Musiktheater

Musiktheater ist eine Form von theatralisch Performance, die Songs kombiniert, gesprochen Dialog, Schauspiel und Tanz. Die Geschichte und der emotionale Inhalt eines Musicals - Humor, Pathos, Liebe, Wut - werden durch Wörter, Musik, Bewegung und technische Aspekte der Unterhaltung als integriertes Ganzes kommuniziert. Obwohl das Musiktheater mit anderen Theaterformen wie überschneidet Oper und tanzt, kann es durch die gleiche Bedeutung der Musik im Vergleich zu Dialog, Bewegung und anderen Elementen unterschieden werden. Seit dem frühen 20. Jahrhundert wurden die Werke der Musiktheater im Allgemeinen einfach genannt, einfach, Musicals.

Obwohl Musik seit der Antike Teil dramatischer Präsentationen ist, entstand im 19. Jahrhundert das moderne westliche Musiktheater, wobei viele strukturelle Elemente von den Werken von festgelegt wurden Gilbert und Sullivan in Großbritannien und denen von Harrigan und Hart in Amerika. Darauf folgten die zahlreichen Edwardian musikalische Komödien und das Musiktheater Werke amerikanischer Schöpfer mögen George M. Cohan um die Wende des 20. Jahrhunderts. Das Princess Theatre Musicals (1915–1918) waren künstlerische Schritte darüber hinaus Revues und andere schaumige Unterhaltungen des frühen 20. Jahrhunderts und führten zu bahnbrechenden Werken wie Bootsboot (1927), Von dir singe ich (1931) und Oklahoma! (1943). Einige der berühmtesten Musicals in den folgenden Jahrzehnten umfassenMeine schöne Frau (1956), Die Fantasticks (1960), Haar (1967), Eine Chorlinie (1975), Les Misérables (1985), Das Phantom der Oper (1986), Miete (1996), Die Produzenten (2001), Böse (2003) und Hamilton (2015). Im Jahr 2020–2021 wurden viele Musiktheaterproduktionen aufgrund deses geschlossen Covid-19 Pandemie.

Musicals werden weltweit durchgeführt. Sie können an großen Orten wie Big-Budget vorgestellt werden Broadway oder Westende Produktionen in New York City oder London. Alternativ können Musicals an kleineren Orten inszeniert werden, wie z. Randtheater, Off-Broadway, Off-Off-Broadway, Regionales Theater, oder Community Theatre Produktionen, oder auf Tour. Musicals werden oft von präsentiert von Amateur- und Schulgruppen In Kirchen, Schulen und anderen Performance -Räumen. Neben den Vereinigten Staaten und Großbritannien gibt es in Kontinentaleuropa, Asien, Australasien, Kanada und Lateinamerika lebendige Musiktheaterszenen.

Definitionen und Umfang

Buchmusicals

Seit dem 20. Jahrhundert ist das "Buch Musical" als Musikstück definiert, in dem Lieder und Tänze vollständig in eine gut gemachte Geschichte mit ernsthaften dramatischen Zielen integriert sind und in der Lage sind, echte Emotionen als das Lachen hervorzurufen.^[2][3] Die drei Hauptkomponenten eines Buchmusicals sind seine Musik, Text und Buchen. Das Buch oder Skript von einem Musical bezieht Libretto (Italienisch für "kleines Buch"). Die Musik und Texte zusammen bilden die Punktzahl eines Musicals und einschließen Lieder, Nebenmusik und musikalische Szenen, die "Theatersequenz [s] auf Musik setzt und oft mit gesprochenem Dialog kombiniert".^[4] Die Interpretation eines Musicals liegt in der Verantwortung seines Kreativteams, zu dem auch a gehören Direktor, a Musikdirektor, normalerweise a Choreograph und manchmal ein Orchestrator. Die Produktion eines Musicals wird auch kreativ durch technische Aspekte gekennzeichnet, wie z. Set Design, Kostüme, Bühneneigenschaften (Requisiten), Beleuchtung und Klang. Das Kreativteam, Designs und Interpretationen ändern sich im Allgemeinen von der ursprünglichen Produktion zu den nachfolgenden Produktionen. Einige Produktionselemente können jedoch beispielsweise aus der ursprünglichen Produktion zurückgehalten werden, Bob FosseChoreografie in Chicago.

Es gibt keine feste Länge für ein Musical. Während es von einer kurzen Ein-Akt-Unterhaltung bis zu mehreren reichen kann Akte und einige Stunden lang (oder sogar eine Mehrfassungspräsentation) reichen die meisten Musicals zwischen eineinhalb bis drei Stunden. Musicals werden normalerweise in zwei Akten mit einem kurzen dargestellt Pauseund der erste Akt ist häufig länger als der zweite. Der erste Akt führt im Allgemeinen fast alle Charaktere und den größten Teil der Musik ein und endet oft mit der Einführung eines dramatischen Konflikt- oder Handlungskomplikationen oder Komplikation. Ein Buchmusical basiert normalerweise um vier bis sechs Hauptthemen, die später in der Show wiedergegeben werden, obwohl es manchmal aus einer Reihe von Songs besteht, die nicht direkt musikalisch verwandt sind. Der gesprochene Dialog wird im Allgemeinen zwischen Musiknummern durchsetzt, obwohl "gesungener Dialog" oder Rezitativ kann verwendet werden, besonders in sogenannten "durchgesungen"Musicals wie z. Jesus Christus Superstar, Falsettos, Les Misérables, Evita und Hamilton. In einem Akt wurden mehrere kürzere Musicals am Broadway und im West End im 21. Jahrhundert vorgestellt.

Momente der größten dramatischen Intensität in einem Buchmusical werden oft in Liedern aufgeführt. Sprichwörtlich: "Wenn die Emotion für die Sprache zu stark wird, singen Sie; wenn es zu stark für Lied wird, tanzt du."^[5] In einem Buchmusical wird ein Lied idealerweise zur Anpassung an den Charakter (oder Charaktere) und ihre Situation in der Geschichte gefertigt. Obwohl es Zeiten in der Geschichte des Musicals gab (z. B. von den 1890er bis in die 1920er Jahre), als diese Integration zwischen Musik und Geschichte schwach war. Wie Die New York Times Kritiker Ben Brantley beschrieb das Ideal des Songs im Theater bei der Überprüfung der Wiederbelebung von 2008 von 2008 Zigeuner: "Es gibt überhaupt keine Trennung zwischen Lied und Charakter, was in diesen ungewöhnlichen Momenten passiert, in denen Musicals nach oben greifen, um ihre idealen Gründe zu erreichen."^[6] Typischerweise werden weniger Wörter in einem fünfminütigen Song gesungen als in einem fünfminütigen Dialogblock. Daher gibt es weniger Zeit, ein Drama in einem Musical zu entwickeln als in einem geraden Spiel mit gleicher Länge, da ein Musical normalerweise mehr Zeit für die Musik widmet als dem Dialog. Innerhalb der komprimierten Natur eines Musicals müssen die Autoren die Charaktere und die Handlung entwickeln.

Das in einem Musical vorgestellte Material kann original sein oder es kann von Romanen angepasst werden (Böse und Mann von La Mancha), Theaterstücke (Hallo Dolly! und Karussell), klassische Legenden (Kamelot), historische Ereignisse (Evita) oder Filme (Die Produzenten und Billy Elliot). Andererseits wurden viele erfolgreiche Musiktheaterwerke angepasst Musikfilme, wie zum Beispiel West Side Story, Meine schöne Frau, Der Klang von Musik, Oliver! und Chicago.

Vergleiche mit Oper

Das Musiktheater ist eng mit der Theaterform von verwandt Oper, aber die beiden unterscheiden sich normalerweise durch Abwägen einer Reihe von Faktoren. Erstens haben Musicals im Allgemeinen einen größeren Fokus auf gesprochenes Dialog.^[7] Einige Musicals sind jedoch vollständig begleitet und durchgesungen, während einige Opern wie Die Zauberflöteund die meisten Operettas, haben Sie einen unbegleiteten Dialog.^[7] Zweitens beinhalten Musicals normalerweise mehr Tanzen als wesentlicher Bestandteil des Geschichtenerzählens, insbesondere von den Hauptdarstellern sowie dem Chor. Drittens verwenden Musicals oft verschiedene Genres von Populärmusik Oder zumindest beliebte Gesangs- und Musikstile.^[8]

Schließlich vermeiden Musicals normalerweise bestimmte Opernkonventionen. Insbesondere wird ein Musical fast immer in der Sprache seines Publikums aufgeführt. Musicals, die am Broadway oder im West End produziert werden, werden zum Beispiel immer in Englisch gesungen, auch wenn sie ursprünglich in einer anderen Sprache geschrieben wurden. Während ein Opernsänger in erster Linie ein Sänger ist und nur sekundär ein Schauspieler (und selten tanzen muss), ist ein Musiktheaterkünstler oft zuerst Schauspieler, muss aber auch Sänger und Tänzer sein. Jemand, der bei allen drei gleichermaßen erreicht ist, wird als "dreifache Bedrohung" bezeichnet. Komponisten von Musik für Musicals berücksichtigen oft die Gesangsanforderungen von Rollen bei Musiktheaterkünstlern. Heute verwenden große Theater, die Musicals im Allgemeinen verwenden Mikrofone und Verstärkung von den Gesangsstimmen der Schauspieler auf eine Weise, die im Allgemeinen in einem Opernkontext missbilligt wird.^[9]

Einige Werke (z. B. durch George Gershwin, Leonard Bernstein und Stephen Sondheim) wurden sowohl in "Musiktheater" als auch in "Opern" -Produktionen gemacht.^[10][11] In ähnlicher Weise einige ältere Operettas oder leichte Opern (wie z. Die Piraten von Penzance durch Gilbert und Sullivan) wurden in modernen Anpassungen hergestellt, die sie als Musicals behandeln. Für einige Werke sind Produktionsstile fast genauso wichtig wie der musikalische oder dramatische Inhalt der Arbeit, um zu definieren, in welche Kunst das Stück fällt.^[12] Sondheim sagte: "Ich denke wirklich, wenn etwas Broadway spielt, ist es ein Musical und wenn es in einem Opernhaus spielt, ist es Oper. Das ist es. Es ist das Gelände, die Landschaft, die Erwartungen des Publikums, die es zur einen oder anderen Sache machen. "^[13] Es bleibt eine Überlappung in Form zwischen leichteren Opernformen und musikalisch komplexeren oder ehrgeizigen Musicals. In der Praxis ist es oft schwierig, unter den verschiedenen Arten von Musiktheater zu unterscheiden, einschließlich "Musical Play", "Musical Comedy", "Operetta" und "Light Opera".^[14]

Wie Opera wird der Gesang im Musiktheater im Allgemeinen von einem begleitet Instrumentalensemble genannt Grubenorchester, befindet sich in einem abgesenkten Bereich vor der Bühne. Während die Opera normalerweise einen konventionellen verwendet Symphonieorchester, Musicals werden im Allgemeinen für Ensembles orchestriert, die von 27 Spieler auf nur wenige Spieler. Rockmusicals Normalerweise eine kleine Gruppe von meistens beschäftigen Felsen Instrumente,^[15] und einige Musicals dürfen nur ein Klavier oder zwei Instrumente erfordern.^[16] Die Musik in Musicals verwendet eine Reihe von "Stilen und Einflüssen einschließlich der Einflüsse Operette, klassische Techniken, Volksmusik, Jazz [und] lokale oder historische Stile [die] sind der Einstellung angemessen. "^[4] Musicals können mit einem beginnen Ouvertüre Gespielt vom Orchester, dass "Weav [es] auszählungen der berühmten Melodien der Partitur zusammenfassen".^[17]

Östliche Traditionen und andere Formen

Es gibt verschiedene Ost Theatertraditionen, die Musik beinhalten, wie z. chinesische Oper, Taiwanesische Oper, Japanisch Noh und Indisches Musiktheater, einschließlich Sanskrit Drama, Indischer klassischer Tanz, Parsi Theatre und Yakshagana.^[18] Indien hat seit dem 20. Jahrhundert zahlreiche Musikfilme produziert, die als "bezeichnet" bezeichnet "Bollywood"Musicals und in Japan eine Reihe von 2.5d Musicals Basierend auf beliebten Anime und Manga Comics hat sich in den letzten Jahrzehnten entwickelt.

Kürzere oder vereinfachte "Junior" -Versionen vieler Musicals stehen für Schulen und Jugendgruppen zur Verfügung, und manchmal werden sehr kurze Arbeiten erstellt oder für die Leistung von Kindern angepasst Minimusicals.^[19][20]

Geschichte

Frühe Antezedenzien

Die Vorgeschichte des Musiktheaters in Europa können auf die zurückgeführt werden Theater des alten Griechenlands, wo Musik und Tanz im 5. Jahrhundert v. Chr. In Bühnen -Komödien und Tragödien aufgenommen wurden.^[21][22] Die Musik aus den alten Formen ist jedoch verloren und sie hatten wenig Einfluss auf die spätere Entwicklung des Musiktheaters.^[23] Im 12. und 13. Jahrhundert lehrten religiöse Dramen die Liturgie. Gruppen von Akteuren würden Outdoor verwenden Festzugswagen (Stufen auf Rädern), um jeden Teil der Geschichte zu erzählen. Poetische Formen wechselten manchmal mit den Prosa -Dialogen, und liturgische Gesänge weichen neuen Melodien.^[24]

Das Europäische Renaissance Säge ältere Formen entwickeln sich zu zwei Vorgänger des Musiktheaters: commedia dell'arte, wo rauliche Clowns vertraute Geschichten improvisierten und später, Opera Buffa. In England beinhalteten Elizabethaner und Jakobin häufig Musik.^[25] und kurze musikalische Stücke begannen in dramatische Unterhaltungen der Abende einbezogen.^[26] Gericht Masken entwickelt während des Tudorzeit Das beinhaltete Musik, Tanzen, Singen und Schauspielern, oft mit teuren Kostümen und einem Komplex Bühnenbild.^[27][28] Diese entwickelten sich zu gesungenen Stücken, die als englische Opern erkennbar sind, wobei der erste normalerweise als als angesehen wird Die Belagerung von Rhodos (1656).^[29] In Frankreich, währenddessen, Molière verwandelte einige seiner Farcical Comedies in musikalische Unterhaltungen mit Liedern (Musik zur Verfügung gestellt von Jean-Baptiste Lully) und Tanz im späten 17. Jahrhundert. Diese beeinflussten eine kurze Zeit von Englische Oper^[30] von Komponisten wie z. John Blow^[31] und Henry Purcell.^[29]

Aus dem 18. Jahrhundert waren die beliebtesten Formen des Musiktheaters in Großbritannien Balladenoper, wie John Gay's Die Bettler OperaDa enthielt Texte, die in die Melodien der beliebten Songs des Tages geschrieben wurden (oft Spoofing Opera) und später Pantomime, die sich aus Commedia Dell'arte entwickelte, und Comic Opera mit meistens romantische Handlungsstränge wie Michael Balfe's Das böhmische Mädchen (1845). Inzwischen auf dem Kontinent, singspiel, Comédie en vaudeville, Opéra Comique, Zarzuela und andere Formen der leichten musikalischen Unterhaltung tauchten auf. Die Bettler Opera war das erste aufgenommene langjährige Spiel jeglicher Art, das 1728 für 62 aufeinanderfolgende Auftritte lief. Danach dauerte es fast ein Jahrhundert, bis ein Spiel 100 Aufführungen brach, aber der Rekord erreichte in den späten 1820er Jahren bald 150.^[32] Andere Musiktheaterformen, die im 19. Jahrhundert in England entwickelt wurden, wie z. Musikhalle, Melodrama und Burletta, die teilweise wegen der meisten Londoner Theater nur als Musiksäle lizenziert wurden und keine Spiele ohne Musik präsentieren durften.

Das koloniale Amerika hatte erst 1752 eine bedeutende Theaterpräsenz, als der Londoner Unternehmer William Hallam eine Gesellschaft von Schauspielern in die von seinem Bruder verwalteten Kolonien schickte Lewis.^[33] In New York im Sommer 1753 führten sie Balladenoperas auf, wie z. Die Bettler Operaund Balladenfarmen.^[33] In den 1840er Jahren, P. T. Barnum betrieben einen Unterhaltungskomplex in Lower Manhattan.^[34] Andere frühe Musiktheater in Amerika bestanden aus britischen Formen wie Burletta und Pantomime,^[23] Aber was ein Stück genannt wurde, definierte nicht unbedingt, was es war. Der Broadway von 1852 Extravaganz Der magische Hirsch bewarb sich als "eine Serio -Comico -tragico -operatische historische extravaganzische burletische Geschichte der Verzauberung".^[35] Das Theater in New York zog ab 1850 nach und nach in die Innenstadt in Midtown und kam erst in den 1920er und 1930er Jahren auf dem Times Square an. New York läuft weit hinter denen in London, aber aber Laura Keene"Musical Burletta" Sieben Schwestern (1860) zerschmetterte frühere New Yorker Musiktheater -Platten mit einer Laufe von 253 Aufführungen.^[36]

1850er bis 1880er Jahre

Um 1850 der französische Komponist Hervé experimentierte mit einer Form des Comic -Musiktheaters, das er nannte Opérette.^[37] Die bekanntesten Komponisten von Operette war Jacques Offenbach von den 1850er bis in die 1870er Jahre und Johann Strauss II In den 1870er und 1880er Jahren.^[23] Offenbachs fruchtbare Melodien, kombiniert mit der witzigen Satire seiner Librettisten, bildeten ein Model für das folgende Musiktheater.^[37] Anpassungen der französischen Operettas (gespielt in meist schlechten, risqué Übersetzungen), Musikalische Burlesken, Music Hall, Pantomime und Burletta dominierten die Londoner Musikbühne in den 1870er Jahren.^[38]

In Amerika beinhaltete Musiktheater-Unterhaltungen der Mitte des 19. Jahrhunderts Rohöl Sorte Revue, was sich schließlich entwickelte zu Vaudeville, Minnesängershows, das bald den Atlantik nach Großbritannien überquerte, und der viktorianische Burlesque, der erstmals von britischen Truppen in den USA populär gemacht hat.^[23] Ein äußerst erfolgreiches Musical, das 1866 in New York uraufgeführt wurde, Der schwarze Gauner, war ein originales Musiktheaterstück, das an viele der modernen Definitionen eines Musicals entsprach, einschließlich Tanz und Originalmusik, die zur Erzielung der Geschichte half. Die spektakuläre Produktion, die für ihre knappen Kostüme bekannt ist, lief für eine Rekorddauer von 474 Aufführungen.^[39] Das selbe Jahr, Der schwarze Domino/zwischen dir, mir und dem Beitrag war die erste Show, die sich als "musikalische Komödie" bezeichnete. Komiker Edward Harrigan und Tony Hart produziert und in Musicals am Broadway zwischen 1878 (Das Picknick der Mulligan Guard) und 1885. Diese musikalischen Komödien zeigten Charaktere und Situationen aus dem Alltag der unteren Klassen New Yorks und stellten einen bedeutenden Schritt nach vorne in Richtung eines mehr dar legitimes Theater bilden. Sie spielten qualitativ hochwertige Sänger (Lillian Russell, Vivienne Segal und Fay Templeton) Anstelle der Damen fragwürdiger Ruf, die in früheren musikalischen Formen mitgespielt hatten.

Als sich der Transport verbesserte, verringerte sich die Armut in London und New York, und die Straßenbeleuchtung sorgte für sicherere Reisen nachts, die Zahl der Gönner für die wachsende Anzahl von Theatern nahm enorm zu. Die Theaterstücke dauerten länger und führten zu besseren Gewinnen und verbesserten Produktionswerten, und Männer begannen, ihre Familien ins Theater zu bringen. Das erste Musiktheaterstück, das 500 aufeinanderfolgende Auftritte überschritt, war die französische Operette Das Glockenspiel der Normandie 1878.^[32] Englisch Comic Opera adoptierte viele der erfolgreichen Ideen der europäischen Operetta, keine erfolgreicher als die Reihe von mehr als einem Dutzend langlebig Gilbert und Sullivan Comicopern, einschließlich H.M.S. Schürze (1878) und Der Mikado (1885).^[37] Dies waren Empfindungen auf beiden Seiten des Atlantiks und in Australien und trugen dazu bei, den Standard für eine erfolgreiche Show zu erhöhen.^[40] Diese Shows wurden für das Familienpublikum konzipiert, ein deutlicher Kontrast aus den risikogativen Burlesques, der Bawdy Music Hall -Shows und der französischen Operettas, die manchmal eine Menschenmenge zogen, die weniger gesunde Unterhaltung suchte.^[38] Nur wenige Musikstücke aus dem 19. Jahrhundert übertroffen den Lauf von Der Mikado, wie zum Beispiel Dorothy, der 1886 eröffnet wurde und einen neuen Rekord mit einem Lauf von 931 Aufführungen aufstellte. Der Einfluss von Gilbert und Sullivan auf das spätere Musiktheater war tiefgreifend und schuf Beispiele dafür, wie Musicals so "integriert" werden können, damit die Texte und der Dialog eine kohärente Geschichte vorantreiben.^[41][42] Ihre Werke waren bewundert und kopiert Von frühen Autoren und Komponisten von Musicals in Großbritannien^[43][44] und Amerika.^[40][45]

1890 bis zum neuen Jahrhundert

Eine Reise nach Chinatown (1891) war Broadways langfristiger Champion (bis Irene 1919) lief für 657 Aufführungen, aber New York Runs war mit wenigen Ausnahmen im Vergleich zu Londoner Läufen bis in die 1920er Jahre weiterhin relativ kurz.^[32] Gilbert und Sullivan wurden weit verbreitet und wurden auch in New York von Produktionen wie nachgeahmt Reginald de Koven's Robin Hood (1891) und John Philip Sousa's El Capitan (1896). Eine Reise nach Coontown (1898) war die erste musikalische Komödie, die vollständig produziert und aufgeführt wurde von Afroamerikaner am Broadway (weitgehend inspiriert von den Routinen der Minnesängershows), gefolgt von Ragtime-Tinged Shows. Hunderte von Musikkomödien wurden in den 1890er und frühen 20. Jahrhundert am Broadway inszeniert und bestanden aus Liedern, die in New York geschrieben wurden Zinnpfanne Gasse, einschließlich derer von George M. Cohan, der daran arbeitete, einen amerikanischen Stil zu kreieren, der sich von den Werken Gilbert und Sullivan unterscheidet. Die erfolgreichsten New Yorker Shows folgten oft umfangreiche nationale Touren.^[46]

Inzwischen übernahm Musicals die Londoner Bühne in der Schwule Neunzig, angeführt von Produzenten George Edwardes, der wahrnahm, dass das Publikum eine neue Alternative zur Wirsing-Stil -Comic -Opern und ihre intellektuelle, politische, absurde Satire. Er experimentierte mit einem modernen Kleid, einem familienfreundlichen Musiktheater, mit luftigen, beliebten Liedern, schäbigen, romantischen Scherze und stilvollem Spektakel bei The the Fröhlichkeit und seine anderen Theater. Diese stützten sich auf die Traditionen der Comic -Oper und verwendeten Elemente von Burlesque und der Harrigan- und Hart -Stücke. Er ersetzte die bawdy Frauen von Burlesque durch sein "respektables" Korps von Gaiety Girls Um den musikalischen und visuellen Spaß zu vervollständigen. Der Erfolg des ersten davon, In der Stadt (1892) und Ein Gaiety Girl (1893) setzen den Stil für die nächsten drei Jahrzehnte. Die Handlungen waren im Allgemeinen leicht, romantische "arme Mädchen liebt Aristokrat und gewinnt ihn gegen alle Widrigkeiten", mit Musik von Musik von Ivan Caryll, Sidney Jones und Lionel Monckton. Diese Shows wurden in Amerika sofort kopiert, und Edwardian Musical Comedy Fegte die früheren musikalischen Formen der Comic -Oper und der Operetta weg. Die Geisha (1896) war einer der erfolgreichsten in den 1890er Jahren, lief mehr als zwei Jahre lang und erzielte einen großartigen internationalen Erfolg.

Die Belle von New York (1898) war das erste amerikanische Musical, das über ein Jahr in London lief. Die britische Musikkomödie Florodora (1899) war ein beliebter Erfolg auf beiden Seiten des Atlantiks, wie es war Eine chinesische Flitterwochen (1901), das in London und 376 in New York für eine Rekordaufnahme von 1.074 Aufführungen lief. Nach der Wende des 20. Jahrhunderts, Seymour Hicks schloss sich mit Edwardes und dem amerikanischen Produzenten zusammen Charles Frohman Ein weiteres Jahrzehnt beliebter Shows zu schaffen. Andere dauerhafte edwardianische musikalische Comedy -Hits enthalten Die Arkadier (1909) und Das Quäkermädchen (1910).^[47]

Frühes 20. Jahrhundert

Operettas kehrte 1907 von der englischsprachigen Bühne durch Konkurrenz der allgegenwärtigen edwardianischen Musikkomödien zurück und kehrte 1907 nach London und Broadway zurück Die fröhliche Witweund Anpassungen kontinentaler Operettas wurden zu direkten Konkurrenten mit Musicals. Franz Lehár und Oscar Straus komponierte neue Operettas, die bis zum Ersten Weltkrieg auf Englisch beliebt waren. I.^[48] In Amerika, Victor Herbert produzierte eine Reihe dauerhafter Operettas, einschließlich Der Wahrsager (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modistin (1905), Die rote Mühle (1906) und Naughty Marietta (1910).

In den 1910er Jahren das Team von P. G. Wodehouse, Guy Bolton und Jerome Kern, in den Fußstapfen von folgen Gilbert und Sullivan, erstellt das "Princess Theatre zeigt "und ebnet den Weg für Kerns spätere Arbeit, indem sie zeigt, dass ein Musical leichte, beliebte Unterhaltung mit Kontinuität zwischen seiner Geschichte und seinen Liedern kombinieren kann.^[41] Historiker Gerald Bordman schrieb:

Diese Shows bauten und polierten die Form, aus der sich fast alle späteren großen musikalischen Komödien entwickelten. ... Die Charaktere und Situationen standen innerhalb der Grenzen der musikalischen Comedy -Lizenz glaubwürdig und der Humor stammte aus den Situationen oder der Natur der Charaktere. Kerns exquisit fließende Melodien wurden eingesetzt, um die Wirkung zu fördern oder Charakterisierung zu entwickeln. ... [Edwardian] Musical Comedy war oft schuldig, Lieder in eine Hit-or-Miss-Art und Weise einzuführen. Die Princess Theatre Musicals haben eine Veränderung des Ansatzes herbeigeführt. P. G. Wodehouse, der aufmerksamste, gebildete und witzigste Texter seiner Zeit, und das Team von Bolton, Wodehouse und Kern hatten bis heute einen Einfluss.^[49]

Die öffentliche Kinos brauchte eine Eskapistenunterhaltung in den dunklen Zeiten von Erster Weltkriegund sie strömten ins Theater. Das 1919er Hit -Musical Irene lief für 670 Aufführungen, einen Broadway -Rekord, der bis 1938 stattfand.^[50] Das britische Theater Publikum unterstützte weit längere Läufe wie das von Die Dienstmädchen der Berge (1.352 Aufführungen) und insbesondere Chu Chin Chow. Der Lauf von 2.238 Leistungen betrug mehr als doppelt so lang wie jedes frühere Musical, was einen Rekord aufstellte, der fast vierzig Jahre lang stand.^[51] Revues wie Die Bing -Jungs sind hier in Großbritannien und denen von Florenz Ziegfeld Und seine Nachahmer in Amerika waren ebenfalls außerordentlich beliebt.^[35]

Die Musicals der Wilde Zwanziger, Kreditaufnahme aus Vaudeville, Musikhalle und andere leichte Unterhaltungen neigten dazu, große Tanzroutinen und populäre Songs auf Kosten der Handlung zu betonen. Typisch für das Jahrzehnt waren unbeschwerte Produktionen wie Ausfall; Frau, sei gut; Nein, nein, Nanette; Oh, Kay!; und Lustiges Gesicht. Trotz unvergesslicher Geschichten zeigten diese Musicals Sterne wie Marilyn Miller und Fred Astaire und produzierte Dutzende von dauerhaften populären Songs von Kern, George und Ira Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter und Rodgers und Hart. Populärmusik wurde von Musiktheaterstandards dominiert, wie z. "Faszinierender Rhythmus","Tee für zwei" und "Jemand der auf mich aufpasst". Viele Shows waren Revues, Serie von Skizzen und Songs mit wenig oder gar keinem Zusammenhang zwischen ihnen. Die bekanntesten davon waren die jährlichen Ziegfeld Follies, spektakuläre Song-and-Dance-Revuen am Broadway mit extravaganten Sets, aufwändigen Kostümen und schönen Chor-Mädchen.^[23] Diese Brillen erhöhten auch die Produktionswerte und die Montage eines Musicals wurde im Allgemeinen teurer.^[35] Mischen (1921), ein All-Afroamerikaner Show war ein Hit am Broadway.^[52] In den 1920er Jahren entstand auch eine neue Generation von Komponisten von Operettas, wie z. Rudolf Friml und Sigmund Romberg, um eine Reihe beliebter Broadway -Hits zu schaffen.^[53]

In London, Autorenstars wie wie Ivor Novello und Noël Feigling wurde populär, aber das Primat des britischen Musiktheaters vom 19. Jahrhundert bis 1920 wurde allmählich durch amerikanische Innovation ersetzt, insbesondere nach dem Ersten Weltkrieg, als Kern und andere Zinnpfanne Gasse Komponisten begannen, neue musikalische Stile wie zu bringen wie Ragtime und Jazz zu den Theatern und die Shubert -Brüder Übernahm die Kontrolle über die Broadway -Theater. Musiktheaterautorin Andrew Lamb Anmerkungen "Die Opern- und Theaterstile der sozialen Strukturen des 19. Jahrhunderts wurden durch einen musikalischen Stil ersetzt, der treffend für die Gesellschaft des 20. Jahrhunderts und seine Umgangssprache geeignet ist. Es stammte aus Amerika, dass der direktere Stil entstand in einer sich entwickelnden Gesellschaft in der Lage, in der Tradition des 19. Jahrhunderts weniger versteckt zu werden. "^[54] In Frankreich, Comédie Musicale wurde in den frühen Jahrzehnten des Jahrhunderts für Sterne geschrieben wie Yvonne Printemps.^[55]

Bootsboot und die Weltwirtschaftskrise

Weit über die vergleichsweise frivole Musicals und sentimentalen Operetten des Jahrzehnts hinausgehen, Broadway's Bootsboot (1927) stellte eine noch vollständigere Integration von Buch und Partitur dar als die Princess Theatre Musicals mit dramatischen Themen, die durch Musik, Dialog, Umgebung und Bewegung erzählt wurden. Dies wurde erreicht, indem die Lyrik von Kerns Musik mit dem geschickten Libretto von kombiniert wurde Oscar Hammerstein II. Ein Historiker schrieb: "Hier kommen wir zu einem völlig neuen Genre - das musikalische Stück wie die musikalische Komödie. Jetzt ... alles andere war diesem Stück unterworfen. Jetzt ... kam die vollständige Integration von Song-, Humor- und Produktionszahlen in die Figur Eine einzelne und untrennbare künstlerische Einheit. "^[56]

Als die Weltwirtschaftskrise während der Post-Broadway National Tour von eingestellt BootsbootDie Öffentlichkeit wandte sich wieder hauptsächlich zu leichtem, flüchtigen Song-and-Dance-Unterhaltung.^[49] Das Publikum auf beiden Seiten des Atlantiks hatte wenig Geld für Unterhaltung, und nur wenige Bühnenshows übertroffen über einen Lauf von 500 Aufführungen im Jahrzehnt. Die Revue Der Bandwagen (1931) Die Hauptrolle auf Tanzpartner Fred Astaire und seine Schwester Adele, während Porters Alles geht (1934) bestätigt Ethel MermanDie Position als First Lady of Musical Theatre, ein Titel, den sie viele Jahre lang unterhielt. Feigling und Novello lieferten weiterhin altmodische, sentimentale Musicals, wie z. Die Tanzjahre, während Rodgers und Hart aus Hollywood zurückkehrten, um eine Reihe erfolgreicher Broadway -Shows zu kreieren, einschließlich Auf deinen Zehen (1936, mit Ray Bolger, das erste Broadway -Musical, um den klassischen Tanz dramatisch zu nutzen), Babes in Armen (1937) und Die Jungs aus Syrakus (1938). Porter hinzugefügt Du Barry war eine Frau (1939). Das am längsten laufende Stück Musiktheater der 1930er Jahre war Hellzapoppin (1938), eine Revue mit Teilnahme des Publikums, die für 1.404 Aufführungen spielte und einen neuen Broadway -Rekord aufstellte.^[50]

Trotzdem begannen einige Kreativteams aufzubauen Bootsboot's Innovationen. Von dir singe ich (1931), eine politische Satire der Gershwins, war das erste Musical, das das mitteilte Pulitzer-Preis.^[23][57] Als Tausende jubeln (1933), eine Revue von Irving Berlin und Moss Hart In welchem ​​Song oder jede Skizze basiert auf einer Zeitungsüberschrift die erste Broadway-Show, in der ein Afroamerikaner, Ethelwasser, spielte neben weißen Schauspielern. Waters 'Zahlen enthalten "Abendessenzeit", Die Klage einer Frau um ihren Ehemann, der gelyncht wurde.^[58] Die Gershwins ' Porgy und bess (1935) zeigte eine all Afroamerikanische Besetzung und mischte Opern-, Folk- und Jazz-Idioms. Die Wiege wird rocken (1937), inszeniert von Orson Welleswar ein sehr politischer Pro-Union Stück, dass trotz der Kontroverse um 108 Aufführungen lief.^[35] Rodgers und Harts Ich hätte lieber Recht (1937) war eine politische Satire mit George M. Cohan als Präsident Franklin D. Roosevelt, und Kurt Weill's Knickerbocker Urlaub Darstellung der frühen Geschichte von New York City, während er Roosevelts gute Absichten gutmütig satirisierte.

Der Film stellte eine Herausforderung für die Bühne. Stummfilme hatten nur einen begrenzten Wettbewerb vorgestellt, aber bis Ende der 1920er Jahre wie Filme wie Der Jazzsänger könnte mit synchronisiertem Sound präsentiert werden. "Talkie" Filme zu niedrigen Preisen effektiv getötet Vaudeville In den frühen 1930er Jahren.^[59] Trotz der wirtschaftlichen Probleme der 1930er Jahre und der Konkurrenz des Films überlebte das Musical. Tatsächlich entwickelte es sich weiterhin thematisch über die Gags und Showgirls -Musicals der Schwule Neunzig und Wilde Zwanziger und die sentimentale Romanze von Operetta, das technische Know-how und den schnelllebigen Staging und den naturalistischen Dialogstil von Director hinzufügt George Abbott.^[23]

Das goldene Zeitalter (1940er bis 1960er Jahre)

1940er Jahre

Die 1940er Jahre würden mit mehr Hits von Porter beginnen, Irving Berlin, Rodgers und Hart, Weill und Gershwin, einige mit über 500 Aufführungen, als sich die Wirtschaft erholte, aber der künstlerische Wandel lag in der Luft.

Rodgers und Hammerstein's Oklahoma! (1943) beendeten die von der Revolution begonnene Revolution von BootsbootDurch die enge Integration aller Aspekte des Musiktheater spärlich gekleidete Frauen über die Bühne.^[3] Rodgers und Hammerstein mieteten Ballett -Choreograf Agnes de Mille, der alltägliche Bewegungen benutzte, um den Charakteren zu helfen, ihre Ideen auszudrücken. Es widersetzte Oh, was für ein schöner Morgen ' ohne Begleitung. Es zeichnete begeisterte Bewertungen, machte einen Kassenrummel aus und erhielt eine Pulitzer-Preis.^[60] Brooks Atkinson schrieb in Die New York Times Dass die Eröffnungszahl der Show die Geschichte des Musiktheaters veränderte: "Nach einem solchen Vers wurde die Banalitäten der alten Musikbühne unerträglich."^[61] Es war die erste "Blockbuster" Broadway -Show mit insgesamt 2.212 Aufführungen und wurde in einen Hit -Film gemacht. Es bleibt eines der am häufigsten produzierten Projekte des Teams. William A. Everett und Paul R. Laird schrieb, dass dies eine "Show war, das, wie Bootsboot, wurde ein Meilenstein, so dass spätere Historiker, die über wichtige Momente im Theater des 20. Jahrhunderts schreiben Oklahoma!".^[62]

"Nach Oklahoma!, Rodgers und Hammerstein waren die wichtigsten Mitwirkenden für die Musikform für Musical-Play ... Die Beispiele, die sie bei der Schaffung wichtiger Stücke lieferten, die oft reich an sozialem Denken sind, ermutigten anderen begabten Schriftstellern die notwendige Ermutigung, um eigene musikalische Stücke zu kreieren. "^[56] Die beiden Mitarbeiter haben eine außergewöhnliche Sammlung einiger der am besten geliebten und beständigsten Klassiker des Musiktheaters geschaffen, einschließlich Karussell (1945), Südpazifik (1949), Der König und ich (1951) und Der Klang von Musik (1959). Einige dieser Musicals behandeln ernsthaftere Themen als die meisten früheren Shows: Der Bösewicht in Oklahoma! ist ein mutmaßlicher Mörder und Psychopath mit einer Vorliebe für unzüchtige Postkarten; Karussell befasst sich mit Ehegattenmissbrauch, Diebstahl, Selbstmord und dem Leben nach dem Tod; Südpazifik Erforscht Fehlgenerierung noch gründlicher als Bootsboot; und der Held von Der König und ich stirbt auf der Bühne.

Die Kreativität der Show stimulierte Rodgers und Hammersteins Zeitgenossen und leitete das "goldene Zeitalter" des amerikanischen Musiktheaters ein.^[61] Americana wurde während des "Goldenen Zeitalters" am Broadway ausgestellt, als der Kriegszyklus der Shows begann. Ein Beispiel dafür ist In der Stadt (1944), geschrieben von Betty Comden und Adolph Green, zusammengestellt von Leonard Bernstein und choreografiert von Jerome Robbins. Die Geschichte ist während des Krieges und betrifft drei Seeleute, die sich an einem 24-Stunden-Landurlaub in New York City befinden, in denen sich jeder verliebt. Die Show vermittelt auch den Eindruck eines Landes mit einer unsicheren Zukunft, wie es auch die Seeleute und ihre Frauen haben. Irving Berlin Gebrauchter Scharfschützen Annie OakleyKarriere als Grundlage für seine Annie Holen Sie sich Ihre Waffe (1946, 1.147 Vorstellungen); Burton Lane, E. Y. Harburg und Fred sagte Kombinierte politische Satire mit irischer Laune für ihre Fantasie Finians Regenbogen (1947, 725 Aufführungen); und Cole Porter fand Inspiration in William Shakespeare's Der Widerspenstigen Zähmung zum Küss mich, Kate (1948, 1.077 Vorstellungen). Die amerikanischen Musicals überwältigten die altmodischen Sendungen im britischen Feigling/Novello-Stil, einer der letzten großen Erfolge, von denen Novello's war Sitzung zum Traum (1945, 1.021 Aufführungen). Die Formel für die Musicals des Goldenen Zeitalters spiegelte eine oder mehrere von vier weit verbreiteten Wahrnehmungen des "amerikanischen Traums" wider: dass Stabilität und Wert aus einer Liebesbeziehung herrühren, die durch protestantische Ideale der Ehe sanktioniert und eingeschränkt ist; dass ein verheiratetes Paar in einem Vorort oder einer kleinen Stadt ein moralisches Zuhause mit Kindern in der Stadt fernhalten sollte; dass die Funktion der Frau als Hausfrau und Mutter war; Und dass Amerikaner einen unabhängigen und wegweisenden Geist einbeziehen oder dass ihr Erfolg selbstgemacht ist.^[63]

1950er Jahre

Die 1950er Jahre waren entscheidend für die Entwicklung des amerikanischen Musicals.^[64] Damon RunyonDie eklektischen Zeichen waren der Kern von Frank Loesserund Abe Burrows' Jungs und Puppen(1950, 1.200 Performances); und die Goldrausch war die Einstellung für Alan Jay Lerner und Frederick Loewe's Malen Sie Ihren Wagen (1951). Der relativ kurze Siebenmonatsanlauf dieser Show entmutigte nicht Lerner und Loewe von der Zusammenarbeit wieder, diesmal auf Meine schöne Frau (1956) eine Anpassung von George Bernard Shaw's Pygmalion mit Rex Harrison und Julie Andrews, die mit 2.717 Aufführungen den langfristigen Rekord für viele Jahre abhielt. Beliebte Hollywood -Filme wurden aus all diesen Musicals gedreht. Zwei Hits von britischen Schöpfer in diesem Jahrzehnt waren Der Freund (1954), das für 2.078 Aufführungen in London lief und das amerikanische Debüt von Andrews markierte, und Salat Tage (1954) mit einem Lauf von 2.283 Leistungen.^[51]

Ein weiterer Datensatz wurde von festgelegt Die Dreikoper, was für 2.707 Aufführungen lief und das am längsten laufende Off-Broadway-Musical bis zur Zeit wurde Die Fantasticks. Die Produktion brach auch durch, indem sie zeigte, dass Musicals in einem kleinen Orchesterformat profitabel off-Broadway sein könnten. Dies wurde 1959 bestätigt, als eine Wiederbelebung von Jerome Kern und P. G. Wodehouse's Überlassen Sie es Jane lief mehr als zwei Jahre. Die 1959–1960 Off-Broadway Die Jahreszeit beinhaltete ein Dutzend Musicals und Revues einschließlich Little Mary Sunshine, Die Fantasticks und Ernest in Liebe, eine musikalische Anpassung von Oscar Wilde1895 Hit Die Dringlichkeit, ernst zu sein.^[65]

West Side Story (1957) transportiert Romeo und Julia in die heutige New York City und verwandelte die fehden Montague- und Capulet -Familien in gegnerische ethnische Banden, die Jets und die Haie. Das Buch wurde von angepasst von Arthur Laurentsmit Musik von Leonard Bernstein und Texte von Newcomer Stephen Sondheim. Es wurde von den Kritikern angenommen, war jedoch keine beliebte Wahl für die "blauhaarigen Matinee-Damen", die die Small Town River City, Iowa von vorzusehen, bevorzugte Meredith Willson's Der Musikmann (1957) an die Gassen von Manhattan'S Upper West Side. Offenbar Tony Award Die Wähler waren ähnlich, da sie die ersteren gegenüber dem letzteren bevorzugten. West Side Story hatte einen respektablen Lauf von 732 Leistungen (1.040 im West End), während Der Musikmann lief fast doppelt so lang, mit 1.375 Leistungen. Allerdings die 1961 Film von West Side Story war äußerst erfolgreich.^[66] Laurents und Sondheim haben sich erneut zusammengetan für Zigeuner (1959, 702 Aufführungen), mit Jule Styne Bereitstellung der Musik für eine Backstage-Geschichte über die am meisten gefahrene Bühnenmutter aller Zeiten, Stripper Zigeuner Rose Lee'S Mutter Rose. Die ursprüngliche Produktion lief für 702 Aufführungen und erhielt vier nachfolgende Wiederbelebungen mit Angela Lansbury, Tyne Daly, Bernadette Peters und Patti Lupone Später in Angriff auf die von Ethel Merman berühmte Rolle.

Obwohl Regisseure und Choreografen seit mindestens dem 19. Jahrhundert einen großen Einfluss auf den Musiktheaterstil hatten,^[67] George Abbott und seine Mitarbeiter und Nachfolger spielten eine zentrale Rolle bei der Integration von Bewegungen und Tanzen in Musiktheaterproduktionen im Goldenen Zeitalter.^[68] Abbott stellte Ballett als Geschichtenerzählgerät vor Auf deinen Zehen Im Jahr 1936 folgte Agnes de MilleBallett und Choreografie in Oklahoma!.^[69] Nachdem Abbott mit Jerome Robbins in zusammengearbeitet hatte In der Stadt und andere Shows, Robbins kombinierte die Rolle des Regisseurs und Choreografs und betonte die Kraft des Geschichtenerzählens von Tanz in West Side Story, Auf dem Weg zum Forum passierte eine lustige Sache (1962) und Geiger auf dem Dach (1964). Bob Fosse choreografiert für Abbott in Das Pyjama -Spiel (1956) und Verdammte Yankees (1957), injizieren diese Hits spielerische Sexualität. Er war später der Regisseur-Choreograf für Süße Wohltätigkeitsorganisation (1968), Pippin (1972) und Chicago (1975). Andere bemerkenswerte Direktor-Choreografen haben eingeschlossen Gower Champion, Tommy Melodie, Michael Bennett, Gillian Lynne und Susan Stroman. Prominente Direktoren haben eingeschlossen Hal Prinz, der auch mit Abbott begann,^[68] und Trevor Nunn.^[70]

Während des Goldenen Zeitalters begannen Automobilunternehmen und andere große Unternehmen, Broadway -Talente zum Schreiben einzustellen Unternehmensmusicals, private Shows nur von ihren Mitarbeitern oder Kunden.^[71][72] Die 1950er Jahre endeten mit Rodgers und HammersteinDer letzte Hit, Der Klang von Musik, was auch ein weiterer Hit für Mary Martin wurde. Es lief für 1.443 Aufführungen und teilte den Tony Award für das beste Musical. Zusammen mit seiner äußerst erfolgreichen 1965 FilmversionEs ist zu einem der beliebtesten Musicals in der Geschichte geworden.

1960er Jahre

1960,, Die Fantasticks wurde zum ersten Mal außerhalb des Broadways produziert. Diese intime allegorische Show würde über 40 Jahre lang stillschweigend im Sullivan Street Theatre in laufen Greenwich Villagemit Abstand das am längsten laufende Musical in der Geschichte. Seine Autoren produzierten andere innovative Werke in den 1960er Jahren, wie z. Feier und Ich tue! Ich tue!, das erste Zwei-Charakter-Broadway-Musical. In den 1960er Jahren würden eine Reihe von Blockbustern wie Geiger auf dem Dach (1964; 3.242 Aufführungen), Hallo Dolly! (1964; 2.844 Aufführungen), Lustiges Mädchen (1964; 1.348 Aufführungen) und Mann von La Mancha (1965; 2.328 Aufführungen) und einige mehr räumliche Stücke wie Kabarett, bevor mit der Entstehung des Rockmusical. Zwei Männer hatten ab diesem Jahrzehnt erhebliche Auswirkungen auf die Geschichte des Musiktheaters: Stephen Sondheim und Jerry Herman.

Das erste Projekt, für das Sondheim sowohl Musik als auch Texte schrieb, war Auf dem Weg zum Forum passierte eine lustige Sache (1962, 964 Performances), mit einem Buch basiert auf den Werken von Plautus durch Burt Shevelove und Larry Gelbart, Staring Null Mostel. Sondheim bewegte das Musical über seine Konzentration auf die romantischen Diagramme, die für frühere Epochen typisch sind. Seine Arbeiten waren tendenziell dunkler und erkundeten die grassierenden Seiten des Lebens sowohl gegenwärtig als auch Vergangenheit. Andere frühe Sondheim -Werke umfassen Jeder kann pfeifen (1964, das nur neun Aufführungen lief, obwohl sie Sterne hatten Lee Remick und Angela Lansbury) und die erfolgreichen Gesellschaft (1970), Follien (1971) und Eine kleine Nachtmusik (1973). Später fand Sondheim Inspiration in unwahrscheinlichen Quellen: die Eröffnung von Japan westlichen Handel für Pazifische Ouvertüren (1976), ein legendärer mörderischer Friseur, der Rache in der sucht Industriezeitalter von London für Sweeney Todd (1979), die Gemälde von Georges Seurat zum Sonntag im Park mit George (1984), Märchen für In den Wald (1987) und eine Sammlung von Präsidentschaft Attentäter in Assassins (1990).

Während einige Kritiker argumentiert haben, dass einige von Sondheims Musicals keine kommerzielle Anziehungskraft haben, haben andere ihre lyrische Raffinesse und musikalische Komplexität sowie das Zusammenspiel von Texten und Musik in seinen Shows gelobt. Einige der bemerkenswerten Innovationen von Sondheim umfassen eine Show, die in umgekehrt vorgestellt wurde (Fröhlich rollen wir weiter) und die oben genannten Jeder kann pfeifen, in dem der erste Akt mit der Besetzung endet, die das Publikum darüber informiert, dass sie verrückt sind.

Jerry Herman spielte eine bedeutende Rolle im amerikanischen Musiktheater, beginnend mit seiner ersten Broadway -Produktion. Milch und Honig (1961, 563 Aufführungen) über die Gründung des Zustands von Israelund Fortsetzung mit den Blockbuster -Hits Hallo Dolly! (1964, 2.844 Aufführungen), Mame (1966, 1.508 Aufführungen) und La cage aux folles (1983, 1.761 Aufführungen). Sogar seine weniger erfolgreichen Shows wie Liebe Welt (1969) und Mack und Mabel (1974) hatten unvergessliche Punktzahlen (Mack und Mabel wurde später in einen Londoner Hit überarbeitet). Schreiben Sie sowohl Wörter als auch Musik, viele von Herman's Töne zeigen sind zu populären Standards geworden, einschließlich "Hallo Dolly!"," Wir brauchen ein kleines Weihnachtsfest "," Ich bin was ich bin "," Mame "," die besten Zeiten ", bevor die Parade vorbeikommt", "in deine Sonntagskleidung", "es braucht nur eine Moment "," Busenkumpels "und" Ich werde keine Rosen senden ", aufgezeichnet von Künstlern wie Louis Armstrong, Eydie Gormé, Barbra Streisand, Petula Clark und Bernadette Peters. Hermans Songbook war Gegenstand zweier populärer musikalischer Revues. Jerrys Mädchen (Broadway, 1985) und Showtune (Off-Broadway, 2003).

Das Musical ging von den relativ engen Grenzen der 1950er Jahre ab. Rockmusik würde in mehreren Broadway -Musicals verwendet, beginnend mit Haar, die nicht nur Rockmusik, sondern auch Nacktheit und kontroverse Meinungen über die enthielt Vietnamkrieg, Rassenbeziehungen und andere soziale Probleme.^[73]

Soziale Themen

Nach Bootsboot und Porgy und bessund als Kampf in Amerika und anderswo um Minderheiten ' Bürgerrechte Fortschritte, Hammerstein, Harold Arlen, Yip Harburg und andere wurden ermutigt, mehr Musicals und Opern zu schreiben, die darauf abzielten, die gesellschaftliche Toleranz von Minderheiten zu normalisieren und rassistische Harmonie zu fordern. Frühes goldenes Zeitalter, die sich auf Rassentoleranz konzentrierten Finians Regenbogen und Südpazifik. Gegen Ende des goldenen Zeitalters befassten sich mehrere Shows mit jüdischen Untertanen und Fragen Geiger auf dem Dach, Milch und Honig, Blitz! und später Lumpen. Das ursprüngliche Konzept, das wurde West Side Story wurde in der festgelegt Lower East Side Während der Osterpassover-Feierlichkeiten; Die rivalisierenden Banden sollten jüdisch sein und Italienisch katholisch. Das Kreativteam entschied später, dass der polnische (weiß) Vs. puertorikanisch Konflikt war frischer.^[74]

Die Toleranz als wichtiges Thema in Musicals hat in den letzten Jahrzehnten fortgesetzt. Der endgültige Ausdruck von West Side Story hinterließ eine Botschaft der Rassentoleranz. Bis Ende der 1960er Jahre wurden Musicals rassistisch integriert, wobei schwarze und weiße Besetzungsmitglieder sich sogar gegenseitig gegenseitig bedeckten, wie sie es getan haben Haar.^[75] Homosexualität wurde auch in Musicals untersucht, beginnend mit Haarund noch offener in La cage aux folles, Falsettos, Miete, Hedwig und der wütende Zentimeter und andere Shows in den letzten Jahrzehnten. Parade ist eine sensible Erforschung beider Antisemitismus und historischer Amerikaner Rassismus, und Ragtime In ähnlicher Weise untersucht die Erfahrung von Einwanderern und Minderheiten in Amerika.

1970er Jahre zu präsentieren

1970er Jahre

Nach dem Erfolg von Haar, Rockmusicals in den 1970er Jahren floriert, mit Jesus Christus Superstar, Godspell, Die Rocky Horror Show, Evita und Zwei Herren von Verona. Einige von denen begannen als "Konzeptalben"die dann an die Bühne angepasst wurden, insbesondere an die Bühne Jesus Christus Superstar und Evita. Andere hatten keinen Dialog oder erinnerten ansonsten an die Oper mit dramatischen, emotionalen Themen; Diese begannen manchmal als Konzeptalben und wurden als als bezeichnet Rockoper. Shows wie Rosine, Traummädchen, Purlie und Der Zauber brachte einen bedeutenden afroamerikanischen Einfluss auf den Broadway. Verschiedenere musikalische Genres und Stile wurden sowohl auf als auch in besonders außerhalb des Broadways in Musicals einbezogen. Gleichzeitig fand Stephen Sondheim mit einigen seiner Musicals Erfolg, wie oben erwähnt.

1975 das Tanzmusical Eine Chorlinie stammte aus aufgezeichneten Sitzungen im Gruppentherapie-Stil Michael Bennett Mit "Gypsies" - diejenigen, die singen und tanzen, um die führenden Spieler zu unterstützen - aus der Broadway -Community. Aus Hunderten von Stunden Bändern, James Kirkwood Jr. und Nick Dante Gestaltete ein Buch über ein Vorsprechen für ein Musical mit vielen realen Geschichten aus den Sitzungen. Einige, die an den Sitzungen teilnahmen, spielten schließlich in der Show Variationen von sich selbst oder einander. Mit Musik von Marvin Hamlisch und Texte von Edward Kleban, Eine Chorlinie zuerst eröffnet bei Joseph Papp's Öffentliches Theater in Lower Manhattan. Was zunächst als begrenzte Engagement geplant war, bewegte sich schließlich in die Shubert Theatre Auf dem Broadway^[76] Für einen Lauf von 6.137 Aufführungen, die bis zu diesem Zeitpunkt die am längsten laufende Produktion in der Broadway-Geschichte werden. Die Show fegte die Tony Awards und gewann die Pulitzer-Preisund sein Hit, Song, Was ich für Liebe getan habe, wurde ein Standard.^[77]

Das Broadway -Publikum begrüßte Musicals, die sich vom Stil und Substanz des Goldenen Zeitalters unterschieden. John Kander und Fred Ebb erforschte den Aufstieg von Nazismus in Deutschland in Kabarettund Mord und die Medien in Verbot-Epoche Chicago, was sich auf alt stützte Vaudeville Techniken. Pippin, durch Stephen Schwartz, wurde in den Tagen von festgelegt Karl der Große. Federico FelliniAutobiografischer Film 8½ wurde Maury Yeston's Neun. Am Ende des Jahrzehnts, Evita und Sweeney Todd waren Vorläufer der dunkleren, großen Budget -Musicals der 1980er Jahre, die von dramatischen Geschichten, umfassenden Werten und spektakulären Wirkungen abhing. Gleichzeitig wurden altmodische Werte in solchen Treffern immer noch angenommen Annie, 42nd Street, Mein Ein und Allesund beliebte Wiederbelebungen von Nein, nein, Nanette und Irene. Obwohl in den 1970er Jahren viele Filmversionen von Musicals erzielt wurden, waren nur wenige kritische oder Kassenerfolge, mit den bemerkenswerten Ausnahmen von kritisch Geiger auf dem Dach, Kabarett und Fett.^[78]

1980er Jahre

In den 1980er Jahren Einfluss des Europäers "Megamusicals"Am Broadway, im West End und anderswo. Diese haben normalerweise eine pop beeinflusste Punktzahl, große Abgüsse und spektakuläre Sets und Spezialeffekte-ein Sturz Leuchter (in Das Phantom der Oper); ein Hubschrauber auf der Bühne (in Fräulein Saigon) - und große Budgets. Einige basierten auf Romanen oder anderen Literaturwerken. Das britische Komponistenteam Andrew Lloyd Webber und Produzent Cameron Mackintosh Begann das megamusikalische Phänomen mit ihrem Musical von 1981 Katzenbasierend auf den Gedichten von T. S. Eliot, was überholte Eine Chorlinie die am längsten laufende Broadway-Show werden. Lloyd Webber folgte mit Starlight Express (1984), aufgeführt auf Rollschulen; Das Phantom der Oper (1986; auch mit Mackintosh), abgeleitet aus dem gleichnamiger Roman; und Boulevard der Dämmerung (1993) aus dem Jahr 1950 gleichnamiger Film. Phantom würde übertreffen Katzen Um die am längsten laufende Show in der Broadway-Geschichte zu werden, ist ein Rekord, den es immer noch bietet.^[79][80] Das französische Team von Claude-Michel Schönberg und Alain Boublil schrieb Les Misérables, basierend auf gleichnamiger Roman, deren 1985 Londoner Produktion von Mackintosh produziert wurde und wurde und ist das, die, die Das längste Musical in West End und Broadway Geschichte. Das Team produzierte einen weiteren Treffer mit Fräulein Saigon (1989), der von der Puccini -Oper inspiriert wurde Madama Butterfly.^[79][80]

Die riesigen Budgets der Megamusicals definierten die Erwartungen an den finanziellen Erfolg am Broadway und im West End neu. In früheren Jahren war es möglich, dass eine Show nach mehreren hundert Aufführungen als Hit betrachtet wurde. Mit mehreren Millionen-Dollar-Produktionskosten muss eine Show jahrelang lediglich ausgeführt werden, um einen Gewinn zu erzielen. Megamusicals wurden auch in Produktionen auf der ganzen Welt reproduziert, was ihr Gewinnpotential multipliziert und gleichzeitig das globale Publikum für das Musiktheater erweiterte.^[80]

1990er Jahre

In den neunziger Jahren entstand eine neue Generation von Theaterkomponisten, einschließlich Jason Robert Brown und Michael John Lachiusa, der mit Productions Off-Broadway begann. Der auffälligste Erfolg dieser Künstler war Jonathan Larson's Show Miete (1996), ein Rockmusical (basierend auf der Oper La Boheme) über eine kämpfende Gemeinschaft von Künstlern in Manhattan. Während die Kosten für Tickets für Broadway und West End Musicals über das Budget vieler Theaterbesucher hinauskalalierten, waren es über das Budget vieler Theaterbesucher hinaus, Miete wurde vermarktet, um die Beliebtheit von Musicals bei einem jüngeren Publikum zu erhöhen. Es zeigte eine junge Besetzung und eine stark rockig beeinflusste Partitur; Das Musical wurde ein Hit. Seine jungen Fans, viele von ihnen, die sich Rentheads nennen], lagerten im Camping der Nederlander Theatre In der Hoffnung, die Lotterie für 20 -Dollar -Tickets in der ersten Reihe zu gewinnen, sahen einige Dutzende Male. Andere Shows am Broadway folgten Miete'S führend mit stark ermäßigten Leistungstag- oder Stehraumtickets, obwohl die Rabatte häufig nur den Schülern angeboten werden.^[81]

In den 1990er Jahren wurde auch der Einfluss großer Unternehmen auf die Produktion von Musicals aufgenommen. Das Wichtigste war Disney Theaterproduktionen, was begann, sich etwas anzupassen Disney Animationsfilmmusicals für die Bühne, beginnend mit Die Schöne und das Biest (1994), Der König der Löwen (1997) und Aida (2000), die beiden letzteren mit Musik von Elton John. Der König der Löwen ist der musikalisches höchstes Einbau in der Broadway -Geschichte.^[82] Das Who ist Tommy (1993), eine Theateranpassung der Felsopera Tommy, erzielte einen gesunden Lauf von 899 Aufführungen, wurde jedoch dafür kritisiert, die Geschichte und die "musikalische Theater-Iization" der Rockmusik zu sanieren.^[83]

Trotz der wachsenden Anzahl von großflächigen Musicals in den 1980er und 1990er Jahren gelang es eine Reihe von Musicals mit niedrigerem Budget, wie Falsettoland und Kleiner Shop of Horrors, Fledermausjunge: Das Musical und Blutsbrüder. Die Themen dieser Stücke variieren stark, und die Musik reicht von Rock bis Pop, aber sie werden oft außerhalb des Broadways oder für kleinere Londoner Theater produziert, und einige dieser Stagings wurden als einfallsreich und innovativ angesehen.^[84]

2000er Jahre - present

Trends

In dem neuen Jahrhundert wurde die Vertrautheit von Produzenten und Investoren angenommen, die darauf bedacht sind, sicherzustellen, dass sie ihre beträchtlichen Investitionen wiederholen. Einige hatten (normalerweise bescheidene Budget-) Chancen auf neues und kreatives Material, wie z. Urinetown (2001), Avenue Q (2003), Das Licht in der Piazza (2005), Frühlingserwachen (2006), In den Höhen (2008), Neben normal (2009), amerikanischer Idiot (2010) und Das Buch Mormon (2011). Hamilton (2015) verwandelte die "unterdramatisierte amerikanische Geschichte" in einen ungewöhnlichen Hip-Hop-Hit.^[85] 2011 argumentierte Sondheim, dass von allen Formen von "zeitgenössischer Popmusik", Rap war "das traditionelle Musiktheater am nächsten" und "ein Weg zur Zukunft".^[86]

Die meisten Major-Market-Produktionen des 21. Jahrhunderts haben jedoch eine sichere Route mit Wiederbelebungen von vertrauten Tarif eingestellt, wie z. Geiger auf dem Dach, Eine Chorlinie, Südpazifik, Zigeuner, Haar, West Side Story und Fett, oder mit Anpassungen anderer bewährter Materialien wie Literatur (Literatur (Das scharlachrote Pimpernel, Böse und Spaß nach Hause), in der Hoffnung, dass die Shows ein integriertes Publikum haben würden. Dieser Trend ist besonders anhaltend bei Filmadaptionen, einschließlich (Die Produzenten, Spamalot, Haarspray, Natürlich blond, Die Farbe Lila, Xanadu, Billy Elliot, Shrek, Kellnerin und Groundhog Day).^[87] Einige Kritiker haben argumentiert, dass die Wiederverwendung von Filmplots, insbesondere von Disney (wie z. Mary Poppins und Die kleine Meerjungfrau), gleichsätze den Broadway und das West End -Musical eher einer Touristenattraktion als einer kreativen Outlet.^[35]

Heute ist es weniger wahrscheinlich, dass ein alleiniger Produzent wie z. David Merrick oder Cameron Mackintosh, unterstützt eine Produktion. Unternehmenssponsoren dominieren den Broadway, und oft werden Allianzen zu Musicals gegründet, die eine Investition von 10 Millionen US -Dollar oder mehr erfordern. Im Jahr 2002 die Credits für Gründlich moderne Millie Zehn Produzenten und unter diesen Namen waren Entitäten aus mehreren Personen.^[88] In der Regel produzieren Off-Broadway- und regionale Theater dazu, kleinere und daher günstigere Musicals zu produzieren, und die Entwicklung neuer Musicals fand zunehmend außerhalb von New York und London oder an kleineren Orten statt. Zum Beispiel, Frühlingserwachen, Spaß nach Hause und Hamilton wurden außerhalb des Broadways entwickelt, bevor er am Broadway gestartet wurde.

Mehrere Musicals kehrten in das Spektakelformat zurück, das in den 1980er Jahren so erfolgreich war, und erinnerte sich an Extravaganz Das wurden zeitweise in der gesamten Theatergeschichte präsentiert, seit die alten Römer Scheinsee -Kämpfe veranstalteten. Beispiele sind die musikalischen Anpassungen von Herr der Ringe (2007), Vom Winde verweht (2008) und Spider-Man: Schalten Sie die Dunkelheit aus (2011). Diese Musicals betrafen Songwriter mit wenig theatraler Erfahrung, und die teuren Produktionen verloren im Allgemeinen Geld. Umgekehrt, Die schläfrige Aufsicht, Avenue Q, Die 25. jährliche Putnam County Rechtschreibbiene, Xanadu und Spaß nach HauseUnter anderem wurden in kleineren Produktionen vorgestellt, die größtenteils ununterbrochen von einer Pause mit kurzen Laufzeiten ununterbrochen sind und finanzielle Erfolge erzielten. Im Jahr 2013, Zeit Die Zeitschrift berichtete, dass ein Trend außerhalb des Broadways "immersives" Theater war und Shows wie z. Natasha, Pierre & der große Komet von 1812 (2012) und Hier liegt Liebe (2013), in dem die Inszenierung um und innerhalb des Publikums stattfindet.^[89] Die Shows setzen einen gemeinsamen Rekord, wobei jeweils 11 Nominierungen für erhalten werden Lucille Lortel Awards,^[90] und zeitgenössische Punktzahlen enthalten.^[91][92]

Im Jahr 2013, Cyndi Lauper war der "erste weibliche Komponist, der die beste Partitur ohne männlichen Mitarbeiter gewann", um die Musik und die Texte zu schreiben Versaute Stiefel. 2015 zum ersten Mal ein All-Frau-Schreibteam, Lisa Kron und Jeanine Tesori, gewann das Tony Award für die beste Originalpartitur (und Bestes Buch für Kron) für Spaß nach Hause,^[93] Obwohl die Arbeit von männlichen Songwritern weiterhin häufiger produziert wird.^[94]

Jukebox -Musicals

Ein weiterer Trend bestand darin, eine minimale Handlung zu erstellen, um eine Sammlung von Songs anzupassen, die bereits Hits waren. Nach dem früheren Erfolg von Kumpel - die Kumpel Holly -Geschichte, diese haben eingeschlossen Sich ausziehen (2002, basierend auf den Melodien von Billy Joel), Jersey Boys (2006, Die vier Jahreszeiten), Rock of Ages (2009 mit klassischem Rock der 1980er Jahre) und vielen anderen. Dieser Stil wird oft als "als" bezeichnet "Jukebox Musical".^[95] Ähnlich, aber plottetriebene Musicals wurden um den Kanon einer bestimmten Popgruppe einschließlich des Canon gebaut Mamma Mia! (1999, basierend auf den Liedern von Abba), Unser Haus (2002, basierend auf den Liedern von Wahnsinn) und Wir werden Dich mitreißen (2002, basierend auf den Liedern von Königin).

Film- und TV -Musicals

Live-Action-Filmmusicals waren in den 1980er und frühen 1990er Jahren mit Ausnahmen von fast tot Victor/Victoria, Kleiner Shop of Horrors und Der Film von 1996 von Evita.^[96] Im neuen Jahrhundert, Baz Luhrmann begann eine Wiederbelebung des Filmmusicals mit Moulin Rouge! (2001). Es folgte Chicago (2002); Phantom der Oper (2004); Miete (2005); Traummädchen (2006); Haarspray, Verzaubert und Sweeney Todd (alle im Jahr 2007); Mamma Mia! (2008); Neun (2009); Les Misérables und Absolutes Gehör (beide im Jahr 2012), In den Wald, Die letzten fünf Jahre (2014), La La Land (2016), Der größte Showman (2017), Ein Star ist geboren und Mary Poppins kehrt zurück (beide 2018), Raketenmann (2019) und In den Höhen und Steven SpielbergVersion von West Side Story (beide im Jahr 2021) unter anderem. Dr. Seuss's Wie das Grinch Weihnachten gestohlen hat! (2000) and Die Katze im Hut (2003) verwandelten Kinderbücher in Live-Action-Filmmusicals. Nach dem immensen Erfolg von Disney und anderen Häusern mit Animationsfilmmusicals, die mit dem mit Die kleine Meerjungfrau 1989 und in den neunziger Jahren (einschließlich einiger weiterer Filme mit Erwachsenenmotiven, wie South Park: größer, länger und ungeschnitten (1999)) wurden im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts weniger Animationsfilmmusicals veröffentlicht.^[96] Das Genre feierte ab 2010 ein Comeback mit Verheddert (2010), Rio (2011) und Gefroren (2013). In Asien produziert Indien weiterhin zahlreiche "Bollywood" -Filmmusicals, und Japan produziert "Anime" und "Manga" -Filmusicals.

Gemacht für TV -Musikfilme waren in den 1990er Jahren beliebt, wie z. Zigeuner (1993), Aschenputtel (1997) und Annie (1999). Mehrere für TV -Musicals im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts waren Anpassungen der Bühnenversion, wie z. Südpazifik (2001), Der Musikmann (2003) und Es war einmal eine Matratze (2005) und eine Fernsehversion des Bühnenmusicals Natürlich blond 2007. Zusätzlich wurden beispielsweise mehrere Musicals auf der Bühne gedreht und im öffentlichen Fernsehen ausgestrahlt Kontakt im Jahr 2002 und Küss mich, Kate und Oklahoma! Im Jahr 2003. Das maßgeschneiderte Musical High School Musical (2006) und seine verschiedenen Fortsetzungen hatten besonderen Erfolg und wurden für Bühnenmusicals und andere Medien angepasst.

Im Jahr 2013, NBC begann eine Reihe von Live -Fernsehsendungen von Musicals mit Der Klang der Musik live!^[97] Obwohl die Produktion gemischte Kritiken erhielt, war sie ein Bewertungserfolg.^[98] Weitere Sendungen haben eingeschlossen Peter Pan Live! (NBC 2014), Der Zauber lebe! (NBC 2015),^[99] eine britische Sendung, Der Klang der Musik live (ITV 2015)^[100] Fett: Leben (Fuchs 2016),,^[101][102] Haarspray Live! (NBC, 2016), Eine Weihnachtsgeschichte live! (Fox, 2017),^[103] und Miete: Leben (Fox 2019).^[104]

Einige Fernsehsendungen haben Episoden als Musical gesetzt. Beispiele sind Episoden von Verbündeter McBeal, Xena: Kriegerprinzessin ("Die bittere Suite" und "lyre, lyre, herz ist in Flammen"),), Psycho (""Psych: das Musical"),, Buffy the Vampire Slayer (""Noch einmal, mit Gefühl"),, Das ist so Raben, Daria, Dexters Labor, Die Powerpuff -Mädchen, Der Blitz, Es war einmal, Oz, Peelings (Eine Episode wurde von den Schöpfer von geschrieben Avenue Q), Batman: Der mutige und der mutige ("Mayhem der Musik Meister") und Diese 70'er Show (Die 100. Folge, "Das 70er -Jahre -Musical"). Andere haben Szenen aufgenommen, in denen Charaktere plötzlich anfangen, während einer Episode in einem Musikstil zu singen und zu tanzen Die Simpsons, 30 Rock, Hannah Montana, Süd Park, Bob's Burgers und Familienmensch.^[105] Fernsehserien, die das musikalische Format ausführlich verwendet haben Cop Rock, Flucht der Conchords, Freude, Zerschlagen und Verrückte Ex-Freundin.

Es wurden auch Musicals für das Internet gemacht, einschließlich Dr. Hords Sing-Along-Blog, über einen Super-Villain mit niedriger Miete von gespielt von Neil Patrick Harris. Es wurde während der geschrieben Streik des WGA -Schriftstellers.^[106] Seit 2006 werden Reality -TV -Shows verwendet, um musikalische Wiederbelebungen zu vermarkten, indem ein Talentwettbewerb für die Besetzung von (normalerweise weiblichen) Leads veranstaltet wird. Beispiele dafür sind Wie lösen Sie ein Problem wie Maria?, Grease: Du bist derjenige, den ich will!, Jeder Traum wird tun, Legally Blonde: The Musical – The Search for Elle Woods, Ich würde alles tun und Über den Regenbogen. Im Jahr 2021, Schmigadoon! war eine Parodie und Hommage an musikalische Goldene Zeitalter der 1940er und 1950er Jahre.^[107]

2020–2021 Theaterabschließung

Das Covid-19 Pandemie verursachte die Schließung von Theatern und Theaterfestivals auf der ganzen Welt Anfang 2020, einschließlich des gesamten Broadways^[108] und West End Theater.^[109] Viele Einrichtungen für darstellende Kunst versuchten, ihre Verluste anzupassen oder zu reduzieren, indem sie neue (oder erweiterte) digitale Dienste anbieten. Insbesondere führte dies zur Online -Streaming von zuvor aufgezeichneten Leistungen vieler Unternehmen,^{[110][111][112]} sowie maßgeschneiderte Crowdsourcing -Projekte.^[113][114] Zum Beispiel die Sydney Theatre Company Wir beauftragten Schauspieler, sich zu Hause zu filmen und zu diskutieren, dann aufzutreten, einen Monolog einer der Charaktere, die sie zuvor auf der Bühne gespielt hatten.^[115] Die Abgüsse von Musicals wie z. Hamilton und Mamma Mia! United on Zoom fordert sich an, Einzelpersonen und die Öffentlichkeit zu unterhalten.^[116][117] Einige Aufführungen wurden live gestreamt oder im Freien oder auf andere "sozial distanzierte" Arten präsentiert, sodass manchmal die Zuschauer mit der Besetzung interagieren.^[118] Radio -Theaterfestivals wurden ausgestrahlt.^[119] Virtuelle und sogar Publikums-Sourcen-Musicals wurden geschaffen, wie z. Ratatouille das Musical.^[120][121] Gefilmte Versionen von großen Musicals wie Hamilton, wurden auf Streaming -Plattformen veröffentlicht.^[122] Andrew Lloyd Webber veröffentlichte Aufnahmen seiner Musicals auf YouTube.^[123]

Aufgrund der Schließungen und des Verlusts des Ticketverkaufs wurden viele Theaterfirmen finanziell gefährdet. Einige Regierungen boten den Künsten Nothilfe an.^{[124][125][126]} Einige Musiktheatermärkte wurden in Anfällen und Beginn 2021 wieder geöffnet.^[127] Mit West End -Theatern verschieben ihre Wiedereröffnung von Juni bis Juli,^[128] und Broadway ab September.^[129] Während des gesamten 2021 haben Spikes in der Pandemie jedoch einige Schließungen verursacht, selbst nachdem die Märkte wiedereröffnet wurden.^[130][131]

Internationale Musicals

Die USA und Großbritannien waren die aktivsten Quellen für Buchmusicals aus dem 19. Jahrhundert bis zum Groß Operette und Operetta zum Beispiel Spanisch Zarzuela, während dieser Zeit und noch früher). Die leichte Musikphase in anderen Ländern ist in den letzten Jahrzehnten jedoch aktiver geworden.

Musicals aus anderen englischsprachigen Ländern (insbesondere Australien und Kanada) sind oft vor Ort gut und gelegentlich sogar den Broadway oder das West End (z. B., Der Junge von Oz und Die schläfrige Aufsicht). Südafrika hat eine aktive Musiktheaterszene mit Revuen wie Afrikanischer Fußabdruck und Umoja und Buchmusicals wie z. Kat und die Könige und Sarafina! international touren. Vor Ort mögen Musicals Vere, Liebe und grüne Zwiebeln, Über den Regenbogen: das brandneue All-Gay ... Extravaganze und Bangbroek Mountain und In Briefs - ein seltsames kleines Musical wurden erfolgreich produziert.

Erfolgreiche Musicals aus Kontinentaleuropa umfassen Shows aus (unter anderen Ländern) Deutschland (Elixier und Ludwig II), Österreich (Tans Vampire, Elisabeth, Mozart! und Rebecca), Tschechische Republik (Dracula), Frankreich (Starmania, Notre-Dame de Paris, Les Misérables, Roméo et Juliette und Mozart, L'Opéra Rock) und Spanien (Hoy nein ich puedo levantar und Die musikalische Sancho Panza).

Japan hat kürzlich das Wachstum einer indigenen Form des Musiktheaters gesehen, sowohl animierte als auch Live -Action, hauptsächlich auf Anime und Manga, wie zum Beispiel kikis Lieferdienst und Tenimyu. Der populäre Sailor Moon Metaserien hatten neunundzwanzig Sailor Moon Musicals, dreizehn Jahre. Ab 1914 eine Reihe von beliebten Revues wurden von der All Frauen aufgeführt Takarazuka Revue, was derzeit fünf Leistungstruppen findet. Anderswo in Asien, der Inder Bollywood Musikalisch ist meist in Form von Filmbildern enorm erfolgreich.^[132]

Beginnend mit einer Tour von 2002 von Les MisérablesVerschiedene westliche Musicals wurden auf das chinesische Festland importiert und auf Englisch inszeniert.^[133] Versuche, westliche Produktionen in China zu lokalisieren Ruhm wurde in Mandarin mit einer vollständigen chinesischen Besetzung am produziert Zentralakademie des Dramas in Beijing.^[134] Seitdem wurden in China in Mandarin mit einer chinesischen Besetzung andere westliche Produktionen in China inszeniert. Die erste chinesische Produktion im Stil des westlichen Musiktheaters war Der goldene Sand im Jahr 2005.^[133] Außerdem produzierte Li Dun, ein bekannter chinesischer Produzent, der produziert wurde Schmetterlingebasierend auf einer klassischen chinesischen Liebestragödie im Jahr 2007 sowie auf Liebe dich teresa in 2011.^[133]

Amateur- und Schulproduktionen

Musicals werden oft von präsentiert von Amateur und Schulgruppen in Kirchen, Schulen und anderen Leistungsräumen.^[135][136] Obwohl das Amateur -Theater seit Jahrhunderten existiert, auch in der Neuen Welt,^[137] François Cellier Und Cunningham Bridgeman schrieb 1914, dass Amateur -Schauspieler vor dem späten 19. Jahrhundert von Fachleuten mit Verachtung behandelt wurden. Nach der Bildung von Amateur Gilbert und Sullivan Unternehmen lizenziert, um die durchzuführen Savoy Opern, Professionals erkannten, dass die Amateurgesellschaften "die Kultur der Musik und das Drama unterstützen. Sie werden jetzt als nützliche Schulungsschulen für die legitime Bühne angenommen und sind aus den Freiwilligen viele heutige Favoriten entstanden."^[138] Das National Opern and Dramatic Association wurde 1899 in Großbritannien gegründet. 1914 berichtete es, dass fast 200 amateurdramatische Gesellschaften Gilbert und Sullivan in diesem Jahr in Großbritannien produzierten.^[138] In ähnlicher Weise wurden in den USA im frühen 20. Jahrhundert mehr als 100 Gemeindekinos gegründet. Diese Zahl ist in den USA auf geschätzte 18.000 gewachsen.^[137] Die Educational Theatre Association in den USA hat fast 5.000 Mitgliedsschulen.^[139]

Relevanz

Die Broadway League kündigte an, dass in der Saison 2007/08 12,27 Millionen Tickets für Broadway -Shows für einen Bruttoverkaufsbetrag von fast einer Milliarde Dollar gekauft wurden.^[140] Die Liga berichtete ferner, dass in der Saison 2006/07 rund 65% der Broadway -Tickets von Touristen gekauft wurden und dass ausländische Touristen 16% der Teilnehmer waren.^[141] Das Society of London Theatre berichtete, dass 2007 einen Rekord für die Teilnahme in London aufgenommen hat. Insgesamt betrugen die Teilnehmer der wichtigsten gewerblichen und stipendierten Theater im Zentrum von London 13,6 Millionen und die Gesamteinnahmen von Ticketkarten 469,7 Millionen Pfund.^[142] Die internationale Musicalszene wurde in den letzten Jahrzehnten zunehmend aktiv. Trotzdem kommentierte Stephen Sondheim im Jahr 2000:

Sie haben zwei Arten von Shows am Broadway - Revivals und die gleiche Art von Musicals immer und immer wieder, alle Brillen. Sie erhalten Ihre Tickets für Der König der Löwen Ein Jahr im Voraus und im Wesentlichen eine Familie ... geben Sie ihren Kindern die Idee weiter, dass das The Theater ist - ein spektakuläres Musical, das Sie einmal im Jahr sehen, eine Bühnenversion eines Films. Es hat überhaupt nichts mit Theater zu tun. Es hat damit zu tun, zu sehen, was vertraut ist. ... Ich glaube nicht, dass das Theater sterben wird an sich, aber es wird nie das sein, was es war. ... es ist eine Touristenattraktion. "^[143]

Den Erfolg in den letzten Jahrzehnten von Originalmaterial und kreativen Neuvorstellungen von Film, Theaterstücken und Literatur, Theaterhistoriker, feststellen John Kenrick konterte:

Ist das musikalische tot? ... Absolut nicht! Ändern? Stets! Das Musical hat sich seitdem verändert Offenbach Hat seine erste Umschrift in den 1850er Jahren neu geschrieben. Und Veränderung ist das klarste Zeichen dafür, dass das Musical immer noch ein lebendiges, wachsendes Genre ist. Werden wir jemals in das sogenannte "goldene Zeitalter" zurückkehren, mit Musicals im Zentrum der Populärkultur? Wahrscheinlich nicht. Der öffentliche Geschmack hat grundlegende Veränderungen erfahren, und die kommerziellen Künste können nur dort fließen, wo die bezahlte Öffentlichkeit zulässt.^[35]

Siehe auch

• Aufnahme der Besetzung
• Musicalslisten
• Langjährige Musiktheaterproduktionen
• Musiktheater
• Parsi Theatre
• 2.5d Musical

Notizen und Referenzen

Zitierte Bücher

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Weitere Lektüre

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• Traubner, Richard. Operette: eine Theatergeschichte. Garden City, New York: Doubleday & Company, 1983

Externe Links

• Internet Broadway -Datenbank - Cast- und Produktionslisten, Songlisten und Auszeichnungslisten
• GuidetomusicalTheatre.com - Synopsen, Besetzungslisten, Songlisten usw.
• Das Broadway -Musikhaus
• Geschichte der Musicals (V & A Museum Website)
• Castalbumdb - Musical Cast Album -Datenbank
• Synopsen und Charakterbeschreibungen der meisten großen Musicals (Stageagent.com)