Paul Gauguin

Paul Gauguin
Gauguin im Jahr 1891
Geboren	Eugène Henri Paul Gauguin 7. Juni 1848 Paris, Französische zweite Republik
Gestorben	8. Mai 1903 (54 Jahre) Atuona, Marquesas -Inseln, Französisch Polynesien
Bekannt für	Malerei, Skulptur, Keramik, Gravur
Bewegung	Post-Impressionismus, Primitivismus, Synthetismus
Ehepartner (en)	Mette-Sophie Gad ​ ​ (m.1873; getrennt 1894)​ Teha'amana ​ ​ (m.1891; getrennt 1893)​

Eugène Henri Paul Gauguin (Vereinigtes Königreich: /ˈɡoʊɡÆ̃/, UNS: /ɡoʊˈɡÆ̃/; Französisch:[Ø.ʒɛn ̃.ʁi pɔl ɡo.ɛ̃ɛ̃]; 7. Juni 1848 - 8. Mai 1903) war ein Französisch Postimpressionist Künstler. Gauguin bis nach seinem Tod ist nun für seinen experimentellen Gebrauch von Farbe und anerkannt Synthetist Stil, der sich von unterschiedlich unterschieden Impressionismus. Gegen Ende seines Lebens verbrachte er zehn Jahre in Französisch Polynesien. Die Bilder aus dieser Zeit zeigen Menschen oder Landschaften aus dieser Region.

Seine Arbeit war einflussreich für die Franzosen Avantgarde und viele moderne Künstler, wie z. Pablo Picasso und Henri Matisseund er ist bekannt für seine Beziehung mit Vincent und Das Ö Van Gogh. Gauguins Kunst wurde nach seinem Tod populär, teilweise aus den Bemühungen von Händler Ambroise Vollard, wer organisierte Ausstellungen von seinen Arbeiten spät in seiner Karriere und half bei der Organisation von zwei wichtigen posthumigen Ausstellungen in Paris.^[1][2]

Gauguin war eine wichtige Figur in der Symbolist Bewegung als Maler, Bildhauer, Druckmacher, Keramist und Schriftsteller. Sein Ausdruck der inhärenten Bedeutung der Subjekte in seinen Gemälden unter dem Einfluss der Cloisisonnistenstilebnete den Weg für Primitivismus und die Rückkehr zum Pastoral. Er war auch ein einflussreicher Praktiker von Holzgravur und Holzschnitte als Kunstformen.^[3][4]

Biografie

Familiengeschichte und frühes Leben

Aline Marie Chazal Tristán (1825–1867) "Die Mutter des Künstlers", 1889, Staatsgalerie stuttgart

Gauguins Großmutter mütterlicherseits, Flora Tristan (1803–1844) 1838

Gauguin wurde am 7. Juni 1848, dem Jahr von Clovis Gauguin und Aline Chazal, geboren revolutionäre Umwälzungen In ganz Europa. Sein Vater, ein 34-jähriger liberaler Journalist einer Familie von Unternehmern in Orléans,^[5] war gezwungen, Frankreich zu fliehen, als die Zeitung, für die er schrieb, von den französischen Behörden unterdrückt wurde.^[6][7] Gauguins Mutter war die 22-jährige Tochter von André Chazal, einem Graveur, und Flora Tristan, ein Autor und Aktivist in frühen sozialistischen Bewegungen. Ihre Gewerkschaft endete, als André seine Frau Flora angriff und wegen versuchten Mordes zum Gefängnis verurteilt wurde.^[8]

Die Großmutter von Paul Gauguin mütterlicherseits, Flora Tristan, war die uneheliche Tochter von Thérèse Laisnay und Don Mariano de Tristan Moscoso. Details des familiären Hintergrunds von Thérèse sind nicht bekannt; Don Mariano stammte aus einer aristokratischen spanischen Familie aus der peruanischen Stadt Arequipa. Er war ein Offizier der Dragoner.^[9] Mitglieder der wohlhabenden Familie Tristan Moscoso hatten starke Positionen in Peru.^[10] Trotzdem tauchte Don Marianos unerwarteter Tod seiner Herrin und Tochter Flora in Armut ein.^[11] Als Floras Ehe mit André versagte, bat sie eine kleine Geldsiedlung von den peruanischen Verwandten ihres Vaters. Sie segelte nach Peru, in der Hoffnung, ihren Anteil am Glück der Familie Tristan Moscoso zu vergrößern. Das war nie zustande; Aber sie veröffentlichte erfolgreich einen beliebten Reisebericht ihrer Erfahrungen in Peru, das 1838 ihre literarische Karriere ins Leben gerufen hat. Als aktive Unterstützerin der frühen sozialistischen Gesellschaften half die Großmutter von Gauguin, die Grundlagen für die revolutionären Bewegungen von 1848 zu legen. Sie wurde von der französischen Polizei untersucht und unter Überlastung litt, starb 1844.^[12] Ihr Enkel Paul "vergötterte seine Großmutter und hielt Kopien ihrer Bücher bis zum Ende seines Lebens bei sich".^[13]

1850 reiste Clovis Gauguin mit seiner Frau Aline und kleinen Kindern nach Peru, in der Hoffnung, seine journalistische Karriere unter der Schirmherrschaft der südamerikanischen Beziehungen seiner Frau fortzusetzen.^[14] Er starb unterweg1⁄2 jährliche Schwester Marie. Gauguins Mutter wurde von ihrem Großunkel väterlicherseits begrüßt, dessen Schwiegersohn, José Rufino Echeniquewürde in Kürze die Präsidentschaft von Peru annehmen.^[15] Bis zum Alter von sechs Jahren genoss Paul eine privilegierte Erziehung, die von Krankenschwestern und Dienern besucht wurde. Er behielt eine lebendige Erinnerung an diese Zeit seiner Kindheit, die "unauslöschliche Eindrücke von Peru vermittelte, die ihn den Rest seines Lebens verfolgten".^[16][17]

Gauguins idyllische Kindheit endete abrupt, als seine Familienmentoren 1854 während peruanischer Zivilkonflikte aus der politischen Macht fielen. Der peruanische Tristan Moscoso -Clan einer großzügigen Rente, die von ihrem Großunkel arrangiert wurde, ließ sich in Paris nieder, um als Schneidermacherin zu arbeiten.^[18]

Ausbildung und erster Job

Nachdem Gauguin ein paar örtliche Schulen besucht hatte, wurde er in das prestigeträchtige katholische Internat Petit Sémineaire de geschickt La Chapelle-Saint-Mesmin.^[19] Er verbrachte drei Jahre in der Schule. Mit vierzehn Jahren trat er in das Loriol Institute in Paris, eine Marinevorbereitungsschule, ein, bevor er zu Orléans zurückkehrte, um sein letztes Jahr im Lycée Jeanne d'Arc zu nehmen. Gauguin als als angemeldet PilotAssistent in der Kaufmann Marine. Drei Jahre später trat er der französischen Marine bei, in der er zwei Jahre lang diente.^[20] Seine Mutter starb am 7. Juli 1867, aber er erfuhr einige Monate lang nicht, bis ein Brief seiner Schwester Marie ihn in Indien einholte.^[21][22]

1871 kehrte Gauguin nach Paris zurück, wo er sich einen Job als Börsenmakler sicherte. Ein enger Familienfreund, Gustave Arosa, hat ihm einen Job im Pariser Börse; Gauguin war 23 Jahre alt. Er wurde ein erfolgreicher Pariser Geschäftsmann und blieb in den nächsten 11 Jahren einer. 1879 verdiente er 30.000 Franken Ein Jahr (ca. 145.000 US -Dollar in den US -Dollar für 2019) als Börsenmakler und genauso viel im Kunstmarkt.^[23][24] Aber im Jahr 1882 Der Pariser Aktienmarkt stürzte ab und der Kunstmarkt hat sich zusammengeschlossen. Gauguins Einkommen verschlechterte sich stark und er beschloss schließlich, Vollzeit zu malen.^[25][26]

Die Ehe

Gauguin mit seiner Frau Mette in Kopenhagen, Dänemark1885

1873 heiratete er a dänisch Frau, Mette-Sophie Gad (1850–1920). In den nächsten zehn Jahren hatten sie fünf Kinder: Émile (1874–1955); Aline (1877–1897); Clovis (1879–1900); Jean René (1881–1961); und Paul Rollon (1883–1961). Bis 1884 war Gauguin mit seiner Familie umgezogen zu werden Kopenhagen, Dänemark, wo er eine Geschäftskarriere verfolgte als Plane Verkäufer. Es war kein Erfolg: Er konnte nicht dänisch sprechen, und die Dänen wollten keine französischen Planen. Mette wurde zum Chefverdiener und gab Französisch -Lektionen für Diplomaten aus den Auszubildenden.^[27]

Seine bürgerliche Familie und seine Ehe fielen nach 11 Jahren auseinander, als Gauguin in Vollzeit malen. Er kehrte 1885 nach Paris zurück, nachdem seine Frau und ihre Familie ihn gebeten hatten, zu gehen, weil er die von ihnen geteilten Werte verzichtet hatte.^{[Klarstellung erforderlich][28][29]} Gauguins letzter physischer Kontakt mit ihnen war 1891 und Mette brach schließlich mit ihm entscheidend im Jahr 1894.^{[30][31][32][33]}

Erste Bilder

Studie eines Nude (Suzanne Sewing), 1880, NY Carlsberg Glyptotek

Im Jahr 1873, zu der Zeit, als er ein Börsenmakler wurde, begann Gauguin in seiner Freizeit zu malen. Sein Pariser Leben konzentrierte sich auf die 9. Arrondissement von Paris. Gauguin lebte bei 15, Rue la Bruyère.^[34][35] In der Nähe befanden sich die Cafés, die von den Impressionisten besucht wurden. Gauguin besuchte auch häufig Galerien und kaufte Arbeiten von aufstrebenden Künstlern. Er schloss eine Freundschaft mit Camille Pissarro^[36] und besuchte ihn sonntags, um in seinem Garten zu malen. Pissarro stellte ihn verschiedenen anderen Künstlern vor. 1877 zog Gauguin "nach unten und über den Fluss zu den ärmeren, neueren städtischen Ausbreitung" von Vaugirard. Hier, im dritten Stock bei 8 Rue Carmel, hatte er sein erstes Zuhause mit einem Studio.^[35]

Sein enger Freund Émile Schellenecker, ein ehemaliger Börsenmakler, der auch künstlerin war, lebte in der Nähe. Gauguin zeigte Gemälde in Impressionist Die Ausstellungen in den Jahren 1881 und 1882 (früher war eine Skulptur seines Sohnes Émile die einzige Skulptur in der 4. impressionistischen Ausstellung von 1879). Seine Bilder erhielten abweisende Kritiken, obwohl einige von ihnen, wie z. Die Marktgärten von Vaugirard, sind jetzt hoch angesehen.^[37][38]

1882 die Aktienmarkt Absturz und der Kunstmarkt beauftragt. Paul Durand-RuelDer primäre Kunsthändler der Impressionisten war besonders vom Absturz betroffen und hörte für einen bestimmten Zeitraum die Kauf von Bildern von Malern wie Gauguin auf. Gauguins Gewinne schlossen sich stark ab, und in den nächsten zwei Jahren formulierte er langsam seine Pläne, Vollzeitkünstler zu werden.^[36] Die folgenden zwei Sommern malt er mit Pissarro und gelegentlich Paul Cézanne.

Im Oktober 1883 schrieb er an Pissarro und sagte, er habe beschlossen, seinen Lebensunterhalt um jeden Preis zu verdienen, und bat um seine Hilfe, die Pissarro zunächst zur Verfügung stellte. Im folgenden Januar zog Gauguin mit seiner Familie auf Rouen, wo sie billiger leben konnten und wo er glaubte, er habe Chancen erkannt, als er dort im vergangenen Sommer Pissarro besuchte. Das Unternehmen erwies sich jedoch als erfolglos, und bis Ende des Jahres zogen Mette und die Kinder auf Kopenhagen, Gauguin, kurz darauf im November 1884 und brachte seine Kunstsammlung mit, die später in Kopenhagen blieb.^[39][40]

Das Leben in Kopenhagen erwies sich als ebenso schwierig, und ihre Ehe wurde angespannt. Beim Drängen von Mette, unterstützt von ihrer Familie, kehrte Guguin im folgenden Jahr nach Paris zurück.^[41][42]

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  Die Marktgärten von Vaugirard, 1879, Smith College Museum of Art

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  Winterlandschaft, 1879, Museum der bildenden Künste, Budapest

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  Porträt von Madame Gauguin, c. 1880–81, Foundation z.B. Brührle, Zürich

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  Garten in Vaugirard (Malerfamilie im Garten in Rue Carcel), 1881,, NY Carlsberg Glyptotek, Kopenhagen

Frankreich 1885–1886

Vier Bretonisch Frauen, 1886, Neue Pinakothek, München

Gauguin kehrte im Juni 1885 nach Paris zurück, begleitet von seinem sechsjährigen Sohn Clovis. Die anderen Kinder blieben bei Mette in Kopenhagen, wo sie die Unterstützung von Familie und Freunden hatten, während Mette selbst Arbeit als Übersetzer und Französische Lehrer bekommen konnte. Gauguin fand es zunächst schwierig, in die Kunstwelt in Paris wieder einzutreten, und verbrachte seinen ersten Winter in realer Armut, um eine Reihe von unteren Jobs zu übernehmen. Clovis wurde schließlich krank und wurde in eine Internat geschickt, wobei Gauguins Schwester Marie die Mittel zur Verfügung stellte.^[43][44] In diesem ersten Jahr produzierte Gauguin nur sehr wenig Kunst. Er zeigte im Mai 1886 neunzehn Gemälde und eine Holzentlastung auf der achten (und letzten) impressionistischen Ausstellung.^[45]

Die meisten dieser Bilder waren frühere Arbeiten von Rouen oder Kopenhagen, und es gab nichts wirklich Neues in den wenigen neuen, obwohl seine Baigneuses à Dieppe ("Frauen baden") stellte vor, was zu einem wiederkehrenden Motiv werden sollte, die Frau in den Wellen. Nichtsdestotrotz, Félix Bracquemond kaufte eines seiner Bilder. Diese Ausstellung wurde ebenfalls etabliert Georges Seurat as leader of the Avantgarde Bewegung in Paris. Gauguin verächtlich abgelehnt Seurat's Neo-Impressionist Pointillist Die Technik und später im Jahr brach mit Pissarro entschlossen ein, der von diesem Zeitpunkt gegenüber eher antagonistisch gegenüber Gauguin war.^[46][47]

Gauguin verbrachte den Sommer 1886 in der Kolonie des Künstlers von Pont-Aven in der Bretagne. Er wurde an erster Stelle angezogen, weil es billig war, dort zu leben. Er war jedoch ein unerwarteter Erfolg mit den jungen Kunststudenten, die im Sommer dort strömten. Sein natürliches tadelistisches Temperament (er war sowohl ein versierter Boxer als auch ein Fechter) war im sozial entspannten Meeresort kein Hindernis. In dieser Zeit wurde er in dieser Zeit für seinen ausgefallenen Auftritt genauso erinnert wie für seine Kunst. Unter diesen neuen Mitarbeitern war Charles Laval, wer würde Gauguin im folgenden Jahr begleiten Panama und Martinique.^[48][49]

In diesem Sommer führte er einige Pastellzeichnungen von Nacktfiguren in der Art von Pissarro aus und die By Degas, die auf der achten Ausstellung des achten Impressionisten von 1886 ausgestellt wurden. Er hat hauptsächlich Landschaften gemalt, wie z. La Bergère Bretonne ("Die Breton Shepherdess"), in der die Figur eine untergeordnete Rolle spielt. Seine Jeunes Bretons au Bain ("Young Breton Boys Baden"), das ein Thema vorgestellt hat, an das er jedes Mal, wenn er Pont-Aven besuchte, zurückgekehrt ist, ist eindeutig Degas in seinem Design und der kühnen Verwendung von reiner Farbe verpflichtet. Die naiven Zeichnungen des englischen Illustrators Randolph Caldecott, verwendet, um ein beliebtes Handbuch zur Bretagne zu veranschaulichen, hatte die Fantasie des Avantgarde Studentenkünstler von Pont-Aven, die sich bemühten, sich vom Konservatismus ihrer Akademien zu befreien, und Gauguin sie bewusst in seinen Skizzen von Breton-Mädchen nachahm.^[50] Diese Skizzen wurden später in seinem Pariser Studio zu Gemälden zusammengearbeitet. Das wichtigste von diesen ist Vier Breton -Frauen, die eine deutliche Abweichung von seinem früheren impressionistischen Stil zeigt und etwas von der naiven Qualität der Illustration von Caldecott integriert und die Merkmale bis zur Karikatur übertreiben.^[49][51]

Gauguin zusammen mit Émile Bernard, Charles Laval, Émile Schefenecker und viele andere, wieder besucht Pont-Aven Nach seinen Reisen in Panama und Martinique. Die mutige Verwendung von reiner Farbe und Symbolist Wahl des Themas unterscheiden unterscheidet, was jetzt als als genannt wird Pont-Aven-Schule. Enttäuscht von ImpressionismusGauguin war der Ansicht, dass das traditionelle europäische Gemälde zu imitativ geworden war und es fehlte eine symbolische Tiefe. Im Gegensatz dazu schien ihm die Kunst Afrikas und Asiens voller mystischer Symbolik und Kraft zu sein. Zu dieser Zeit gab es in Europa eine Mode für die Kunst anderer Kulturen, insbesondere der Japans (Japonismus). Er wurde eingeladen, an der teilzunehmen 1889 Ausstellung organisiert von Les xx.

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  Frauen baden, 1885, Nationalmuseum für westliche Kunst, Tokio

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  La Bergère Bretonne, 1886, Laing Art Gallery

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  Breton Mädchen, 1886, Burrell -Sammlung, Glasgow

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  Breton Badin, 1886–87,, Kunstinstitut von Chicago

Cloisisonnismus und Synthetismus

Poster der Gemäldeausstellung von 1889 durch die Impressionist und Synthetistengruppeim Café des Arts, bekannt als Die Volpini -Ausstellung, 1889

Unter dem Einfluss von Volkskunst und Japanische Drucke, Gauguins Arbeit entwickelte sich zu Cloisisonnismus, ein Stil, der seinen Namen durch den Kritiker bezeichnet Édouard Dujardin beschreiben Émile BernardMaltemethode mit flachen Farbbereichen und mutigen Umrissen, die Dujardin an das Mittelalter erinnerten Cloisisonné Emaillierungstechnik. Gauguin war sehr dankbar für Bernards Kunst und sein gewagtes Wagen mit der Beschäftigung eines Stils, der Gauguin entsprach, um die Essenz der Objekte in seiner Kunst auszudrücken.^[52]

In Gauguin Der gelbe Christus (1889), oft als fundamentaler kloisonnistischer Arbeit zitiert, wurde das Bild auf Bereiche der reinen Farbe reduziert, die durch schwere schwarze Umrisse getrennt waren. In solchen Werken schenkte Gauguin der klassischen Perspektive wenig Aufmerksamkeit und beseitigte mutige subtile Farbabstufungen, wodurch die beiden charakteristischsten Prinzipien von Post-Renaissance Malerei. Sein Gemälde entwickelte sich später zu Synthetismus in der weder Form noch Farbe vorherrschen, aber jeder die gleiche Rolle spielt.

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  Der gelbe Christus (Le Christ Jaune), 1889, Albright -Knox Art Gallery, Buffalo, NY

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  Stillleben mit Profil von Laval (Charles Laval), 1886, Indianapolis Museum of Art

Martinique

Martinique Landschaft 1887, Scottish National Gallery

1887 nach dem Besuch Panama, Gauguin verbrachte die Zeit von Juni bis November in der Nähe Heiliger Pierre auf der Karibikinsel von Martinique, begleitet von seinem Freund, dem Künstler Charles Laval. Seine Gedanken und Erfahrungen in dieser Zeit werden in seinen Briefen an seine Frau Mette und seinen Künstler Freund Emile Schefenecker aufgezeichnet.^[53] Er kam mit Panama in Martinique an, wo er sich pleite und ohne Arbeit befand. Zu der Zeit hatte Frankreich eine Politik von Repatriierung Wenn ein Bürger auf einer französischen Kolonie pleite oder gestrandet wäre, würde der Staat die Bootsfahrt zurückzahlen. Nach dem Verlassen von Panama beschlossen Guguin und Laval, durch die Rückführungsrichtlinie zu schützen, im Martinique Port of St. Pierre aus dem Boot. Wissenschaftler sind sich nicht einig, ob Gauguin absichtlich oder spontan beschlossen hat, auf der Insel zu bleiben.

Zuerst passte die 'Negro -Hütte', in der sie lebten, zu ihm, und er genoss es, Menschen in ihren täglichen Aktivitäten zu beobachten.^[54] Das Wetter im Sommer war jedoch heiß und die Hütte lief im Regen aus. Gauguin litt ebenfalls Ruhr und Sumpffieber. Während seiner Zeit in Martinique produzierte er zwischen 10 und 20 Werken (12 war die häufigste Schätzung), kam weit verbreitet und kam anscheinend mit einer kleinen Gemeinschaft von in Kontakt indisch Einwanderer; Ein Kontakt, der später seine Kunst durch die Einbeziehung indischer Symbole beeinflussen würde. Während seines Aufenthalts der Schriftsteller Lafcadio Hearn war auch auf der Insel.^[55] Sein Bericht bietet einen historischen Vergleich zu Gauguins Bildern.

Gauguin beendete 11 bekannte Gemälde während seines Aufenthalts in Martinique, von denen viele aus seiner Hütte abgeleitet zu sein scheinen. Seine Briefe an Schefenecker drücken eine Aufregung über den exotischen Ort aus und die Eingeborenen, die in seinen Gemälden dargestellt wurden. Gauguin behauptete, dass vier seiner Gemälde auf der Insel besser seien als die anderen.^[56] Die Werke als Ganzes sind bunte, locker gestrichene Figurenszenen im Freien. Obwohl seine Zeit auf der Insel kurz war, war sie sicherlich einflussreich. Er recycelten einige seiner Figuren und Skizzen in späteren Gemälden, wie das Motiv in Unter den Mangos^[57] Das wird bei seinen Fans repliziert. Die ländliche und indigene Bevölkerung blieben in Gauguins Arbeit ein beliebtes Thema, nachdem er die Insel verlassen hatte.

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  Huttes Sous Les Arbres, 1887, Privatsammlung, Washington

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  Bord de Mer II, 1887, private Sammlung, Paris

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  Am Teich, 1887, Van Gogh Museum, Amsterdam

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  Gesprächstropiquen (Négresses Kausale), 1887, private Sammlung, Dallas

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  Unter den Mangos (La Cueillette des Fruits), 1887, Van Gogh Museum, Amsterdam^[57]

Vincent und Theo Van Gogh

Vincent van Gogh, Paul Gauguin (Mann in einem roten Baskenmütze), 1888, Van Gogh Museum, Amsterdam

Gauguin Martinique Gemälde wurden in seiner Galerie seines Farbkaufmanns Arsène Poitier ausgestellt. Dort wurden sie gesehen und bewundert von Vincent van Gogh und sein Kunsthändler Bruder Das Ö, deren fest Goupil & Cie Hatte mit Portier umgekehrt. Theo kaufte drei Gemälde von Gauguin für 900 Franken und arrangierte, dass sie an Gouupil hängen, wodurch Gauguin wohlhabenden Kunden vorgestellt wurde. Diese Vereinbarung mit Goupils fortgesetzter Tod von Theo im Jahr 1891. Gleichzeitig wurden Vincent und Gauguin enge Freunde (von Vincents Teil war etwas, das der Verehrung ähnelte), und sie korrespondierten zusammen in der Kunst, eine Korrespondenz, die maß Kunstphilosophie.^[58][59]

Im Jahr 1888 verbrachten Gauguin und Vincent auf Theo's Stadium neun Wochen zusammen bei Vincent's, Gelbes Haus in Arles im Süden Frankreichs. Gauguins Beziehung zu Vincent erwies sich als belastet. Ihre Beziehung verschlechterte sich und schließlich beschloss Gauguin zu gehen. Am Abend des 23. Dezember 1888 konfrontierte Vincent nach einem viel späteren Bericht von Gauguin mit a Gauguin Rasiermesser. Später am selben Abend schnitt er sich das linke Ohr ab. Er wickelte das abgetrennte Gewebe in die Zeitung ein und reichte es einer Frau, die an einem arbeitete Bordell Gauguin und Vincent hatten beide besucht und sie gebeten, "dieses Objekt sorgfältig in Erinnerung zu behalten". Vincent war ins Krankenhaus eingeliefert Am nächsten Tag und Gauguin verließen Arles.^[60] Sie sahen sich nie wieder, aber sie korrespondierten und 1890 gingen Gauguin so weit, dass sie ein Künstlerstudio bilden Antwerpen.^[61] Ein skulpturales Selbstporträt von 1889 Krug in Form eines Kopfes scheint die traumatische Beziehung von Gauguin zu Vincent zu verweisen.

Gauguin behauptete später, die Entwicklung von Vincent Van Gogh als Maler bei Arles zu beeinflussen. Während Vincent kurz mit Gauguins Theorie "Malerei aus der Vorstellungskraft" in Gemälden wie experimentierte, z. Erinnerung an den Garten in EttenEs passte nicht zu ihm und er kehrte schnell zum Malerei aus der Natur zurück.^[62][63]

Edgar Degas

Fahrer am Strand, 1902, Museum Folkwang

Valérie Roumi, 1880, geschnitzt und gemalt, Mahagoni, NY Carlsberg Glyptotek

Obwohl Gauguin einige seiner frühen Schritte in der Welt der Kunst unter Pissarro machte, Edgar Degas war Gauguins am meisten bewunderter zeitgenössischer Künstler und ein großer Einfluss auf seine Arbeit von Anfang an mit seinen Figuren und Innenräumen sowie einem geschnitzten und gemalten Medaillon der Sängerin Valérie Roumi.^[64] Er hatte eine tiefe Ehrfurcht vor Degas 'künstlerischer Würde und Takt.^[65] Es war Gauguins gesündeste, am längsten anhaltende Freundschaft und erstreckte sich bis zu seinem Tod über seine gesamte künstlerische Karriere.

Neben seiner frühesten Anhänger, einschließlich des Kaufs von Gauguins Arbeit und der überzeugenden Händler Paul Durand-Ruel Um das Gleiche zu tun, gab es nie eine öffentliche Unterstützung für Gauguin als unerschütterlicher als von Degas.^[66] Gauguin kaufte auch die Arbeit von Degas Anfang bis Mitte der 1870er Jahre und seine eigenen Monotypisierung Die Vorliebe wurde wahrscheinlich durch die Fortschritte von Degas im Medium beeinflusst.^[67]

Paul Gauguin, arearea no varua Ino, 1894, Aquarell -Monotyp auf Japan Papier, ursprünglich von Degas, im Besitz von Degas, Nationale Kunstgalerie

Gauguins Durand-Ruel-Ausstellung im November 1893, die sich hauptsächlich organisierte, erhielt gemischte Kritiken. Unter den Verspottungen waren Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir und ehemaliger Freund Pissarro. Degas lobte jedoch seine Arbeit, einkaufen Te Faaturuma[es] und bewundern die exotische Pause von Gauguins beschworenem Folklore.^[68][69][70] In Anerkennung präsentierte Gauguin Degas mit Der Mond und die Erde, eines der ausgestellten Gemälde, die die feindlichste Kritik angezogen hatten.^[71] Gauguins späte Leinwand Fahrer am Strand (zwei Versionen) erinnert an Degas 'Pferdebilder, die er in den 1860er Jahren insbesondere begann Rennstrecke und Vor dem Rennen, wie er seinen dauerhaften Effekt auf Gauguin aussagt.^[72] Degas kaufte später zwei Gemälde bei Gauguins Auktion von 1895, um Spenden für seine letzte Reise nach Tahiti zu sammeln. Diese waren Vahine no te vi (Frau mit einer Mango) und die Versionsmagnuin von Manet's gemalt Olympia.^[71][73]

Erster Besuch in Tahiti

Bis 1890 hatte Gauguin das Projekt der Herstellung gedacht Tahiti sein nächstes künstlerisches Ziel. Eine erfolgreiche Versteigerung von Gemälden in Paris am Hôtel Drouot Im Februar 1891 lieferten zusammen mit anderen Veranstaltungen wie einem Bankett und einem Benefizkonzert die erforderlichen Mittel.^[74] Die Auktion war durch eine schmeichelhafte Bewertung von stark unterstützt worden Oktave Mirbeau, umworben von Gauguin durch Camille Pissarro.^[75] Nachdem Gauguin seine Frau und Kinder in Kopenhagen besucht hatte, setzte sich Gauguin am 1. April 1891 für Tahiti auf, um einen reichen Mann zurückzugeben und einen Neuanfang zu machen.^[76] Seine bekennende Absicht war es, der europäischen Zivilisation zu entkommen und "alles, was künstlich und konventionell ist".^[77][78] Trotzdem achtete er darauf, eine Sammlung visueller Reize in Form von Fotografien, Zeichnungen und Drucken mitzunehmen.^[79][a]

Er verbrachte die ersten drei Monate in Papeete, die Hauptstadt der Kolonie und bereits stark von der französischen und europäischen Kultur beeinflusst. Sein Biograf Belinda Thomson bemerkt, dass er von seiner Vision einer primitiven Idylle enttäuscht worden sein muss. Er konnte sich das Vergnügen nicht leisten, das Lebensstil in Papeete und einen frühen Versuch eines Porträts zu finden. Suzanne Bambridge, war nicht sehr beliebt.^[81] Er beschloss, sein Studio in Mataiea einzurichten. Papari, rund 28 km (28 mi) von Papeete, die sich in einer Bambushütte im nativen Stil installiert. Hier führte er Gemälde aus, die das tahitianische Leben darstellten, wie z. Fatata te Miti (Am Meer) und IA Orana Maria (Ave Maria), Letzteres, um sein wertvolles tahitianisches Gemälde zu werden.^[82]

Vahine no te tiare (Frau mit einer Blume), 1891, NY Carlsberg Glyptotek

Viele seiner besten Gemälde stammen aus dieser Zeit. Sein erstes Porträt eines tahitianischen Modells wird angenommen Vahine no te tiare (Frau mit einer Blume). Das Gemälde ist bemerkenswert für die Sorgfalt, mit der es beschrieben wird Polynesischer Merkmale. Er schickte das Gemälde an seinen Gönner George-Daniel de Monfreid, ein Freund von Schellenecker, der Gauguins engagiertes Champion in Tahiti werden sollte. Bis zum Spätsommer 1892 wurde dieses Gemälde in der Goupil's Gallery in Paris ausgestellt.^[83] Kunsthistoriker Nancy Mowll Mathews glaubt, dass Gauguins Begegnung mit exotischer Sinnlichkeit in Tahiti, die in dem Gemälde so deutlich war, der mit Abstand wichtigste Aspekt seines Aufenthalts dort war.^[84]

Gauguin wurde geliehen[FR] 1837 Reise Aux îles du Grand Océan und Edmond de Bovis '[FR] 1855 État de la Société Tahitienne à l'Arivée des Européensmit vollständigen Berichten über Tahitis vergessene Kultur und Religion. Gauguin war fasziniert von den Berichten von Arioi Gesellschaft und ihr Gott 'Oro. Da diese Berichte keine Illustrationen enthielten und die tahitianischen Modelle auf jeden Fall schon lange verschwunden waren, konnte er seiner Fantasie freie Zulassung geben. Er hat im nächsten Jahr einige zwanzig Gemälde und ein Dutzend Holzschnüre ausgeführt. Der erste davon war Te aa no areois (der Samen der Areoi), repräsentieren Oros terrestrische Frau Vairaumati, die jetzt von der gehalten wird Metropolitan Museum of Art. Sein illustriertes Notizbuch der Zeit, Ancien Culte Mahorie[es], ist im Louvre erhalten und wurde 1951 in Faksimile -Form veröffentlicht.^[85][86][87]

Insgesamt schickte Gauguin neun seiner Gemälde nach Monfreid in Paris. Diese wurden schließlich in Kopenhagen in einer gemeinsamen Ausstellung mit dem verstorbenen Vincent Van Gogh ausgestellt. Berichte, dass sie gut aufgenommen worden waren (obwohl tatsächlich nur zwei der tahitianischen Gemälde verkauft wurden und seine früheren Gemälde ungünstig im Vergleich zu Van Goghs waren), waren für Gauguin ausreichend ermutigend, nachzudenken, mit einigen siebzig anderen, die er abgeschlossen hatte, zurückzukehren.^[88][89] In jedem Fall hatte er abhängig von einem staatlichen Stipendium für einen freien Durchgang nach Hause. Darüber hinaus hatte er einige gesundheitliche Probleme, die durch den örtlichen Arzt als Herzprobleme diagnostiziert wurden, was Mathews vorschlägt, möglicherweise die frühen Anzeichen von Anzeichen von Herz -Kreislauf -Syphilis.^[90]

Gauguin schrieb später einen Reisebericht (erstmals veröffentlicht 1901) mit dem Titel " NOA NOA[CA]ursprünglich als Kommentar zu seinen Gemälden konzipiert und seine Erfahrungen in Tahiti beschrieben. Moderne Kritiker haben vorgeschlagen, dass der Inhalt des Buches teilweise phantasiert und plagiiert wurde.^[91][92] Darin enthüllte er, dass er zu dieser Zeit ein dreizehnjähriges Mädchen als einheimische Frau oder ein gebürtiger Frau genommen hatte oder Vahine (das Tahitianer Wort für "Frau"), eine Ehe, die im Verlauf eines einzigen Nachmittags abgeschlossen wurde. Das war Teha'amana, Tehura im Reisebericht, der bis Ende Sommer 1892 von ihm schwanger wurde.^{[93][94][95][96]} Teha'amana war Gegenstand mehrerer von Gauguins Gemälden, einschließlich Merahi Metua no Tehamana und das gefeiert Geist der Toten beobachtensowie eine bemerkenswerte Holzholde Tehura jetzt in der Musee d'orsay.^[97] Bis Ende Juli 1893 hatte Gauguin beschlossen, Tahiti zu verlassen, und er würde Teha'amana oder ihr Kind nie wieder sehen, nachdem er einige Jahre später auf die Insel zurückgekehrt war.^[98] Ein digitaler Katalog -Raisisisonné der Gemälde aus dieser Zeit wurde 2021 vom Wilchenstein Plattner Institute veröffentlicht. ^[99]

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  Seite aus Gauguins Notizbuch (Datum unbekannt), Ancien Culte Mahorie. Louvre

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  Te aa no areois (der Samen der Areoi), 1892, Museum für moderne Kunst

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  Geist der Toten beobachten 1892, Albright -Knox Art Gallery, Buffalo, NY

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  Tehura (Teha'amana), 1891–3, polychromed Pua Wood, Musee d'orsay, Paris

Kehre nach Frankreich zurück

Gauguin, c. 1895 spiele a Harmonium bei Alphonse mucha's Studio in Rue de la Grande-Chaumière, Paris (Mucha Foto)

Paul Gauguin, 1894, Oviri (Sauvage), teilweise verglaste Steinzeug, 75 x 19 x 27 cm, Musee d'orsay, Paris. "Das Thema von Oviri ist Tod, Wildheit, Wildheit. Oviri steht über einem toten Sheolf, während er das Leben aus ihrem Jungtier zerquetscht. "Vielleicht, wie Gauguin an schrieb Odilon RedonEs ist eine Frage des "nicht Todes im Leben, sondern des Lebens im Tod".^[100][101]

Im August 1893 kehrte Gauguin nach Frankreich zurück, wo er weiterhin Gemälde zu tahitianischen Themen ausführte wie Mahana no Atua (Tag des Gottes) und Kirchenschiff Moe (Heilige Frühling, süße Träume).^[102][98] Eine Ausstellung am Durand-Ruel Die Galerie im November 1894 war ein moderater Erfolg und verkaufte sich zu ziemlich erhöhten Preisen, elf der vierzig ausgestellten Gemälde. Er richtete eine Wohnung in 6 Rue Vercingétorix am Rande des Montparnasse Bezirksfrequenz von Künstlern und begann eine wöchentliche Durchführung Salon. Er betroffene einen exotischen Persona, das sich im polynesischen Kostüm kleidet und eine öffentliche Affäre mit einer jungen Frau im Teenageralter, "halb indisch, halb malaiisch", bekannt als Ana der Javaner, führte[CA].^[103][104]

Trotz des moderaten Erfolgs seiner Novemberausstellung verlor er anschließend die Schirmherrschaft von Durand-Ruel unter Umständen, die nicht klar sind. Mathews charakterisiert dies als Tragödie für Gauguins Karriere. Unter anderem verlor er die Chance auf eine Einführung in den amerikanischen Markt.^[105] Zu Beginn von 1894 fand er, dass er Holzschnitte mit einer experimentellen Technik für seinen vorgeschlagenen Reisebericht vorbereitete NOA NOA. Er kehrte für den Sommer nach Pont-Aven zurück. Im Februar 1895 versuchte er eine Auktion seiner Gemälde in Hôtel Drouot in Paris, ähnlich dem von 1891, aber dies war kein Erfolg. Der Händler Ambroise VollardIm März 1895 zeigte seine Bilder jedoch in seiner Galerie, aber sie haben sich zu diesem Zeitpunkt leider nicht abgefunden.^[106]

Er reichte eine große Keramikskulptur ein, die er anrief Oviri Er hatte den vorherigen Winter auf die abgefeuert Société Nationale des Beaux-Arts 1895 Salon Eröffnung im April.^[100] Es gibt widersprüchliche Versionen, wie es empfangen wurde: sein Biograf und NOA NOA Mitarbeiter, die Symbolist Dichter Charles Morice[FR], behauptete (1920), dass das Werk "buchstäblich aus der Ausstellung ausgeschlossen" wurde, während Vollard sagte (1937), dass die Arbeit nur zugelassen wurde, als Chaplet drohte, alle seine eigenen Arbeiten zurückzuziehen.^[107] In jedem Fall nutzte Gauguin die Gelegenheit, um seine öffentliche Bekanntheit zu erhöhen, indem er einen empörten Brief über den Zustand der modernen Keramik an schrieb Le Soir.^[108]

Zu diesem Zeitpunkt war klar geworden, dass er und seine Frau Mette unwiderruflich getrennt waren. Obwohl es Hoffnungen auf eine Versöhnung gegeben hatte, hatten sie sich schnell über Geldangelegenheiten gestritten und besuchte die anderen nicht. Gauguin weigerte sich zunächst, einen Teil eines 13.000-Franc-Erbes von seinem Onkel Isidore zu teilen, in den er kurz nach seiner Rückkehr gekommen war. Mette wurde schließlich 1.500 Franken geschenkt, aber sie war empört und von diesem Zeitpunkt an in Kontakt mit ihm nur durch Schefenecker gehalten.^[109][33]

Bis Mitte 1895 war Versuche, Spenden für Gauguins Rückkehr nach Tahiti zu sammeln, gescheitert, und er begann, Wohltätigkeitsorganisationen von Freunden zu akzeptieren. Im Juni 1895 Eugène carrière arrangierte eine billige Passage zurück nach Tahiti, und Gauguin sah Europa nie wieder.^[110]

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  Kirchenschiff Moe (Heilige Frühling, süße Träume), 1894, Hermitage Museum

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  Anna der Javaner, (1893), Privatsammlung^[111]

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  Paul Gauguin, Alfons mucha, Luděk Maroldund Anna der Javaner in Muchas Studio, 1893

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  Kirchenschiff Fenua (entzückendes Land), Holzschnitten in NOA NOA Serie, 1894, Kunstgalerie von Ontario

Wohnsitz in Tahiti

Jules Agostinis Foto von Gauguins Haus von 1896 in Puna'auia. Beachten Sie die Skulptur einer nackten Frau.^[112]

Gauguin machte sich am 28. Juni 1895 erneut für Tahiti auf den Weg Mercure de France;^[113][114] eins von Emile Bernard, der andere von Camille Mauclair. Mathews bemerkt, dass seine Isolation in Paris so bitter geworden war, dass er keine andere Wahl hatte, als zu versuchen, seinen Platz in der Tahiti -Gesellschaft zurückzugewinnen.^[115][116]

Er kam im September 1895 an und sollte die nächsten sechs Jahre zum größten Teil ein anscheinend komfortables Leben als Künstler verbringen.Doppelpunkt in der Nähe oder manchmal in Papeete. Während dieser Zeit konnte er sich mit einem immer stetigeren Verkaufsstrom und der Unterstützung von Freunden und Gratulanten unterstützen, obwohl es eine Zeit 1898–1899 gab, als er sich gezwungen fühlte, einen Schreibtischjob in Papeete zu nehmen, von dem Es gibt nicht viel Aufzeichnung. Er baute ein geräumiges Schilf- und Strohhaus bei Puna'auia In einem wohlhabenden Gebiet zehn Meilen östlich von Papeete, das von wohlhabenden Familien besiedelt wurde und in dem er ein großes Studio einsetzte, um keine Kosten zu erregen. Jules Agostini, ein Bekannter von Gauguin und einem versierten Amateur -Fotografen, fotografierte das Haus 1896.^{[117][118][119]} Später verpflichtete er ihn, ein neues in derselben Nachbarschaft zu bauen.^[120][121]

Er unterhielt a Pferd und FalleDies war auch in der Lage, täglich nach Papeete zu reisen, um am sozialen Leben der Kolonie teilzunehmen, sollte er sich wünschen. Er abonnierte die Mercure de France (In der Tat war ein Aktionär) bis dahin Frankreichs wichtiges kritisches Journal und hielt eine aktive Korrespondenz mit anderen Künstlern, Händlern, Kritikern und Gönnern in Paris aufrecht.^[122] Während seines Jahres in Papeete und danach spielte er eine zunehmende Rolle in der lokalen Politik und trug abrasiv zu einer lokalen Zeitschrift bei, die gegen die Kolonialregierung war. Les Guêpes (die Wespen), das war kürzlich gebildet worden und schließlich seine eigene monatliche Veröffentlichung bearbeitet Le Sourire: Journal Sérieux (Das Lächeln: Eine ernsthafte Zeitung), später mit dem Titel einfach Journal Méchant (eine böse Zeitung).^[123] Eine bestimmte Menge an Kunstwerken und Holzschnitten aus seiner Zeitung überlebt.^[124] Im Februar 1900 wurde er Herausgeber von Les Guêpes selbst, für das er ein Gehalt zog, und er fuhr als Herausgeber fort Ursachen, obwohl dennoch als solches wahrgenommen.^[125][126]

Zumindest im ersten Jahr produzierte er keine Gemälde und informierte Monfreid, dass er sich fortan vorgeschlagen hatte, sich auf die Skulptur zu konzentrieren. Nur wenige seiner Holzschnitzereien aus dieser Zeit überleben, die meisten von Monfreid gesammelt. Thomson zitiert Oyez hui iesu (Christus am Kreuz), ein Holzzylinder, ein halbes Meter großer Meter groß mit einem merkwürdigen Hybrid religiöser Motive. Der Zylinder wurde möglicherweise von ähnlichen symbolischen Schnitzereien in der Bretagne inspiriert, wie beispielsweise bei PLEUMEUR-BODOU, wo alte Menhire von lokalen Handwerkern christchristcharcharianisiert wurden.^[127] Als er das Gemälde wieder aufnahm, sollte es seine langjährige Reihe sexuell aufgeladener Akte in Gemälden wie fortsetzen, z. Te tamari no atua (Sohn Gottes) und O Taiti (Nevermore). Thomson beobachtet ein Fortschreiten der Komplexität.^[128] Mathews stellt eine Rückkehr zur christlichen Symbolik fest, die ihn den Kolonisten der Zeit beliebt gemacht hätte und jetzt bestrebt war, das zu bewahren, was von der einheimischen Kultur übrig war, indem er die Universalität religiöser Prinzipien betonte. In diesen Gemälden sprach Gauguin ein Publikum unter seinen Mitkolonisten in Papeete an, nicht auf seine früheren Avantgarde Publikum in Paris.^[129][130]

Seine Gesundheit nahm eine entschiedene Wendung zum Schlechten und er wurde mehrmals für eine Vielzahl von Beschwerden ins Krankenhaus eingeliefert. Während er in Frankreich war, ließ er seinen Knöchel in einer betrunkenen Schlägerei auf einem Küstenbesuch zerschmettert Concarneau.^[131] Die Verletzung, eine offene Fraktur, nie richtig geheilt. Dann schmerzhafte und schwächende Wunden, die seine Bewegung beschränkten, begannen seine Beine auf und ab zu bremsen. Diese wurden mit Arsen behandelt. Gauguin beschuldigte das tropische Klima und beschrieb die Wunden als "Ekzem", aber seine Biographen sind sich einig, dass dies der Fortschritt der Syphilis gewesen sein muss.^[90][132][b]

Woher kommen wir? Was sind wir? Wohin gehen wir?, 1897, Öl auf Leinwand, 139 × 375 cm (55 × 148 Zoll), Boston Museum of Fine Arts, Boston, MA

Im April 1897 erhielt er die Nachricht, dass seine Lieblingstochter Aline an einer Lungenentzündung gestorben war. Dies war auch der Monat, in dem er erfuhr, dass er sein Haus räumen musste, weil sein Land verkauft worden war. Er nahm einen Bankdarlehen auf, um ein viel extravaganteres Holzhaus mit wunderschönem Blick auf die Berge und das Meer zu bauen. Aber er hat sich dabei überdurchtragte und sah sich bis Ende des Jahres der wirklichen Aussicht auf seine Bank aus, die ihn ausschloss.^[134] Die fehlgeschlagene Gesundheit und die dringenden Schulden brachten ihn an den Rand der Verzweiflung. Ende des Jahres absolvierte er sein Monumental Woher kommen wir? Was sind wir? Wohin gehen wir?, was er als sein Meisterwerk und sein endgültiges künstlerisches Testament betrachtete (in einem Brief an Monfreid erklärte er, dass er versuchte, sich selbst zu töten, nachdem er ihn beendet hatte).^{[135][136][137]} Das Gemälde wurde im November des folgenden Jahres in der Vollard -Galerie zusammen mit acht thematisch verwandten Gemälden ausgestellt, die er bis Juli abgeschlossen hatte.^[138] Dies war seine erste große Ausstellung in Paris seit seiner Durand-Ruel-Show im Jahr 1893 und es war ein entschlossener Erfolg, Kritiker lobten seine neue Gelassenheit. Woher kommen wir?Erhielt jedoch gemischte Bewertungen und Vollard hatte Schwierigkeiten, es zu verkaufen. Er verkaufte es schließlich 1901 für 2.500 Franken (ca. 10.000 US -Dollar im Jahr 2000 US -Dollar) an Gabriel Frizeau[FR]von denen Vollards Kommission vielleicht bis zu 500 Franken betrug.

Tahitianische Frau mit böser Geist, verfolgte Monotyp, 1899/1900,, Städel

Georges Chaudet, Gauguins Parishändler, starb im Herbst 1899. Vollard hatte Gauguins Gemälde über Chaudet gekauft und nun direkt mit Gauguin vereinbart.^[139][140] Die Vereinbarung lieferte Gauguin einen regelmäßigen monatlichen Fortschritt von 300 Franken gegen einen garantierten Kauf von mindestens 25 unsichtbaren Gemälden pro Jahr bei jeweils 200 Franken, und außerdem verpflichtete sich Vollard, ihm seine Kunstmaterialien zur Verfügung zu stellen. Auf beiden Seiten gab es einige anfängliche Probleme Marquesas -Inseln Auf der Suche nach einer noch primitiveren Gesellschaft. Er verbrachte seine letzten Monate in Tahiti, lebte bequem bequem, wie die Liberalität, mit der er zu dieser Zeit seine Freunde unterhielt.^{[141][142][143]}

Gauguin konnte seine Arbeiten in Keramik auf den Inseln nicht fortsetzen, aus dem einfachen Grund, dass geeigneter Ton nicht verfügbar war.^[144] In ähnlicher Weise ohne Zugang zu einer Druckmaschine (Le Sourire war hektographisch),^[145] Er musste sich an die wenden Monotyp Prozess in seiner grafischen Arbeit.^[146] Überlebende Beispiele für diese Drucke sind ziemlich selten und haben sehr hohe Preise im Saleroom.^[147]

Während dieser Zeit hielt Gauguin eine Beziehung zu Pahura (Pau'ura) einem Tai, der Tochter von Nachbarn in Puna'auia. Gauguin begann diese Beziehung, als Pau'ura vierzehneinhalb Jahre alt war.^[148] Er zeugte mit ihr zwei Kinder, von denen eine Tochter im Kindesalter starb. Der andere, ein Junge, sie hob sich. Seine Nachkommen bewohnten immer noch Tahiti zur Zeit der Biografie von Mathews. Pahura weigerte sich, Gauguin zu den Marquesas von ihrer Familie in Puna'auia zu begleiten (früher hatte sie ihn verlassen, als er in Papeete nur 10 Meilen entfernt Arbeit nahm).^[149] Wenn der englische Schriftsteller Willam Somerset Maugham Sie besuchte sie 1917, sie konnte ihm keine nützliche Erinnerung an Gauguin anbieten und tadelte ihn, weil er sie besucht hatte, ohne Geld aus Gauguins Familie zu bringen.^[150]

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  Oyez hui iesu (Christus am Kreuz), Reiben (Rückwärtsdruck) aus einem Holzzylinder von 1896, Museum für Bildende Künste, Boston

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  Nimmermehr (O taiti), 1897, Courtauld Gallery, London

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  Eva (der Albtraum), 1899–1900, Monotyp, J. Paul Getty Museum

Marquesas -Inseln

Türstürmer bei Maison du Jouir, 1901, Musee d'orsay

Rekonstruktion von Gauguins Haus Maison du Jouir (Haus des Vergnügens) in Atuona, Paul Gauguin Kulturzentrum

Gauguin hatte seinen Plan, sich in den Marquesas niederzulassen, seitdem in den ersten Monaten in Tahiti eine Sammlung von aufdringlich geschnitzten Marquesan -Schalen und Waffen in Papeete gesehen.^[151] Er fand jedoch eine Gesellschaft, die wie in Tahiti ihre kulturelle Identität verloren hatte. Von allen pazifischen Inselgruppen waren die Marquesas am stärksten von der Import westlicher Krankheiten (insbesondere von westlichen Krankheiten Tuberkulose).^[152] Eine Bevölkerung des 18. Jahrhunderts von rund 80.000 Einwohnern war auf nur 4.000 zurückgegangen.^[153] Die katholischen Missionare hielten in ihrer Bemühungen, Trunkenheit und Promiskuität zu kontrollieren, alle einheimischen Kinder dazu, Missionsschulen in ihre Teenager zu besuchen. Die französische Kolonialherrschaft wurde von a durchgesetzt Gendarmerie Bekannt für seine Bosheit und Dummheit, während Händler, sowohl westliche als auch chinesische, die Eingeborenen entsetzlich ausnutzten.^[154][155]

Gauguin ließ sich ein Atuona auf der Insel von HIVA-OA, Ankunft am 16. September 1901.^[c] Dies war die Verwaltungshauptstadt der Inselgruppe, aber erheblich weniger entwickelt als Papeete, obwohl es einen effizienten und regelmäßigen Dampferdienst zwischen beiden gab. Es gab einen Militärarzt, aber kein Krankenhaus. Der Arzt wurde im folgenden Februar nach Papeete verlegt, und danach musste sich Gauguin auf die beiden Gesundheitsarbeiter der Insel, den vietnamesischen Exil Nguyen van Cam (Ky Dong), verlassen, der sich auf der Insel niedergelassen hatte, aber keine formelle medizinische Ausbildung und den Protestant hatte Pastor Paul Vernier, der neben Theologie Medizin studiert hatte.^[156][157] Beide sollten enge Freunde werden.^[158]

Er kaufte ein Grundstück im Zentrum der Stadt von der katholischen Mission, nachdem er sich zum ersten Mal mit dem örtlichen Bischof eingefärbt hatte, indem er regelmäßig Messe besuchte. Dieser Bischof war Monseigneur Joseph Martin, der zunächst gut an Gauguin veranlasst war, weil er sich bewusst war, dass Gauguin in seinem Journalismus auf der Seite der katholischen Partei in Tahiti aufgetreten war.^[159]

Père Paillard (Pater Lechery), 1902, Nationale Kunstgalerie. Gauguins Lampoon von Bischof Martin.

Gauguin baute ein zweistöckiges Haus auf seinem Grundstück, das stabil genug war, um einen späteren Zyklon zu überleben, der die meisten anderen Wohnungen in der Stadt wegwaschen. Er wurde bei der Aufgabe von den beiden besten Marquesan -Carpenters auf der Insel geholfen, einer von ihnen nannte Tioka, die von Kopf bis Fuß auf traditionelle Marquesan -Art (eine Tradition der Missionare unterdrückt) tätowiert wurde. Tioka war Diakon in Verniers Gemeinde und wurde nach dem Zyklon Gauguins Nachbar, als Gauguin ihm eine Ecke seiner Verschwörung schenkte. Das Erdgeschoss war offen und zum Essen und Leben verwendet, während das oberste Stockwerk zum Schlafen und als Studio verwendet wurde. Die Tür in die oberste Etage war mit einem polychromen Holzgeschnitzten und einem Sturz und Pfosten geschmückt, die noch in Museen überleben. Der Sturz nannte das Haus als Maison du Jouir (d.h. Haus der Gelüste), während die Pfosten seinen früheren Holzschnitzern von 1889 wiederholten Soyez Amoureuses vous serez heureuses (d.h. Sei verliebt, du wirst glücklich sein). Die Wände wurden unter anderem mit seiner wertvollen Sammlung von fünfundvierzig pornografischen Fotos verziert, die er in Port gekauft hatte, sagte auf dem Weg aus Frankreich.^[160]

Zumindest in den frühen Tagen, bis Gauguin a fand VahineDas Haus zog abends anerkannte Menschenmassen von den Eingeborenen, die kamen, um die Bilder zu starren und die halbe Nacht zu feiern.^[161] Unnötig zu erwähnen, dass all dies Gauguin für den Bischof nicht beliebt war, immer noch weniger, als Gauguin zwei Skulpturen errichtete, die er am Fuß seiner Stufen platzierte, die den Bischof und einen Diener verspottete, der als die Geliebte des Bischofs angesehen wurde, war die Herrin des Bischofs, die Geliebte, die Herrin des Bischofs war, und der Herrin des Bischofs, und^[162] Und noch weniger, als Gauguin später das unpopuläre Missionsschulsystem angriff.^[163] Die Skulptur des Bischofs, Père Paillard, ist in der National Gallery of Art in Washington zu finden, während sein Anhängerstück Thérèse reflektierte einen Rekord von 30.965.000 USD für eine Gauguin -Skulptur bei einem Verkauf von Christie in New York 2015.^[164][165] Dies gehörten zu mindestens acht Skulpturen, die das Haus nach einem posthumen Inventar schmückten, von denen die meisten heute verloren gehen. Zusammen stellten sie einen sehr öffentlichen Angriff auf die Heuchelei der Kirche in sexuellen Angelegenheiten dar.^[166][167]

Die staatliche Finanzierung für die Missionsschulen hatte infolge der eingestellt 1901 Associations Bill im gesamten französischen Reich verkündet.^{[152][159][168]} Die Schulen setzten sich als private Institutionen mit Schwierigkeiten fort, aber diese Schwierigkeiten wurden noch verstärkt, als Gauguin feststellte, dass der Besuch in einer bestimmten Schule nur innerhalb eines Einzugsgebiets von zweieinhalb Meilen um Radius obligatorisch war. Dies führte dazu, dass zahlreiche Teenager -Töchter aus den Schulen zurückgezogen wurden (Gauguin nannte diesen Prozess als "Rettung"). Er nahm als Vahine Ein solches Mädchen, Vaeoho (auch Marie-Rose genannt), die vierzehnjährige Tochter eines einheimischen Paares, das in einem angrenzenden Tal sechs Meilen entfernt lebte.^[169] Dies kann kaum eine angenehme Aufgabe für sie gewesen sein, da die Wunden von Gauguin bis dahin äußerst schädlich waren und täglich Dressing benötigten.^[157] Trotzdem lebte sie bereitwillig mit ihm und im folgenden Jahr brachte eine gesunde Tochter zur Welt, deren Nachkommen weiterhin auf der Insel leben.^[170][171]

Le Sorcier d'Hiva OA (Marquesan -Mann in einem roten Umhang), 1902, Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain de Liège

Bis November hatte er sich in sein neues Zuhause mit Vaeoho, einem Koch (Kahui), zwei weiteren Dienern (Neffen von Tioka), seinem Hund Pegau (ein Stück in seinen Initialen Pg) und eine Katze. Das Haus selbst war, obwohl im Zentrum der Stadt, zwischen Bäumen untergebracht und von Sicht abgelegen. Die Party hörte auf und er begann eine Zeit produktiver Arbeit, die im folgenden April zwanzig Leinwände nach Vollard sandte.^[172] Er hatte gedacht, er würde neue Motive in den Marquesas finden und an Monfreid schreiben:^[173][174]

Ich glaube . Hier hat meine Fantasie angefangen zu kühlen, und dann ist auch die Öffentlichkeit so an Tahiti gewöhnt. Die Welt ist so dumm, dass, wenn man zeigt, dass sie neue und neue und abscheulich Elemente, Tahiti wird verständlich und charmant. Meine Brittany-Bilder sind jetzt Rosenwasser wegen Tahiti; Tahiti wird wegen der Marquesas Eau de Cologne.

-Paul Gauguin, Brief Lii an George Daniel de Monfreid, Juni 1901

Tatsächlich können seine Marquesas größtenteils nur von seiner Tahiti -Arbeit von Experten oder ihren Daten unterschieden werden.^[175] Gemälde wie Zwei Frauen bleiben an ihrem Standort ungewiss.^[176] Für Anna Szech unterscheidet sich ihre Ruhe und Melancholie, wenn auch Elemente der Unruhe. Somit in der zweiten von zwei Versionen von Cavaliers Sur La Plage (Fahrer am Strand)Das Sammeln von Wolken und schaumigen Breakern deuten auf einen bevorstehenden Sturm hin, während die beiden entfernten Figuren auf grauen Pferden ähnliche Figuren in anderen Gemälden widerspiegeln, die zum Symbolen des Todes genommen werden.^[173]

Gauguin entschied sich zu diesem Zeitpunkt, Landschaften, stilles Leben und Figurenstudien zu malen, mit Blick auf Vollards Kundschaft und vermeiden die primitiven und verlorenen Paradiessthemen seiner Tahiti -Gemälde.^[177] Es gibt jedoch ein bedeutendes Trio von Bildern aus dieser letzten Periode, die tiefere Bedenken hinweisen. Die ersten beiden davon sind Jeune Fille à l'Éventail (junges Mädchen mit Fan) und Le Sorcier d'Hiva OA (Marquesan -Mann in einem roten Umhang). Das Modell für Jeune Fille war der rothaarige Tohotaua, die Tochter eines Häuptlings auf einer benachbarten Insel. Das Porträt scheint aus einem Foto aufgenommen worden zu sein, das Vernier später an Vollard geschickt hat. Das Modell für Le Sorcier Vielleicht war Haapuani, ein versierter Tänzer sowie ein gefürchteter Zauberer, der ein enger Freund von Gauguin war und laut Danielsson mit Tohotau verheiratet war.^[178] Szech merkt an, dass die weiße Farbe von Tohotaus Kleid in der polynesischen Kultur ein Symbol für Macht und Tod ist, der Sitter macht Pflicht für a Maohi Kultur als Ganzes bedroht mit Aussterben.^[173] Le Sorcier scheint gleichzeitig hingerichtet worden zu sein und zeigt einen langhaarigen jungen Mann, der ein exotisches rotes Umhang trägt. Das androgyn Die Art des Bildes hat kritische Aufmerksamkeit erregt, was zu Spekulationen führt, dass Gauguin a Māhū (d. h. a Dritter Geschlecht Person) und nicht a Taua oder Priester.^{[175][179][180]} Das dritte Bild des Trios ist das mysteriöse und schöne Contiert Barbares (primitive Geschichten) Wieder mit Tohotau auf der rechten Seite. Die linke Figur ist Jacob Meyer de Haan, ein Malerfreund von Gauguin aus ihren Pont-Aven-Tagen, der einige Jahre zuvor gestorben war, während die mittlere Figur wieder androgyn ist und von einigen als Haapuani identifiziert wurde. Die Buddha-ähnliche Pose und die Lotusblüten deuten auf Elizabeth Childs hin, dass das Bild eine Meditation über den ewigen Lebenszyklus und die Möglichkeit der Wiedergeburt ist.^[177] Als diese Gemälde nach Gauguins plötzlichem Tod Vollard erreichten, ist nichts über Gauguins Absichten in ihrer Hinrichtung bekannt.^[181]

Selbstporträt, 1903, Kunstmuseum Basel

Im März 1902 der Gouverneur des französischen Polynesiens Édouard Petit[FR], angekommen in den Marquesas, um eine Inspektion durchzuführen. Er wurde von Édouard Charlier als Leiter des Justizsystems begleitet. Charlier war ein Amateurmaler, der von Gauguin angefreundet worden war, als er 1895 als Magistrat in Papeete ankam.^[182] Ihre Beziehung hatte sich jedoch in Feindschaft verwandelt, als Charlier sich weigerte, Gauguins damals zu verfolgen Vahine Pau'ura für eine Reihe von trivialen Straftaten, angeblich Hausbrecher und Diebstahl, hatte sie sich in Puna'auia verpflichtet, während Gauguin in Papeete arbeitete. Gauguin war so weit gegangen, einen offenen Brief zu veröffentlichen, der Charlier über die Affäre in angreift Les Guêpes.^{[183][184][185]} Petit, vermutlich angemessen gewarnt, weigerte sich, Gauguin zu sehen, um die Proteste der Siedler (Gauguin ihren Sprecher) über das heimgesuchte Steuersystem zu liefern, bei dem die meisten Einnahmen aus den in Papeete ausgegebenen Marquesas ausgewiesen wurden. Gauguin antwortete im April, indem er sich weigerte, seine Steuern zu zahlen und die Siedler, Händler und Pflanzgefäße zu ermutigen, ebenfalls zu tun.^[186]

Etwa zur gleichen Zeit verschlechterte sich Gauguins Gesundheit erneut, um durch die gleiche vertraute Konstellation der Symptome zu überdenken, die Schmerzen in den Beinen, Herzklopfen und allgemeine Schwäche beinhalteten. Die Schmerzen in seinem verletzten Knöchel wurden ununterbrochen und im Juli musste er a bestellen fangen aus Papeete, damit er durch die Stadt kommen konnte.^[156] Bis September war der Schmerz so extrem, dass er zurückgegriffen hatte Morphium Injektionen. Er war jedoch ausreichend besorgt über die Gewohnheit, die er entwickelte, um seine Spritze an einen Nachbarn zu übertragen, und verließ sich stattdessen auf Laudanum. Sein Anblick begann ihn auch zu scheitern, wie die Brillen, die er in seinem letzten bekannten Selbstporträt trägt, bestätigt wurde. Dies war eigentlich ein Porträt, das sein Freund Ky Dong begann, dass er sich selbst fertigstellte, und somit für seinen untypischen Stil ausmacht.^[187] Es zeigt einen Mann müde und gealtert, aber nicht vollständig besiegt.^[188] Für eine Weile überlegte er, nach Europa, nach Spanien zurückzukehren, um sich zu behandeln. Monfreid riet ihm:^[189][190]

Bei der Rückkehr riskieren Sie, diesen Inkubationsverfahren zu beschädigen, der in der Öffentlichkeit zu Ihnen stattfindet. Gegenwärtig sind Sie ein einzigartiger und legendärer Künstler, der uns aus den beunruhigenden und unnachahmlichen Werken aus der abgelegenen Südsee schickt, die die endgültigen Kreationen eines großen Mannes sind, der in gewisser Weise bereits aus dieser Welt gegangen ist. Ihre Feinde - und wie alle, die die Mittelmäßigkeit verärgern, haben Sie viele Feinde - schweigen; Aber sie wagen es nicht, dich anzugreifen, denken nicht einmal daran. Sie sind so weit weg. Sie sollten nicht zurückkehren ... Sie sind bereits so unangreifbar wie alle großen Toten. Sie gehören bereits zur Kunstgeschichte.

-George Daniel Monfreid, Brief an Paul Gauguin um Oktober 1902

Im Juli 1902 verließ Vaeoho in der damaligen Monate schwangere Gauguin, um nach Hause in ihr benachbartes Tal von Hekeani zurückzukehren, um ihr Baby unter Familie und Freunden zu bekommen. Sie brachte im September geboren, kehrte aber nicht zurück. Gauguin nahm anschließend keine andere Vahine. Zu dieser Zeit erreichte sein Streit mit Bischof Martin über Missionsschulen seinen Höhepunkt. Der örtliche Gendarme Désiré Charpillet, der zunächst freundlich zu Gauguin war, schrieb einen Bericht an den Administrator der Inselgruppe, der auf der Nachbarinselin wohnte Nuku Hiva, kritisieren Gauguin dafür, dass sie Einheimische ermutigt, ihre Kinder aus der Schule zurückzuziehen, sowie Siedler zu ermutigen, die Zahlung ihrer Steuern zurückzuhalten. Wie es das Glück wollte, war der Posten des Administrators kürzlich von François Picquenot gefüllt worden, einem alten Freund von Gauguin aus Tahiti und im Wesentlichen mit ihm sympathisch. Picquenot riet Charpillet, keine Maßnahmen gegen das Problem der Schulen zu ergreifen, da Gauguin das Gesetz auf seiner Seite hatte, aber Charpillet ermächtigt hatte, Waren von Gauguin anstelle der Zahlung von Steuern zu beschlagnahmen, wenn alles andere versagte.^[191] Möglicherweise von Einsamkeit und manchmal nicht in der Lage, malen, nahm Guguin das Schreiben.^[192][193]

L'Esprit Moderne et le Catholicisme Vorder- und Rückseite, 1902,, Saint Louis Art Museum

1901 das Manuskript von NOA NOA Dass Gauguin während seines Zwischenspiels in Frankreich zusammen mit Holzschnitten vorbereitet hatte La Plume Ausgabe (das Manuskript selbst ist jetzt im Louvre Museum eingelegt). Abschnitte davon (einschließlich seines Berichts über Teha'amana) wurden zuvor 1897 ohne Holzschnitte in veröffentlicht La Revue Blanche, während er selbst Auszüge veröffentlicht hatte Les Guêpes während er Herausgeber war. Das La Plume Die Ausgabe sollte seine Holzschnitte einbeziehen, aber er hielt die Erlaubnis zurück, sie auf glattes Papier zu drucken, wie es die Verleger gewünschte.^[194] In Wahrheit war er uninteressiert vom Unternehmen mit Morice und sah nie eine Kopie, was ein Angebot von einhundert kostenlosen Kopien ablehnte.^[195] Trotzdem inspirierte ihn seine Veröffentlichung, andere Bücher zu schreiben.^[196] Zu Beginn des Jahres (1902) hatte er ein altes Manuskript von 1896–97 überarbeitet. L'Esprit Moderne et le Catholicisme (Der moderne Geist und der Katholizismus), In der römisch -katholischen Kirche fügte etwa zwanzig Seiten mit Einsichten hinzu, die aus seinem Umgang mit Bischof Martin entnommen wurden. Er schickte diesen Text an Bischof Martin, der ihm antwortete, indem er ihm eine illustrierte Geschichte der Kirche schickte. Gauguin gab das Buch mit kritischen Bemerkungen zurück, die er später in seinen autobiografischen Erinnerungen veröffentlichte.^[197][198] Als nächstes bereitete er einen witzigen und gut dokumentierten Aufsatz vor, Racontars de Rapin (Geschichten eines Dabblers) über Kritiker und Kunstkritik, die er zur Veröffentlichung sandte André Fontainas, Kunstkritiker bei der Mercure de France deren günstige Überprüfung von Woher kommen wir? Was sind wir? Wohin gehen wir? hatte viel getan, um seinen Ruf wiederherzustellen. Fontainas antwortete jedoch, dass er es wagte, es nicht zu veröffentlichen. Es wurde später erst 1951 veröffentlicht.^{[196][199][200][201][202]}

Am 27. Mai dieses Jahres der Dampferservice, Croix du Sud, wurde von der Schiffbrüchung aus dem Apataki Atoll, und für einen Zeitraum von drei Monaten wurde die Insel ohne Post oder Vorräte übrig.^[203][204] Als der Postdienst wieder aufgenommen wurde, schrieb Gauguin in einem offenen Brief einen verärgerten Angriff auf Gouverneur Petit und beschwerte sich unter anderem über die Art und Weise, wie sie nach dem Schiffswrack verlassen worden waren. Der Brief wurde von veröffentlicht von L'Elpepéndant, die Nachfolgezeitung zu Les Guêpes, diesen November in Papeete. Petit war tatsächlich einer unabhängigen und nativen Politik zur Enttäuschung der römisch-katholischen Partei gefolgt, und die Zeitung bereitete ihn vor. Gauguin schickte den Brief auch an die Mercure de France, die nach seinem Tod eine redigierte Version davon veröffentlichte.^[199] Er folgte dem mit einem privaten Brief an den Kopf des Gendarmerie In Papeete beschwerte sich über die Exzesse seines eigenen lokalen Gendarme Charpillets, die Gefangene für ihn arbeiten. Danielsson merkt an, dass diese und ähnliche Beschwerden zwar begründet waren, die Motivation für sie alle verwundet war, Eitelkeit und einfache Feindseligkeit. Wie es geschah, wurde das relativ unterstützende Charpillet diesen Dezember durch einen anderen Gendarme, Jean-Paul Claverie, aus Tahiti, viel weniger gut an Gauguin und der ihn in seinen frühesten Mataea-Tagen für öffentliche Unnötigkeiten, die ihn baden, bestraft hatten Nackt in einem lokalen Strom nach Beschwerden der Missionare dort.^[205]

Seine Gesundheit verschlechterte sich im Dezember weiter, als er kaum malen konnte. Er begann eine autobiografische Memoiren, die er rief Avant et Après (vor und nach) (veröffentlicht in Übersetzung in den USA als Intime Zeitschriften), was er in den nächsten zwei Monaten absolvierte.^[63] Der Titel sollte seine Erfahrungen vor und nach der Kommen nach Tahiti und als Hommage an die unveröffentlichten Memoiren seiner eigenen Großmutter widerspiegeln Vergangenheit und Zukunft. Seine Memoiren erwiesen sich als fragmentierte Sammlung von Beobachtungen über das Leben in Polynesien, sein eigenes Leben und Kommentare zu Literatur und Gemälden. Er hat in IT -Angriff Gendarmerie, Bischof Martin, seine Frau Mette und die Dänen im Allgemeinen und abgeschlossen mit einer Beschreibung seiner persönlichen Philosophie, die das Leben als eine konzipierte existenziell Mühe, gegensätzliche Binärdateien in Einklang zu bringen.^[206][d] Mathews stellt zwei abschließende Bemerkungen als Destillation seiner Philosophie fest:

Niemand ist gut; Niemand ist böse; Jeder ist auf die gleiche Weise und auf unterschiedliche Weise. …
Es ist so klein, das Leben eines Mannes, und doch gibt es Zeit, großartige Dinge zu tun, Fragmente der gemeinsamen Aufgabe.

-Paul Gauguin, Intime Zeitschriften1903^[209]

Er schickte das Manuskript zur Bearbeitung nach Fontainas, aber die Rechte kehrten nach Gauguins Tod nach Mette zurück, und es wurde erst 1918 veröffentlicht (in einer Faksimile -Ausgabe); Die amerikanische Übersetzung erscheint 1921.^[210]

Tod

Oviri Figur auf Gauguins Grab in Atuona

Anfang 1903 tätigte Gauguin in einer Kampagne, um die Inkompetenz der Gendarmen der Insel, insbesondere Jean-Paul Claverie, aufzudecken, weil er die Seite der Eingeborenen direkt in einem Fall mit der angeblichen Trunkenheit einer Gruppe von ihnen einnahm.^[211] Claverie entkam jedoch der Zensur. Anfang Februar schrieb Gauguin an den Administrator François Picquenot und behauptete, eine Korruption von Claveries Untergebenen zu korrigieren. Picquenot untersuchte die Vorwürfe, konnte sie jedoch nicht belegen. Claverie antwortete, indem er eine Anklage gegen Gauguin wegen Verleumdung eines Gendarme einreichte. Anschließend wurde er mit einer Geldstrafe von 500 Franken belegt und am 27. März 1903 durch den örtlichen Richter zu drei Monaten Haft verurteilt. Gauguin reichte sofort in Papeete einen Berufungsverfahren ein und machte sich daran, die Mittel zu sammeln, um nach Papeete zu reisen, um seine Berufung zu hören.^[212]

Zu dieser Zeit war Gauguin sehr schwach und hat große Schmerzen und griff erneut zur Verwendung von Morphin zurück. Er starb plötzlich am Morgen des 8. Mai 1903.^{[213][214][e]}

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  Cavaliers Sur la Plage [ii] (Fahrer am Strand), 1902, Privatsammlung

• 

  Landschaft mit einem Schwein und einem Pferd (HIVA OA), 1903, Ateneum, Helsinki

• 

  Stillleben mit exotischen Vögeln, 1902, Puschkin -Museum

• 

  Jeune Fille à l'Éventail (junges Mädchen mit einem Fan), 1902, Museum Folkwang

• 

  Contiert Barbares (primitive Geschichten), 1902, Museum Folkwang

Zuvor hatte er seinen Pastor, Paul Vernier, geschickt und sich über Ohnmächtigungen beschwert. Sie hatten sich zusammen unterhalten, und Vernier war gegangen und hatte ihn in einem stabilen Zustand glaubten. Gauguins Nachbar Tioka fand ihn jedoch um 11 Uhr tot und bestätigte die Tatsache auf dem traditionellen Marquesan -Weg, indem er seinen Kopf kaute, um ihn wiederzubeleben. An seinem Bett war eine leere Flasche von Laudanum, was zu Spekulationen geführt hat, dass er Opfer einer Überdosis war.^[215][216] Vernier glaubte, er sei an einem Herzinfarkt gestorben.^[217]

Gauguins Grab, Atuona

Gauguin wurde im Katholiken beigesetzt Calvary Cemetery (Cimetière Calvaire), Atuona, Hiva 'OA, um 14 Uhr der nächste Tag. 1973 eine Bronze -Besetzung von ihm Oviri Die Figur wurde auf sein Grab gelegt, wie er angedeutet hatte, war sein Wunsch.^[218] Ironischerweise ist sein nächster Nachbar auf dem Friedhof Bischof Martin, sein Grab, der von einem großen weißen Kreuz überragt wird. Vernier schrieb einen Bericht über Gauguins letzte Tage und Bestattung, die in O'Briens Ausgabe von Gauguins Briefen an Monfreid reproduziert wurde.^[219]

Das Wort von Gauguins Tod erreichte Frankreich (nach Monfreid) erst am 23. August 1903. In Abwesenheit eines Willen stellt fest, dass diese schnelle Verbreitung seiner Auswirkungen zum Verlust vieler wertvoller Informationen über seine späteren Jahre führte. Thomson merkt an, dass die Auktionsinventarin seiner Auswirkungen (von denen einige als Pornografie verbrannt wurden) ein Leben enthüllte, das nicht so verarmt oder primitiv war, wie er es gerne aufrechterhielt.^[220] Mette Gauguin erhielt zu gegebener Zeit den Erlös der Auktion, rund 4.000 Franken.^[221] Eines der in Papeete versteigerten Gemälde war Mütterité II, eine kleinere Version von Mütterlich i im Eremitage Museum. Das Original wurde zu der Zeit sein damals gemalt Vahine, Pau'ura in Puna'auia brachte ihren Sohn Emile zur Welt. Es ist nicht bekannt, warum er die kleinere Kopie gemalt hat. Es wurde für 150 Franken an einen französischen Marineoffizier, Commandant Cochin, verkauft, der sagte, Gouverneur Petit selbst habe bis zu 135 Franken für das Gemälde geboten. Es wurde 2004 bei Sotheby's für 39.208.000 US -Dollar verkauft.^[222]

Mütterité II, 1899, Privatsammlung, verkauft auf Auktion in Papeete, 1903

Das Paul Gauguin Kulturzentrum in Atuona hat eine Rekonstruktion der Maison du Jouir. Das ursprüngliche Haus stand für ein paar Jahre leer, die Tür mit dem geschnitzten Sturz von Gauguin. Dies wurde schließlich geborgen, vier der fünf Stücke im Musée d'Orsay und der fünfte im der Paul Gauguin Museum in Tahiti.^[223]

Im Jahr 2014 stellte die forensische Untersuchung von vier Zähnen in einem Glas in einem Brunnen in der Nähe von Gauguins Haus die konventionelle Überzeugung in Frage, dass Gauguin unter Syphilis gelitten hatte. Die DNA -Untersuchung ergab, dass die Zähne mit ziemlicher Sicherheit Gauguin's waren, es wurden jedoch keine Spuren von dem Quecksilber gefunden, das zur Behandlung von Syphilis verwendet wurde, was darauf hindeutet, dass Gauguin nicht an Syphilis litt oder dass er nicht dafür behandelt wurde.^[224][225] Im Jahr 2007 vier faul Molaren, die vielleicht Gauguin gewesen sein, wurden von Archäologen am Fuße eines Brunnens gefunden, das er auf der Insel Hiva OA auf den Marquese -Inseln errichtete.^[226]

Kinder

Gauguin überlebte drei seiner Kinder; Seine Lieblingstochter Aline starb an einer Lungenentzündung, sein Sohn Clovis starb nach einer Hüftoperation an einer Blutinfektion.^[227] und eine Tochter, deren Geburt in Gauguins Gemälde von 1896 dargestellt wurde Te tamari no atuaDas Kind von Gauguins junger tahitianischer Herrin Pau'ura starb nur wenige Tage nach ihrer Geburt am Weihnachtstag 1896.^[228] Sein Sohn, Émile Gauguin, arbeitete als Bauingenieur in den USA und ist auf dem Historischen Friedhof von Lemon Bay in Florida beigesetzt. Ein anderer Sohn, Jean René, wurde ein bekannter Bildhauer und ein überzeugter Sozialist. Er starb am 21. April 1961 in Kopenhagen. Pola (Paul Rollon) wurde Künstler und Kunstkritiker und schrieb eine Memoiren. Mein Vater Paul Gauguin (1937). Gauguin hatte mehrere andere Kinder von seinen Geliebten: Germaine (geb. 1891) mit Juliette Huais (1866–1955); Émile marae a tai (geboren 1899) mit Pau'ura; und eine Tochter (geb. 1902) mit Vaeoho (Marie-Rose). Es gibt einige Spekulationen darüber, dass der belgische Künstler Germaine Chardon Gauguins Tochter war. Emile Marae a Tai, die von Pau'ura in Tahiti Analphabeten und aufgewachsen war, wurde 1963 vom französischen Journalisten Josette Giraud nach Chicago gebracht und war eigenständig. Seine Nachkommen lebten immer noch ab 2001 in Tahiti.^[227][229]

Historische Bedeutung

Primitivismus war eine Kunstbewegung der Gemälde und Skulptur des späten 19. Jahrhunderts, die durch übertriebene Körperproportionen, Tiertotems, geometrische Designs und starke Kontraste gekennzeichnet war. Der erste Künstler, der diese Effekte systematisch nutzte und einen breiten öffentlichen Erfolg erzielte, war Paul Gauguin.^[230] Die europäische Kulturelite entdeckt die Kunst Afrikas, Mikronesien und Amerikanische Ureinwohner Zum ersten Mal waren fasziniert, fasziniert und ausgebildet von Neuheit, Wildheit und der starken Kraft, die in der Kunst dieser weit entfernten Orte verkörpert wurde. Wie Pablo Picasso In den frühen Tagen des 20. Jahrhunderts wurde Gauguin durch die rohe Kraft und Einfachheit der sogenannten Inspiration inspiriert und motiviert Primitive Kunst dieser fremden Kulturen.^[231]

Gauguin wird auch als als als angesehen Postimpressionist Maler. Seine mutigen, farbenfrohen und Design -orientierten Gemälde wurden erheblich beeinflusst Moderne Kunst. Künstler und Bewegungen im frühen 20. Jahrhundert, inspiriert von ihm Vincent van Gogh, Henri Matisse, Pablo Picasso, Braque Georges, André Derain, Fauvismus, Kubismus, und Orphismus, unter anderen. Später beeinflusste er Arthur Frank Mathews und der Amerikaner Kunsthandwerksbewegung.

John Rewald, anerkannt als wichtigste Autorität für Kunst des späten 19. Jahrhunderts, schrieb eine Reihe von Büchern über die Zeit nach der Impressionistin, einschließlich Post-Impressionismus: Von Van Gogh nach Gauguin (1956) und ein Aufsatz, Paul Gauguin: Briefe an Ambroise Vollard und André Fontainas (In Rewald's enthalten Studien zur Postimpressionismus1986) diskutiert Gauguins Jahre in Tahiti und die Kämpfe seines Überlebens, wie durch Korrespondenz mit dem Kunsthändler Vollard und anderen gesehen.^[232]

Einfluss auf Picasso

Paul Gauguin, 1893–1895, Dékoratif Carré Avec Dieux Tahitiens, Terre Cuite, Reheuts Peints, 34 cm, Musee d'orsay, Paris

Gauguins posthumige retrospektive Ausstellungen an der Salon d'Agremne in Paris 1903 und im Jahr 1906 einen noch größeren Einfluss auf die Franzosen hatte einen atemberaubenden und starken Einfluss Avantgarde und besonders Pablo PicassoGemälde. Im Herbst 1906 machte Picasso Gemälde von übergroßen nackten Frauen und monumental Primitive Kunst. Picassos Gemälde von massiven Figuren aus dem Jahr 1906 wurden direkt von Gauguins Skulptur, Malerei und seinem Schreiben beeinflusst. Die von Gauguins Arbeit hervorgerufene Kraft führte direkt zu Les Demoiselles d'Avignon im Jahr 1907.^[233]

Nach Angaben von Gauguin Biograf,, David Sweetman, Picasso wurde bereits 1902 ein Fan von Gauguins Arbeit, als er sich mit dem spanischen Bildhauer und Keramisten befreundete Paco Durrio, in Paris. Durrio hatte einige von Gauguins Werken zur Hand, weil er ein Freund von Gauguins und unbezahlter Agent seiner Arbeit war. Durrio versuchte, seinem von Armut betroffenen Freund in Tahiti zu helfen, indem er sein Oeuvre in Paris förderte. Nachdem sie sich kennengelernt hatten, stellte Durrio Picasso Gauguins Steinzeug vor, half Picasso, ein paar Keramikstücke zu machen, und gab Picasso eine erste La Plume Ausgabe von NOA NOA: Das Tahiti -Journal von Paul Gauguin.^[234] Picasso sah nicht nur Gauguins Arbeit bei Durrios Ambroise VollardDie Galerie, in der er und Gauguin vertreten waren.

In Bezug auf Gauguins Auswirkungen auf Picasso, John Richardson schrieb:

Die Ausstellung von Gauguins Arbeit von 1906 ließ Picasso mehr denn je im Thrall dieses Künstlers. Gauguin zeigte die unterschiedlichsten Kunstarten - nicht von Elementen aus Metaphysik, Ethnologie, Symbolik, Bibel, klassischen Mythen und viel anderes - könnte zu einer Synthese kombiniert werden, die von seiner Zeit und zeitlos war. Ein Künstler konnte auch konventionelle Begriffe der Schönheit verwirren, wie er seine Dämonen den dunklen Göttern (nicht unbedingt tahitianische) nutzte und eine neue Quelle göttlicher Energie klopfte. Wenn Picasso in späteren Jahren seine Schulden gegenüber Gauguin niedergeschlagen hat, war es kein Zweifel, dass er zwischen 1905 und 1907 eine sehr enge Verwandtschaft mit diesem anderen Paulus verspürte, der sich auf spanische Gene stolperte, die von seiner peruanischen Großmutter geerbt wurden. Hatte Picasso nicht "Paul" zu Ehren von Gauguin unterschrieben.^[235]

Sowohl David Sweetman als auch John Richardson zeigen auf die Gauguin -Skulptur Oviri (buchstäblich 'wild'), die grausame phallische Figur der tahitianischen Göttin von Leben und Tod, die für Gauguins Grab vorgesehen war, die in der retrospektiven Ausstellung von 1906 ausgestellt wurde, zu der noch direkter führte Les Demoiselles. Sweetman schreibt "Gauguins Statue Oviri, Was 1906 prominent gezeigt wurde, war es, Picassos Interesse an Skulptur und Keramik zu stürzen, während die Holzschnitte sein Interesse an der Druckherstellung verstärken würden würde nehmen. Dieses Interesse würde im Samen gipfeln Les Demoiselles d'Avignon. "^[236]

Laut Richardson,

Picassos Interesse an Steingut wurde durch die Beispiele, die er bei der Retrospektive von 1906 in der 1906 -Retrospektion sah, weiter stimuliert Salon d'Agremne. Die beunruhigendste dieser Keramik (eine, die Picasso bei Vollard bereits gesehen hat) war der grausame Oviri. Bis 1987, wenn die Musee d'orsay erwarb dieses wenig bekannte Werk (nur einmal seit 1906 ausgestellt) es wurde nie als das Meisterwerk anerkannt, geschweige denn für seine Relevanz für die Werke, die zum Vorgang führten Demoisellen. Obwohl knapp 30 Zoll hoch, Oviri hat eine großartige Präsenz, wie es sich einem Denkmal für das Grab von Gauguin gehört. Picasso war sehr beeindruckt von Oviri. 50 Jahre später freute er sich, als [Douglas] Cooper und ich ihm sagten, dass wir in einer Sammlung auf diese Skulptur gestoßen waren, die auch den ursprünglichen Gips seines kubistischen Kopfes enthielt. War es eine Offenbarung, wie Iberianer Skulptur? Picassos Zuckungen war widerwillig positiv. Er war immer abgeneigt, Gauguins Rolle zuzugeben, ihn auf den Weg zum Primitivismus zu setzen.^[237]

Technik und Stil

Ta Matete, 1892, Kunstmuseum Basel

Gauguins anfängliche künstlerische Anleitung stammte von Pissarro, aber die Beziehung hinterließ eher persönlich als stilistisch. Gauguins Meister waren Giotto, Raphael, Ingres, Eugène Delacroix, Manet, Degas und Cézanne.^{[238][66][72][239][240]} Seine eigenen Überzeugungen und in einigen Fällen die Psychologie hinter seiner Arbeit wurden auch vom Philosoph beeinflusst Arthur Schopenhauer und Dichter Stéphane Mallarmé.^[241][240]

Gauguin verwendete, wie einige seiner Zeitgenossen wie Degas und Toulouse-Lautrec Pinture à l'essenz. Dafür das Öl (Bindemittel) wird aus der Farbe entwässert und der verbleibende Pigmentschlamm wird mit Terpentin gemischt. Möglicherweise hat er eine ähnliche Technik bei der Vorbereitung seiner Monotypen mit Papier anstelle von Metall verwendet, da sie Öl aufnehmen würde, was den endgültigen Bildern ein mattes Aussehen gewünscht hat.^[242] Er bewertete auch einige seiner vorhandenen Zeichnungen mit Hilfe von Glas und kopierte ein unteres Bild mit Aquarell oder Gouache zum Drucken auf die Glasoberfläche. Gauguin Holzschnitte waren nicht weniger innovativ, selbst für die Avantgarde-Künstler, die für die zu dieser Zeit stattfindende Wiederbelebung des Holzschnitts verantwortlich waren. Anstatt seine Blöcke mit der Absicht zu erteilen, eine detaillierte Illustration zu erstellen, meißelte Gauguin seine Blöcke zunächst in ähnlicher Weise wie die Holzskulptur, gefolgt von feineren Werkzeugen, um Details und Tonalität in seinen kühnen Konturen zu erstellen. Viele seiner Werkzeuge und Techniken wurden als experimentell angesehen. Diese Methodik und Nutzung des Weltraums lief parallel zu seinem Gemälde von flachen, dekorativen Reliefs.^[243]

Parahi te Maras, 1892, Meyer de Schausee Sammlung

Gauguin begann in Martinique zu verwenden Analoge Farben in unmittelbarer Nähe, um einen gedämpften Effekt zu erzielen.^[244] Kurz darauf führte er auch seine Durchbrüche in nicht repräsentativen Farben und schuf Leinwände, die eine eigene unabhängige Existenz und Vitalität hatten.^[245] Diese Lücke zwischen Oberflächenrealität und sich selbst missbraucht Pissarro und führte schnell zum Ende ihrer Beziehung.^[246] Seine menschlichen Figuren zu dieser Zeit erinnern auch eine Erinnerung an seine Liebesbeziehung mit japanischen Drucken, insbesondere an die Naivität ihrer Figuren und die kompositorische Sparmaßnahmen als Einfluss auf sein primitives Manifest.^[244] Aus diesem Grund wurde Gauguin auch von inspiriert von Volkskunst. Er suchte eine bloße emotionale Reinheit seiner Themen auf einfache Weise aus und betonte wichtige Formen und aufrechte Linien, um Form und Kontur klar zu definieren.^[247] Gauguin verwendete auch eine ausgefeilte formale Dekoration und Färbung in Abstraktionsmustern und versuchte, Menschen und Natur zu harmonisieren.^[248] Seine Darstellungen der Eingeborenen in ihrer natürlichen Umgebung zeigen sich häufig der Gelassenheit und einer in sich geschlossenen Nachhaltigkeit.^[249] Dies ergänzte eines von Gauguins Lieblingsthemen, das das Eindringen des übernatürlich in das tägliche Leben, in einem Fall so weit, sich zu erinnern Antike Ägypter Grabreliefs mit Sie heißt Vairaumati und Ta Matete.^[250]

In einem Interview mit L'Écho de Paris Gauguin, der am 15. März 1895 veröffentlicht wurde, erklärt, dass sein sich entwickelnder taktischer Ansatz greift Synästhesie.^[251] Er erklärt:

Jedes Merkmal in meinen Gemälden wird sorgfältig berücksichtigt und im Voraus berechnet. Genau wie in einer musikalischen Komposition, wenn Sie möchten. Mein einfaches Objekt, das ich aus dem täglichen Leben oder aus der Natur nehme, ist lediglich ein Vorwand, was mir durch die Mittel einer bestimmten Anordnung von Linien und Farben hilft, Symphonien und Harmonien zu erzeugen. Sie haben in Wirklichkeit im vulgären Sinne dieses Wortes überhaupt keine Kollegen; Sie verleihen einer Idee keinen direkten Ausdruck, ihr einziger Zweck ist es, die Vorstellungskraft zu stimulieren - genau wie die Musik ohne die Hilfe von Ideen oder Bildern - einfach durch diese mysteriöse Affinität, die zwischen bestimmten Arrangements von Farben und Linien und unseren Köpfen besteht.^[252]

In einem Brief von 1888 an Schefenecker erklärt Gauguin den enormen Schritt, den er dem Impressionismus entfernen und nun beabsichtigt, die Seele der Natur, die alten Wahrheiten und den Charakter ihrer Landschaft und Bewohner einzufangen. Gauguin schrieb:

Kopieren Sie die Natur nicht zu wörtlich. Kunst ist eine Abstraktion. Leiten Sie es aus der Natur ab, während Sie in der Gegenwart der Natur träumen, und denken Sie mehr über den Akt der Schöpfung als über das Ergebnis nach.^[253]

Andere Medien

LEDA (Design für eine China -Platte), 1889, Zincograph auf gelbem Papier mit Aquarell und Gouache, Metropolitan Museum of Art

Aha oe feii, 1894, Aquarell -Monotyp mit Stift und rot und schwarzer Tinte, Kunstinstitut von Chicago

Gauguin begann 1889 Drucke zu machen, hervorgehoben von einer Reihe von Zincographien in Auftrag gegeben von Theo van Gogh als die bekannt als die Volpini Suite, die auch in der Cafe des Arts Show von 1889 erschien. Gauguin wurde nicht durch seine Druckerklärung behindert und traf eine Reihe provokativer und unorthodoxer Entscheidungen, wie z. B. eine Zinkplatte anstelle von Kalkstein (Lithografie), breite Ränder und große Laken aus gelbem Posterpapier.^[254][255] Das Ergebnis war so lebendig bis zum grellen Punkt, aber seine aufwändigeren Experimente mit Farbdruck und Absicht, monochromatische Bilder zu erhöhen. Seine ersten Meister des Druckens waren von der NOA NOA Suite von 1893–94, wo er einer von mehreren Künstlern war, die die Technik des Holzschnitt, um es in die moderne Ära zu bringen. Kurz nach seiner Rückkehr aus Tahiti startete er die Serie, um eine Führungsposition innerhalb der Avantgarde zurückzugewinnen und Bilder auf der Grundlage seines französischen Polynesienausflugs zu teilen. Diese Holzschnitte wurden in seiner erfolglosen Show von 1893 bei Paul Durand-Ruel von 1893 gezeigt, und die meisten standen direkt mit Gemälden von ihm zusammen, in denen er die ursprüngliche Komposition überarbeitet hatte. Sie wurden 1894 in einer kleinen Show in seinem Studio erneut gezeigt, wo er seltenes kritisches Lob für seine außergewöhnlichen malerischen und skulpturalen Wirkungen sammelte. Gauguins aufkommende Präferenz für den Holzschnitt war nicht nur eine natürliche Erweiterung seines Holzes Erleichterungen und Skulptur, mag aber auch durch ihre historische Bedeutung für mittelalterliche Handwerker und die Japaner provoziert worden sein.^[256]

Das Universum wird geschaffen (L'ULUR EST CRéé), aus der NOA NOA Suite, 1893–94,, Kunstmuseum der Princeton University

Wohnsitzwechsel, 1899, Holzschnitt, private Sammlung

Maruru (Dankbarkeitsangebote), 1894, Holzschnittblatt, Kunstgalerie der Yale University

Gauguin begann zu machen Aquarell Monotypen Im Jahr 1894 überlappten er seine wahrscheinlich seine NOA NOA Holzschnitte, die vielleicht sogar als Inspirationsquelle für sie dienen. Seine Techniken blieben innovativ und es war eine passende Technik für ihn, da es keine ausführliche Ausrüstung wie eine Druckmaschine erforderte. Obwohl seine monotypische Innovation oft eine Praxisquelle für verwandte Gemälde, Skulpturen oder Holzschnitte ist, bietet sie eine deutlich ätherische Ästhetik. Geistere Nachbilder, die seinen Wunsch zum Ausdruck bringen können, die unemoniellen Wahrheiten der Natur zu vermitteln. Sein nächstes großes Holzschnitt- und Monotyp -Projekt war erst 1898–99, bekannt als die als die Vollard Suite. Er absolvierte diese unternehmungslustige Reihe von 475 Drucken aus etwa zwanzig verschiedenen Kompositionen und schickte sie an den Händler Ambroise VollardTrotz dessen nicht Kompromisse bei seiner Bitte um verkaufsfähige, übernommene Arbeiten. Vollard war unzufrieden und bemühte sich nicht, sie zu verkaufen. Die Serie von Gauguin ist mit der Schwarz -Weiß -Ästhetik stark vereinheitlicht und kann beabsichtigt haben, dass die Drucke einem Satz von ähnlich sind Myriorama -Karten, in dem sie in beliebiger Reihenfolge ausgelegt werden können, um mehrere Panorama -Landschaften zu schaffen.^[257] Diese Aktivität der Anordnung und Neuanordnung war ähnlich wie bei seinem eigenen Prozess, seine Bilder und Motive umzusetzen, sowie a Symbolismus Tendenz.^[258] Er druckte die Arbeiten über das japanische papier von Gewebedünnern und die mehrfachen Beweise von Grau und Schwarz könnten übereinander angeordnet werden, wobei jede Transparenz der Farbe durch die Herstellung eines reichhaltigen. Chiaroscuro Wirkung.^[259]

1899 begann er sein radikales Experiment: Ölübertragungszeichnungen. Ähnlich wie seine Aquarell -Monotypen -Technik war es eine Mischung aus Zeichnen und Druckgrafik. Die Transfers waren der große Höhepunkt seiner Suche nach einer Ästhetik des ursprünglichen Vorschlags, der in seinen Ergebnissen, die alte Rubbings, getragene Freszos und Höhlenmalereien ertragen, weitergeleitet zu werden scheint. Der technische Fortschritt von Gauguin von der Monotypisierung zu den Öltransfers ist ziemlich auffällig und steigt von kleinen Skizzen zu ehrgeizig großen, hochgefertigten Blättern. Mit diesen Transfers erstellte er Tiefe und Textur, indem er mehrere Schichten auf demselben Blatt gedruckt hat, beginnend mit Graphitstift und schwarzer Tinte zur Abgrenzung, bevor er sich zu Blue Crayon bewegen, um die Linie zu verstärken und Schattierungen hinzuzufügen. Er vervollständigte das Bild oft mit einer Wäsche aus geölten Oliven oder braunen Tinte. Die Praxis konsumierte Gauguin bis zu seinem Tod und beförderte seine Fantasie und Konzeption neuer Themen und Themen für seine Gemälde. Diese Sammlung wurde auch an Vollard gesendet, der unbeeindruckt blieb. Gauguin schätzte Öl über die Art und Weise, wie sie die Qualität der gezogenen Linie veränderten. Sein Prozess, fast alchemischer Natur, hatte Zufallselemente, durch die regelmäßig unerwartete Markierungen und Texturen entstanden sind, was ihn faszinierte. Bei der Metamorphose einer Zeichnung in einen Druck traf Guguin eine kalkulierte Entscheidung, Lesbarkeit aufzugeben, um Geheimnisse und Abstraktion zu erlangen.^[260][261]

Er arbeitete während seiner gesamten Karriere in Holz, insbesondere während seiner produktivsten Perioden, und ist dafür bekannt, dass er vor dem Mal die radikalen Schnitzergebnisse erzielt hat. Selbst in seinen frühesten Shows nahm Gauguin oft Holzskulpturen in sein Display auf, aus dem er seinen Ruf als Kenner des sogenannten Primitiven aufbaute. Einige seiner frühen Schnitzereien scheinen von beeinflusst zu werden von gotisch und Ägyptische Kunst.^[262] In Korrespondenz behauptet er auch eine Leidenschaft für Kambodschanische Kunst und die meisterhafte Färbung von Persischer Teppich und Orientaler Teppich.^[263]

Erbe

Paul Gauguin, Nafea FAA IPOIPO (wann wirst du heiraten?), 1892, im Jahr 2014 für einen Rekord von 210 Millionen US -Dollar verkauft.

Die Mode für Gauguins Arbeit begann kurz nach seinem Tod. Viele seiner späteren Gemälde wurden vom russischen Sammler erworben Sergei Shchukin.^[264] Ein wesentlicher Teil seiner Sammlung wird in der gezeigt Puschkin -Museum und die Einsiedelei. Gauguin -Gemälde werden selten zum Verkauf angeboten, wobei ihre Preise zig Millionen US -Dollar im Saleroom bei der angebotenen Anbietung erreicht werden. Sein 1892 Nafea FAA IPOIPO (wann wirst du heiraten?) wurde Das dritthäufigste Kunstwerk der Welt Wenn sein Besitzer, die Familie von Rudolf Staechelin, verkaufte es im September 2014 privat für 210 Millionen US -Dollar. Der Käufer wird als der angenommen Katar Museen.^[265]

• Gauguins Leben inspiriert W. Somerset Maugham'S Roman Der Mond und Sixpence. Mario Vargas Llosa stützte seinen Roman von 2003 Der Weg zum Paradies auf Gauguins Leben und das seiner Großmutter Flora Tristan.
• Schauspieler Anthony Quinn Darstellung von Gauguin im Van Gogh Biopic von 1956 Lebenslust und gewann die Academy Award für den besten Nebendarsteller für seine Leistung. Oscar Isaac spielte Gauguin im späteren Van Gogh -Biopic Am Ewigkeitstor. Wladimir Yordanoff spielte Gauguin im Film 1990 Vincent & Theo.
• Gauguin ist auch Gegenstand von mindestens zwei Opern: Federico Elizalde's Paul Gauguin (1943); und Gauguin (ein synthetisches Leben) von Michael Smetanin und Alison Croggon. Déodat de Séverac schrieb seine Elegie für Klavier in Erinnerung an Gauguin.
• Der dänisch produzierte Film Oviri (1986) ist ein biografischer Film. Mit Gauguin von dargestellt von Donald SutherlandDer Film folgt dem Maler von der Zeit, als er 1893 nach einem zweijährigen Aufenthalt in Tahiti nach Paris zurückkehrt, und muss seiner Frau, seinen Kindern und seinem ehemaligen Liebhaber konfrontieren. Es endet, wenn er zwei Jahre später nach Tahiti zurückkehrt. Zufälligerweise Sutherlands Sohn Kiefer Sutherland porträtierte ein jüngeres Gauguin in einem weniger fokussierten und viel weniger historisch genauen Film Paradies gefunden (2003). Mehrere andere unabhängige Filme haben verschiedene Aspekte von Gauguins ereignisreichem Leben untersucht.
• Seine Biographie ist im französischen Film 2017 dargestellt Gauguin: Reise nach Tahiti Sein Leben in seinen Jahren in Tahiti darstellen.

Das japanische Gauguin -Museum gegenüber den botanischen Gärten von Papari in Papari, Tahiti, enthält einige Exponate, Dokumente, Fotografien, Reproduktionen und Original -Skizzen und Blockabdrücke von Gauguin und Tahitianern. Im Jahr 2003 die Paul Gauguin Kulturzentrum eröffnet in Atuona in der Marquesas -Inseln.

2014 das Gemälde Früchte auf einem Tisch (1889) mit einem geschätzten Wert zwischen 10 Mio. € und 30 Mio. € (8,3 Mio. GBP bis 24,8 Mio. GBP), das 1970 in London gestohlen worden war, wurde in Italien entdeckt. Das Gemälde zusammen mit einer Arbeit von Pierre Bonnard, war 1975 von einem Fiat -Mitarbeiter bei einem Eisenbahnverkauf für 45.000 Lira (ca. 32 GBP) gekauft worden.^[266]

Galerie

Eine umfassende Liste von Gemälden von Gauguin finden Sie unter Liste der Gemälde von Paul Gauguin.

• 

  Stillleben mit Obst und Zitronen (c. 1880)

• 

  Der Schweinehermer, Brittany (1888)

• 

  Les Alyscamps (1888)

• 

  Sicht nach der Predigt (Jacob ringt mit dem Engel) (1888)

• 

  Nachtcafé bei Arles (Mme Ginoux) (1888)

• 

  Stillleben mit japanischen Holzschnitt (1889)

• 

  Tahitianische Frauen am Strand (1891)

• 

  Entzückendes Land (te Nave Nave Fenua) (1892)

• 

  Arii Matamoe (Das königliche Ende) (1892)

• 

  Der Mond und die Erde (Hina tefatou) (1893)

• 

  Wassermühle in Pont-Aven (1894)

• 

  Das Mittagsnickerchen (1894)

• 

  Mutterschaft (1899)

• 

  Zwei tahitianische Frauen (1899)

• 

  Zwei Frauen (1901 oder 1902)

Selbstporträts:

• 

  Selbstporträt, 1875–1877, Fogg Museum, Cambridge, Massachusetts

• 

  Selbstporträt, 1885, Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas

• 

  Selbstporträt, 1888, Van Gogh Museum, Amsterdam

• 

  Selbstporträt mit Halo und Schlange, 1889, Nationale Kunstgalerie, Washington, D.C

• 

  Christus im Garten der Oliven (Gauguins Selbstporträt) 1889, Norton Museum of Art

• 

  Krug in Form eines Kopfes, Selbstporträts, 1889. Kunstindustimuseet, Kopenhagen

• 

  Selbstporträt, 1889–1890, Musee d'orsay, Paris

• 

  Selbstporträt, 1893, Musee d'orsay

• 

  Selbstporträt, c. 1893, Detroit Institute of Arts

• 

  Selbstporträt, 1896, São Paulo Museum of Art

• 

  Selbstporträt (für meinen Freund Daniel), 1896, Musee d'orsay

Siehe auch

• Frederick Delius (Kunde und Freund)
• Paul Gauguins Ausstellung in Les xx, 1889

Anmerkungen

Referenzen und Quellen

Verweise

Quellen

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• Stuckey, Charles F. (1988). "Die ersten tahitianischen Jahre". Die Kunst von Paul Gauguin. mit Peter Zegern. Nationale Kunstgalerie. pp.210–95. ISBN 0-8212-1723-2. Lccn 88-81005.
• Sweetman, David (1995). Paul Gauguin: Ein Leben. New York City: Simon & Schuster. ISBN0-684-80941-9.
• Szech, Anna (15. Februar 2015). "Marquesas 1901–1903". In Bouvier, Raphaël; Schwander, Martin (Hrsg.). Paul Gauguin. Fondation Beyeler (Hatje Cantz). S. 148–9. ISBN 978-3-7757-3959-7.
• Thomson, Belinda (1987). Gauguin. London: Themse und Hudson. p.215. ISBN 0-500-20220-6.
• Walther, Ingo F. (2000). Gauguin. Taschen. p. 95. ISBN 978-3-8228-5986-5.

Weitere Lektüre

• Danielsson, Bengt (1965). Gauguin in der Südsee. Garden City, New York: Doubleday.
• Morice, Charles (1901). NOA NOA: Das Tahiti -Journal von Paul Gauguin, Paris: H. Floury.
• Gauguin, Paul (Brooks, Van Wyck, Übersetzer; 1997). Gauguins intime Zeitschriften. Vorwort von Emil Gauguin, New York, Crown Publishers, 1936.
• Pichon, Yann Le; Übersetzt von I. Mark Paris (1987). Gauguin: Leben, Kunst, Inspiration. New York: Harry n Abrams. ISBN978-0-8109-0993-9.
• Rewald, John (1956; überarbeitet 1978). Geschichte des Postimpressionismus: Von Van Gogh bis Gauguin, London: Secker & Warburg.
• Rewald, John. (1946) Geschichte des Impressionismus.

Externe Links

• Paul Gauguin Bei der Museum für moderne Kunst
• Gauguin Es ist nicht nur Genie oder Monster, NY Times Ausstellung Review
• Gauguin -Gemälde, Skulpturen und grafische Werke am Art Institute of Chicago
• Werke von Paul Gauguin bei Projekt Gutenberg
• Arbeiten von oder über Paul Gauguin bei Internetarchiv
• Gauguins Katzen in der Kunst
• Die private Sammlung von Edgar Degas, vollständig digitalisierter Text aus dem Metropolitan Museum of Art Libraries (siehe Essay: Degas und Gauguin S. 221–234)
• Paul Gauguin in amerikanischen öffentlichen Sammlungen auf der französischen Skulpturen -Volkszählung -Website
• Gauguins intime Zeitschriften, 1936 - auf Archiv
• Gauguin - ein gefährliches Leben - Dokumentarfilm ausgestrahlt von BBC Four Im Dezember 2019
• www.gauguin.org