Malerei

Das Mona Lisa (1503–1517) von Leonardo da Vinci ist eines der bekanntesten Gemälde der Welt.
Eine künstlerische Darstellung einer Gruppe von Nashörner wurde in der gemacht Chauvet -Höhle 30.000 bis 32.000 Jahre.

Malerei ist die Praxis der Bewerbung Farbe, Pigment, Farbe oder ein anderes Medium zu einer festen Oberfläche (als "Matrix" oder "Unterstützung" bezeichnet).[1] Das Medium wird üblicherweise mit a auf die Basis angewendet Bürste, aber andere Geräte wie Messer, Schwämme und Airbrushes, kann verwendet werden.

Im Kunst, der Begriff Malerei beschreibt sowohl das Gesetz als auch das Ergebnis der Aktion (das endgültige Werk wird als "Gemälde" bezeichnet). Die Unterstützung für Gemälde umfasst Oberflächen wie Wände, Papier, Leinwand, Holz, Glas, Lack, Keramik, Blatt, Kupfer und Betonund das Gemälde kann mehrere andere Materialien enthalten, einschließlich Sand, Ton, Papier, Gips, Gold Blattund sogar ganze Objekte.

Malerei ist eine wichtige Form in der bildende KunstElemente wie z. Zeichnung, Komposition, Geste (wie in Gestikmalerei), Erzählung (wie in Erzählkunst), und Abstraktion (wie in abstrakte Kunst).[2] Gemälde können naturalistisch und repräsentativ sein (wie in Stillleben und Landschaftsmalerei), fotografisch, Zusammenfassung, Erzählung, symbolistisch (wie in Symbolistische Kunst), emotional (wie in Expressionismus) oder politisch in der Natur (wie in Artivismus).

Ein Teil der Geschichte der Malerei Sowohl im östlichen als auch in der westlichen Kunst werden von dominiert von Religiöse Kunst. Beispiele für diese Art von Malerei reichen von Kunstwerken, die dargestellt werden mythologisch Zahlen auf Töpferwaren, zu Biblisch Szenen auf der Sixtinische Kapelle Decke, zu Szenen aus dem Leben von Buddha (oder andere Bilder von Östlicher religiöser Herkunft).

Geschichte

Prähistorisch Höhlengemälde von Aurochs (Französisch: Bos primigenius primigenius)), Lascaux, Frankreich
Das älteste bekannte figurative Gemälde ist eine Darstellung eines Bullen, der in der entdeckt wurde Lubang Jeriji Saléh einstürzen Indonesien. Es wurde vor 40.000 - 52.000 Jahren oder früher gemalt.

Die ältesten bekannten Gemälde sind ungefähr 40.000 Jahre alt, gefunden in beiden Franco-Cantabrian Region in Westeuropa und in der Höhlen im Bezirk von Maros (Sulawesi, Indonesien). Im November 2018 berichteten Wissenschaftler jedoch die Entdeckung des damals ältesten bekannten figurativen Kunstgemälde, über 40.000 (vielleicht so alt wie 52.000 Jahre) eines unbekannten Tieres in der Höhle von Lubang Jeriji Saléh auf der Indonesische Insel von Borneo (Kalimantan).[3][4] Im Dezember 2019 figurativen Höhlenmalereien, die Schweinsjagd in der darstellen Maros-Pangkep Karst in Sulawesi wurden schätzungsweise mindestens 43.900 Jahre älter. Es wurde festgestellt, dass der Befund „die älteste bildliche Aufzeichnung des Geschichtenerzählens und das früheste figurative Kunstwerk der Welt“ ist.[5][6] In jüngerer Zeit wurde im Jahr 2021 die Höhlenkunst eines Schweins auf einer indonesischen Insel gemeldet, die auf über 45.500 Jahre datiert wurden.[7][8] Der früheste Beweis für den Mal der Malerei wurde jedoch in zwei Felsenschütteln in entdeckt Arnhem Land, in Nordaustralien. In der niedrigsten Materialschicht an diesen Stellen gibt es verwendete Ocker -Stücke, die auf 60.000 Jahre alt sind. Archäologen haben auch ein Fragment des Felsmalerei gefunden, das in a aufbewahrt wurde Kalkstein-Rock-Shelter in dem Kimberley Region im Nordwesten Australiens, das 40.000 Jahre alt ist.[9] Es gibt Beispiele von Höhlenmalereien überall auf der Welt - in Indonesien, Frankreich, Spanien, Portugal, Italien, China,Indien, Australien, Mexiko,[10] usw. in westlichen Kulturen, Ölgemälde und Aquarell Die Malerei hat reichhaltige und komplexe Traditionen in Stil und Themen. Im Osten, Tinte und Farbinte dominiert historisch die Wahl der Medien mit ebenso reichen und komplexen Traditionen.

Die Erfindung der Fotografie hatte einen großen Einfluss auf das Malerei. In den Jahrzehnten nach dem ersten Foto wurde 1829 produziert, fotografisch Die Prozesse verbesserten sich und wurden weiter praktiziert und beraubten die Gemälde eines Großteils seines historischen Zwecks, eine genaue Aufzeichnung der beobachtbaren Welt zu erzielen. Eine Reihe von Kunstbewegungen im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert Impressionismus, Post-Impressionismus, Fauvismus, Expressionismus, Kubismus, und Dadaismus—Schulierte die Renaissance Sicht der Welt. Ost- und afrikanische Gemälde setzte jedoch eine lange Geschichte von fort Stilisierung und erlebte keine äquivalente Transformation gleichzeitig.

Modern und Zeitgenössische Kunst hat sich vom historischen Wert von Handwerk und Dokumentation zugunsten von von dem historischen Wert von Handwerk und Dokumentation entfernt Konzept. Dies hat die Mehrheit der lebenden Maler nicht davon abgehalten, weiterhin als Ganzes oder Teil ihrer Arbeit zu malen. Die Vitalität und Vielseitigkeit des Malerei im 21. Jahrhundert trotzt den vorherigen "Erklärungen" seines Todes. In einer Epoche, die durch die Idee von gekennzeichnet ist PluralismusEs gibt keinen Konsens über einen repräsentativen Stil des Zeitalters. Künstler machen weiterhin wichtige Kunstwerke in einer Vielzahl von Stilen und Ästhetik Temperamente- Ihre Verdienste werden der Öffentlichkeit und dem Marktplatz überlassen, um zu beurteilen.

Elemente des Malerei

Chen Hongshou (1598–1652), Blattalbum Gemälde (Ming-Dynastie)
Shows a pointillist painting of a trombone soloist.
Georges Seurat, Zirkus Nebenzahl (Französisch: Parade de cirque) (1887–88)

Farbe und Ton

Farbe, besteht aus Farbton, Sättigung, und Wert, über eine Oberfläche verteilt ist die Essenz des Malerei, genauso wie Tonhöhe und Rhythmus sind die Essenz von Musik. Farbe ist sehr subjektiv, hat jedoch beobachtbare psychologische Wirkungen, obwohl diese von einer Kultur zur nächsten unterschiedlich sein können. Schwarz ist mit Trauer im Westen verbunden, aber im Osten ist weiß. Einige Maler, Theoretiker, Schriftsteller und Wissenschaftler, einschließlich Goethe,[11] Kandinsky,[12] und Newton,[13] habe ihre eigenen geschrieben Farben Lehre.

Darüber hinaus ist die Verwendung von Sprache nur eine Abstraktion für ein Farbäquivalent. Das Wort "rot"Zum Beispiel kann eine Vielzahl von Variationen vom reinen Rot der von der Abdeckung abdecken sichtbares Spektrum Licht. Es gibt kein formalisiertes Register verschiedener Farben in der Art und Weise, wie es zu verschiedenen Notizen in der Musik zustimmt, wie z. F oder C♯. Für einen Maler ist die Farbe nicht einfach in grundlegende (primäre) und abgeleitete (komplementäre oder gemischte) Farben (wie Rot, Blau, Grün, Braun usw.) unterteilt.

Maler umgehen praktisch mit Pigmente,[14] Also "blau"Für einen Maler kann der Blues sein: Phthalocyaninblau, Preußischblau, Indigo, Kobaltblau, ultramarin, usw. Psychologische und symbolische Bedeutungen der Farbe sind streng genommen nicht das Malen. Farben tragen nur zum potenziellen, abgeleiteten Kontext von Bedeutungen bei, und aus diesem Grund ist die Wahrnehmung eines Gemäldes sehr subjektiv. Die Analogie mit Musik ist ziemlich klar - musikalisch (wie eine C -Note) ist analog zu "Licht" in Malerei, "Shades" to Dynamikund "Färbung" ist das Malen als spezifisch zu malen Timbre von Musikinstrumenten ist Musik. Diese Elemente bilden nicht unbedingt eine Melodie (in Musik) von sich selbst; Sie können vielmehr verschiedene Kontexte hinzufügen.

Nicht-traditionelle Elemente

Moderne Künstler haben die Praxis erweitert, erheblich zu malen, um als Beispiel ein Beispiel einzubeziehen. Collage, was begann mit Kubismus und malt nicht im strengen Sinne. Einige moderne Maler enthalten verschiedene Materialien wie Metall, Kunststoff, Sand, Zement, Stroh, Laub oder Holz für ihre Textur. Beispiele hierfür sind die Werke von Jean Dubuffet und Anselm Kiefer. Es gibt eine wachsende Gemeinschaft von Künstlern, die Computer mit Computern verwenden, um mit Programmen wie z. Adobe Photoshop, Corel Maler, und viele andere. Diese Bilder können bei Bedarf auf herkömmliche Leinwand gedruckt werden.

Rhythmus

Jean Metzinger, La Danse (Bacchante) (c.1906), Öl auf Leinwand, 73 x 54 cm, Kröller-Müller Museum

Jean Metzinger's mosaikartig Divisionist Die Technik hatte seine Parallele in der Literatur; ein Merkmal des Bündnisses zwischen Symbolist Schriftsteller und neo-impressionistische Künstler:

Ich bitte von geteiltem Pinsel, nicht die objektive Darstellung des Lichts, sondern die Schillern und bestimmte Aspekte der Farbe, die immer noch fremd dem Malerei fremd sind. Ich mache eine Art chromatischer Verbreitung und für Silben, verwende ich Schlaganfälle, die in der Größe variabel in der Dimension nicht unterschiedlich sein können, ohne den Rhythmus einer bildlichen Ausdrucksformation zu ändern, die dazu bestimmt ist, die von Natur aus erregten verschiedenen Emotionen zu übersetzen. (Jean Metzinger, ca. 1907)[15]

Piet Mondrian, Zusammensetzung En Rouge, Jaune, Bleu et Noir (1921), GemeEntemuseum Den Haag

Rhythmusfür Künstler wie Piet Mondrian,[16][17] ist wichtig für das Malen wie in der Musik. Wenn man Rhythmus als "in eine Sequenz einbezogene Pause integriert" definiert, kann es in Gemälden Rhythmus geben. Diese Pausen ermöglichen es kreativer Kraft, einzugreifen und neue Kreationen hinzuzufügen - Form, Melodie, Färbung. Die Verteilung der Form oder jegliche Art von Informationen ist im gegebenen Kunstwerk von entscheidender Bedeutung und wirkt sich direkt auf den ästhetischen Wert dieses Werkes aus. Dies liegt daran, dass der ästhetische Wert funktionellabhängig ist, d. H. Die Freiheit (der Bewegung) der Wahrnehmung wird als Schönheit wahrgenommen. Freier Energiefluss, sowohl in der Kunst als auch in anderen Formen von "Technik", trägt direkt zum ästhetischen Wert bei.[16]

Musik war für die Geburt von wichtig abstrakte Kunst Da Musik von Natur aus abstrakt ist - sie versucht nicht, die Außenwelt darzustellen, sondern drückt die inneren Gefühle der Seele unmittelbar aus. Wassily Kandinsky oft benutzte musikalische Begriffe, um seine Werke zu identifizieren; Er nannte seine spontansten Gemälde "Improvisationen" und beschrieb aufwändigere Werke als "Kompositionen". Kandinsky theoretisierte, dass "Musik der ultimative Lehrer ist"[18] und anschließend die ersten sieben seiner zehn begonnen Kompositionen. Töne und Akkorde hörten, als er malte, Kandinsky theoretisierte, dass (zum Beispiel) gelb die Farbe der Mitte ist C auf einer Messing -Trompete; Schwarz ist die Farbe des Verschlusses und das Ende der Dinge; und dass Farbenkombinationen Schwingungsfrequenzen erzeugen, ähnlich wie Akkorde auf einem Klavier. 1871 lernte der junge Kandinsky, Klavier und Cello zu spielen.[19][20] Kandinskys Bühnendesign für eine Leistung von Mussorgsky's Bilder auf einer Ausstellung Illustriert sein "Synästhetik" -Konzept einer universellen Korrespondenz von Formen, Farben und musikalischen Klängen.[21]

Musik definiert einen Großteil modernistischer abstrakter Malerei. Jackson Pollock unterstreicht dieses Interesse an seinem Gemälde von 1950 Herbstrhythmus (Nummer 30).[22]

Ästhetik und Theorie

Weiblicher Maler sitzt auf einem Campstool und malt eine Statue von Dionysos oder Priapus auf ein Panel, das von einem Jungen gehalten wird. Fresko von Pompeji, 1. Jahrhundert
A relief against a wall shows a bearded man reaching up with his hands as his clothes are draped over his body.
Nino Pisano, Apelles oder die Kunst des Malerei im Detail (1334–1336); Erleichterung der Giottos Glockenturm in Florenz, Italien

Ästhetik ist das Studium von Kunst und Schönheit; Es war ein wichtiges Thema für Philosophen des 18. und 19. Jahrhunderts, wie z. Kant und Hegel. Klassische Philosophen mögen Plato und Aristoteles Auch über Kunst und Malerei theoretisiert. Platon ignorierte Maler (sowie Bildhauer) in seinem philosophischen System; Er behauptete, das Gemälde könne das nicht darstellen Wahrheit- Es ist eine Kopie der Realität (ein Schatten der Ideenwelt) und nichts anderes als ein Bootähnlich wie Schuhmacherei oder Eisenguss.[23] Zum Zeitpunkt von Leonardo war die Malerei zu einer engeren Darstellung der Wahrheit geworden, als die Malerei in der Male war Altes Griechenland. Leonardo da Vinciim Gegenteil, sagte das "Italienisch: La Pittura è cosa mentale" ("Englisch: painting is a thing of the mind").[24] Kant zwischen Schönheit und die Sublimieren, in Begriffen, die dem ersteren eindeutig Priorität gaben. Obwohl er sich nicht insbesondere auf das Malerei bezieht, wurde dieses Konzept von Malern wie aufgenommen, z. B. J.M.W. Turner und Caspar David Friedrich.

Hegel erkannte das Versagen, ein universelles Konzept der Schönheit zu erlangen, und schrieb in seinem ästhetischen Aufsatz, dass die Malerei eine der drei "romantischen" Kunst zusammen mit ist Poesie und Musikfür seine symbolisch, hoch intellektueller Zweck.[25][26] Maler, die theoretische Werke zum Malerei geschrieben haben Kandinsky und Paul Klee.[27][28] In seinem Aufsatz behauptet Kandinsky, dass das Gemälde einen spirituellen Wert hat, und er hält sich an Grundfarben zu essentiellen Gefühlen oder Konzepten, etwas, das Goethe Und andere Autoren hatten bereits versucht zu tun.

Ikonographie ist das Studium des Inhalts von Gemälden und nicht ihres Stils. Erwin Panofsky und andere Kunsthistoriker Versuchen Sie zunächst, die dargestellten Dinge zu verstehen, bevor sie sich zu dieser Zeit auf seine Bedeutung für den Betrachter betrachten und schließlich ihre breitere kulturelle, religiöse und soziale Bedeutung analysieren.[29]

1890 der Pariser Maler Maurice Denis berühmt behauptete: "Denken Sie daran, dass ein Gemälde - bevor er ein Kriegspferd, eine nackte Frau oder eine oder andere Geschichte ist - im Wesentlichen eine flache Oberfläche ist, die mit Farben bedeckt ist, die in einer bestimmten Reihenfolge versammelt sind."[30] So sind viele Entwicklungen des 20. Jahrhunderts in der Malerei, wie z. Kubismuswaren Reflexionen über die meint von Malerei und nicht in der Außenwelt -Natur- was zuvor sein Kernthema gewesen war. Jüngste Beiträge zum Nachdenken über das Malerei wurden vom Maler und Schriftsteller Julian Bell angeboten. In seinem Buch Was ist Malerei?, Bell diskutiert die Entwicklung durch Geschichte der Vorstellung, dass Gemälde Gefühle und Ideen ausdrücken können.[31] Im Spiegel der Welt, Bell schreibt:

A Arbeit der Kunst versucht, Ihre Aufmerksamkeit auf sich zu nehmen und sie festzuhalten: a Geschichte der Kunst drängt es weiter und beendet eine Autobahn durch die Häuser der Fantasie.[32]

Malenmedien

Verschiedene Arten von Farbe werden normalerweise durch das Medium identifiziert, in das das Pigment suspendiert oder eingebettet ist, was die allgemeinen Arbeitseigenschaften der Farbe bestimmt, wie z. Viskosität, Mischbarkeit, Löslichkeit, Trocknungszeit usw.

Heißes Wachs oder Enkaustikum

Encaustic Icon von Saint Catherine's Kloster, Ägypten (6. Jahrhundert)

Enkaustische MalereiAuch als Hot Wachs -Malerei bezeichnet, beinhaltet die Verwendung von Erhitzung Bienenwachs zu welcher farbigen Pigmente hinzugefügt werden. Die Flüssigkeit/Paste wird dann auf eine Oberfläche aufgetragen - üblich vorbereitet Holz Leinwand und andere Materialien werden oft verwendet. Die einfachste Enkaustikmischung kann aus dem Hinzufügen von Pigmenten zu Bienenwachs hergestellt werden, aber es gibt mehrere andere Rezepte, die verwendet werden können - einige enthalten andere Arten von Arten Wachse, Damar Harz, Leinsamenöloder andere Zutaten. Reinige Pigmente, pulverisierte Pigmente können gekauft und verwendet werden, obwohl einige Gemische Ölfarben oder andere Pigmentformen verwenden. Metallwerkzeuge und spezielle Pinsel können verwendet werden, um die Farbe zu formen, bevor sie abkühlt, oder erhitzte Metallwerkzeuge können verwendet werden, um das Wachs zu manipulieren, sobald es auf die Oberfläche abgekühlt ist. Andere Materialien können eingeschlossen werden oder collagiert in die Oberfläche oder geschichtet, unter Verwendung des Encaustic -Mediums, um es an die Oberfläche zu kleben.

Die Technik war die normale für alte griechische und römische Panel -Gemälde und blieb in der östlichen Orthodoxen verwendet Symbol Tradition.

Aquarell

John Martin, Manfred auf dem Jungfrau (1837), Aquarellkolor

Aquarell ist eine Malmethode, bei der die Farben aus Pigmenten bestehen, die in einem wasserlöslichen Fahrzeug aufgehängt sind. Die traditionelle und häufigste Unterstützung für Aquarellmalereien ist Papier; Andere Unterstützung sind Papyrus, Rindenpapiere, Kunststoff, Pergament oder Leder, Stoff, Holz und Leinwand. In Ostasien wird Aquarellmalerei mit Tinten als als bezeichnet als Pinselmalerei oder Scrollmalerei. Im Chinesisch, Koreanisch, und Japanisches Gemälde Es war das dominierende Medium, oft in monochromem Schwarz oder Braun. Indien, Äthiopien und andere Länder haben auch lange Traditionen. Fingermalen mit Aquarellfarben, die aus China stammen. Es gibt verschiedene Arten von Aquarellen, die von Künstlern verwendet werden. Einige Beispiele sind Pfanne Aquarelle, flüssige Aquarelle, Aquarellbürstenstifte und Aquarellstifte. Aquarellstifte (wasserlösliche Farbstifte) können entweder nass oder trocken verwendet werden.

Gouache

Gouache ist eine Farbe auf Wasserbasis, die aus Pigment und anderen Materialien besteht, die für eine undurchsichtige Malmethode verwendet werden sollen. Gouache unterscheidet sich von Aquarell Da die Partikel größer sind, ist das Verhältnis von Pigment zu Wasser viel höher und ein zusätzliches, ineres weißes Pigment wie Kreide ist auch vorhanden. Dies macht Gouache schwerer und undurchsichtiger, mit größeren reflektierenden Eigenschaften. Wie alle WaterMedia ist es mit Wasser verdünnt.[33]

Tinte

Sesshū Tōyō, Landschaften der vier Jahreszeiten (1486), Tinte und helle Farbe auf Papier

Tintengemälde werden mit einer Flüssigkeit durchgeführt, die Pigmente enthält oder Farbstoffe und wird verwendet, um eine Oberfläche zu färben, um ein Bild zu erzeugen, Text, oder Entwurf. Tinte wird zum Zeichnen mit a verwendet Stift, Bürste, oder Feder. Tinte kann ein komplexes Medium sein, das aus besteht aus Lösungsmittel, Pigmente, Farbstoffe, Harze, Schmiermittel, Solubilizer, Tenside, Partikel, Fluorescerund andere Materialien. Die Komponenten von Tinten dienen vielen Zwecken; Der Träger, die Farbmittel und andere Additive steuern den Fluss und die Dicke der Tinte und ihr Aussehen beim Trocknen.

Emaille

Jean de Court (zugeschrieben), gemalt Limoges Emaille Gericht im Detail (Mitte des 16. Jahrhunderts), Waddesdon Vermächtnis, Britisches Museum

Emaille werden hergestellt, indem ein Substrat, typischerweise Metall mit pulverisiertem Glas, gemalt wird; Mineralien, die als Farboxide bezeichnet werden, sorgen für Färbung. Nach einer Temperatur von 750–850 Grad Celsius (1380–1560 Grad Fahrenheit) ist das Ergebnis eine fusionierte Lamination aus Glas und Metall. Im Gegensatz zu den meisten bemalten Techniken kann die Oberfläche gehandhabt werden und es wurde traditionell für die Dekoration kostbarer Objekte verwendet.[34] wurden aber auch für andere Zwecke verwendet. Limoges Emaille war das führende Zentrum des Renaissance -Emaille -Malmals mit kleinen religiösen und mythologischen Szenen in dekorierten Umgebung, auf Plaques oder Objekten wie Salze oder Schatullen. Im 18. Jahrhundert genoss das Email -Gemälde eine Mode in Europa, insbesondere als Medium für Porträtminiaturen.[35] Im späten 20. Jahrhundert wurde die Technik des Porzellan -Emaille auf Metall als haltbares Medium für Wandgemälde im Freien verwendet.[36]

Tempera

TemperaAuch als Eiertempera bekannt, ist ein dauerhaftes, schnell trocknendes Malmedium, das aus farbigem Pigment besteht, gemischt mit einem wasserlöslichen Bindemittel Medium (normalerweise ein Klebstoff wie Eigelb oder andere Größe). Tempera bezieht sich auch auf die Bilder in diesem Medium. Tempera-Gemälde sind sehr langlebig, und es gibt immer noch Beispiele aus den ersten Jahrhunderten. Eiertempera war eine Hauptmethode des Malerei bis nach 1500, als es durch die Erfindung von ersetzt wurde Ölgemälde. Eine Farbe, die allgemein als Tempera bezeichnet wird (obwohl es nicht ist), bestehend aus Pigment und Klebstoffgröße, wird häufig von einigen Herstellern in Amerika als verwendet und bezeichnet Plakatfarbe.

Fresko

Weißer Engel (Fresko), Mileševa -Kloster, Serbien

Fresko ist eine von mehreren verwandten Wandgemälde Maltypen, erledigt auf Gips an Wänden oder Decken. Das Wort Fresko kommt von der Italienisch Wort Affresco [afˈfresːko], was sich aus dem lateinischen Wort für einleiten frisch. Während der Renaissance und anderen frühen Zeiträumen wurden häufig Fresken hergestellt.Buon fresco Die Technik besteht aus Malmalerei im Pigment, gemischt mit Wasser auf einer dünnen Schicht Nass, frisch Kalkmörtel oder Gips, für das das italienische Wort für Gips, Intonaco, wird genutzt. Eine Secco Das Malerei dagegen wird auf trockenem Gips durchgeführt (Secco ist auf Italienisch "trocken"). Die Pigmente erfordern ein Bindungsmedium, wie z. Ei (Tempera), Kleber oder Öl das Pigment an der Wand befestigen.

Öl

Honoré Daumier, Der Maler (1808–1879), Öl auf der Platte mit sichtbaren Bürstenstrichen

Ölgemälde ist der Prozess des Malens mit Pigmente die mit einem Medium von gebunden sind Öltrocknendöl, wie zum Beispiel Leinsamenöl, das im frühen Neuzeit Europas weit verbreitet war. Oft wurde das Öl mit einem Harz wie Kiefernharz oder sogar gekocht Weihrauch; Diese wurden als "Lack" bezeichnet und für ihren Körper und Glanz geschätzt. Die Ölfarbe wurde schließlich zum Hauptmedium, das für die Schaffung von Kunstwerken verwendet wurde, da seine Vorteile weithin bekannt wurden. Der Übergang begann mit Frühes niederländisches Gemälde in Nordeuropa und auf dem Höhepunkt der Renaissance Ölmalerei -Techniken hatten fast vollständig ersetzt Tempera Farben in den meisten Europa.

Pastell

Maurice Quentin de la Tour, Porträt von Louis XV von Frankreich (1748), Pastell

Pastell ist ein Malmedium in Form eines Stocks, das aus reinem Pulverpigment und einem Bindemittel besteht.[37] Die in Pastellen verwendeten Pigmente sind die gleichen wie die, die alle farbigen Kunstmedien produzieren, einschließlich Ölfarben; Der Bindemittel hat einen neutralen Farbton und niedrig Sättigung. Der Farbeffekt von Pastellfarben ist näher an den natürlichen trockenen Pigmenten als der eines anderen Prozesses.[38] Da die Oberfläche eines Pastellmalerei zerbrechlich und leicht verschmiert ist, erfordert ihre Konservierung Schutzmaßnahmen wie das Rahmen unter Glas; Es kann auch mit einem besprüht werden Fixativ. Bei dauerhaftem Pigmenten und ordnungsgemäß gepflegtes Pastellmalerei kann ein Pastellmalerei über Jahrhunderte unverändert bleiben. Pastellfarben sind nicht anfällig, ebenso wie Gemälde mit einem Flüssigkeitsmedium, zu dem Riss und Verfärbungen, die sich aus Änderungen der Farbe, der Deckkraft oder der Abmessungen des Mediums ergeben, während es trocknet.

Acryl

Ray Burggraf, Dschungelbogen (1998), Acrylfarbe auf Holz

Acrylfarbe ist schnell trocknend Farbe mit Pigmentsuspension in Acryl- Polymer Emulsion. Acrylfarben können mit Wasser verdünnt werden, aber beim Trocken wasserresistent werden. Je nachdem, wie viel die Farbe verdünnt (mit Wasser) oder mit Acrylgelen, Medien oder Pasten modifiziert ist, kann das fertige Acrylmalerei einem ähnlich sein Aquarell oder an Ölgemäldeoder haben seine eigenen Merkmale, die mit anderen Medien nicht erreichbar sind. Der Hauptunterschied zwischen den meisten Acryl- und Ölfarben ist die inhärente Trocknungszeit. Öle ermöglichen mehr Zeit, um Farben zu mischen und sogar Glasuren über Unterbrechungen aufzutragen. Dieser langsamen Trocknungsaspekt von Öl kann für bestimmte Techniken als Vorteil angesehen werden, kann aber auch die Fähigkeit des Künstlers, schnell zu arbeiten, behindern.

Sprühfarbe

Aerosolfarbe (Auch Sprühfarbe genannt) ist eine Art Farbe, die in einem versiegelten Druckbehälter erhält Ventil Taste. Eine Form von Sprühmalerei, Aerosol Malen Sie eine glatte, gleichmäßig beschichtete Oberfläche. Dosen in Standardgröße sind tragbar, kostengünstig und einfach zu speichern. Aerosol Grundierung Kann direkt auf bloßes Metall und viele Kunststoffe aufgetragen werden.

Geschwindigkeit, Portabilität und Beständigkeit machen auch Aerosolfarbe zu häufig Graffiti Mittel. In den späten 1970er Jahren wurden die Signaturen und Wandbilder von Straßengraffiti -Schriftstellern aufwändiger und ein einzigartiger Stil entwickelte sich als Faktor des Aerosolmediums und der Geschwindigkeit, die für illegale Arbeiten erforderlich war. Viele erkennen jetzt Graffiti und Street Art als einzigartige Kunstform und für den Graffiti -Künstler werden speziell hergestellte Aerosolfarben hergestellt. EIN Schablone schützt eine Oberfläche, mit Ausnahme der spezifischen Form. Schablonen können als bewegliche Buchstaben gekauft werden, die als professionell gekürzt bestellt werden Logos oder handgeschnitten von Künstlern.

Wasserfarbe mit Wasser mischbarer Öl

Wasser mischbarer Ölfarben (Auch "wasserlöslich" oder "wassermischbar" genannt) ist eine moderne Vielfalt von Ölgemälde entwickelt, um verdünnt und mit Wasser aufgeräumt zu werden, anstatt Chemikalien verwenden zu müssen, z. Terpentin. Es kann unter Verwendung der gleichen Techniken wie herkömmlicher Farbe auf Ölbasis gemischt und angewendet werden, aber obwohl es noch nass ist, kann es effektiv aus Bürsten, Paletten und Lappen mit gewöhnlicher Seife und Wasser entfernt werden. Seine Wasserlöslichkeit beruht auf der Verwendung eines Öl Medium, in dem ein Ende der Molekül wurde verändert, um lose an Wassermoleküle zu binden, wie in a Lösung.

Digitale Zeichnung

Das digitale Malerei ist eine Methode zum Erstellen eines Kunstobjekts (Malerei) digital oder eine Technik zur Herstellung digitaler Kunst auf dem Computer. Als Methode zum Erstellen eines Kunstobjekts passt es das traditionelle Malmedium an, wie z. Acrylfarbe, Öle, Tinte, Aquarellusw. und wendet das Pigment auf traditionelle Träger wie gewebtes Leinwandtuch, Papier, Polyester usw. an Software Fahren Industrieroboter oder Büromaschinerie (Drucker). Als Technik bezieht es sich auf a Computergrafik Softwareprogramm, das a verwendet virtuell Leinwand und virtuelle Malereibox von Pinsel, Farben und anderen Vorräten. Die virtuelle Box enthält viele Instrumente, die außerhalb des Computers nicht existieren und die a geben Digitales Kunstwerk Ein anderes Erscheinungsbild eines Kunstwerks, das auf traditionelle Weise gemacht wird. Darüber hinaus ist das digitale Gemälde nicht "computergenerierte" Kunst, da der Computer mit einigen mathematischen Berechnungen nicht automatisch Bilder auf dem Bildschirm erstellt. Andererseits verwendet der Künstler seine eigene Maltechnik, um ein bestimmtes Werk am Computer zu schaffen.[39]

Malstile

Stil wird in zwei Sinnen verwendet: Es kann sich auf die charakteristischen visuellen Elemente, Techniken und Methoden beziehen Individuell Künstlerarbeit. Es kann auch auf die beziehen Bewegung oder Schule, mit der ein Künstler verbunden ist. Dies kann aus einer tatsächlichen Gruppe herrühren, in die der Künstler bewusst beteiligt war, oder es kann eine Kategorie sein, in der Kunsthistoriker den Maler platziert haben. Das Wort "Stil" im letzteren Sinne hat sich in akademischen Diskussionen über die zeitgenössische Malerei in Ungnade gefallen, obwohl es weiterhin in populären Kontexten verwendet wird. Solche Bewegungen oder Klassifikationen umfassen die folgenden:

Western

Modernismus

Modernismus beschreibt sowohl eine Reihe kultureller Tendenzen als auch eine Reihe von damit verbundenen kulturelle Bewegungen, ursprünglich aus weitreichenden und weitreichenden Änderungen an Westliche Gesellschaft Im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert. Die Moderne war ein Aufstand gegen die konservativen Werte von Realismus.[40][41] Der Begriff umfasst die Aktivitäten und die Ausgabe derer, die die "traditionellen" Formen von Kunst, Architektur, Literatur, religiöser Glauben, sozialer Organisation und täglichem Leben in den neuen wirtschaftlichen, sozialen und politischen Bedingungen einer aufkommenden voll Industrialisierten Verpflichtungen veraltet haben Welt. Ein herausragendes Merkmal der Moderne ist das Selbstbewusstsein. Dies führte häufig zu Experimenten mit Form und Arbeit, die auf die verwendeten Prozesse und Materialien (und auf die weitere Tendenz der Abstraktion) aufmerksam machen.[42]

Impressionismus
Claude Monet1872 Eindruck, Sonnenaufgang inspirierte den Namen der Bewegung

Das erste Beispiel für die Moderne in der Malerei war Impressionismus, eine Schule der Malerei, die sich zunächst auf Arbeiten konzentrierte, nicht in Studios, sondern im Freien (im Freien (en plein luft). Impressionistische Gemälde zeigten, dass Menschen keine Objekte sehen, sondern das Licht selbst sehen. Die Schule versammelte sich trotz interner Spaltungen unter ihren führenden Praktikern Anhänger und wurde zunehmend einflussreich. Ursprünglich aus der wichtigsten kommerziellen Show der Zeit, die von der Regierung gesponserte staatlich gesponserte Pariser Salon, das Impressionisten organisierte in den 1870er und 1880er Jahren jährliche Gruppenausstellungen an gewerblichen Orten und zeitlich mit dem offiziellen Salon zusammen. Ein bedeutendes Ereignis von 1863 war das Salon des Ablehnung, erstellt von Kaiser Napoleon III um alle vom Pariser Salon abgelehnte Gemälde anzuzeigen.

Abstrakte Stile

Abstraktes Gemälde verwendet a visual language von Form, Farbe und Linie, um eine Komposition zu erstellen, die mit einem gewissen Grad an Unabhängigkeit von visuellen Referenzen in der Welt bestehen kann.[43][44] Abstrakter Expressionismus war ein amerikanischer Post-Zweiter Weltkrieg Kunstbewegung Das kombinierte die emotionale Intensität und die Selbstverleugnung des Deutschen Expressionisten mit der antifigurativen Ästhetik der europäischen abstrakten Schulen-wie zum Beispiel als Futurismus, Bauhaus und Kubismus, und das Bild, rebellisch, anarchisch, sehr eigenwillig und, einige zu fühlen, nihilistisch.[45]

Actionmalerei, manchmal genannt gestikale Abstraktion, ist ein Malstil, bei dem Farbe spontan getropft, auf die Leinwand gespritzt oder verschmiert ist, anstatt sorgfältig aufgetragen zu werden.[46] Das resultierende Werk betont oft den physischen Akt der Malen als wesentlicher Aspekt des fertigen Werks oder der Sorge seines Künstlers. Der Stil war von den 1940er Jahren bis in die frühen 1960er Jahre weit verbreitet und ist eng miteinander verbunden mit Abstrakter Expressionismus (Einige Kritiker haben die Begriffe "Action Painting" und "abstrakter Expressionismus" austauschbar verwendet).

Andere modernistische Stile umfassen:

Außenseiterkunst

Der Begriff Außenseiterkunst wurde von geprägt von Kunstkritiker Roger Cardinal im Jahr 1972 als englisches Synonym für Kunstbrut (Französisch:[aʁ bʁyt], "Rohkunst" oder "raue Kunst"), ein Etikett, das von erstellt wurde Französisch Künstler Jean Dubuffet beschreiben Kunst außerhalb der Grenzen der offiziellen Kultur geschaffen; Dubuffet konzentrierte sich besonders auf Kunst von Irrenanstalt Insassen.[47] Outsider Art hat sich als erfolgreiche Kunstmarketing -Kategorie entwickelt (eine jährliche Außenseiter -Kunstmesse findet seit 1992 in New York statt). Der Begriff wird manchmal als Catch-All-Marketing-Label für Kunst falsch angewendet, die von Menschen außerhalb des Mainstream-Kunstwelt geschaffen wurden, unabhängig von ihren Umständen oder dem Inhalt ihrer Arbeit.

Fotorealismus

Fotorealismus ist das Genre des Malerei, das auf der Verwendung der Kamera und der Fotos basiert, um Informationen zu sammeln und dann aus diesen Informationen ein Gemälde zu erstellen, das sehr realistisch zu sein scheint wie a Foto. Der Begriff wird in erster Linie auf Gemälde aus den USA angewendet Kunstbewegung Das begann in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren. Als vollwertige Kunstbewegung entwickelte sich der Fotorealismus aus Pop-Art[48][49][50] und als Gegenkublik zu Abstrakter Expressionismus.

Hyperrealismus ist ein Genre des Malerei und der Skulptur, das einer hochauflösenden Auflösung ähnelt Foto. Hyperrealismus ist eine vollwertige Schule von Kunst und kann durch die Methoden zur Erstellung der resultierenden Gemälde oder Skulpturen als Fortschritt des Fotorealismus angesehen werden. Der Begriff wird in erster Linie auf eine unabhängige Kunstbewegung und einen Art Kunststil in den USA und Europa angewendet, der sich seit Anfang der 2000er Jahre entwickelt hat.[51]

Surrealismus

Surrealismus ist eine kulturelle Bewegung, die in den frühen 1920er Jahren begann und am besten für die künstlerische und literarische Produktion derjenigen bekannt ist, die mit dem verbunden sind Surrealistische Bewegung. Surrealistische Kunstwerke zeigen das Element der Überraschung, das Unheimliche, das unbewusste, unerwartete Nebeneinander und Nicht-Sequitur; Viele surrealistische Künstler und Schriftsteller betrachten ihre Arbeit jedoch als Ausdruck der philosophischen Bewegung in erster Linie, wobei die Werke ein Artefakt sind. Führer André Breton war ausdrücklich in seiner Behauptung, dass der Surrealismus vor allem eine revolutionäre Bewegung sei.

Surrealismus entwickelte sich aus dem Dada Aktivitäten von Erster Weltkrieg Und das wichtigste Zentrum der Bewegung war Paris. Ab den 1920er Jahren breitete sich die Bewegung um den Globus aus und beeinflusste schließlich die bildende Kunst, Literatur, Film und Musik von vielen Ländern ebenso wie politisch Denken und Üben, Philosophie und Sozialtheorie.

Ostasiate

Südostasien

islamisch

indisch

Pattachitra ist ein allgemeiner Begriff für traditionelle Stoffbasis scrollen Gemälde mit Sitz im östlichen Indianer Zustände von Odisha und West Bengal.[52]Die Pattachitra -Maltradition ist eng mit der Verehrung des Herrn verbunden Jagannath in Odisha.[53] Das Thema Pattachitra beschränkt sich auf religiöse Themen. Patachitra Artform ist bekannt für seine komplizierten Details sowie mythologische Erzählungen und Folktales, die darin eingeschrieben sind. Alle Farben, die in den Gemälden verwendet werden, sind natürlich und Gemälde werden von Chitrakaras, der Odiya -Maler ist, vollständig alte traditionelle Weise gemacht. Pattachitra -Malstil ist eine der ältesten und beliebtesten Kunstformen von Odisha.Patachitras sind ein Bestandteil eines alten Bengali Narrative Art, die ursprünglich als visuelles Gerät während der Aufführung eines Songs dient.[54][55][56]

Khan Bahadur Khan mit Männern seines Clans, c. 1815 aus dem Fraser -Album, Company Style

Firmenstil ist ein Begriff für einen hybriden indoeuropäischen Gemäldestil von indischen Künstlern, von denen viele für europäische Gönner in der gearbeitet haben British East India Company oder andere ausländische Unternehmen im 18. und 19. Jahrhundert.[57]Drei verschiedene Arten des Unternehmensmalerei entstanden in drei britischen Macht zentriert- Delhi, Kalkutta und Madras. Das Thema Unternehmensmalereien für westliche Kunden war oft eher dokumentarisch als fantasievoll, und infolgedessen mussten die indischen Künstler einen naturalistischeren Ansatz für das Malerei verfolgen als traditionell üblich.[58][59]

Die Bengal School[60] war ein Kunstbewegung und ein Stil von Indisches Gemälde das entstand von Bengalen, in erster Linie Kolkata und Shantiniketanund blühte im gesamten Indischer Subkontinent, während der Britisch Raj im frühen 20. Jahrhundert. Die Bengalenschule entstand als eine Avant Garde und nationalistische Bewegung, die gegen die reagiert Akademische Kunst Styles, die zuvor in Indien gefördert wurden, beide von indischen Künstlern wie z. B. Raja Ravi Varma und in britischen Kunstschulen. Die Schule wollte einen deutlichen indischen Stil etablieren, der das indigene kulturelle Erbe feierte. In einem Versuch, die koloniale Ästhetik abzulehnen, Abanindranath Tagore wandte sich auch an China und Japan mit der Absicht, eine panasiatische Ästhetik zu fördern und Elemente aus der Fernostkunst wie die aufzunehmen Japanische Waschtechnik.[61][62][63]

Kangra -Gemälde ist die bildliche Kunst von Kangra, benannt nach Kangra, Himachal Pradesh, ein ehemaliger fürstlicher Staat, was die Kunst bevormunden. Es wurde mit dem Verblassen von Vorläufern verbreitet Basohli School of Malerei Mitte des 18. Jahrhunderts.[64][65]Das zentrale Thema der Kangra -Malerei ist Shringar (das erotische Gefühl). Die Themen sind in Kangra Paintit den Geschmack und die Merkmale des Lebensstils der Gesellschaft dieser Zeit auszustellen.[66] Die Künstler nahmen Themen aus der Liebesdichter von an Jayadeva und Keshav Das wer schrieb ekstatisch von der Liebe von Radha und Krishna mit Bhakti die treibende Kraft sein.[67][68]

19. Jahrhundert Mysore Gemälde der Göttin Saraswathi

Madhubani -Kunst ist ein Stil von Indisches Gemälde, praktiziert in der Mithila Region von Indien und Nepal. Der Stil ist durch komplexe geometrische Muster gekennzeichnet. Diese Gemälde sind berühmt für die Darstellung von rituellen Inhalten, die für bestimmte Gelegenheiten wie Feste, religiöse Rituale usw. verwendet werden.[69]

Mysore Gemälde ist eine wichtige Form der Klassiker Südindisch Gemälde, das von und um die Stadt von Ursprung stammt Mysore in Karnataka von den Mysore -Herrschern ermutigt und gefördert. Mysore -Gemälde sind bekannt für ihre Eleganz, gedämpfte Farben und Liebe zum Detail. Die Themen für die meisten dieser Bilder sind Hindu- Götter und Göttinnen und Szenen von Hinduistische Mythologie.[70][71]

Krishna und Radha, könnte die Arbeit von sein Nihâl Chand, Meister der Kishangarh School of Rajput Malerei

Rajasthani -Gemälde entwickelt und blühte vor den königlichen Gerichten von Rajputana[72] in Nordindien, hauptsächlich im 17. Jahrhundert. Künstler, die in der Tradition der ausgebildet sind Mogul -Miniatur wurden vom kaiserlichen Mogulgericht verteilt und entwickelte Stile auch aus lokalen Maltraditionen, insbesondere aus denen, die die Sanskrit -Epen veranschaulichen, die Mahabharata und Ramayana. Die Probanden waren unterschiedlich, aber Porträts der herrschenden Familie, die oft auf Jagd oder ihre täglichen Aktivitäten beschäftigt waren, waren im Allgemeinen beliebt, ebenso wie narrative Szenen aus den Epen oder Hinduistische Mythologiesowie einige Genre -Szenen von Landschaften und Menschen.[73][74][75]

Mogulgemälde ist ein besonderer Stil von Süd asiatisch, insbesondere nordindischer (insbesondere moderne Indien und Pakistan), die auf die Gemälde beschränkt ist Miniaturen entweder als Buchillustrationen oder als Singlewerke, die in Alben aufbewahrt werden (Muraqqa). Es entstand[76] aus Persische Miniatur Malerei (selbst teilweise von Chinesischer Herkunft) und im Gericht des Gerichts entwickelt Mogulreich des 16. bis 18. Jahrhunderts. Das Mogul -Gemälde interessierte sich sofort für realistische Porträts als typisch für persische Miniaturen. Tiere und Pflanzen waren das Hauptthema vieler Miniaturen für Alben und wurden realistischer dargestellt.[77][78][79]

Andere

afrikanisch

Zeitgenössische Kunst

1950er Jahre

1960er Jahre

1970er Jahre

1980er Jahre

1990er Jahre

2000er Jahre

Arten von Malerei

Allegorie

Allegorie ist ein figurativ Modus von Repräsentation, die eine andere Bedeutung als das wörtliche Vermittlung vermittelt. Allegorie kommuniziert seine Botschaft mit Hilfe von symbolisch Figuren, Handlungen oder symbolische Darstellung. Allegorie wird im Allgemeinen als Figur von behandelt Rhetorik, aber eine Allegorie muss nicht ausgedrückt werden Sprache: Es kann an das Auge gerichtet sein und wird oft in realistischer Malerei gefunden. Ein Beispiel für eine einfache visuelle Allegorie ist das Bild der Sensemann. Die Zuschauer verstehen, dass das Bild des Sensenmanns eine symbolische Darstellung des Todes ist.

Bodegón

Francisco de Zurbarán, Stillleben mit Keramikgläser (Spanisch: Bodegón de recipientes) (1636), Öl auf Leinwand, 46 x 84 cm, Museo del Prado, Madrid

Im Spanische Kunst, a Bodegón ist ein Stillleben Gemälde mit Speisekammerartikeln wie Opfer, Spiel und Getränk, die oft auf einer einfachen Steinplatte angeordnet sind, und auch ein Gemälde mit einer oder mehreren Figuren, aber signifikanten Stilllebenselementen, die normalerweise in einer Küche oder Taverne spielt. Beginnend in der Barock- In der Zeit wurden solche Gemälde im zweiten Viertel des 17. Jahrhunderts in Spanien populär. Die Tradition der Stilllebensmalerei scheint im Zeitgenossen weitaus populärer zu sein und war weitaus populärer Niedrige Länder, heute Belgien und Niederlande (dann flämische und niederländische Künstler), als es jemals war Südeuropa. Northern Still Lifes hatte viele Subgenres: die Frühstücksstück wurde durch die erweitert Trompe-l'i, das Blumenstrauß, und die Vanitas. In Spanien gab es viel weniger Gönner für solche Dinge, aber eine Art von Art von Frühstücksstück wurde beliebt und zeigte ein paar Objekte mit Lebensmitteln und Tabellengeschirr, die auf einen Tisch gelegt wurden.

Figurmalerei

A Figurmalerei ist ein Kunstwerk In einem der Malmedien mit dem primären Thema ist die menschliche Figur, ob gekleidet oder nackt. Die Figurenmalerei kann sich auch auf die Aktivität der Schaffung eines solchen Werks beziehen. Die menschliche Figur ist seit den ersten Steinzeitenbemalen von Kunstkunst eines der kontrastreichen Gemälde der Steinzeit und wurde in verschiedenen Stilen im Laufe der Geschichte neu interpretiert.[80] Einige Künstler, die für Figurenmalerei bekannt sind Peter Paul Rubens, Edgar Degas, und Édouard Manet.

Reza Abbasi, Zwei Liebende (1630)

Illustrationsmalerei

Illustration Gemälde sind diejenigen, die als Illustrationen in Büchern, Zeitschriften und Theater oder Film verwendet werden Plakate und Comics. Heute besteht ein wachsendes Interesse daran, das ursprüngliche Kunstwerk zu sammeln und zu bewundern. Verschiedene Museumsausstellungen, Magazine und Kunstgalerien haben den Illustratoren der Vergangenheit Platz gewidmet. In der bildenden Kunstwelt wurden Illustratoren manchmal als weniger wichtig angesehen, im Vergleich zu bildenden Künstlern und Grafikdesigner. Aber als Ergebnis von Computerspiel und Comic -Branchenwachstum werden Illustrationen als populäre und profitable Kunstwerke geschätzt, die einen breiteren Markt erwerben können als die anderen beiden, insbesondere in Korea, Japan, Hongkong und die Vereinigten Staaten.

Landschaftsmalerei

Andreas Achenbach, Clearing, Küste von Sizilien (1847), Das Walters Art Museum[81][82]

Landschaftsmalerei ist ein Begriff, der die Darstellung natürlicher Kulissen wie Berge, Täler, Bäume, Flüsse, Seen und Wälder und insbesondere Kunst abdeckt, wo das Hauptthema eine breite Sichtweise ist, wobei seine Elemente in eine kohärente Komposition angeordnet sind. In anderen Arbeiten können Landschaftsgründe für Zahlen immer noch einen wichtigen Teil der Arbeit bilden. Der Himmel ist fast immer in die Aussicht enthalten und Wetter ist oft ein Element der Komposition. Detaillierte Landschaften als eindeutiges Thema sind nicht in allen künstlerischen Traditionen zu finden und entwickeln sich, wenn es bereits eine ausgefeilte Tradition gibt, andere Themen zu repräsentieren. Die beiden Haupttraditionen sprinnen aus Western Gemälde und Chinesische Kunstin beiden Fällen weit über tausend Jahre zurückkehren.

Porträtgemälde

Porträtgemälde sind Darstellungen einer Person, in der das Gesicht und sein Ausdruck vorherrschend sind. Die Absicht ist es, die Ähnlichkeit anzuzeigen, Persönlichkeitund sogar die Stimmung der Person. Die Kunst des Porträts blühte im alten griechischen und besonders Römische Skulptur, wo Sitter individuelle und realistische Porträts forderten, sogar schmeichelhafte. Eines der bekanntesten Porträts der westlichen Welt ist Leonardo da Vinci's Gemälde mit dem Titel " Mona Lisa, was als Porträt von angesehen wird Lisa Gherardini, die Frau von Francesco del Giocondo.[83]

Stillleben

Otto Marseus van Schrieck, Ein Waldboden, das nochleben (1666)

A Stillleben ist eine Arbeit von Kunst Die meist leblosen Themen darstellen, typischerweise alltägliche Objekte-die entweder natürlich (Nahrung, Blumen, Pflanzen, Steine ​​oder Muscheln) oder künstliche (Trinkgläser, Bücher, Vasen, Schmuck, Münzen, Pfeifen usw.) sein können. Mit Ursprünge im Mittelalter und der alten griechischen/römischen Kunst geben Stilllebensgemälde dem Künstler mehr Spielraum in der Anordnung von Designelementen innerhalb einer Komposition als Gemälde anderer Arten von Themen wie z. B. Landschaft oder Porträtmalerei. Stilllebensgemälde, insbesondere vor 1700, enthielten oft religiöse und allegorische Symbolik in Bezug auf die dargestellten Objekte. Einige moderne Stillleben bricht die zweidimensionale Barriere und verwendet dreidimensionale Mischmedien und verwendet gefundene Objekte, Fotografie, Computergrafiken sowie Video und Sound.

Veduta

A Veduta ist ein sehr detailliertes, normalerweise großes Gemälde von a Stadtbild oder ein anderer Vista. Dies Genre von Landschaft kommt ursprünglich aus Flandern, wo Künstler wie Paul Bril gestrichen Vedute Bereits im 16. Jahrhundert. Als Reiseroute der große Tour wurde etwas standardisiert, Vedute Von vertrauten Szenen wie dem Roman Forum oder dem Grandkanal erinnerte sich an frühe Witches auf den Kontinent für aristokratische Engländer. Im späteren 19. Jahrhundert ersetzten mehr persönliche Eindrücke von Stadtlandschaften den Wunsch nach topografischer Genauigkeit, die stattdessen durch bemalten war Panoramen.

Siehe auch

Anmerkungen

  1. ^ "Farbe - Definition". Merriam-webster.com. 2012. Archiviert Aus dem Original am 4. März 2018. Abgerufen 13. März 2014.
  2. ^ Perry, Lincoln (Sommer 2014). "Die Musik des Malerei". Der amerikanische Gelehrte. 83 (3): 85.
  3. ^ Zimmer, Carl (7. November 2018). "In der Höhle in Borneo Jungle finden Wissenschaftler die älteste figurative Gemälde der Welt - eine Höhlenzeichnung in Borneo ist mindestens 40.000 Jahre alt und wirft faszinierende Fragen zur Kreativität in den alten Gesellschaften auf.". Die New York Times. Abgerufen 8. November 2018.
  4. ^ Aubert, M.; et al. (7. November 2018). "Paläolithische Höhlenkunst in Borneo". Natur. 564 (7735): 254–257. Bibcode:2018natur.564..254a. doi:10.1038/s41586-018-0679-9. PMID 30405242. S2CID 53208538.
  5. ^ Aubert, M.; et al. (11. Dezember 2019). "Früheste Jagdszene in prähistorischer Kunst". Natur. 576 (7787): 442–445. Bibcode:2019natur.576..442a. doi:10.1038/s41586-019-1806-y. PMID 31827284. S2CID 209311825.
  6. ^ Ferreira, Becky (11. Dezember 2019). "Mythische Wesen mögen die früheste einfallsreiche Höhlenkunst durch Menschen sein - die Gemälde auf einer indonesischen Insel sind mindestens 43.900 Jahre alt und zeigen humanoide Figuren mit tierischen Merkmalen in einer Jagdszene". Die New York Times. Abgerufen 12. Dezember 2019.
  7. ^ Brumm, Adam; Oktaviana, Adhi Agus; Burhan, Basran; Hakim, Budianto; Lebe, Rustan; Zhao, Jian-Xin; Sulistyarto, Priyatno Hadi; Ririmasse, Marlon; Adhityatama, Shinatria; Sumantri, Iwan; Aubert, Maxime (1. Januar 2021). "Älteste Höhlenkunst in Sulawesi". Wissenschaft Fortschritte. 7 (3): EABD4648. Bibcode:2021Scia .... 7.4648b. doi:10.1126/sciadv.abd4648. ISSN 2375-2548. PMC 7806210. PMID 33523879.
  8. ^ Ferreira, Becky (13. Januar 2021). "Schweinemalerei mag die älteste Höhlenkunst der Welt sein, sagen Archäologen - die Darstellung des Tieres auf einer indonesischen Insel ist mindestens 45.500 Jahre alt, sagen die Forscher". Die New York Times. Archiviert vom Original am 21. Juni 2021. Abgerufen 14. Januar 2021.
  9. ^ "Wie alt ist Australiens Rockkunst?". AboriginalArtonline.com. Archiviert von das Original am 4. Mai 2013. Abgerufen 13. März 2014.
  10. ^ "Milhares de Pinturas Rupestres São Descobertas Em Cavernas No México". BBC News Brasil (auf Portugiesisch). 23. Mai 2013. Archiviert Aus dem Original am 12. April 2015. Abgerufen 2. März 2015.
  11. ^ Johann Wolfgang von Goethe, Goethes Farbtheorie, John Murray, London 1840
  12. ^ Wassily Kandinsky über das spirituelle Kunst, [übersetzt von Michael T. H. Sadler, PDF Archiviert 10. Februar 2016 bei der Wayback -Maschine.
  13. ^ Ein Brief an die Royal Society, in dem eine neue Theorie des Lichts und der Farben Isaac Newton, 1671 vorgestellt werden PDF Archiviert 20. Oktober 2015 bei der Wayback -Maschine
  14. ^ Pigmente Archiviert 6. Januar 2016 bei der Wayback -Maschine bei Colourlex
  15. ^ Jean Metzinger, ca. 1907, zitiert von Georges Desvallières in La Grande Revue, vol. 124, 1907
  16. ^ a b Eiichi Tosaki, Mondrians Philosophie des visuellen Rhythmus: Phänomenologie, Wittgenstein und östliches Denken Archiviert 25. Februar 2022 bei der Wayback -Maschine, Band 23 von Sophia Studien zur interkulturellen Philosophie der Traditionen und Kulturen, Springer, 15. November 2017, S. 108–109, 130, 139, 158, ISBN9402411984
  17. ^ Piet Mondrian, Neo-Plastizismus: seine Verwirklichung in der Musik und im zukünftigen Theater1922
  18. ^ "Wassily Kandinsky - Zitate". www.wassilykandinsky.net. Archiviert Aus dem Original am 4. Februar 2019. Abgerufen 17. September 2016.
  19. ^ François le Targat, Kandinsky, Twentieth Century Masters Series, Random House Incorporated, 1987, p. 7,, ISBN0847808106
  20. ^ Susan B. Hirschfeld, Solomon R. Guggenheim Museum, Hilla von Rebay Foundation, Aquarelle von Kandinsky im Guggenheim Museum: Eine Auswahl aus dem Solomon R. Guggenheim Museum und der Hilla von Rebay Foundation, 1991
  21. ^ Fiedler, Jeannine (2013). Bauhaus. Deutschland: H.F.ullmann Publishing GmbH. p. 262. ISBN 978-3-8480-0275-7.
  22. ^ "Kreuzungen mit Kunst und Musik, Rothko und Pollock". 16. April 2016. Archiviert Aus dem Original am 4. Februar 2019. Abgerufen 3. Februar 2019.
  23. ^ "Platons Ästhetik". www.rowan.edu. Archiviert von das Original am 1. Oktober 2017. Abgerufen 1. Oktober 2017.
  24. ^ Rollason, C. & Mittapalli, R. (2002). Moderne Kritik. Neu -Delhi: Atlantische Verlage und Distributoren. p. 196. ISBN81-269-0187-x
  25. ^ Craig, Edward. Routledge -Enzyklopädie der Philosophie: Genealogie zu Iqbal. Routledge. 1998. p. 278. ISBN 978-0-415-18709-1. Archiviert vom Original am 22. April 2021. Abgerufen 27. März 2020.
  26. ^ Wallace, William (1911). "Hegel, Georg Wilhelm Friedrich". In Chisholm, Hugh (Hrsg.). Encyclopædia Britannica. Vol. 13 (11. Aufl.). Cambridge University Press. S. 200–207, siehe Seite 207. Malerei und Musik sind die speziell romantischen Künste. Schließlich kommt eine Vereinigung von Malerei und Musik, wo das sinnliche Element dem Geist mehr denn je untergeordnet ist
  27. ^ Franciscono, Marcel, Paul Klee: Seine Arbeit und sein Gedanke, Teil 6 'Die Bauhaus und Düsseldorf', Kap. "Klees Theoriekurse", p. 246 und unter 'Notizen zu S. 245–54' p. 365
  28. ^ Barasch, Moshe (2000) Kunsttheorien - vom Impressionismus bis zu Kandinsky Archiviert 1. April 2016 bei der Wayback -Maschine, Teil IV 'abstrakte Kunst', Kap. 'Color' S. 332–33
  29. ^ Jones, Howard (Oktober 2014). "Die Sorten ästhetischer Erfahrung". Journal für spirituelle und Bewusstseinswissenschaft. 37 (4): 541–252.[Seite benötigt]
  30. ^ Encyclopedia Encarta Archiviert 4. Juli 2008 bei der Wayback -Maschine
  31. ^ "Rezension des Kunsthistorikers David Cohen". Artnet.com. Archiviert Aus dem Original am 26. Januar 2009. Abgerufen 13. März 2014.
  32. ^ Bell, Julian (2007). Spiegel der Welt: Eine neue Kunstgeschichte der Kunst. Themse und Hudson. p. 496. ISBN 978-0-500-23837-0.
  33. ^ Cohn, Marjorie B.,, Waschen und Gouache, Fogg Museum, 1977.
  34. ^ Mayer, Ralph,Das Handbuch des Künstlers mit Materialien und Techniken, Dritte Ausgabe, New York: Viking, 1970, p. 375.
  35. ^ McNally, Rika Smith, "Emaille", Oxford Art Online
  36. ^ Mayer, Ralph, Das Handbuch des Künstlers mit Materialien und Techniken, Dritte Ausgabe, New York: Viking, 1970, p. 371.
  37. ^ Mayer, Ralph, Das Handbuch des Künstlers mit Materialien und Techniken, Dritte Ausgabe, New York: Viking, 1970, p. 312.
  38. ^ Mayer, Ralph. Das Handbuch des Künstlers mit Materialien und Techniken. Wikinger -Erwachsener; 5. Überarbeitete und aktualisierte Ausgabe, 1991. ISBN0-670-83701-6
  39. ^ "Was ist digitales Malerei?". Wendepunktkunst. 1. November 2008. Archiviert Aus dem Original am 5. Mai 2017. Abgerufen 17. Mai 2017.
  40. ^ Barth, John (1979) Die Literatur des Nachschubs, später neu veröffentlicht in Das Freitagbuch (1984).
  41. ^ Graff, Gerald (1975) Babbitt im Abgrund: Der soziale Kontext der Postmoderne. Amerikanische Fiktion, TRISCHER, Nr. 33 (Frühjahr 1975), S. 307–37; Nachdruck in Putz und Freese, Hrsg., Postmodernismus und amerikanische Literatur.
  42. ^ Gardner, Helen, Horst de la Croix, Richard G. Tansey und Diane Kirkpatrick. Gardners Kunst im Laufe der Jahrhunderte (San Diego: Harcourt Brace Jovanovich, 1991). ISBN0-15-503770-6. p. 953.
  43. ^ Arnheim, Rudolph, 1969, Visuelles Denken
  44. ^ Key, Joan (September 2009). "Zukunftsgebrauch: Abstract Painting". Dritter Text. 23 (5): 557–63. doi:10.1080/09528820903184666. S2CID 144061791.
  45. ^ Shapiro, David/Cecile (2000): abstrakter Expressionismus. Die Politik der unpolitischen Malerei. p. 189-90 in: Frascina, Francis (2000): Pollock und nach. Die kritische Debatte. 2. Aufl. London: Routledge
  46. ^ Boddy-Evans, Marion. "Kunstglossar: Action Painting". About.com. Archiviert Aus dem Original am 12. März 2007. Abgerufen 20. August 2006.
  47. ^ Kardinal, Roger, Außenseiterkunst, London, 1972
  48. ^ Lindey, Christine Superrealistische Malerei und Skulptur, William Morrow and Company, New York, 1980, S. 27–33.
  49. ^ Chase, Linda, Photorealismus im Jahrtausend, Das nicht so innozentes Auge: Photorealismus im Kontext. Harry N. Abrams, Inc. New York, 2002. S. 14–15.
  50. ^ Nochlin, Linda, Der realistische Verbrecher und das abstrakte Gesetz II, Kunst in Amerika. 61 (November - Dezember 1973), S. 98.
  51. ^ Bredekamp, ​​Horst, Hyperrealismus - Ein Schritt darüber hinaus. Tate Museum, Verleger, Großbritannien. 2006. p. 1
  52. ^ "Parampara -Projekt | Pata Chitra". www.paramparaproject.org. Archiviert Aus dem Original am 19. Februar 2022. Abgerufen 22. November 2021.
  53. ^ "Daricha Foundation". www.daricha.org. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  54. ^ "Mythen und Folktales in der Patachitra -Kunst von Bengalen: Tradition und Moderne". Das Chitrolekha Journal über Kunst und Design. 2. August 2015. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  55. ^ "Orissa Pattachitra -". Der Hindu. 15. Juni 2016. ISSN 0971-751X. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  56. ^ Laut Conrad Comrie (26. April 2017). "Patachitra: Altes Bildlaufgemälde von Bengalen". Media India Group. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  57. ^ "Archivierte Kopie". www.metmuseum.org. Archiviert vom Original am 20. Dezember 2017. Abgerufen 22. November 2021.{{}}: CS1 Wartung: Archiviertes Kopie als Titel (Link)
  58. ^ "Firmengemälde - eine Ära erfassen". Live -Geschichte Indien. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  59. ^ Victoria und Albert Museum, Digitale Medien (16. November 2012). "Indische Firmengemälde". www.vam.ac.uk. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  60. ^ "National Gallery of Modern Art, Neu -Delhi". ngmaindia.gov.in. Archiviert Aus dem Original am 22. Oktober 2018. Abgerufen 22. November 2021.
  61. ^ "Bengal School of Art of Art". Künstlerisch. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  62. ^ "Wie die Bengalen School of Art die Kunstlandschaft des kolonialen Indiens verändert hat". Artisera. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  63. ^ "Bengal School of Art of Art". Jagranjosh.com. 18. August 2012. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  64. ^ "Kāngra -Gemälde | Britannica". www.britannica.com. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  65. ^ Bradnock, Robert W.; Bradnock, Roma (2004). Fußabdruck Indien. Fußabdruck. p. 512. ISBN 978-1-904777-00-7. Archiviert Aus dem Original am 19. Februar 2022. Abgerufen 26. November 2021.
  66. ^ "Kangra -Gemälde - Die zarte Kunst des Himachal Pradesh". Caleidoskop | Indische Kultur, Erbe. 27. Juli 2021. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  67. ^ "Kangra Gemälde | Distrikt Kangra, Regierung von Himachal Pradesh | Indien". Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  68. ^ Sharma, Vijay (1. November 2020). "Wie Liebe, Krieg und Mogulkunst Kangra -Malerei inspirierten". Der Druck. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  69. ^ "Madhubani (Mithila) Gemälde - Geschichte, Designs und Künstler". www.culturalindia.net. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  70. ^ "Mysore Gemälde: Notizen für UPSC -Kunst und Kultur". Byjus. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  71. ^ "Mysore Gemälde | Kaufen Sie Mysore -Schulbilder | Online einkaufen bei Artisera". Artisera. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  72. ^ "Rājput -Gemälde | Indische Kunst | Britannica". www.britannica.com. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  73. ^ "Rajput -Gemälde in Indien | verschiedene Rajput -Kunstschulen". Byjus. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  74. ^ "Rajput Painting - Rajput -Gemälde, Rajput -Gemälde Indien, Rajput Malerei Geschichte". www.culturalindia.net. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  75. ^ "Rajput -Gemälde". Jagranjosh.com. 17. August 2012. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  76. ^ "Mogul -Malerei - Evolution & Geschichte, Features & Prominente Künstler". www.culturalindia.net. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  77. ^ "Mogulgemälde". Selbststudiengeschichte. 22. August 2016. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  78. ^ "BBC - Religionen - Islam: Mogulimperium (1500er, 1600er Jahre)". www.bbc.co.uk. Archiviert Aus dem Original am 10. November 2010. Abgerufen 22. November 2021.
  79. ^ "Mogulgemälde". Britannica.com. Archiviert vom Original am 22. November 2021. Abgerufen 22. November 2021.
  80. ^ Droste, Flip (Oktober 2014). "Höhlenmalereien der frühen Steinzeit". Semiotica. 2014 (202): 155–165. doi:10.1515/SEM-2014-0035. S2CID 170631343.
  81. ^ Achenbach spezialisierte sich auf die "erhabene" Art der Landschaftsmalerei, in der der Mensch von der Macht und Wut der Natur in den Schatten gestellt wird.
  82. ^ "Aufräumen - Koast von Sizilien". Das Walters Art Museum. Archiviert vom Original am 9. Mai 2013. Abgerufen 18. September 2012.
  83. ^ "Mona Lisa - Porträt von Lisa Gherardini, Frau von Francesco del Giocondo".Louvre Museum.c.1503–19.Archiviert von das Original am 30. Juli 2014. Abgerufen 2014-03-13. {{}}: Überprüfen Sie die Datumswerte in: |date= (Hilfe)

Weitere Lektüre

  • Daniel, H. (1971). Enzyklopädie von Themen und Themen in der Malerei;Mythologisch, biblisch, historisch, literarisch, allegorisch und aktuell. New York: Harry N. Abrams Inc.
  • W. Stanley Jr. Taft, James W. Mayer, Die Wissenschaft der Gemälde, Erstausgabe, Springer, 2000.