Ostinato

Im Musik, ein Ostinato (Italienisch:[ostiˈnaːto]; Abgeleitet vom italienischen Wort für 'hartnäckig', vergleiche Englisch 'hartnäckig') ist a Motiv oder Phrase das dauerhaft Wiederholungen im selben Musical Stimmehäufig in der gleichen Tonhöhe. Bekannte Ostinato-basierte Stücke beinhalten beide klassisch Kompositionen wie z. Ravel's Bolero und die Carol of the Glocken, und Beliebt Lieder wie Donna Sommer und Giorgio Moroder's "Ich fühle Liebe"(1977), Henry ManciniThema von Peter Gunn (1959), Die WHO's "Baba O'Riley"(1971) und Der Verve's "Bittere süße Symphonie"(1997).[1][2][3]

Beide Ostinatos und Ostinati werden anerkannte englische Pluralformen, letztere widerspiegeln das Italienisch des Wortes Etymologie.

Die sich wiederholende Idee kann a sein rhythmisch Muster, Teil einer Melodie oder vollständig Melodie an sich.[4] Streng genommen sollte Ostinati eine genaue Wiederholung haben, aber in allgemeinem Gebrauch deckt der Begriff die Wiederholung mit Variation und Entwicklung, wie die Veränderung einer Ostinato -Linie, um sich zu ändern Harmonien oder Schlüssel.

Wenn die Trittfrequenz als Wiege der Tonalität angesehen werden kann, können die Ostinato-Muster als der Spielplatz angesehen werden, in dem sie stark und selbstbewusst geworden ist.

-Edward E. Lewinsky[5]

Im Kontext der Filmmusik definiert Claudia Gorbman eine Ostinato als wiederholte melodische oder rhythmische Figur, die Szenen vorantreibt, denen dynamische visuelle Wirkung fehlt.[6]

Ostinati spielen eine wichtige Rolle in improvisiert Musik (Rock und Jazz), in der sie oft als als bezeichnet werden Riffs oder VAMPS. Ostinati, eine "Lieblingstechnik zeitgenössischer Jazzautoren", werden oft in verwendet modal und Lateinischer Jazz und traditionell Afrikanische Musik einschließlich Gnawa -Musik.[7]

Der Begriff Ostinato hat im Wesentlichen die gleiche Bedeutung wie das mittelalterliche lateinische Wort Pes, das Wort Boden wie auf klassische Musik und das Wort angewendet Riff in zeitgenössischer Populärmusik.

Klassische Musik

Ostinati werden in Musik des 20. Jahrhunderts verwendet, um Gruppen von Tonhöhen zu stabilisieren, wie in Strawinsky's Der Ritus des Frühlings Einführung und Augur des Frühlings.[4] Eine berühmte Art von Ostinato, die genannt Rossini Crescendo, schuldet seinen Namen a Crescendo Das zugrunde einem anhaltenden musikalischen Muster, das normalerweise in einer Solo -Vokalkadenz gipfelt. Dieser Stil wurde von anderen emuliert Bel Canto Besonders Komponisten Vincenzo Bellini; und später von Wagner (In reiner instrumenteller Begriffe, die die schließende Gesangskadenz abwerfen).

Anwendbar in homophon und kontrapunktal TexturenEs sind "sich wiederholende rhythmisch-harmonische Schemata", die als begleitende Melodien oder rein rhythmisch besser vertraut sind.[8] Die Technik attraktiv an Komponisten von Debussy bis Avantgarde Komponisten bis mindestens in den 1970er Jahren. Akkordfortschritte Phrasen formen und Tonalität definieren ".[8] In ähnlicher Weise in modal Musik, "... unermüdlicher, sich wiederholender Charakter hilft, das Modal -Zentrum zu etablieren und zu bestätigen".[7] Ihre Popularität kann jedoch auch durch ihre Leichtigkeit und ihre Nutzungsspanne gerechtfertigt sein: "... Ostinato muss unbedingt eingesetzt werden, da seine Überbeanspruchung schnell zu Monotonie führen kann".[7]

Mittelalterlich

Ostinato -Muster wurden ab dem Mittelalter in europäischer Musik vorhanden. Im berühmten Englisch Kanon "Sumer ist ICumen in"Die Hauptstimmleitungen werden durch ein Ostinato -Muster untermauert, das als a bekannt ist Pes:

Später im mittelalterlichen Zeitalter, Guillaume DufayChanson aus dem 15. Jahrhundert Resvone Nous verfügt über ein ähnlich konstruiertes Ostinato -Muster, diesmal jedoch 5 Bars lang. Darüber hinaus bewegt sich die melodische Hauptlinie frei und variiert die Phrasenlängen, während "in gewissem Maße durch das wiederholende Muster des Kanons in den unteren beiden Stimmen vorgegeben werden".[9]

Dufay Resvonons Nous

Grundbarsch: Späte Renaissance und Barock

Grundbarsch oder Basso Ostinato (hartnäckiger Bass) ist eine Art von Art von Variationsform in welch a Basslinie, oder Harmonisches Muster (sehen Chaconne; auch häufig in Elizabethaner England wie Bade) wird als Grundlage eines Stücks unter Variationen wiederholt.[10] Aaron Copland[11] beschreibt Basso Ostinato als "... am einfachsten zu erkennen" der Variationsformen, in der "... eine lange Ausdruck Teile gehen normal [mit Variation] ". Er warnt jedoch: "Es könnte besser als musikalisches Gerät bezeichnet als eine musikalische Form."

Ein markantes Ostinato -Instrumentalstück der späten Renaissance -Periode ist "The Bells", ein Stück für Jungfrau durch William Byrd. Hier besteht der Ostinato (oder 'Boden') aus nur zwei Notizen:

William Byrd, die Glocken
William Byrd, die Glocken

In Italien im 17. Jahrhundert, Claudio Monteverdi komponierte viele Stücke mit Ostinato -Mustern in seinen Opern und heiligen Werken. Eine davon war seine 1650-Version von "Laetatus sum", eine imposante Einstellung von Psalm 122, die eine vier Note "Ostinato von unstillbarer Energie" aufpasst.[12] gegen sowohl Stimmen als auch Instrumente:

Monteverdi Laetatus Sum (1650) Grundbarsch

Später im selben Jahrhundert, Henry Purcell wurde berühmt für seinen geschickten Einsatz von Boden -Bass -Mustern. Sein berühmtestes Ostinato ist der Abstieg chromatisch Erdungsbarsch, der die Arie untermauert ", wenn ich in die Erde gelegt bin" ("("Didos Klage") Am Ende seiner Oper Dido und Aeneas:

Purcell, Didos Lament Ground Bass
Purcell, Didos Lament Ground Bass

Während die Verwendung einer absteigenden chromatischen Skala zum Ausdruck von Pathos am Ende des 17. Jahrhunderts ziemlich häufig war, war es ziemlich häufig, Richard Taruskin wies darauf hin, dass Purcell einen neuen Ansatz für dieses Musical zeigt Trope: "Insgesamt unkonventionell und charakteristisch ist jedoch die Interpolation einer zusätzlichen Kadentialmaße in den stereotypen Boden und erhöht seine Länge von einer Routine von vier auf fünf Balken, gegen die die Gesangslinie mit ihrer Verzweiflung verzweigt wird (" denken Sie daran! "), wird mit einer ausgeprägten Asymmetrie eingesetzt. Damit wird zusätzlich zu Purcells deutlich dissonanter, suspensionsgesättigter Harmonie, die durch zusätzliche chromatische Abfahrten während des endgültigen Ritornello und durch viele täuschende Kadenzen verbessert wird Herzenskummer. "[13] Siehe auch: Bass Bass. Dies ist jedoch nicht das einzige Ostinato -Muster, das Purcell in der Oper verwendet. Didos Eröffnungsarie "Ah, Belinda" ist eine weitere Demonstration von Purcells technischer Meisterschaft: Die Phrasen der Stimmlinie übereinstimmen nicht immer mit dem Vier-Tannen-Boden:

Didos Eröffnungsarie "Ah! Belinda"

"Purcells Kompositionen über einen Boden variieren in ihrem Training, und die Wiederholung wird niemals zu einer Einschränkung."[14] Purcells Instrumentalmusik enthielt auch Bodenmuster. Ein besonders feines und komplexes Beispiel ist seine Fantasie auf einem Boden für drei Geigen und Continuo:

Purcell -Fantasie in 3 Teilen zu a Boden

Die Intervalle im obigen Muster befinden sich in vielen Werken der Barockzeit. Pachelbel's Canon Verwendet auch eine ähnliche Folge von Notizen im Bass -Teil:

Pachelbel's Canon
Grundbarsch von Pachelbel's Canon

Zwei Stücke von J.S.Bach sind besonders auffällig für den Einsatz eines Ostinato -Basss: die Kruzifixus von seinem Masse in B -Moll und die Passacaglia in C -Moll für Organ, das einen Boden in melodische Intervalle hat:

Bach C Minor Passacaglia Ground Bass
Bach C Minor Passacaglia Ground Bass

Die erste Variation, die Bach über diese Ostinato aufbaut synkopiert Motiv in den oberen Stimmen:

Bach C Minor Passacaglia Variation 1
Bach C Minor Passacaglia Variation 1

Dieses charakteristische rhythmische Muster setzt sich in der zweiten Variation fort, aber mit einigen ansprechenden harmonischen Feinheiten, insbesondere im zweiten Balken, wo ein unerwarteter Akkord eine vorübergehende Implikation eines verwandten Schlüssels erzeugt:

Bach C Minor Passacaglia Variation 2
Bach C Minor Passacaglia Variation 2

Gemeinsam mit anderen Passacaglien der Ära ist das Ostinato nicht einfach auf den Bass beschränkt, sondern steigt später im Stück zum obersten Teil auf:

Bach C Minor Passacaglia Variation mit Ostinato in Höhen
Bach c Minor Passacaglia mit Ostinato in Höhen

Eine Leistung des gesamten Stücks ist zu hören hier.

Ende des achtzehnten und 19. Jahrhunderts

Ostinatos sind in vielen Werken des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts zu sehen. Mozart Verwendet eine Ostinato -Phrase in der großen Szene, die Act 2 der beendet Ehe von Figaro, um ein Gefühl der Spannung zu vermitteln, während die eifersüchtige Graf Almaviva versucht, die Gräfin, seine Frau und Figaro, sein Butler, zu belasten, weil er hinter seinem Rücken geplant war. Eine berühmte Art von Ostinato, die genannt Rossini Crescendo verdankt seinen Namen einem Crescendo, das einem anhaltenden musikalischen Muster zugrunde liegt, das normalerweise in einer Solo -Vokalkadenz gipfelt.

Im energischen Scherzo von BeethovenÄhnlich C Scharfe kleines Quartett, op. 131Es gibt einen harmonisch statischen Durchgang mit "die Wiederholung eines Kinderreims"[15] Das besteht aus einem Ostinato, der zwischen Viola und Cello geteilt wird, die eine Melodie in Oktaven in der ersten und zweiten Violinen unterstützen:

Beethoven op 131 Trio aus Scherzo, Bars 69–76
Beethoven op 131 Trio aus Scherzo, Bars 69–76

Beethoven kehrt diese Beziehung ein paar Bars später mit der Melodie in der Bratsche und dem Cello und den Ostinato um, die zwischen den Geigen geteilt wurden:

Beethoven op 131 Trio aus Scherzo, Bars 93–100
Beethoven op 131 Trio aus Scherzo, Bars 93–100

Sowohl die erste als auch die dritte Akte von WagnerDie endgültige Oper Parsifal Spitzen Sie eine Passage, die eine Szene begleitet, in der eine Gruppe von Ritter feierlich von den Waldtiefen bis zur Halle des Grals verarbeitet. Die "Transformation Music", die diesen Szenenwechsel unterstützt, wird von der iterierten Mautgebühren von vier Glocken dominiert:

Wagner, Parsifal Act 1, Transformationsmusik

Brahms verwendete Ostinato -Muster sowohl in seinem Finale seines Vierte Symphonie und im abschließenden Abschnitt seines Variationen eines Themas von Haydn:

Brahms -Variationen eines Themas von Haydn, endgültiger Abschnitt mit Grundbarsch

20. Jahrhundert

Debussy zeigte ein Ostinato -Muster in seinem Klavier -Vorspiel "Des Pas Sur la Neige". Hier bleibt das Ostinato -Muster im mittleren Register des Klaviers - es wird nie als Bass verwendet." appellieren Sie an die grundlegende Einsamkeit aller Menschen, vielleicht schon, aber wie die Ostinato, die eine grundlegende Unterströmung unserer Geschichte bilden. "[16]

Von allen wichtigen klassischen Komponisten des 20. Jahrhunderts, Strawinsky ist möglicherweise derjenige, der am meisten mit der Praxis von Ostinato verbunden ist. Im Gespräch mit dem Komponisten, seinem Freund und Kollegen Robert Craft bemerkte "Ihre Musik hat immer ein Element der Wiederholung, von Ostinato. Was ist die Funktion von Ostinato?" Strawinsky antwortete; "Es ist statisch-das heißt, Antientwicklung; und manchmal brauchen wir einen Widerspruch zur Entwicklung."[17] Strawinsky war besonders in der Lage, Ostinatos zu verwenden, um die rhythmischen Erwartungen zu verwirren, anstatt sie zu bestätigen. Im ersten von ihm Drei Teile für StreichquartettStrawinsky stellt drei wiederholte Muster ein, die sich gegenseitig überlappen und niemals übereinstimmen. "Hier wird ein starres Muster von (3+2+2/4) Balken über eine streng wiederkehrende dreiundzwanzig-3-Melodie gelegt (die Balken, die von einem Cello-Ostinato gekennzeichnet sind), so dass ihre sich ändern -Kompositionsschema. "[18] "Der rhythmische Strom, der durch die Musik läuft, bindet diese merkwürdigen mosaikähnlichen Stücke zusammen."[19]

Ein subtilerer metrischer Konflikt kann im letzten Abschnitt von Strawinsky's gefunden werden Symphonie der Psalmen. Der Chor singt eine Melodie in dreifacher Zeit, während die Bass-Instrumente im Orchester einen 4-Beat-Ostinato dagegen spielen. "Dies wird über einen Ostinato -Bass (Harfe, zwei Klaviere und Patzani) aufgebaut Pendel. "[20]

Afrikanische Musik südlich der Sahara

Ghanaer Gyil

Kontermetrische Struktur

Viele Instrumente südlich der Sahara -Wüste Spielen Sie Ostinato -Melodien.[Klarstellung erforderlich] Diese beinhalten Lamellophone so wie die Mbira, ebenso gut wie Xylophone wie Balafon, das Bikutsi, und die Gyil. Ostinato -Zahlen werden auch auf String -Instrumenten wie die gespielt Kora, Gankoqui Glockensembles und Schlagzeugsembles. Oft enthalten afrikanische Ostinatos ausgefallen oder Cross-Beatsdas widerspricht der metrischen Struktur.[21] Andere afrikanische Ostinatos erzeugen vollständige Kreuzhythmen, indem beide wichtigsten klingen Beats und Kreuzschläge. Im folgenden Beispiel klingt ein Gyil das Dreier-Zwei-Cross-Rhythm (Drei-auf-zwei-Cross-Rhythmus (Hemiola). Die linke Hand (untere Noten) klingt die beiden Hauptschläge, während die rechte Hand (obere Noten) die drei Kreuzschläge klingt.[22]

Ghanaer gyil cross-rhythmischer Ostinato Spielen 

Afrikanische harmonische Fortschritte

Beliebte Tanzbands in Westafrika und der Kongo -Region Feature Ostinato-spielende Gitarren. Die afrikanischen Gitarrenteile stammen aus einer Vielzahl von Quellen, einschließlich der Ureinwohner Mbirasowie ausländische Einflüsse wie z. James Brown-Typ Funk Riffs. Die fremden Einflüsse werden jedoch durch eine deutlich afrikanische Ostinato -Sensibilität interpretiert. Die afrikanischen Gitarrenstile begannen mit kongolesischen Bands, die kubanische "Cover" -Lieder machten. Der Kubaner Guajeo hatte eine bekannte und exotische Qualität für die afrikanischen Musiker. Allmählich entstanden verschiedene regionale Gitarrenstile, da indigene Einflüsse in diesen zunehmend dominierten Afrikanisierte Guajeos.[23]

Wie Moore feststellt, "könnte man sagen, dass ich-IV-V-IV [Akkordprofessional] für die afrikanische Musik ist, was der 12-Tafel-Blues für nordamerikanische Musik ist."[24] Solche Fortschritte scheinen oberflächlich den Konventionen der westlichen Musiktheorie zu folgen. Darsteller afrikanischer Popularmusik sehen diese Fortschritte jedoch nicht auf die gleiche Weise. Harmonische Fortschritte, die vom Tonic zum Subdominanten (wie sie in europäischer Musik bekannt sind), wurden in verwendet Traditionelle afrikanische Harmonie südlich der Sahara für Hunderte von Jahren. Ihre Ausarbeitungen folgen allen Konventionen traditioneller afrikanischer harmonischer Prinzipien. Gehard Kubik schließt:

Der harmonische Zyklus von C -F -G -F [I -IV - V -IV] in Kongo/Zairpopulärmusik kann einfach nicht als Fortschritt von Tonic zu Subdominant zu dominant und zurück nach Subdominant definiert werden (auf der es endet) Denn in der Wertschätzung des Darstellers sind sie von gleichem Status und nicht in einer hierarchischen Reihenfolge wie in der westlichen Musik (Kubik 1999).[25]

Afro-Cuban Guajeo

Ein Guajeo ist eine typische kubanische Ostinato -Melodie, die am häufigsten aus arpeggierten Akkorden in synkopierten Mustern besteht. Der Guajeo ist eine Mischung aus dem afrikanischen und europäischen Ostinato. Der Guajeo wurde zum ersten Mal als Begleitung auf den Tres in der Folklorin gespielt Changüí und Sohn.[26] Der Begriff Guajeo wird oft verwendet, um spezifische Ostinato -Muster zu bedeuten, die von einem Tres, einem Klavier, einem Instrument der Geigenfamilie oder Saxophone gespielt werden.[27] Der Guajeo ist ein grundlegender Bestandteil des heutigen Tages Salsa, und Lateinischer Jazz. Das folgende Beispiel zeigt ein grundlegendes Guajeo -Muster.

Kubanischer Guajeo in der Schnittzeit geschrieben Spielen 

Der Guajeo ist ein nahtloser Afro-Euro-Ostinato-Hybrid, der einen großen Einfluss auf Jazz, R & B, hatte Rock 'n' Roll und populäre Musik im Allgemeinen. Die Beatles'"Ich fühle mich gut"Gitarre Riff ist Guajeo-ähnlich.

Riff

In verschiedenen populären Musikstilen, Riff Bezieht sich auf eine kurze, entspannte Phrase, die sich über wechselnde Melodien wiederholt. Es kann als Refrain dienen oder Melodische Figur, oft von der gespielt Rhythmusgruppe Instrumente oder Soloinstrumente, die die Grundlage bilden oder Begleitung einer musikalischen Komposition.[28] Obwohl sie am häufigsten in gefunden werden Rockmusik, Heavy Metal Musik, Latein, funk und Jazz, klassische Musik basiert manchmal auch auf einem einfachen Riff, wie z. Ravel's Bolero. Riffs können so einfach sein wie ein Tenorsaxophon, der eine einfache, eingängige rhythmische Figur hupt, oder so komplex wie die Riff-basierten Variationen in der Kopf Arrangements gespielt von der Graf Basie Orchestra.

David Brackett (1999) definiert Riffs als "kurze melodische Phrasen" Richard Middleton (1999)[29] definiert sie als "kurze rhythmische, melodische oder harmonische Figuren, die wiederholt werden, um einen strukturellen Rahmen zu bilden". Rikky Rooksby[30] Staaten: "Ein Riff ist ein kurzer, wiederholter, unvergesslicher musikalischer Satz, der oft niedrig auf die Gitarre steht, die einen Großteil der Energie und Aufregung eines Rocksongs konzentriert."

In Jazz und R & bRiffs werden häufig als Ausgangspunkt für längere Kompositionen verwendet. Das Riff von Charlie Parker's Bebop Nummer "Jetzt ist die Zeit"(1945) wurde vier Jahre später als R & B-Tanzhit wieder aufgenommen"Der Hucklebuck". Der Vers von" The Hucklebuck " - ein weiteres Riff - wurde" ausgeliehen "von der Artie Matthews -Komposition" geliehen. "Müde Blues". Glenn Millers"In der Stimmung"Hatte ein früheres Leben als Wingy Manone'S "Tar Paper Stomp". Alle diese Songs verwenden Zwölf Bar Blues Riffs und die meisten dieser Riffs gehen wahrscheinlich den angegebenen Beispielen voraus.[31]

Keines der Begriffe "Riff" oder "lecken'werden in verwendet in klassische Musik. Stattdessen werden einzelne musikalische Phrasen, die als Grundlage klassischer Musikstücke verwendet werden, Ostinatos oder einfach Phrasen genannt. Zeitgenössische Jazzschreiber verwenden auch Riff- oder Lick-ähnliche Ostinatos in modal Musik. Lateinischer Jazz Verwendet oft Riffs in Guajeo.

Vamp

VAMP -Riff typisch für Funk und R & B[32] Spielen 

In der Musik, a Vamp ist ein Wiederholung Musikalische Figur, Sektion,[32] oder Begleitung benutzt in Blues, Jazz, Evangelium, Seele, und Musiktheater.[33] VAMPs sind auch in gefunden Felsen, Funk, Reggae, R & b, Pop, und Land.[32] VAMPs sind normalerweise harmonisch spärlich:[32] Ein Vamp kann aus einem einzelnen Akkord oder einer Sequenz von Akkorden bestehen, die in einem wiederholten Rhythmus gespielt werden. Der Begriff erschien häufig in der Anweisung "Vamp Till Ready" für beliebte Songs in den 1930er und 1940er Jahren, was darauf hinweist, dass der Begleiter den musikalischen Satz wiederholen sollte, bis der Sänger fertig war. VAMPs sind im Allgemeinen symmetrisch, in sich geschlossen und offen für Variationen.[32] Das Äquivalent in klassische Musik ist ein Ostinato, in Hip Hop und elektronische Musik das Schleifeund in Rockmusik die Riff.[32]

Der Slang -Begriff Vamp kommt aus dem mittleren englischen Wort Vampe (Socke), von altem Französisch Avanpie, entspricht dem modernen Französisch Avant-Pied, buchstäblich vor dem Fuß.[32][34]

Viele vamp-orientierte Songwriter beginnen den kreativen Prozess, indem sie versuchen, eine Stimmung oder ein Gefühl zu erinnern, während sie sich frei auf einem Instrument oder einem SCAT-Gesang riffieren. Viele bekannte Künstler bauen hauptsächlich Lieder mit einem VAMP/Riff/Ostinato -basierten Ansatz - einschließlich John Lee Hooker (""Boogie Chillen"," House Rent Boogie "), Bo Diddley (""Hey Bo Diddley","Wen liebst du?"),, Jimmy Seite (""Streifen auf","Bron yr aur"),, Neun Zoll Nägel (""Näher"), und Beck (""Verlierer").

Zu den klassischen Beispielen für VAMPs im Jazz gehören "Eine Nacht in Tunesien","Nimm fünf","Eine Liebe Oberste","Jungfernfahrt", und "Cantaloupe Island".[7] Zu den Rock -Beispielen gehören die lange Marmelade an den Enden von "Kleingeld" durch Neil Young und Crazy Horse und "Früher oder später" durch Königs x.

Jazz, Fusion und lateinischer Jazz

Im Jazz, Verschmelzungund verwandte Genres bietet ein Hintergrund -Vamp einem Darsteller einen harmonischen Rahmen, der die Improvisation unterstützt. Im Lateinischer Jazz Guajeos erfüllen die Rolle des Klaviervamps. Ein VAMP zu Beginn einer Jazz -Melodie kann als Sprungbrett zur Hauptauflage fungieren; Ein Vamp am Ende eines Songs wird oft als a genannt Schild.

Beispiele

"Nimm fünf"Beginnt mit einer wiederholten, synkopierten Figur in 5
4
Zeit, welcher Pianist Dave Brubeck spielt im gesamten Lied (außer Joe Morello's Drum -Solo und eine Variation der Akkorde im mittleren Abschnitt).

Die Musik von Meilen davisModalperiode (c.1958–1963) basierte auf improvisierenden Songs mit einer kleinen Anzahl von Akkorden. Der Jazzstandard "Na und"Verwendet einen Vamp in der Zwei-Note" sooooo was? "Figur, regelmäßig vom Klavier und der Trompete gespielt. Jazzwissenschaftler Barry Kernfeld nennt diese Musik diese Musik VAMP -Musik.[Vollständiges Zitat benötigt]

Beispiele sind die Outros zu George Benson's "Körpersprache"Und" Plum "und das Solo ändert sich zu"Breezin'".[32] Die folgenden Songs werden von VAMPS dominiert: John Coltrane, Kenny Burrell, und Grant Green's Versionen von "Meine Lieblingsdinge",", Herbie Hancock's "Wassermelonenmann" und "Chamäleon",", Wes Montgomery's "Bumpin 'auf Sonnenuntergang", und Larry Carlton's "Raum 335".[32]

Der als Guajeo bekannte Afro-Cuban-Vamp-Stil wird in der verwendet Bebop/Lateinischer Jazz Standard "Eine Nacht in Tunesien". Abhängig vom Musiker könnte eine sich wiederholende Figur in" A Night in Tunesien "als als bezeichnet werden Ostinato, Guajeo, Riff, oder Vamp. Der kubanische Jazz-Hybrid umfasst die Disziplinen, die all diese Begriffe umfassen.

Evangelium, Seele und Funk

Im Evangelium und Soul Musik, die Band vampiert oft auf einer einfachen Ostinato Rille Am Ende eines Songs, normalerweise über einem einzigen Akkord. In der Soulmusik enthält das Ende von aufgenommenen Songs oft eine Darstellung von Gesangseffekten - wie schnelle Schuppen, Arpeggios und improvisierte Passagen. Für Aufnahmen verblassen Sound Engineers allmählich den VAMP -Bereich am Ende eines Songs, um zum nächsten Track auf dem Album zu wechseln. Salsoul Sänger wie Loleatta Holloway Ich bin mir am Ende der Songs für ihre Gesangsinimprovisationen bemerkenswert geworden, und sie werden in anderen Songs probiert und verwendet. Andrae Crouch erweiterte die Verwendung von VAMPs im Evangelium und führte Kettenvamps ein (ein Vamp nach dem anderen, jeder aufeinanderfolgende Vamp von Anfang an).[35]

Die Funkmusik aus den 1970er Jahren ausnimmt oft eine kurze ein oder zwei Bar-Musikfiguren, die auf einem einzigen Akkord basieren. Man würde einen Einführungsvamp in Jazz oder Soulmusik in Betracht ziehen und dann diesen Vamp als Grundlage des gesamten Songs ("verwendet (" ("Funky Schlagzeuger"Von James Brown, zum Beispiel). Jazz, Blues und Rock basieren fast immer auf Akkordfortschritten (eine Abfolge von sich ändernden Akkorden), und sie verwenden die sich verändernde Harmonie, um Spannungen aufzubauen und das Interesse des Zuhörers aufrechtzuerhalten. Im Gegensatz zu diesen Musikgenres Funk, Funk basiert auf der rhythmischen Groove der Percussion, der Rhythmussektionsinstrumente und einer tiefen Elektro -Bass -Linie, normalerweise überall in einem einzigen Akkord. "In Funk ist Harmony häufig an zweiter Stelle auf das" Schloss ", die Verknüpfung von kontrapunten Teilen, die gespielt werden auf Gitarre, Bass und Schlagzeug im sich wiederholenden Vamp. "[32]

Beispiele beinhalten Stevie Wonder's Vamp-basiert "Aberglaube"[32] und Little Johnny Taylor's "Teilzeit Liebe", mit einer erweiterten Improvisation über einen Vamp-Zwei-Akkord.[35]

Musiktheater

Im Musiktheater, ein Vamp oder ein Intro ist die wenigen Riegel, eins bis acht Musik ohne Texte, die eine gedruckte Kopie eines Songs beginnen.[36] Das Orchester kann den VAMP oder eine andere Begleitung während des Dialog- oder Bühnengeschäfts als Begleitung für die Aufenthaltsübergänge unbestimmter Länge wiederholen. Die Punktzahl liefert vom Leiter eine VAMP -Zahl von ein oder zwei Stangen und zeigt "VAMP bis Cue" an. Der VAMP gibt den Sängern auf der Bühne Zeit, sich auf das Lied oder den nächsten Vers vorzubereiten, ohne dass die Musik innehalten muss. Sobald der VAMP -Bereich beendet ist, setzt sich die Musik bis zum nächsten Abschnitt fort.

Der VAMP kann vom Komponisten des Songs, einem Kopiker des Verlags oder dem Arrangeur für den Sänger, geschrieben werden.[36] Der VAMP dient drei Hauptzwecken: Er liefert den Schlüssel, legt das Tempo fest und bietet einen emotionalen Kontext.[37] Der VAMP kann so kurz sein wie a Glockenton, Stachel (Ein harmonisierter Glockenton mit Belastung der Startnotiz) oder misst lange.[37] Das ausfahren ist die Übergangsmusik, die mit dem Downbeat des letzten Wortes des Songs beginnt und normalerweise zwei bis vier Bars lang ist, obwohl es so kurz wie ein Stich oder so lang wie ein Roxy -Rideout sein kann.[38]

Indische klassische Musik

Im Indische klassische Musik, während Tabla oder Pakhawaj Solo -Leistungen und Kathak Tanzbegleiter, ein konzeptionell ähnliches melodisches Muster, das als das bekannt ist Lehara (manchmal Lehra geschrieben)[39] Oder Nagma wird während der gesamten Aufführung wiederholt gespielt. Dieses melodische Muster ist auf die Anzahl der Beats in einem rhythmischen Zyklus festgelegt (Tala oder Taal) durchgeführt werden und kann auf einer oder einer Mischung aus mehreren basieren Ragas.

Die Grundidee des Lehara besteht darin, einen stetigen melodiösen Rahmen zu bieten und den Zeitzyklus für rhythmische Improvisationen zu behalten. Es dient nicht nur als Hörwerk, nicht nur für den Solisten, sondern auch für das Publikum, um den Einfallsreichtum der Improvisationen und damit die Vorzüge der Gesamtleistung zu schätzen. In der indischen klassischen Musik trägt das Konzept von 'Sam' (ausgesprochen als "Summe") eine wichtige Bedeutung. Der Sam ist der Target Unison Beat (und fast immer der erste Schlag) eines rhythmischen Zyklus. Der zweitwichtigste Beat ist der Khali, bei dem es sich um eine Ergänzung des Sam handelt. Neben diesen beiden prominenten Schlägen gibt es in einem bestimmten Taal noch andere Beats der Betonung, die 'Khands (Divisions) des Taal bedeuten. Z.B. 'Roopak' oder 'Rupak' Taal, ein rhythmischer Zyklus mit 7 Beat, wird 3–2–2 geteilt, was bedeutet, dass die 1., 4. und 6. Schläge die prominenten Schläge in diesem Taal sind. Daher ist es üblich, aber nicht wesentlich, die Lehara nach den Spaltungen des Taal auszurichten. Es geschieht mit der Ansicht, die Beats zu betonen, die die Spaltungen des Taal markieren.

Die Lehara kann auf einer Vielzahl von Instrumenten gespielt werden, einschließlich der Sarangi, Harmonium, Sitar, Sarod, Flöte und andere. Das Spiel der Lehara ist relativ frei von den zahlreichen Regeln und Einschränkungen von Raga Sangeet, die in der Tradition der indischen klassischen Musik bestätigt und geehrt werden. Die Lehara kann mit kurzen und gelegentlichen Improvisationen durchsetzt sein, die sich um die grundlegende Melodie befinden. Es ist auch zulässig, im Verlauf der Leistung zwischen zwei oder unterschiedlicheren Melodien zu wechseln. Es ist wichtig, dass der Lehara mit der höchsten Präzision in gespielt wird Laien (Tempo) und Swara Kontrolle, die jahrelanges spezialisiertes Training erfordert (Taalim) und üben (Riyaaz). Es gilt als Kennzeichen der Exzellenz, Lehara neben einer anerkannten Tabla- oder Pakhawaj -Virtuose zu spielen, da es eine schwierige Aufgabe ist, einen stetigen Puls zu halten, während der Percussionist improvisieren oder schwierige Kompositionen im Kontrapunkt spielt. Zwar gibt es möglicherweise zahlreiche individuell talentierte Instrumentalisten, aber es gibt nur sehr wenige, die in der Lage sind, die Lehra für eine Tabla / Pakhawaj -Solo -Leistung zu spielen.[40]

Siehe auch

Verweise

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