten mehrere kleinere Organisationen 1904 zusammen, um den ersten internationalen Salon für Kunstfotografie zu produzieren Kunstfotografie (Nederlandssche Club Voor Foto-Kunst), das eine wichtige Sammlung von Bildfotografie angehäuft, die jetzt untergebracht sind Leiden Universität.^[38] Zu einer zweiten Generation niederländischer Bilderer gehörten Henri Berssenbrugge, Bernard Eilers und Berend Zweiers.

Russland

Pictorialismus breitete sich zuerst in Russland in europäischen Magazinen aus und wurde von den Fotografie -Pionieren Evgeny Vishnyakov in Russland und der Pioniere der Fotografie verantwortlich Jan Bulhak aus Polen. Kurz nachdem eine neue Generation von Pictorialisten aktiv wurde. Dazu gehörten Aleksei Mazuin, Sergei Lobovikov, Piotr Klepikov, Vassily Ulitin, Nikolay Andreyev, Nikolai Svishchov-Paola, Leonid Shokin und Alexander Grinberg. 1894 wurde die russische Fotografie in Moskau gegründet, aber Meinungsverschiedenheiten unter den Mitgliedern führten zur Gründung einer zweiten Organisation, der Moskauer Society of Art Photography. Beide waren viele Jahre lang die Hauptförderer des Piktorikismus in Russland.^[39][40]

Spanien

Die Hauptzentren der Bildfotografie in Spanien waren Madrid und Barcelona. Die Bewegung in Madrid führte Antonio Cánovas, der das echte Sociedad Fotográfica de Madrid gründete und das Magazin herausgegeben hatte La fotografía. Cánovas behauptete, der erste zu sein, der künstlerische Fotografie in Spanien vorstellte, aber während seiner Karriere blieb er im allegorischen Stil der frühen englischen Pictorialisten wie Robinson verwurzelt. Er weigerte sich, eine Oberflächenmanipulation in seinen Drucken zu verwenden, und sagte, dass Stil "nicht, kann und wird niemals Fotografie sein".^[41] Weitere einflussreiche Fotografen im Land waren Carlos Iñigo, Manual Renon, Joan Vilatobà und eine Person, die nur als Conde de la Ventosa bekannt ist. Im Gegensatz zum Rest Europas blieb der Pictorialism in den 1920er und 1930er Jahren in Spanien beliebt, und Ventosa war der produktivste Pictorialist dieser Zeit. Leider verbleiben nur sehr wenige Originaldrucke von einem dieser Fotografen; Die meisten ihrer Bilder sind jetzt nur aus Magazin -Reproduktionen bekannt.^[42]

Vereinigte Staaten

Eine der Schlüsselfiguren bei der Feststellung der Definition und der Richtung des Pictorialism war amerikanisch Alfred Stieglitz, der als Amateur begann, aber schnell die Förderung des Pictorialismus zu seinem Beruf und seiner Besessenheit machte. Durch seine Schriften, seine Organisation und seine persönlichen Bemühungen, Bildfotografen voranzutreiben und zu fördern, war Stieglitz eine dominante Figur im Pictorialism von seinen Anfängen bis zu ihrem Ende. In den Fußstapfen deutscher Fotografen trat 1892 Stieglitz eine Gruppe ein, die er die nannte Photosezession in New York. Stieglitz hat die Mitglieder der Gruppe handverlesen, und er kontrollierte fest, was es tat und als es es tat. Durch die Auswahl von Fotografen, deren Vision mit ihm ausgerichtet war, einschließlich Gertrude Käsebier, Eva Watson-Schütze, Alvin Langdon Coburn, Edward Steichen, und Joseph KeileyStieglitz baute einen Freundeskreis, der einen enormen individuellen und kollektiven Einfluss auf die Bewegung hatte, um die Fotografie als Kunst akzeptiert zu haben. Stieglitz förderte auch kontinuierlich den Piktorialismus durch zwei Veröffentlichungen, die er bearbeitet hat. Camera Notes und Kameraarbeit und indem Sie eine Galerie in New York etablieren und leiten, die viele Jahre nur bildliche Fotografen ausstellte (die Kleine Galerien der Photosezession).^[43]

Während sich der Pictorialism in den USA anfänglich auf Stieglitz konzentrierte, war er nicht auf New York beschränkt. In Boston F. Holland Day war einer der produktivsten und bekannten Bildler seiner Zeit. Clarence H. White, der in Ohio außergewöhnliche Bildfotos produzierte, unterrichtete eine ganz neue Generation von Fotografen. An der Westküste gehörten der California Camera Club und der Südkalifornienkamerasclub prominent Annie Brigman, Arnold Genthe, Adelaide Hanscom Leeson, Emily Pitchford und William Edward Dassonville.^[44] Später die Seattle Camera Club wurde von einer Gruppe von japanisch-amerikanischen Bildoristikern gegründet, einschließlich Dr. Kyo Koike, Frank Asakichi Kunishige und Iwao Matsushita (prominente Mitglieder später eingeschlossen Ella E. McBride und Soichi Sunami).^[45]

Techniken

Bildfotografen nahmen zunächst eine gewöhnliche Glasplatte oder einen Filmnegativ auf. Einige stellten den Fokus der Szene ein oder verwendeten ein spezielles Objektiv, um ein weicheres Bild zu erzeugen, aber zum größten Teil kontrollierte der Druckprozess das endgültige Erscheinungsbild des Fotos. Pictorialisten verwendeten eine Vielzahl von Papieren und chemischen Prozessen, um bestimmte Effekte zu erzeugen, und einige manipulierten dann die Töne und Oberfläche von Drucken mit Bürsten, Tinten oder Pigmenten. Das Folgende ist eine Liste der am häufigsten verwendeten Bildprozesse. Weitere Details zu diesen Prozessen finden Sie in Crawford (S. 85–95) und in Daum (S. 332–334). Sofern nicht anders angegeben, sind die folgenden Beschreibungen aus diesen beiden Büchern zusammengefasst.

• Bromoil -Prozess: Dies ist eine Variante des Öldruckvorgangs, mit dem ein Druck vergrößert werden kann. In diesem Prozess wird ein regulärer Silbergelatinedruck hergestellt und dann in einer Lösung von Kaliumbichromat gebleicht. Dies härtet die Oberfläche des Drucks und ermöglicht Tinte, sich daran zu halten. Sowohl die leichteren als auch die dunkleren Bereiche eines Bromoil -Drucks können manipuliert werden, was ein breiteres Tonbereich als ein Öldruck bietet.
• Kohlenstoffabdruck: Dies ist ein extrem empfindlicher Druck, der durch Beschichtung von Gewebepapier mit Kaliumbichromat hergestellt wird. Kohlenschwarz oder ein anderes Pigment und Gelatine. Kohlenstoffabdrücke können außergewöhnliche Details liefern und gehören zu den dauerhaftesten aller fotografischen Drucke. Aufgrund der Stabilität des Papiers vor und nach der Verarbeitung war das Kohlenstoffdruckgewebe eines der frühesten kommerziell hergestellten fotografischen Produkte.
• Cyanotyp: Einer der frühesten fotografischen Prozesse, Cyanotypen, erlebten eine kurze Erneuerung, als Bildhändler mit ihren tiefblauen Farbtönen experimentierten. Die Farbe kam aus Beschichtungspapier mit lichtempfindlichen Eisensalzen.
• Kaugummi Bichromat: Einer der Favoriten der Piktorialisten, diese Drucke wurden durch Bewerbung erstellt Kaugummi -Arabisch, Kaliumbichromat und ein oder mehrere farbige Pigmente des Künstlers zu Papier. Diese sensibilisierte Lösung härtet langsam dort aus, wo Licht auftritt, und diese Bereiche bleiben mehrere Stunden biegsam. Der Fotograf hatte eine große Kontrolle, indem er die Mischung der Lösung variierte und eine kürzere oder längere Belichtung ermöglichte und nach Exposition die pigmentierten Bereiche bürsten oder reiben konnte.
• Öldruckprozess: Hergestellt durch Auftragen von fettigen Tinten auf Papier, die mit einer Kaugummi -Bichromatin und Gelatine beschichtet sind. Wenn das Kaugummi-Gelatine durch ein Negativ ausgesetzt ist, härtet das Licht, wo es leichter trifft, während nicht exponierte Bereiche weich bleiben. Die Tinten des Künstlers werden dann von Pinsel angewendet, und die Tinten haften nur an den gehärteten Bereichen. Durch diesen Prozess kann ein Fotograf die helleren Bereiche eines Zahnfleischdrucks manipulieren, während die dunkleren Bereiche stabil bleiben. Ein Öldruck kann nicht vergrößert werden, da er in direktem Kontakt mit dem Negativ sein muss.
• Platindruck: Platin-Drucke erfordern einen zweistufigen Prozess. Zunächst wird Papier mit Eisensalzen sensibilisiert und in Kontakt mit einem Negativ ausgesetzt, bis ein schwaches Bild gebildet ist. Dann ist das Papier chemisch in einem Prozess entwickelt, der die Eisensalze durch Platin ersetzt. Dies erzeugt ein Bild mit einer sehr breiten Palette von Tönen, die jeweils intensiv realisiert werden.

Bildfotografie

Im Folgenden sind zwei Listen prominenter Fotografen aufgeführt, die sich während ihrer Karriere mit Bildmännchen beschäftigen. Die erste Liste enthält Fotografen, die überwiegend Bilderer für alle oder fast alle Karrieren waren (im Allgemeinen von 1880 bis 1920 aktiv). Die zweite Liste enthält Fotografen des 20. Jahrhunderts, die zu Beginn der Karriere einen bildlichen Stil verwendeten, aber bekannt für Pure oder bekannt sind gerade Fotografie.

Fotografen, die überwiegend Bilderer waren

Fotografen des 20. Jahrhunderts, die als Pictorialisten begannen

Quellen

• Anderson, Paul L. Die Kunst der Fotografie. Philadelphia: Lippincott, 1919.
• Anderson, Paul L. Bildfotografie: seine Prinzipien und Praxis. General Books, 2009. (Nachdruck der Ausgabe von 1917). ISBN1-153-08767-7
• Brown, Julie K. Wettbewerbsbilder: Fotografie und die kolumbianische Ausstellung der Welt. Tucson: University of Arizona Press, 1994. ISBN0-8165-1382-1
• Bunnell, Peter. Eine fotografische Vision: Bildfotografie, 1889–1923. Salt Lake City, Utah: Peregrine Smith, 1980. ISBN0-87905-059-4
• Castillo, Alejandro. Moderner Pictorialism. Amanda Bouchenoire und ihre poetischen Visionen. Mexiko. EDICIONES Novare. 2020. Olid: OL28982611m
• Crawford, William. Die Keepers of Light, ein Leitfaden für Geschichte und Arbeitsanleitung zu frühen fotografischen Prozessen. Dobbs Ferry, NT: Morgan & Morgan, 1979. ISBN0-87100-158-6
• Daum, Patrick (Hrsg.) Impressionistische Kamera: Bildfotografie in Europa, 1888–1918 (2006). ISBN1-85894-331-0
• Doty, Robert. Photosezession, Fotografie als bildende Kunst. Rochester, NY: George Eastman House, 1960.
• Emerson, Peter Henry. "Fotografie, eine bildliche Kunst." Der Amateurfotograf. Band 3 (19. März 1886), S. 138–139.
• Fulton, Marianne mit Bonnie Yochelson und Kathleen A. Erwin. Pictorialismus in die Moderne: Die Clarence H. White School of Photography. NY: Rizzoli, 1996. ISBN0-8478-1936-1
• Harker, Margaret. Der verknüpfte Ring: Die Sezessionsbewegung in der Fotografie in Großbritannien, 1892–1910. London "Heinemann, 1979
• Johnson, Drew Heath. Licht erfassen: Meisterwerke von Kalifornien Fotografie, 1850 bis heute. Oakland: Oakland Museum of Art, 2001. ISBN9780393049930
• König, S. Carl. Fotografische Impressionisten Spaniens: Eine Geschichte der Ästhetik und Technik der Bildfotografie. Lewiston, NY: Edwin Meller Press, 1989. ISBN0-88946-564-9
• Kolton, L. A. (Hrsg.). Private Bereiche des Lichts: Amateurfotografie in Kanada, 1839–1940. Toronto: Fitzhenry und Whiteside, 1984. ISBN0-88902-744-7
• Leijerzaapf, Ingeborg Th. Juwelen Voor Een fotomuseum / Meisterwerke der niederländischen Bildfotografie 1890–1915. Leiden: Vrienden van Het Prentenkabinet van de Universiteit, 1998. ISBN90-804274-2-x
• Martin, David und Nicolette Bromberg. Schatten einer flüchtigen Welt: Bildfotografie und der Seattle Camera Club. Seattle: Henry Art Gallery, 2011. ISBN0-295-99085-6
• McCarroll. Stacey. California Dreamin ': Kameraclubs und die Tradition der Bildfotografie. Boston: Kunstgalerie der Boston University, 2004. ISBN1-881450-21-x
• Naef, Weston J. Die Sammlung von Alfred Stieglitz, fünfzig Pioniere der modernen Fotografie. NY: Viking Press, 1978. ISBN0-670-67051-0
• Nori, Claude. Französische Fotografie von ihren Ursprüngen bis zur Gegenwart. New York; Pantheon, 1979. ISBN0-394-50670-7
• Roberts, Pam (Hrsg.) Alfred Stieglitz: Kameraarbeit, die kompletten Fotografien 1903–1917 Köln: Taschen, 1998. ISBN3-8228-3784-9
• Grün, Jonathan. Kameraarbeit: Eine kritische Anthologie. NY: Aperture, 1973. ISBN0-912334-73-8
• Padon, Thomas (Hrsg.). Wahrheit Schönheit, Pictorialismus und Foto als Kunst, 1845 - 1945. Vancouver, BC: Vancouver Art Gallery, 2008. ISBN978-1-55365-294-6
• Peterson, Christian A. Nach der Fotositzung: Amerikanische Bildfotografie 1910–1955. New York: Norton, 1997. ISBN0-393-04111-5
• Peterson, Christian A. Bildfotografie am Minneapolis Institute of Arts.
• Rosenblum, Naomi. Eine Weltgeschichte der Fotografie. New York: Abbeville Press, 1989. ISBN1-55859-054-4
• Scharf, Aaron. Kunst und Fotografie. New York: Penguin, 1991. ISBN0-14-013132-9
• Sternberger, Paul Spencer. Zwischen Amateur & Kabine: Die Legitimierung der Fotografie als Kunst in Amerika, 1880–1900. Albuquerque: University of New Mexico Press, 2001. ISBN0-8263-2151-8
• Taylor, John. Bildfotografie in Großbritannien, 1900–1920. London: Arts Council of Großbritannien, 1978. ISBN0-7287-0171-5
• Tucker, Anne Wilkes (ed). Die Geschichte der japanischen Fotografie. New Haven: Yale University Press, 2003. ISBN0-300-09925-8
• Watriss, Wendy (Hrsg.) Bild und Erinnerung: Fotografie aus Lateinamerika, 1866–1994. Austin: University of Texas Press, 1998. ISBN0-292-79118-6
• Wilson, Michael und Reed, Dennis. Pictorialism in Kalifornien: Fotografien 1900–1940. Malibu: Getty Museum, 1994. ISBN0-89236-312-6

Verweise

Externe Links

• Zum Lob des Pictorialism: frühe Bildfotografie. Eine Diskussion über bildliche Fotografie und Beispiele für diesen Stil.
• Kataloge von pictorialistischen Fotografieausstellungen zwischen 1888 und 1914
• Pictorialism Portal Online -Katalog der Kunstbibliothek - Staatliche Museen Zu Berlin (der Kunstbibliothek der Nationalmuseen von Berlin) mit 2.300 Objekten, darunter über 600 bildlichistische Werke der eigenen Sammlung und Verweise auf 300 Veröffentlichungen und Ausstellungen, in denen die Fotos ursprünglich präsentiert wurden