Musik
Musik ist im Allgemeinen definiert als die Kunst der Anordnung Klang Eine Kombination von einer Kombination aus bilden, Harmonie, Melodie, Rhythmus oder andernfalls ausdrucksstarker Inhalt.[1][2][3] Genau Definitionen von Musik variieren weltweit erheblich,[4] Obwohl es ein Aspekt aller menschlichen Gesellschaften ist, a Kulturelle universelle.[5] Während Gelehrte zustimmen, dass Musik durch a definiert wird wenige spezifische Elemente, Es gibt Kein Konsens auf ihren genauen Definitionen.[6] Die Schaffung von Musik ist häufig unterteilt in musikalische Komposition, Musikalische Improvisation und musikalisch Leistung.[7]
Die Beziehungen und Spaltungen zwischen musikalischen Genres sind locker und manchmal heiß umkämpft, wie in Taxonomie. Die bloße Existenz oder Legitimität eines Genres kann ein Thema der Kontroverse sein. Es ist manchmal wertvoller, Musik nach Ära, Szene, Absicht oder künstlerischer Inspiration zu kategorisieren. Einzelne Musikperioden werden in Stücke unterteilt, die in zahlreiche Traditionen eingeteilt werden können, wie z. Lieder, Spuren, Symphonien, oder so weiter. Stücke können sein zusammengesetzt und mit einer Vielzahl von einer Vielzahl von durchgeführt Instrumente, einschließlich der menschliche Stimme. Es gibt nur Instrumentalstücke, Ausschließlich Vokalstücke, Stücke, die Gesang und Instrumente kombinieren, Stücke mit keinen Ton, zufällig erzeugte Stückeund sogar Stücke, die lediglich eine angeben Umgebung ohne weitere klangliche Organisation.
In einigen musikalischen Kontexten kann eine Leistung oder Komposition in gewissem Maße sein improvisiert. Zum Beispiel in Hindustani klassische MusikDer Darsteller spielt spontan, während er einer teilweise definierten Struktur folgt und charakteristische Motive verwendet. Im Modal Jazz Die Darsteller können abwechselnd die Führung und Reaktion wechseln und gleichzeitig eine sich ändernde Notenmenge teilen. In einem Kostenloser Jazz Kontext, es kann überhaupt keine Struktur geben, wobei jeder Darsteller nach eigenem Ermessen handelt. Musik kann absichtlich komponiert sein, um zu sein unaufhörlich, oder agglomeriert elektronisch aus vielen Aufführungen. Musik wird in öffentlichen und privaten Bereichen gespielt, die bei Veranstaltungen wie z. B. hervorgehoben werden Festivals, Rockkonzerteund Orchester Leistung und übrigens als Teil von a gehört Punktzahl oder Soundtrack zu einem Film, einer Fernsehsendung, Opera oder Videospiel. Musikalische Wiedergabe ist die Hauptfunktion eines MP3 -Players oder CD-Player und ein universelles Merkmal von Funkgeräte und Smartphones.
Musik spielt oft eine Schlüsselrolle bei sozialen Aktivitäten, religiöse Rituale, Übergangsritus Zeremonien, Feierlichkeiten und kulturelle Aktivitäten. Das Musikindustrie Beinhaltet Songwriter, Darsteller, Soundingenieure, Produzenten, Tour -Organisatoren, Händler von Instrumenten, Accessoires und Noten. Kompositionen, Performances und Aufzeichnungen werden bewertet und bewertet durch Musikkritiker, Musikjournalisten, und Musikwissenschaftlersowie Amateure. Wie Visuelle Kunst und Literatur, Musik ist weit verbreitet, hochgeschätzt, akademisch studiert und kritisiertund ist seit Tausenden von Jahren.
Etymologie und Terminologie
Das moderne englische Wort "Musik" wurde in den 1630er Jahren verwendet.[8] Es stammt aus einer langen Reihe von aufeinanderfolgenden Vorläufern: die Altes Englisch 'Musike' des Mitte des 13. Jahrhunderts; das Altes Französisch musique des 12. Jahrhunderts; und die Latein mūsica.[9][10][n 1] Das lateinische Wort selbst leitet sich aus dem ab Altgriechisch mousiké (technē) -μουσική (τέχνη) - störtlich "(Kunst) der Musen".[9][n 2] Das Musen waren neun Gottheiten in Alte griechische Mythologie wer leitete Die Künste und Wissenschaften.[13][14] Sie wurden von den frühesten westlichen Autoren in Geschichten aufgenommen, Homer und Hesiod,[15] und wurde schließlich speziell mit Musik in Verbindung gebracht.[14] Im Laufe der Zeit, Polyhymnie Würde über Musik stärker auf der Musik wohnen als die anderen Musen.[11] Das lateinische Wort musica war auch der Urheber für beide Spanisch música und Französisch musique durch Rechtschreibung und sprachliche Anpassung, obwohl andere europäische Begriffe wahrscheinlich waren Lehnwörter, einschließlich des Italieners musica, Deutsch musik, Niederländisch muziekNorwegisch musikk, Polieren muzyka und Russisch muzïka.[14]
Das moderne westliche Welt Definiert normalerweise Musik als allumfassender Begriff, der gleichermaßen verwendet wird, um verschiedene Genres, Stile und Traditionen zu beschreiben.[16] Dies ist weltweit nicht der Fall und Sprachen wie moderner Indonesisch (Musik) und Shona (Musakazo) haben kürzlich Wörter übernommen, um diese universelle Konzeption widerzuspiegeln, da sie keine Worte hatten, die genau zum westlichen Bereich passen.[14] Im OstasienWeder Japan noch China haben ein einziges Wort, das Musik in einem breiten Sinne umfasst, aber Musik kulturell oft auf eine solche Weise betrachtet.[17] Das nächste Wort, das Musik auf Chinesisch bedeutet, yueteilt einen Charakter mit le, was Freude bedeutet und ursprünglich auf alle Künste bezog, bevor sie sich in der Bedeutung verengen.[17] Afrika ist zu vielfältig, um feste Verallgemeinerungen vorzunehmen, aber der Musikwissenschaftler Joseph Hanson Kwabena Nketia hat die oft untrennbare Verbindung der afrikanischen Musik zu Tanz und Sprache im Allgemeinen betont.[18] Einige afrikanische Kulturen wie die Songye People des Drc und Tiv Leute von Nigeria haben eine starke und breite Konzeption von "Musik", aber kein entsprechendes Wort in ihren Muttersprachen.[18] Andere Wörter, die üblicherweise als „Musik“ übersetzt werden, haben oft spezifischere Bedeutungen in ihren jeweiligen Kulturen: das Hindi -Wort für Musik, Sangita bezieht sich richtig auf Kunstmusik,[19] während die vielen Indigene Sprachen Amerikas Haben Sie Wörter für Musik, die sich speziell auf Song beziehen, aber beschreiben Instrumentalmusik trotzdem.[20] Obwohl das Arabisch Musiqi Kann sich auf alle Musik beziehen, sie wird normalerweise für instrumentelle und metrische Musik verwendet Khandan identifiziert vokale und improvisierte Musik.[21]
Geschichte
Vorgeschichte
Prähistorische Musik kann nur basierend auf Ergebnissen von theoretisiert werden Paläolithikum Archäologie -Websites. Flöten werden oft entdeckt, aus Knochen geschnitzt, in denen seitliche Löcher durchbohrt wurden; Es wird angenommen, dass diese an einem Ende wie die Japaner geblasen worden sein Shakuhachi. Das Divje Babe Flöte, geschnitzt aus a Höhlenbär FemurEs wird angenommen, dass es mindestens 40.000 Jahre alt ist, obwohl es eine beträchtliche Debatte gibt, ob es sich wirklich um ein Musikinstrument oder ein von Tieren gebildeter Objekt handelt.[22] Instrumente wie die siebenhelige Flöte und verschiedene Arten von Streichinstrumente, so wie die Ravanahatha, wurden von der geborgen Indus -Tal -Zivilisation archäologisch Standorte.[23]
Indien hat eine der ältesten musikalischen Traditionen der Welt - Referenzen zu Indische klassische Musik (Marga) sind in der gefunden Veden, alte Schriften der Hindu- Tradition.[24] Die früheste und größte Sammlung prähistorischer Musikinstrumente wurde in China gefunden und stammt aus 7000 und 6600 v. Chr.[25] Das "Hurrianische Hymne nach Nikkal", gefunden auf Tontafeln Dieses Datum auf ungefähr 1400 v. Chr. Ist das älteste überlebende merkwürdige Musikwerk.[26][27]
Antikes Ägypten
Der früheste materielle und repräsentative Beweis der ägyptischen Musikinstrumente stammt aus Prädynastische Periode, aber die Beweise sind sicherer in der Altes Königreich Wenn Harfen, Flöten und Doppelklarinette wurden gespielt.[28] Schlaginstrumente, Lyres und Lutes wurden zu Orchestern von der hinzugefügt Mittleres Königreich. Becken[29] häufig begleitete Musik und Tanz, so wie sie es noch tun Ägypten heute. ägyptisch Volksmusik, einschließlich der traditionellen Sufi dhikr Rituale sind die engsten Zeitgenossen Musikrichtung zu Antike Ägypter Musik, die viele ihrer Funktionen, Rhythmen und Instrumente bewahrt hat.[30][31]
Asiatische Kulturen
Asiatische Musik deckt einen großen Teil der in den Artikeln untersuchten Musikkulturen ab Arabien, Zentralasien, Ostasien, Südasien, und Südostasien. Einige haben Traditionen, die in die Antike reichen.
Indische klassische Musik ist eine der ältesten musikalischen Traditionen der Welt.[32] Das Indus -Tal -Zivilisation Hat Skulpturen, die Tanz zeigen[33] und alte Musikinstrumente, wie die sieben löcherne Flöte. Verschiedene Arten von Streichinstrumenten und Trommeln wurden ausgenommen Harappa und Mohenjo Daro durch Ausgrabungen von Sir durchgeführt Mortimer Wheeler.[34] Das Rigveda hat Elemente der gegenwärtigen indischen Musik mit einer musikalischen Notation, um das Messgerät und die Art des Gesangs zu bezeichnen.[35] Indische klassische Musik (Marga) ist monophonisch und basiert auf einer einzelnen Melodie -Linie oder Raga Rhythmisch organisiert durch Talas. Silappadhikaram durch Ilango Adigal Bietet Informationen darüber, wie neue Skalen durch modales Verschieben des Tonikums aus einer vorhandenen Skala gebildet werden können.[36] Heutige Tag Hindi -Musik wurde von Persische traditionelle Musik und afghanisch Moguln. Karnatische Musik, beliebt in den südlichen Staaten, ist weitgehend hingebungsvoll; Die Mehrheit der Songs wird an die hinduistischen Gottheiten gerichtet. Es gibt auch viele Songs, die Liebe und andere soziale Themen betonen.
Indonesische Musik wurde seit dem gebildet Bronzezeit Kultur wanderte auf die Indonesischer Archipel im 2. bis 3. Jahrhundert v. Chr. Indonesische traditionelle Musik verwendet häufig Percussion -Instrumente, insbesondere Kendang und Gongs. Einige von ihnen entwickelten aufwändige und unverwechselbare Musikinstrumente, wie die Sasando Stringinstrument auf der Insel Rote, die Sundanese Angklungund der komplexe und raffinierte Javaner und Balinesisch Gamelan -Orchester. Indonesien ist die Heimat von Gong Chime, Gong Chime ist ein allgemeiner Begriff für eine Reihe kleiner, hochgestützter Topf -Gongs. Gongs werden normalerweise in der Reihenfolge in Bezug auf eine Schnur in einem niedrigen Holzrahmen platziert. Die beliebteste und berühmteste Form der indonesischen Musik ist wahrscheinlich Gamelan, ein Ensemble von abgestimmtem Schlaginstrumente das beinhaltet Metallophone, Schlagzeug, Gongs und Spike Fiddles zusammen mit Bambus Suling.
Chinesische klassische MusikDie traditionelle Kunst oder Gerichtsmusik Chinas hat eine Geschichte über drei Tausend Jahre. Es hat seine eigenen einzigartigen Systeme der musikalischen Notation sowie musikalische Abstimmung und Tonhöhe, Musikinstrumente und -stile oder musikalische Genres. Die chinesische Musik ist pentatonisch-diaonisch und hat eine Skala von zwölf Notizen für eine Oktave (5+7 = 12), ebenso wie europäische Musik.
Altes Griechenland
Musik war ein wichtiger Teil des sozialen und kulturellen Lebens in Altes GriechenlandTatsächlich war es eines der Hauptfächer, die Kindern beigebracht wurden. Die Musikbildung wurde als wichtig für die Entwicklung der Seele eines Individuums angesehen. Musiker und Sänger spielten eine herausragende Rolle in Griechisches Theater[37] und diejenigen, die eine musikalische Ausbildung erhielten Republik, Platon) Gemischtes Geschlecht Chöre für Unterhaltung, Feier und spirituelle Zeremonien aufgetragen.[38] Die heilige alte griechische Musik wird als Beispiel für Perfektion und Reinheit angesehen. Zu den Instrumenten gehörten die Doppelreed Aullos und ein gezupftes Saiteninstrument, das Leier, hauptsächlich die besondere Art genannt a Kithara. Musik war ein wichtiger Teil der Bildung, und Jungen wurden ab dem sechsten Lebensjahr Musik beigebracht. Die griechische musikalische Alphabetisierung führte zu einer Blüte der Musikentwicklung. griechisch Musiktheorie enthielt das Griechische Musikalische Modi, das wurde schließlich die Grundlage für Western religiös und klassisch Musik. Später Einflüsse aus dem Römisches ReichOsteuropa und die Byzantinisches Reich Griechische Musik veränderte. Das Seikilos Epitaph ist das älteste überlebende Beispiel für eine vollständige musikalische Komposition, einschließlich musikalischer Notation, von überall auf der Welt.[39] Das älteste überlebende Werk zum Thema Musiktheorie ist Harmonika Stoicheia durch Aristoxenus.[40]
Western klassisch
Mittelalter
Das mittelalterlich ERA (476 bis 1400), die während der stattfand Mittelalter, begann mit der Einführung von monophon (einzelne melodische Linie) Singen hinein römisch-katholische Kirche Dienstleistungen. Musikalische Notation wurde seit der Antike in verwendet Griechische Kulturaber im Mittelalter wurde die Notation zuerst von der eingeführt Katholische Kirche Damit die Gesangmelodien niedergeschrieben werden konnten, um die Verwendung der gleichen Melodien für religiöse Musik im gesamten katholischen Reich zu erleichtern. Das einzige europäische mittelalterliche Repertoire, das in schriftlicher Form vor 800 gefunden wurde, ist die monophon liturgisch Choral Gesang der römisch -katholischen Kirche, deren zentrale Tradition genannt wurde Gregorianischer Gesang. Neben diesen Traditionen von heilig und Kirchenmusik Es gab eine lebendige Tradition von säkulares Lied (nicht religiöse Songs). Beispiele für Komponisten aus diesem Zeitraum sind Léonin, Pérotin, Guillaume de Machaut, und Walther von der Vogelweide.
Renaissance
Renaissance -Musik (ca. 1400 bis 1600) konzentrierte sich stärker auf säkulare (nicht religiöse) Themen wie Höfliche Liebe. Um 1450, die Druckerpresse wurde erfunden, was gedruckt machte Noten Viel günstiger und leichter zu produzieren (vor der Erfindung der Druckmaschine wurde alle notierten Musik von Hand geschaltet). Die erhöhte Verfügbarkeit von Noten trug dazu bei, Musikstile schneller und über einen größeren Bereich zu verbreiten. Musiker und Sänger arbeiteten oft für Kirche, Gerichte und Städte. Die Kirchenchöre wuchsen an und die Kirche blieb ein wichtiger Schirmherr der Musik. Mitte des 15. Jahrhunderts schrieben Komponisten reichlich polyphonische heilige Musik, in der verschiedene Melodienlinien gleichzeitig miteinander verwoben waren. Zu den prominenten Komponisten aus dieser Zeit gehören Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley, und Orlande de Lassus. Als sich die musikalische Aktivität von der Kirche zu den aristokratischen Gerichten verlagerte, kämpften Könige, Königinnen und Fürsten um die besten Komponisten. Viele führende wichtige Komponisten kamen aus den Niederlanden, Belgien und Nordfrankreich. Sie werden als französisch-flämische Komponisten bezeichnet. Sie hatten wichtige Positionen in ganz Europa, insbesondere in Italien. Andere Länder mit lebendiger musikalischer Aktivität waren Deutschland, England und Spanien.
Barock-
Das Barock -Ära der Musik fand von 1600 bis 1750 als die statt Barock künstlerischer Stil in ganz Europa floriert; In dieser Zeit erweiterte Musik in ihrer Reichweite und Komplexität. Barockmusik begann, als die ersten Opern (dramatische Solo -Vokalmusik begleitet von Orchester) geschrieben wurden. Während der Barockzeit,, polyphon kontrapunktal Musik, in der mehrere, gleichzeitige unabhängige Melodienlinien verwendet wurden, blieb wichtig (der Kontrapunkt war wichtig für die Gesangsmusik der mittelalterlichen Ära). Deutsche Barockkomponisten schrieben für kleine Ensembles einschließlich Saiten, Messing, und Holzbläser, sowie für Chöre und Tastaturinstrumente wie z. Orgel, Cembalo, und Klavichord. In dieser Zeit wurden mehrere große Musikformen definiert, die in späteren Zeiträumen dauerten, als sie erweitert und weiterentwickelt wurden, einschließlich der Fuge, das Erfindung, das Sonateund das Konzert.[41] Der späte Barockstil war polyphonisch komplex und reich verziert. Zu den wichtigsten Komponisten aus der Barockzeit gehören Johann Sebastian Bach (Cello -Suiten), George Frideric Händel (Messias), Georg Philipp Telemann und Antonio Lucio Vivaldi (Die vier Jahreszeiten).
Klassizismus
Die Musik der Klassik (1730 bis 1820) zielten darauf ab, das zu imitieren, was als Schlüsselelemente der Kunst und Philosophie des alten Griechenlands und Roms angesehen wurden: die Ideale des Gleichgewichts, des Verhältnisses und des disziplinierten Ausdrucks. (Hinweis: Die Musik von der Klassik sollte nicht mit klassischer Musik im Allgemeinen verwechselt werden, ein Begriff, der sich auf Western bezieht Kunstmusik vom 5. Jahrhundert bis in die 2000er Jahre, einschließlich der klassischen Zeit als einer von mehreren Zeiträumen). Musik aus der klassischen Zeit hat eine leichtere, klarere und erheblich einfachere Textur als die Baroque music das ging es voraus. Der Hauptstil war Homophonie,[42] wo ein prominent Melodie und ein untergeordneter Akkordal Begleitung Teil sind deutlich unterschiedlich. Klassische instrumentelle Melodien waren tendenziell fast vozelisch und singen. Es wurden neue Genres entwickelt und die FortpianoDer Vorläufer des modernen Klaviers ersetzte die Barockära Cembalo und Orgel als Haupttastaturinstrument (obwohl die Pfeifenorgel weiterhin in heiliger Musik verwendet wurde, wie z. B. Massen).
Wichtigkeit wurde an gegeben instrumental Musik. Es wurde von der weiteren Entwicklung musikalischer Formen dominiert, die ursprünglich in der Barockzeit definiert wurden: die Sonate, das Konzert und das Symphonie. Andere Hauptarten waren die Trio, Streichquartett, Serenade und Divertimento. Die Sonate war die wichtigste und entwickelte Form. Obwohl Barockkomponisten auch Sonaten geschrieben haben, ist der klassische Sonate -Stil völlig unterschiedlich. Alle wichtigsten instrumentellen Formen der klassischen Ära, von Streichquartetten bis hin zu Symphonien und Konzerten, basierten auf der Struktur der Sonate. Die verwendeten Instrumente Kammermusik und Orchester wurde standardisierter. Anstelle des Basso Continuo Gruppe der Barock -Ära, die aus Cembalo, Organ oder Laute zusammen mit einer Reihe von Bassstrumenten bestand, die nach Ermessen des Gruppenleiters (z. B. Viol, Cello, Theorbo, Schlange) ausgewählt wurden, klassische Kammergruppen, die spezifizierte, standardisierte Instrumente (standardisierte Instrumente ( z. B. a Streichquartett würde von zwei Geigen durchgeführt, eine Bratsche und ein Cello). Die Barock-Ära improvisierte Akkordspiel des Continuo-Keyboarders oder des Lautenspielers wurde zwischen 1750 und 1800 allmählich ausgetauscht.
Eine der wichtigsten Änderungen in der klassischen Zeit war die Entwicklung öffentlicher Konzerte. Die Aristokratie spielte immer noch eine bedeutende Rolle bei der Sponsoring von Konzerten und Kompositionen, aber es war nun für Komponisten möglich, zu überleben, ohne ständige Mitarbeiter von Königinnen oder Prinzen zu sein. Die zunehmende Beliebtheit klassischer Musik führte zu einem Wachstum der Anzahl und der Arten von Orchestern. Die Erweiterung von Orchesterkonzerten erforderte den Bau großer öffentlicher Performance -Räume. Symphonische Musik einschließlich Symphonien, musikalischer Begleitung zu Ballett und gemischten Vokal-/Instrumentalgenres wie Opera und Oratorium wurde beliebter.
Die bekanntesten Komponisten des Klassizismus sind Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven und Franz Schubert. Beethoven und Schubert gelten auch als Komponisten im späteren Teil der klassischen Ära, da es sich zu der Romantik bewegte.
Romantik
Romantische Musik (um 1810 bis 1900) aus dem 19. Jahrhundert hatten viele Elemente gemeinsam mit dem Romantisch Stile in der Literatur und Malerei der Ära. Romantik war eine künstlerische, literarische und intellektuelle Bewegung war durch ihre Betonung von Emotionen und Individualismus sowie durch Verherrlichung aller Vergangenheit und Natur gekennzeichnet. Die romantische Musik wurde über die starren Stile und Formen der klassischen Ära hinaus in leidenschaftlichere, dramatischere Ausdrucksstücke und Lieder. Romantische Komponisten wie Wagner und Brahms versuchte, den emotionalen Ausdruck und die Kraft in ihrer Musik zu erhöhen, um tiefere Wahrheiten oder menschliche Gefühle zu beschreiben. Mit symphonisch Tongedichte, Komponisten versuchten, Geschichten zu erzählen und Bilder oder Landschaften mit Instrumentalmusik zu rufen. Einige Komponisten beförderten nationalistisch stolz auf patriotische Orchestermusik, die von inspiriert von Volksmusik. Die emotionalen und ausdrucksstarken Musikqualitäten hatten Vorrang vor der Tradition.
Romantische Komponisten wuchsen in Eigenart und gingen weiter in der Synkretismus verschiedene Kunstformen in einem musikalischen Kontext (wie Literatur), Geschichte (historische Figuren und Legenden) oder Natur selbst zu erforschen. Romantische Liebe oder Sehnsucht war in vielen Arbeiten, die in dieser Zeit komponiert wurden, ein weit verbreitetes Thema. In einigen Fällen wurden die formalen Strukturen aus der klassischen Zeit weiter verwendet (z. B. die Sonate Form benutzt in Streichquartette und Symphonien), aber diese Formen wurden erweitert und verändert. In vielen Fällen wurden neue Ansätze für bestehende Genres, Formen und Funktionen untersucht. Es wurden auch neue Formen erstellt, die für das neue Thema besser geeignet wurden. Die Komponisten entwickelten weiterhin Oper- und Ballettmusik und erkundeten neue Stile und Themen.[37]
In den Jahren nach 1800 entwickelte die Musik von Ludwig van Beethoven und Franz Schubert stellte einen dramatischeren, ausdrucksstarken Stil ein. In Beethovens Fall kurz Motive, organisch entwickelt, kamen ersetzt, um zu ersetzen Melodie Als bedeutendste Kompositionseinheit (ein Beispiel ist die in seinem verwendete merkwürdige vier Note -Figur Fünfte Symphonie). Später romantische Komponisten wie Pyotr ilyich tchaikovsky, Antonín Dvořák, und Gustav Mahler ungewöhnlicher verwendet Akkorde und mehr Dissonanz dramatische Spannung zu erzeugen. Sie erzeugten komplexe und oft viel längere musikalische Werke. Während der späten romantischen Zeit erkundeten Komponisten dramatisch chromatisch Änderungen von Tonalität, wie zum Beispiel erweiterte Akkorde und Veränderte Akkorde, der neue Sound "Farben" erzeugt. Das Ende des 19. Jahrhunderts verzeichnete eine dramatische Ausdehnung der Größe des Orchesters und der Industrielle Revolution half, bessere Instrumente zu schaffen und einen leistungsstärkeren Sound zu schaffen. Öffentliche Konzerte wurden zu einem wichtigen Bestandteil von wohlhabend urban Gesellschaft. Es sah auch eine neue Vielfalt in Theatermusik, einschließlich Operette, und Musikalische Komödie und andere Formen des Musiktheaters.[37]
20. und 21. Jahrhundert
Im 19. Jahrhundert war eine der wichtigsten Möglichkeiten, wie neue Kompositionen der Öffentlichkeit bekannt wurden Noten, welche Mittelklasse Amateur -Musikliebhaber zu Hause auf ihrem Klavier oder anderen gemeinsamen Instrumenten wie Geige auftreten würden. Mit Musik des 20. Jahrhunderts, die Erfindung neuer elektrische Technologien wie zum Beispiel Radio Übertragung und die Massenmarkt Verfügbarkeit von Grammophonaufzeichnungen meinte, dass Tonaufnahmen Von Liedern und Stücken, die von den Hörern (entweder im Radio oder auf ihrem Plattenspieler) gehört wurden, wurden die Hauptmethode, um sich über neue Songs und Stücke zu informieren. Es gab einen erheblichen Anstieg des Musikhörs, als das Radio Popularität erlangte und Phonographien wurden verwendet, um Musik wiederzugeben und zu verteilen, denn während im 19. Jahrhundert der Fokus auf Noten-Meisterschaft auf neue Musik auf die Mittelklasse und die Oberschicht beschränkte, die Musik lesen konnten und die im 20. Jahrhundert Klaviere und Instrumente besaßen konnten. Jeder mit einem Radio oder Plattenspieler konnte Opern hören, Symphonien und Big Bands direkt in ihrem eigenen Wohnzimmer. Dies ermöglichte Menschen mit niedrigerem Einkommen, die sich niemals eine Oper- oder Symphonie-Konzertkarte leisten könnten, um diese Musik zu hören. Dies bedeutete auch, dass Menschen Musik aus verschiedenen Teilen des Landes oder sogar in verschiedenen Teilen der Welt hören konnten, auch wenn sie es sich nicht leisten konnten, an diese Orte zu reisen. Dies half, Musikstile zu verbreiten.
Der Fokus von Kunstmusik Im 20. Jahrhundert wurde durch die Erforschung neuer Rhythmen, Stile und Geräusche gekennzeichnet. Die Schrecken von Erster Weltkrieg beeinflusste viele der Künste, einschließlich Musik, und einige Komponisten begannen, dunklere, härtere Klänge zu erkunden. Traditionelle Musik Stile wie Jazz und Volksmusik wurden von Komponisten als Ideenquelle für klassische Musik verwendet. Igor Strawinsky, Arnold Schoenberg, und John Cage waren alle einflussreiche Komponisten in Kunstmusik des 20. Jahrhunderts. Die Erfindung von Tonaufnahme und die Fähigkeit, Musik zu bearbeiten, führte zu einem neuen Subgenre der klassischen Musik, einschließlich der akusmatisch[43] und Musique Concrète Schulen der elektronischen Zusammensetzung. Die Tonaufnahme war auch ein großer Einfluss auf die Entwicklung populärer Musikgenres, da die Aufnahmen von Songs und Bands weit verbreitet waren. Die Einführung der Multitrack -Aufnahme System hatte einen großen Einfluss auf Rockmusik, da es viel mehr als die Leistung einer Band aufnehmen konnte. Mit einem Multitrack -System konnten eine Band und ihr Musikproduzent viele Instrumenten -Tracks und Vocals übertreiben und neue Sounds erstellen, die in einer Live -Aufführung nicht möglich wären.
Jazz entwickelte sich und wurde im Laufe des 20. Jahrhunderts zu einem wichtigen Musikgenre, und in der zweiten Hälfte dieses Jahrhunderts tat Rockmusik dasselbe. Jazz ist eine amerikanische musikalische Kunstform, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts in afroamerikanischen Gemeinden in den südlichen Vereinigten Staaten aus einem Zusammenfluss von von Afroamerikanern stammt afrikanisch und europäische Musiktraditionen. Der westafrikanische Stammbaum des Stils zeigt sich in seiner Verwendung von Blaue Noten, Improvisation, Polyrhythmus, Synkopierung, und die geschwungene Note.[44]
Rockmusik ist ein Genre von Populärmusik Das entwickelte sich in den 1960er Jahren aus den 1950er Jahren Rock'n'Roll, Rockabilly, Blues, und Land musik.[45] Der Sound von Rock dreht sich oft um die E -Gitarre oder die Akustikgitarre und verwendet eine starke Back Beat von a niedergelegt Rhythmusgruppe. Neben der Gitarre oder Keyboards werden Saxophon und Blues-Stil Mundharmonika als Soloing-Instrumente verwendet. In seiner "reinsten Form" hat es drei Akkorde, einen starken, beharrlichen Back Beat und eine eingängige Melodie.[Zitat Zitat benötigt] Die traditionelle Rhythmus -Sektion für populäre Musik ist die Rhythmusgitarre, Elektro -Bass -Gitarre, Schlagzeug. Einige Bands haben auch Keyboard -Instrumente wie Orgel, Klavier oder seit den 1970er Jahren. Analoge Synthesizer. In den 1980er Jahren begannen Popmusiker, digitale Synthesizer wie das zu verwenden DX-7 Synthesizer, elektronisch Drum -Maschinen so wie die TR-808 und Synth Bass Devices (wie die TB-303) oder Synth Bass Tastaturen. In den neunziger Jahren eine zunehmend große Auswahl an computergestützten Hardware -Musikgeräten und Instrumenten und Software (z. B.,, Digitale Audio -Arbeitsstationen) wurden verwendet. In den 2020er Jahren, weiche Synthesizer und Computermusik -Apps ermöglichen es es Schlafzimmerproduzenten einige Arten von Musik erstellen und aufnehmen, wie z. elektronische Tanzmusik In ihrem eigenen Zuhause fügen Sie gesammelte und digitale Instrumente hinzu und bearbeiten Sie die Aufnahme digital. In den neunziger Jahren einige Bands in Genres wie z. Nu Metall begann eingeschlossen DJs in ihren Bands. DJs erstellen Musik, indem sie auf Plattenspieler oder CD -Playern aufgenommene Musik manipulieren und a DJ -Mixer.
Innovation in der Musiktechnologie wurde bis ins 21. Jahrhundert fortgesetzt, einschließlich der Entwicklung von Isomorphe Tastaturen und Dynamische Tonalität.
Kunst und Unterhaltung
Musik wird für viele Zwecke komponiert und aufgeführt, von ästhetischem Vergnügen, religiösen oder zeremoniellen Zwecken oder als Unterhaltungsprodukt für den Markt. Wenn Musik nur durch verfügbar war Noten Werte wie während der klassischen und romantischen Epochen würden Musikliebhaber das kaufen Noten von ihren Lieblingsstücken und Liedern, damit sie sie zu Hause am Klavier aufführen konnten. Mit dem Aufkommen der Grammophon, Rekorde populärer Songs als Noten wurden zu einer dominierenden Art und Weise, wie Musikliebhaber ihre Lieblingslieder genießen würden. Mit dem Aufkommen von zu Hause Kassettenrekorder in den 1980er Jahren und digitale Musik In den 1990er Jahren konnten Musikliebhaber Bänder machen oder Wiedergabelisten von ihren Lieblingsliedern und nehmen Sie sie mit auf einen mit tragbarer Kassettenspieler oder MP3 -Player. Einige Musikliebhaber erstellen Bänder mischen von ihren Lieblingsliedern, die als "Selbstporträt, als Geste der Freundschaft, Rezept für eine ideale Party dienen ... und] eine Umgebung, die ausschließlich aus dem, was am meisten geliebt wird", besteht.[46]
Amateurmusiker können Musik für ihr eigenes Vergnügen komponieren oder aufführen und ihr Einkommen woanders ableiten. Professionelle Musiker werden von einer Reihe von Institutionen und Organisationen eingesetzt, einschließlich Streitkräften (in Marschbänder, Konzertbänder und populäre Musikgruppen), Kirchen und Synagogen, Symphonieorchester, Rundfunk oder Film-Produktion Unternehmen und Musikschulen. Professionelle Musiker arbeiten manchmal als Freiberufler oder Sitzungsmusiker, um Verträge und Engagements in einer Vielzahl von Umgebungen zu suchen. Es gibt oft viele Verbindungen zwischen Amateur und professionellen Musikern. Beginn der Amateurmusiker nehmen Lektionen mit professionellen Musikern. In Community -Umgebungen treten fortschrittliche Amateurmusiker mit professionellen Musikern in verschiedenen Ensembles wie Community auf Konzertbänder und Community -Orchester.
Es wird oft eine Unterscheidung zwischen Musik gemacht, die für ein Live -Publikum und Musik aufgeführt wird, die in einem Studio aufgeführt werden, damit sie über das Musikhandelssystem oder das Rundfunksystem aufgenommen und verteilt werden kann. Es gibt jedoch auch viele Fälle, in denen auch eine Live -Leistung vor einem Publikum aufgezeichnet und verteilt wird. Live -Konzertaufnahmen sind sowohl in klassischer Musik als auch in beliebt Populärmusik Formen wie Rock, wo illegal aufgeklebte Live -Konzerte werden von Musikliebhabern geschätzt. In dem Jam Band Szene, live, improvisiert Marmeladensitzungen werden den Studioaufnahmen bevorzugt.
Komposition
"Komposition" ist die Handlung oder Praxis des Erstellens eines Songs, und Instrumentalmusik Stück, eine Arbeit mit Gesang und Instrumenten oder einer anderen Art von Musik. In vielen Kulturen, einschließlich westlicher klassischer Musik, umfasst der Akt des Komponierens auch die Schaffung von Musiknotation, so wie ein Noten "Score", das dann vom Komponisten oder von anderen Sängern oder Musikern aufgeführt wird. In populärer Musik und traditioneller Musik kann der Akt des Komponierens, der typischerweise als Songwriting bezeichnet wird Bleiblatt, was das festlegt Melodie, Text und Akkordprogression. In der klassischen Musik typischerweise der Komponist orchestrieren Seine oder ihre eigenen Kompositionen, aber im Musiktheater und in Popmusik können Songwriter einen Arrangeur einstellen, um die Orchestrierung durchzuführen. In einigen Fällen verwendet ein Songwriter möglicherweise überhaupt keine Notation und komponiere den Song in ihrem Kopf und spiele oder nennt ihn dann aus dem Gedächtnis auf. In Jazz und populärer Musik erhalten bemerkenswerte Aufnahmen von einflussreichen Darstellern das Gewicht, das schriftliche Ergebnisse in klassischer Musik spielen.
Selbst wenn Musik relativ genau notiert ist, wie in der klassischen Musik, gibt es viele Entscheidungen, die ein Darsteller treffen muss, da die Notation nicht alle Elemente der Musik genau spezifiziert. Der Prozess der Entscheidung, wie sie zuvor komponiert und notiert Musik ausführen können, wird als "Interpretation" bezeichnet. Verschiedene Interpretationen der Darsteller der gleichen Musikarbeit können in Bezug auf die ausgewählten Tempos und des Spiels oder des Gesangsstils oder der Tempos stark variieren oder Formulierung der Melodien. Komponisten und Songwriter, die ihre eigene Musik präsentieren, interpretieren ihre Songs genauso wie diejenigen, die die Musik anderer ausführen. Die Standardauswahl und -techniken, die zu einem bestimmten Zeitpunkt und an einem bestimmten Ort vorhanden sind Leistungspraxis, während die Interpretation im Allgemeinen verwendet wird, um die individuellen Auswahl eines Darstellers zu bedeuten.
Obwohl eine musikalische Komposition oft verwendet musikalische Notation Und hat einen einzelnen Autor, dies ist nicht immer der Fall. Eine Musikarbeit kann mehrere Komponisten haben, die häufig in auftreten Populärmusik Wenn eine Band zusammenarbeitet, um ein Lied zu schreiben oder im Musiktheater, wenn eine Person die Melodien schreibt, schreibt eine zweite Person die Texte und eine dritte Person organisiert die Songs. In einigen Musikstilen wie dem BluesEin Komponist/Songwriter kann neue Songs oder Stücke erstellen, aufführen und aufnehmen, ohne sie jemals in Musiknotation aufzuschreiben. Ein Musikstück kann auch mit Wörtern, Bildern oder Computerprogrammen komponiert werden, die erklären oder nicht, wie der Sänger oder Musiker musikalische Klänge erstellen sollte. Beispiele reichen von Avantgarde-Musik, die verwendet Grafiknotation, zu Textkompositionen wie z. Aus, an Computerprogramme, die Sounds für Musikstücke auswählen. Musik, die Zufälligkeit und Zufall nutzt Aleateorische Musikund ist mit zeitgenössischen Komponisten verbunden, die im 20. Jahrhundert aktiv sind, wie z. John Cage, Morton Feldman, und Witold Lutosławski. Ein allgemein bekanntes Beispiel für zufällige Musik ist der Klang von Windspiel Jingling im Kinderspiel.
Das Studium der Komposition wurde traditionell durch die Untersuchung von Methoden und Praxis der westlichen klassischen Musik dominiert, aber die Definition von Komposition ist breit genug, um die Schaffung von zu beinhalten Populärmusik und traditionelle Musik Lieder und instrumentelle Stücke sowie spontan improvisiert funktioniert wie die von Kostenloser Jazz Künstler und afrikanische Percussionisten wie z. Mutterschafe.
Notation
In den 2000er Jahren bedeutet Musiknotation typischerweise den schriftlichen Ausdruck von Musiknoten und Rhythmen auf Papier unter Verwendung von Symbolen. Wenn Musik niedergeschrieben wird, die Stellplätze und der Rhythmus der Musik, wie die Noten von a Melodie, sind notiert. Musiknotation bietet häufig auch Anweisungen zum Ausführen der Musik. Zum Beispiel kann die Noten für einen Song angeben, dass das Lied ein "Slow Blues" oder ein "schneller Swing" ist, was das Tempo und das Genre anzeigt. Um Musiknotation zu lesen, muss eine Person ein Verständnis haben Musiktheorie, Harmonie und die Leistungspraxis verbunden mit einem bestimmten Song oder Stück Genre.
Die schriftliche Notation variiert vom Stil und der Zeit der Musik. In den 2000er Jahren wird notierte Musik als produziert als Noten Oder für Personen mit Computer ScoreWriter Programme als Bild auf einem Computer-Bildschirm. In der Antike wurde Musiknotation auf Stein- oder Tontafeln gelegt. Um Musik aus der Notation zu spielen, erfordert ein Sänger oder Instrumentalist ein Verständnis der rhythmischen und pecherischen Elemente, die in den Symbolen und der Performance -Praxis enthalten sind, die mit einem Musikstück oder einem Genre verbunden ist. In Genres erforderlich Musikalische Improvisation, der Künstler spielt oft von Musik, wo nur der Akkordänderungen und Form des Songs werden geschrieben, wobei der Darsteller ein großes Verständnis für die Struktur, Harmonie und die Stile eines bestimmten Genres der Musik (z. B., Jazz oder Land musik).
In der westlichen Kunstmusik sind die häufigsten Arten von schriftlichen Notationen Punktzahlen, die alle Musikteile eines Ensemble -Stücks und Teile enthalten, die die Musiknotation für die einzelnen Darsteller oder Sänger sind. In populärer Musik, Jazz und Blues ist die Standard -musikalische Notation die Bleiblatt, was die Melodie, Akkorde, notiert, Text (Wenn es sich um ein Vokalstück handelt) und Struktur der Musik. Gefälschte Bücher werden auch im Jazz verwendet; Sie können aus Bleiblättern oder einfacher Akkorddiagramme bestehen, die dies zulassen Rhythmusgruppe Mitglieder, um eine zu improvisieren Begleitung Teil von Jazzliedern. Bewertungen und Teile werden auch in populärer Musik und Jazz verwendet, insbesondere in großen Ensembles wie Jazz. "Big Bands. "In populärer Musik lesen Gitarristen und Elektro -Bassisten oft Musik, die notiert in Tablatur (Oft als "tab" abgekürzt), was den Ort der Noten mit einem Diagramm der Gitarre oder des Bassfingerboards auf dem Instrument angibt. Tabulatur wurde auch in der Barockzeit verwendet, um Musik für die zu notieren Laute, ein String -Instrument.
Improvisation
Musikalische Improvisation ist die Schaffung spontaner Musik, oft innerhalb (oder basierend auf) einem vorbestehenden harmonischen Rahmen oder Akkordprogression. Improvisatoren verwenden die Anmerkungen des Akkords, verschiedene Skalen, die mit jedem Akkord verbunden sind, und chromatische Ornamente und Übergangstöne, die weder Akkordtöne noch aus den mit einem Akkord verbundenen typischen Skalen sind. Musikalische Improvisation kann mit oder ohne Vorbereitung durchgeführt werden. Improvisation ist ein wesentlicher Bestandteil einiger Arten von Musik, wie z. Blues, Jazz, und Jazzfusion, in denen Instrumentaler -Performer Soli, Melodielinien und Begleitteile improvisieren.
In der westlichen Kunstmusiktradition war Improvisation eine wichtige Fähigkeit während der Barockzeit und während der klassischen Ära. In der Barockzeit improvisierten die Darsteller Ornamente und Basso Continuo Tastaturspieler improvisiert Akkordstimmungen bezogen auf Figurer Bass Notation. Es wurde auch erwartet Präludes. In der klassischen Ära improvisierten Solo -Künstler und Sänger Virtuoso Kadenz Während der Konzerte.
Im 20. und frühen 21. Jahrhundert als "gemeinsame Praxis" westlich Kunstmusik Die Leistung wurde in Symphonieorchestern, Opernhäusern und Balletten institutionalisiert. Improvisation hat eine geringere Rolle gespielt, da immer mehr Musik in Punktzahlen und Teilen für Musiker zu spielen war. Zur gleichen Zeit das 20. und 21. Jahrhundert Kunstmusik Die Komponisten haben zunehmend Improvisation in ihrer kreativen Arbeit aufgenommen. Im Indische klassische Musik, Improvisation ist eine Kernkomponente und ein wesentliches Kriterium für Leistungen.
Theorie
Die Musiktheorie umfasst die Natur und Mechanik der Musik. Es beinhaltet häufig die Identifizierung von Mustern, die die Techniken der Komponisten bestimmen und die untersuchen Sprache und Notation Der Musik. Im großen Sinne destilliert und analysiert die Musiktheorie die und analysiert die Parameter oder Elemente der Musik - Rhythmus, Harmonie (Harmonische Funktion), Melodie, Struktur, bilden, und Textur. Im Großen und Ganzen kann die Musiktheorie irgendwelche Aussagen, Glauben oder Konzeption von oder über Musik umfassen.[47] Menschen, die diese Eigenschaften studieren, sind als Musiktheoretiker bekannt und arbeiten normalerweise als Professoren an Hochschulen, Universitäten und Musikkonservatorien. Einige haben sich beworben Akustik, menschliche Physiologie, und Psychologie zur Erklärung, wie und warum Musik ist wahrgenommen. Musiktheoretiker veröffentlichen ihre Forschung in Musiktheoretik -Zeitschriften und University Press Books.
Elemente
Musik hat viele verschiedene Grundlagen oder Elemente. Abhängig von der Definition des verwendeten "Elements" können diese Tonhöhe, Beat oder Puls, Tempo, Rhythmus, Melodie, Harmonie, Textur, Stil, Zuweisung von Stimmen, Timbre oder Farbe, Dynamik, Ausdruck, Artikulation, Form und Struktur umfassen . Die Elemente der Musik sind prominent in den Musiklehrplänen Australiens, Großbritanniens und den USA zu sehen. Alle drei Lehrpläne identifizieren Tonhöhe, Dynamik, Timbre und Textur als Elemente, aber die anderen identifizierten Musikelemente sind weit davon entfernt, allgemein vereinbart zu werden. Unten finden Sie eine Liste der drei offiziellen Versionen der "Elemente der Musik":
- Australien: Tonhöhe, Timbre, Textur, Dynamik und Ausdruck, Rhythmus, Form und Struktur.[48]
- UK: Pitch, Timbre, Textur, Dynamik, Dauer, Tempo, Struktur.[49]
- USA: Pitch, Timbre, Textur, Dynamik, Rhythmus, Form, Harmonie, Stil/Artikulation.[50]
In Bezug auf den britischen Lehrplan im Jahr 2013 der Begriff: "Angemessener Musikalische Notationen"wurde zu ihrer Liste der Elemente hinzugefügt und der Titel der Liste wurde von den" Elementen der Musik "in die" miteinander verbundenen Dimensionen der Musik "geändert. Die miteinander verbundenen Dimensionen der Musik sind als: Tonhöhe, Dauer, Dynamik aufgeführt , Tempo, Timbre, Textur, Struktur und angemessene musikalische Notationen.[51]
Der Ausdruck "Die Elemente der Musik" wird in verschiedenen Kontexten verwendet. Die beiden häufigsten Kontexte können differenziert werden, indem sie als "rudimentäre Musikelemente" und die "Wahrnehmungselemente der Musik" beschrieben werden.
Rudimentär
In den 19. Jahrhundert wurden die Sätze "Die Elemente der Musik" und "The Rudiments of Music" austauschbar verwendet.[52][53] Die in diesen Dokumenten beschriebenen Elemente beziehen sich auf Aspekte der Musik, die benötigt werden, um Musiker zu werden. Jüngste Schriftsteller wie Espie Estrella scheinen den Ausdruck "Elemente der Musik" auf ähnliche Weise zu verwenden.[54] Eine Definition, die diese Verwendung am genauesten widerspiegelt, lautet: "Die rudimentären Prinzipien einer Kunst, Wissenschaft usw.: Die Elemente der Grammatik."[55] Der Curriculum in Großbritannien wechselt zu den "miteinander verbundenen Musikabmessungen" zu sein, scheint ein Rückzug zur Verwendung der rudimentären Elemente der Musik zu sein.
Wahrnehmung
Seit dem Aufkommen der Studie von Psychoakustik In den 1930er Jahren haben die meisten Musikelemente von Musik mehr auf unsere Art zu tun, wie wir hören Musik als wie wir lernen, es zu spielen oder zu studieren. C. E. Seashore, in seinem Buch Psychologie der Musik,[56] Identifizierte vier "psychologische Attribute des Klangs". Dies waren: "Tonhöhe, Lautstärke, Zeit und Timbre" (S. 3). Er nannte sie nicht die "Elemente der Musik", sondern bezeichnete sie als "Elementarkomponenten" (S. 2). Trotzdem verbinden sich diese elementaren Komponenten genau mit vier der häufigsten musikalischen Elemente: "Tonhöhe" und "Timbre" genau, "Lautstärke" mit Dynamik und "Zeit" mit den zeitbasierten Elementen des Rhythmus, der Dauer und den zeitbasierten Elementen Tempo. Diese Verwendung des Ausdrucks "Die Elemente der Musik" verknüpfen enger mit Websters neues Wörterbuch des 20. Jahrhunderts Definition eines Elements als: "Eine Substanz, die durch bekannte Methoden nicht in eine einfachere Form unterteilt werden kann"[57] und die Elementlisten der Bildungseinrichtungen entsprechen im Allgemeinen auch mit dieser Definition.
Obwohl Autoren von Listen von "rudimentären Musikelementen" je nach persönlicher (oder institutioneller) Prioritäten ihre Listen variieren können ein beabsichtigter musikalischer Effekt. In diesem Stadium scheint in diesem Bereich noch Forschung zu werden.
Eine etwas andere Art, sich der Identifizierung der Elemente der Musik zu nähern, besteht darin, die "Elemente von" zu identifizieren Klang" wie: Tonhöhe, Dauer, Lautstärke, Timbre, Schallstruktur und räumliche Lage,[58] und dann die "Elemente der Musik" als: Ton, Struktur und künstlerische Absicht zu definieren.[58]
Beschreibungen
Tonhöhe und Melodie
Tonhöhe ist ein Aspekt eines Klangs, den wir hören können, und reflektieren, ob ein musikalischer Klang, eine Note oder ein Ton "höher" oder "niedriger" ist als ein anderer musikalischer Klang, Note oder Ton. Wir können im allgemeineren Sinne über die Hoheit oder Tiefe der Tonhöhe sprechen, wie die Art und Weise, wie ein Hörer ein piercercery High hört Piccolo beachten oder Pfeifen Ton so höher in der Tonhöhe als ein tiefer Schlag von a Schlagzeug. Wir sprechen auch in genauem Sinne, die mit dem Musikalischen verbunden sind Melodien, Basslines und Akkorde. Eine präzise Tonhöhe kann nur in Geräuschen bestimmt werden, die eine Frequenz aufweisen, die klar und stabil genug ist, um von Rauschen zu unterscheiden. Zum Beispiel ist es für Zuhörer viel einfacher, die Tonhöhe einer einzigen Note zu erkennen, die auf einem Klavier gespielt wird, als zu versuchen, die Tonhöhe von a zu erkennen Crash Cymbal Das ist beeindruckt.
A Melodie (Auch "Melodie" genannt) ist eine Reihe von Tonhöhen (Noten), die nacheinander (einer nacheinander) klingen, oft in einem steigenden und fallenden Muster. Die Noten einer Melodie werden normalerweise unter Verwendung von Tonhöhensystemen wie z. B. erstellt Waage oder Modi. Melodien enthalten auch oft Notizen aus den in dem Lied verwendeten Akkorde. Die Melodien in einfachen Folk -Songs und traditionellen Songs können nur die Noten einer einzigen Skala verwenden, die Skala, die mit der Tonic Note zugeordnet ist oder Schlüssel eines bestimmten Liedes. Zum Beispiel kann ein Volkslied im Schlüssel von C (auch als C -Dur bezeichnet) eine Melodie haben, die nur die Anmerkungen der C -Dur -Skala verwendet (die einzelnen Anmerkungen C, D, E, G, A, B und c; diese sind das "Weiße Noten"Auf einer Klavier -Tastatur. Andererseits, Bebop-era Jazz aus den 1940er Jahren und zeitgenössische Musik Ab dem 20. und 21. Jahrhundert können Melodien mit vielen verwenden Chromatische Notizen (d. H. Notizen zusätzlich zu den Notizen der Dur -Skala; auf einem Klavier würde eine chromatische Skala alle Notizen auf der Tastatur enthalten, einschließlich der "weißen Noten" und "schwarzen Notizen" und ungewöhnlichen Skalen, wie die Ganzes Tonwaage (Eine ganze Tonskala im Schlüssel von C würde die Anmerkungen C, D, E, F enthalten♯, G♯ und ein♯). Eine niedrige, tiefe musikalische Linie, gespielt von Bassinstrumenten wie Doppelbass, Elektrobass oder Tuba wird als a genannt Basslinie.
Harmonie und Akkorde
Harmonie Bezieht sich auf die "vertikalen" Klänge von Stellplätzen in der Musik, was bedeutet, dass Stellplätze gleichzeitig gespielt oder zusammengesungen werden, um a zu erstellen Akkord. Normalerweise bedeutet dies, dass die Notizen gleichzeitig gespielt werden, obwohl Harmonie auch durch eine Melodie impliziert werden kann, die eine harmonische Struktur darstellt (d. H. Durch die Verwendung von Melodienoten, die nacheinander gespielt werden, um die Noten eines Akkords zu beschreiben). In Musik, die mit dem System der Major-Minor geschrieben wurde Tonalität ("Keys"), das die meisten klassischen Musik enthält, die von 1600 bis 1900 geschrieben wurden, und die meisten westlichen Pops, Rock und traditionelle Musik, der Schlüssel eines Stücks bestimmt die "Heimnote" oder Tonic auf die das Stück allgemein auflöst und der Charakter (z. B. Haupt- oder Moll) der verwendeten Skala. Einfache klassische Stücke und viele Pop- und traditionelle Musiksongs werden so geschrieben, dass die gesamte Musik in einem einzigen Schlüssel ist. Komplexere klassische, pop- und traditionelle Musiklieder und Stücke können zwei Schlüssel haben (und in einigen Fällen drei oder mehr Schlüssel). Klassische Musik aus der romantischen Ära (geschrieben von ungefähr 1820 bis 1900) enthält oft mehrere Schlüssel, wie es tut Jazz, besonders Bebop Jazz aus den 1940er Jahren, in dem der Schlüssel oder die "Heimnote" eines Songs alle vier oder sogar alle zwei Bars verändern kann.
Rhythmus
Rhythmus ist die Anordnung von Geräuschen und Stille in der Zeit. Meter Animiert die Zeit in regulären Pulsgruppen, genannt Maßnahmen oder Balken, die in westlicher klassischer, populärer und traditioneller Musik oft Gruppennotizen in zwei Sätzen von zwei (z. B. 2/4 Zeit), drei (z. B. 3/4 Zeit, auch bekannt als bekannt als Walzer Zeit oder 3/8 Zeit) oder vier (z. B. 4/4 Zeit). Messgeräte werden leichter zu hören, da Lieder und Stücke oft (aber nicht immer) einen Schwerpunkt auf den ersten Schlag jeder Gruppierung legen. Bemerkenswerte Ausnahmen existieren wie die Backbeat Wird in viel westlicher Pop und Rock verwendet, in dem ein Lied, das ein Maß verwendet, das aus vier Beats besteht (4/4 Zeit genannt oder Gemeinsame Zeit) wird Akzente auf Takten zwei und vier haben, die normalerweise vom Schlagzeuger auf dem durchgeführt werden kleine Trommel, ein lautes und unverwechselbar klingendes Percussion-Instrument. In Pop und Rock werden die Rhythmus -Teile eines Songs von der gespielt Rhythmusgruppe, einschließlich Akkordspielinstrumenten (z. B. E-Gitarre, Akustikgitarre, Klavier oder andere Tastaturinstrumente), ein Bassinstrument (typischerweise elektrischer Bass oder für einige Stile wie z. B. Jazz und Bluegrass, Doppelbass) und ein Drum Kit Player.
Textur
Musikstruktur ist der allgemeine Klang eines Musikstücks oder eines Liedes. Die Textur eines Stücks oder Songs wird dadurch bestimmt, wie die melodischen, rhythmischen und harmonischen Materialien in einer Komposition kombiniert werden, wodurch die Gesamt Natur des Klangs in einem Stück bestimmt wird. Die Textur wird häufig in Bezug auf die Dichte, Dicke und Reichweite oder Breite zwischen den niedrigsten und höchsten Tonhöhen in relativ (Siehe gemeinsame Typen unten). Zum Beispiel enthält eine dicke Textur viele "Schichten" von Instrumenten. Eine dieser Schichten könnte ein Saitenabschnitt oder ein anderes Messing sein. Die Dicke wird auch von der Menge und dem Reichtum der Instrumente beeinflusst. Die Textur wird allgemein gemäß der Anzahl und der Beziehung zwischen beschrieben Teile oder Musiklinien:
- Monophonie: ein einzelnes Melodie (oder "Melodie") mit keinem Instrumental Begleitung Noch a Harmonie Teil. Eine Mutter, die a singt Wiegenlied Für ihr Baby wäre ein Beispiel.
- Heterophonie: Zwei oder mehr Instrumente oder Sänger spielen/singen dieselbe Melodie Ornamente zur Melodie. Zwei Bluegrass Geiger das gleiche spielen traditionell Fiddle Melodie zusammen variiert normalerweise jeweils die Melodie um einen gewissen Grad und fügt jeweils unterschiedliche Ornamente hinzu.
- Polyfonie: Mehrere unabhängige Melodienlinien, die miteinander verweben, die gleichzeitig gesungen oder gespielt werden. Chor Musik geschrieben in der Renaissance -Musik Die Ära wurde normalerweise in diesem Stil geschrieben. EIN runden, was ein Lied wie "ist"Reihe, Reihen, Reihen Sie Ihr Boot"Die verschiedenen Sängergruppen beginnen zu einer anderen Zeit zu singen, ist ein Beispiel für Polyphonie.
- Homophonie: Eine klare Melodie von unterstützt von Chordal Begleitung. Am westlichsten Populärmusik Lieder aus dem 19. Jahrhundert sind in dieser Textur geschrieben.
Musik, die eine große Anzahl von Independent enthält Teile (z. B. ein doppeltes Konzert, das von 100 Orchesterinstrumenten mit vielen interweenvollen melodischen Linien begleitet wird) soll allgemein eine "dickere" oder "dichtere" Textur haben als eine Arbeit mit wenigen Teilen (z. B. ein Solo Flöte Melodie begleitet von einem einzelnen Cello).
Timbre oder "Tonfarbe"
Timbre, manchmal als "Farbe" oder "Tonfarbe" bezeichnet, ist die Qualität oder ein Klang einer Stimme oder eines Instruments.[59] Timbre unterscheidet einen bestimmten musikalischen Klang von einem anderen, selbst wenn sie die gleiche Tonhöhe und Lautstärke haben. Zum Beispiel klingt eine 440 Hz eine Notiz anders, wenn sie auf gespielt wird Oboe, Klavier, Geige oder E -Gitarre. Auch wenn verschiedene Spieler desselben Instruments dieselbe Note spielen, können ihre Noten aufgrund von Unterschieden in der Instrumental -Technik unterschiedlich klingen (z. B. unterschiedlich Emtakte), verschiedene Arten von Accessoires (z. B. Mundstücke für Messingspieler, Schilf für Oboe und Bagsoner) oder Strings aus verschiedenen Materialien für Streicher (z. B.. Bauchschnüre gegen Stahlzeichenfolgen). Sogar zwei Instrumentalisten, die dieselbe Note auf demselben Instrument spielen (eins nach dem anderen), können sich aufgrund unterschiedlicher Art des Instruments anders klingen (z. B. zwei Streicherspieler könnten den Bogen anders halten).
Die physikalischen Eigenschaften des Klangs, die die Wahrnehmung von Timbre bestimmen Spektrum, Umschlag, und Obertöne von einer Notiz oder musikalischen Klang. Zum elektrisch Im 20. Jahrhundert entwickelte Instrumente wie E -Gitarre, Elektrobass und elektrisches KlavierDer Darsteller kann auch den Ton ändern, indem der Ton angepasst wird Ausgleichskontrollen, Tonsteuerung des Instruments und durch Verwendung Elektronische Effekteinheiten wie zum Beispiel Verzerrung Pedale. Der Ton der Elektrik Hammond -Orgel wird durch Anpassen gesteuert Draw Balken.
Ausdruck
Ausdrucksvolle Eigenschaften sind jene Musikelemente, die Musikveränderungen verursachen, ohne die Hauptteile zu ändern oder die Rhythmen der Melodie und ihrer Begleitung erheblich zu ändern. Darsteller, einschließlich Sänger und Instrumentalisten, können einem Song oder Stück musikalischen Ausdruck verleihen, indem Sie hinzufügen Formulierung, durch Hinzufügen von Effekten wie z. Vibrato (Mit Stimme und einigen Instrumenten wie Gitarre, Geige, Messinginstrumenten und Holzbläsern), Dynamik (die Lautstärke oder Weichheit des Stücks oder eines Abschnitts), Tempo -Schwankungen (z. B., Ritardando oder Accelerando, die das Tempo verlangsamen und beschleunigen), indem sie Pausen hinzufügen oder Fermatas auf einen Kadenzund durch Ändern der Artikulation der Notizen (z. B. Notizen, die ausgeprägter oder akzentueller machen, indem sie Notizen machen Legato, was reibungslos verbunden ist oder durch Kürzer mit Notizen).
Der Ausdruck wird durch die Manipulation der Tonhöhe (wie Beugung, Vibrato, Objektträger usw.), Volumen (Dynamik, Akzent, Tremolo usw.), Dauer (Tempo -Schwankungen, rhythmische Veränderungen, Veränderung der Notizdauer wie mit Legato und Staccato usw. .), Timbre (z. B. Wechsel des Gesangs Timbre von einem Licht zu einer resonanten Stimme) und manchmal sogar Textur (z. B. Verdoppelung des Bassnotiz für einen reichhaltigeren Effekt in einem Klavierstück). Der Ausdruck kann daher als Manipulation aller Elemente angesehen werden, um "einen Hinweis auf Stimmung, Geist, Charakter usw." zu vermitteln.[60] und als solches kann nicht als einzigartiges Wahrnehmungselement der Musik einbezogen werden,[61] Obwohl es als wichtiges rudimentäres Musikelement angesehen werden kann.
Bilden
In Musik, bilden beschreibt die Gesamtstruktur oder den Plan eines Liedes oder eines Musikstücks,[62] und es beschreibt das Layout einer Komposition, die in Abschnitte unterteilt ist.[63] Anfang des 20. Jahrhunderts, Zinnpfanne Gasse Lieder und Broadway -Musical Lieder waren oft in Aaba 32 Barform, in dem die A -Abschnitte die gleiche Melodie mit acht Stangen (mit Variation) wiederholten und der B -Abschnitt für acht Stangen eine kontrastierende Melodie oder Harmonie lieferte. Ab den 1960er Jahren sind westliche Pop- und Rocksongs oft in Vers-Chorus-Form, was eine Sequenz von umfasst Vers und Chor ("Refrain") Abschnitte mit neu Text Für die meisten Verse und Wiederholung von Texten für die Chöre. Populärmusik nutzt oft von Strophische Formmanchmal in Verbindung mit dem Zwölf Bar Blues.
In der zehnten Ausgabe von Der Oxford -Begleiter der Musik, Percy Scholes Definiert die musikalische Form als "eine Reihe von Strategien, die einen erfolgreichen Mittelwert zwischen den entgegengesetzten Extremen einer ungelösten Wiederholung und einer unbegliebten Veränderung finden sollen".[64] Beispiele für häufige Formen der westlichen Musik sind die Fuge, das Erfindung, Sonata-Allegro, Kanon, strophisch, Thema und Variationen, und Rondo.
Scholes besagt, dass europäische klassische Musik nur sechs eigenständige Formen hatte: einfacher binär, einfach ternärisch, zusammengesetzter binär, rondo, Luft mit Variationen und Fuge (Obwohl Musikwissenschaftlerin Alfred Mann betonte, dass die Fuge in erster Linie eine Kompositionsmethode ist, die manchmal bestimmte strukturelle Konventionen angenommen hat.[65]))
Wo ein Stück nicht ohne weiteres in Sektionseinheiten unterteilt werden kann (obwohl es eine Form aus einem Gedicht, einer Geschichte oder ausleihen kann Programm), es soll sein durchkomponiert. Dies ist oft bei a der Fall Fantasie, Auftakt, Rhapsodie, Etüde (oder studieren), symphonic poem, Bagatelle, Impromptuusw. Professor Charles Keil klassifizierte Formulare und formale Details als "Abschnitt, Entwicklungs- oder Variation".[66]
Analyse von Stilen
Einige Musikstile legen einen Schwerpunkt auf bestimmte dieser Grundlagen, während andere bestimmte Elemente weniger betonen. Ein Beispiel geben, während Bebop-Epoche Jazz nutzt sehr komplexe Akkorde, einschließlich Veränderte Dominanten und herausfordernd Akkordfortschritte, wobei Akkorde zwei oder mehrmals pro Balken und Schlüssel mehrmals in einer Melodie wechseln, Funk legt den größten Teil des Schwerpunkts auf Rhythmus und Rille, mit ganzen Songs basierend auf einem Vamp auf einem einzigen Akkord. Während die romantische Ära klassische Musik von der Mitte bis Ende des 1800er Jahre dramatische Veränderungen der Dynamik nutzt, von flüsterenden Pianissimo-Abschnitten bis hin zu donnernden Fortissimo-Abschnitten, einige ganze Barock-Tanzsuiten für Cembalo Ab dem frühen 1700er Jahre können eine einzige Dynamik verwendet werden. Ein anderes Beispiel geben, während einige Kunstmusik Stücke wie z. Symphonien sind sehr lang, einige Popsongs dauern nur wenige Minuten.
Leistung
Leistung ist der physische Ausdruck der Musik, der auftritt, wenn ein Lied gesungen wird oder wenn ein Klavierstück, E -Gitarre -Melodie, Symphonie, Drum Beat oder andere Musikalischer Teil wird von Musikern gespielt. In klassischer Musik ist eine musikalische Arbeit geschrieben in Musiknotation von einem Komponisten und dann wird es durchgeführt, sobald der Komponist mit seiner Struktur und Instrumentierung zufrieden ist. Wie es ausgeführt wird, kann sich die Interpretation eines Songs oder Stücks entwickeln und sich ändern. In der klassischen Musik können Instrumentaler, Sänger oder Dirigenten allmählich Änderungen an der Phrasierung oder dem Tempo eines Stücks vornehmen. In der populären und traditionellen Musik haben die Darsteller viel mehr Freiheit, sich in Form eines Songs oder Stücks zu ändern. Als solche in beliebten und traditionellen Musikstilen, auch wenn eine Band a spielt CoverliedSie können Änderungen daran vornehmen, z. B. das Hinzufügen von a Gitarren Solo an oder ein Einführung einfügen.
Eine Aufführung kann entweder geplant und geprobt (geübt) - was die Norm in der klassischen Musik mit Jazz ist Big Bands und viele populäre Musikstile - oder improvisiert über ein Akkordprogression (eine Sequenz von Akkorden), was in klein die Norm ist Jazz und Blues Gruppen. Proben von Orchestern, Konzertbänder und Chöre werden von einem Leiter geführt. Rock-, Blues- und Jazzbands werden normalerweise vom Bandleader angeführt. Eine Probe ist eine strukturierte Wiederholung eines Songs oder Stücks der Darsteller, bis es richtig gesungen oder gespielt werden kann und wenn es für mehr als einen Musiker ein Lied oder ein Stück ist, bis die Teile aus einer rhythmischen und stimmenden Perspektive zusammen sind. Improvisation ist die Schaffung einer musikalischen Idee-einer Melodie oder einer anderen musikalischen Linie-an Ort und Stelle, die häufig auf Skalen oder bereits bestehendem melodischem Basis basiert Riffs.
Viele Kulturen haben starke Traditionen der Solo-Performance (in denen ein Sänger oder Instrumentalist auftritt), wie z. B. in der indischen klassischen Musik und in der westlichen Kunstmusik-Tradition. Andere Kulturen, wie in Bali, enthalten starke Traditionen der Gruppenleistung. Alle Kulturen umfassen eine Mischung aus beiden, und die Leistung kann vom improvisierten Solospiel bis hin zu hoch geplanten und organisierten Auftritten wie dem modernen klassischen Konzert, religiösen Prozessionen, klassischen Musikfestivals oder reichen Musikwettbewerbe. Kammermusik, Musik für ein kleines Ensemble mit nur wenigen von jeder Art von Instrument, wird oft als intimer angesehen als große symphonische Werke.
Mündliche und akustische Tradition
Viele Arten von Musik, wie traditionell Blues und Volksmusik wurden nicht niedergeschrieben Noten; Stattdessen wurden sie ursprünglich in der Erinnerung an Künstler erhalten, und die Songs wurden weitergegeben oral, von einem Musiker oder Sänger zu einem anderen oder Aurally, in dem ein Darsteller ein Lied lernt "mit dem Ohr". Wenn der Komponist eines Liedes oder Stücks nicht mehr bekannt ist, wird diese Musik oft als" traditionell "oder als" Volkslied "eingestuft. Verschiedene Musiktraditionen haben unterschiedliche Einstellungen dazu Von ziemlich streng bis hin zu denen, die Improvisation oder Änderung der Musik erfordern. Die Geschichte und Geschichten einer Kultur können auch durch ein Lied durch das Gehör weitergegeben werden.
Ornamentik
In der Musik, eine Ornament besteht aus zusätzlichen Notizen, die eine Melodie, eine Basslinie oder einen anderen musikalischen Teil dekorieren. Das Detail enthielt explizit in die Musiknotation variiert zwischen Genres und historischen Perioden. Im Allgemeinen mussten Kunstmusik -Notation vom 17. bis zum 19. Jahrhundert viel kontextbezogene Kenntnisse über darstellende Stile hatten. Zum Beispiel zeigten im 17. und 18. Jahrhundert die für Solo -Darsteller notierte Musik typischerweise eine einfache, schmucklose Melodie. Es wurde erwartet Trills und wendet sich. Verschiedene Musikstile verwenden unterschiedliche Ornamente. Ein Barock -Flötenspieler könnte hinzufügen Mordente, die kurzen Noten sind, die vor der Hauptmelodie -Note gespielt werden, entweder über oder unter der Hauptmelodienote. Ein Blues -Gitarrist, der E -Gitarre spielt, könnte eine Schnurbiegung verwenden, um Ausdruck hinzuzufügen. a Heavy Metal Gitarre Spieler könnte verwenden Hammer-Ons und Abzugsablösungen.
Im 19. Jahrhundert können Kunstmusik für Solo -Performer eine allgemeine Anweisung erteilen, die Musik ausdrücklich aufzuführen, ohne ausführlich zu beschreiben, wie der Darsteller dies tun sollte. Der Darsteller sollte wissen, wie man Tempoänderungen verwendet, Akzentuierung, und Pausen (unter anderem), um diesen "ausdrucksstarken" Leistungsstil zu erhalten. Im 20. Jahrhundert wurde Kunstmusiknotation oft expliziter und verwendete eine Reihe von Markierungen und Anmerkungen, um den Darstellern anzuzeigen, wie sie das Stück spielen oder singen sollten. In populärer Musik und traditionellen Musikstilen wird erwartet, dass die Künstler wissen, welche Arten von Ornamenten für ein bestimmtes Lied oder ein bestimmtes Stück stilistisch geeignet sind, und Darsteller fügen sie normalerweise improvisierten Weise hinzu. Eine Ausnahme ist Notiz-For-Note-Soli, bei dem einige Spieler eine berühmte Version eines Solos wie a genau nachbauen Gitarren Solo.
Philosophie und Ästhetik
Musikphilosophie ist ein Unterfeld der Philosophie. Die Musikphilosophie ist das Studium grundlegender Fragen zur Musik. Das philosophische Musikstudium hat viele Verbindungen zu philosophischen Fragen in Metaphysik und Ästhetik. Einige grundlegende Fragen in der Musikphilosophie sind[Nach wem?]:
- Was ist der Definition von Musik? (Was sind die notwendige und ausreichende Bedingungen für etwas als Musik klassifizieren?)
- Wie ist die Beziehung zwischen Musik und Verstand?
- Was macht Musikgeschichte uns über die Welt preisgeben?
- Was ist die Verbindung zwischen Musik und Emotionen?
- Was bedeutet Bedeutung in Bezug auf Musik?
In der Antike, wie mit dem Antike Griechen, das Ästhetik der Musik erforschte die Mathematik und kosmologisch Dimensionen von rhythmisch und harmonische Organisation. Im 18. Jahrhundert verlagert sich der Fokus auf die Erfahrung des Musikhörs und damit auf Fragen zu ihrer Schönheit und seinem menschlichen Genuss (Plaisir und Jouissance) Der Musik. Der Ursprung dieser philosophischen Verschiebung wird manchmal zugeschrieben Alexander Gottlieb Baumgarten im 18. Jahrhundert, gefolgt von Immanuel Kant. Durch ihr Schreiben bedeutet der alte Begriff "Ästhetik", was bedeutet Sensorische Wahrnehmung, erhielt seine heutige Konnotation. In den 2000er Jahren haben Philosophen neben Schönheit und Vergnügen tendenziell Probleme betonen. Zum Beispiel war die Fähigkeit der Musik, Emotionen auszudrücken, ein zentrales Problem.
Im 20. Jahrhundert wurden wichtige Beiträge von geleistet von Peter Kivy, Jerrold Levinson, Roger Scruton, und Stephen Davies. Allerdings viele Musiker, Musikkritikerund andere Nichtphilosophen haben zur Ästhetik der Musik beigetragen. Im 19. Jahrhundert entstand eine bedeutende Debatte zwischen Eduard Hanslick, a Musikkritiker und Musikwissenschaftlerund Komponist Richard Wagner bezüglich der Frage, ob Musik Bedeutung ausdrücken kann. Harry Partch und andere andere Musiktologen, wie zum Beispiel Kyle Gann, haben studiert und versucht zu populär mikrotonale Musik und die Verwendung von Alternativen Musikalische Skalen. Auch viele moderne Komponisten mögen La Monte Young, Rhys Chatham und Glenn Branca achtete einer Skala genannt viel Aufmerksamkeit Nur Intonation.
Es wird oft angenommen, dass Musik die Fähigkeit hat, unsere zu beeinflussen Emotionen, Intellekt, und Psychologie; Es kann unsere Einsamkeit berücksichtigen oder unsere Leidenschaften anregen. Das Philosoph Plato schlägt in Die Republik Diese Musik wirkt sich direkt auf die Seele aus. Daher schlägt er vor, dass in der idealen Regime Musik vom Staat eng reguliert würde (Buch VII). Im alten China der Philosoph Konfuzius glaubte, dass Musik und Rituale oder Riten miteinander verbunden und harmonisch mit der Natur sind; Er erklärte, dass Musik die Harmonisierung des Himmels und der Erde sei, während der Orden durch die Ritenordnung gebracht wurde, was sie äußerst wichtige Funktionen in der Gesellschaft machte.[67]
Es gab eine starke Tendenz in der Ästhetik der Musik, die wichtige Bedeutung der Kompositionsstruktur hervorzuheben. Andere Themen in Bezug auf die Ästhetik der Musik sind jedoch zu tun Lyrik, Harmonie, Hypnotismus, Pathos, zeitliche Dynamik, Resonanz, Verspieltheit und Farbe (siehe auch Musikentwicklung).
Psychologie
Modern Musikpsychologie Ziel, Musical zu erklären und zu verstehen Verhalten und Erfahrung.[68] Die Forschung in diesem Bereich und seinen Unterfeldern sind in erster Linie empirisch; Ihr Wissen neigt dazu, sich auf der Grundlage der Interpretationen von Daten zu entwickeln, die durch systematische Daten gesammelt wurden Überwachung von und Interaktion mit menschliche Teilnehmer. In addition to its focus on fundamental perceptions and cognitive processes, music psychology is a field of research with practical relevance for many areas, including music Leistung, Komposition, Ausbildung, Kritik, und Therapiesowie Untersuchungen des Menschen Eignung, Können, Intelligenz, creativity, and soziales Verhalten.
Neurowissenschaften
Kognitive Neurowissenschaften of music is the scientific study of brain-based mechanisms involved in the cognitive processes underlying music. These behaviours include music listening, performing, composing, reading, writing, and ancillary activities. It also is increasingly concerned with the brain basis for musical aesthetics and musical emotion. The field is distinguished by its reliance on direct observations of the brain, using such techniques as funktionellen Magnetresonanztomographie (fMRI), Transkranielle magnetische Stimulation (TMS), Magnetoenzephalographie (MEG), Elektroenzephalographie (EEG), and Positronen-Emissions-Tomographie (HAUSTIER).
Kognitive Musikologie
Kognitive Musikologie ist ein Zweig von Kognitionswissenschaft besorgt mit computationally modeling musical knowledge with the goal of understanding both music and cognition.[69] The use of computer models provides an exacting, interactive medium in which to formulate and test theories and has roots in künstliche Intelligenz und Kognitionswissenschaft.[70]
This interdisciplinary field investigates topics such as the parallels between language and music in the brain. Biologically inspired models of computation are often included in research, such as neural networks and evolutionary programs.[71] This field seeks to model how musical knowledge is represented, stored, perceived, performed, and generated. By using a well-structured computer environment, the systematic structures of these cognitive phenomena can be investigated.[72]
Psychoakustik
Psychoakustik is the scientific study of sound perception. More specifically, it is the branch of science studying the psychologisch und physiologisch responses associated with sound (including Rede und Musik). It can be further categorized as a branch of Psychophysik.
Evolutionsmusikologie
Evolutionsmusikologie concerns the "origins of music, the question of animal song, selection pressures underlying music evolution", and "music evolution and human evolution".[73] It seeks to understand music perception and activity in the context of Evolutionstheorie. Charles Darwin speculated that music may have held an adaptive advantage and functioned as a Ursprache,[74] a view which has spawned several competing theories of music evolution.[75][76][Seite benötigt][77] An alternate view sees music as a by-product of linguistic evolution; a type of "auditory cheesecake" that pleases the senses without providing any adaptive function.[78] This view has been directly countered by numerous music researchers.[79][80][81]
Kulturelle Auswirkungen
An individual's culture or Ethnizität plays a role in their music cognition, including their Vorlieben, emotional reaction, und musical memory. Musical preferences are biased toward culturally familiar musical traditions beginning in infancy, and adults' classification of the emotion of a musical piece depends on both culturally specific and universal structural features.[82][83] Additionally, individuals' musical memory abilities are greater for culturally familiar music than for culturally unfamiliar music.[84][85]
Soziologische Aspekte
Many ethnographic studies demonstrate that music is a participatory, community-based activity.[86][87] Music is experienced by individuals in a range of social settings ranging from being alone to attending a large concert, forming a music community, which cannot be understood as a function of individual will or accident; it includes both commercial and non-commercial participants with a shared set of common values. Musical performances take different forms in different cultures and socioeconomic milieus. In Europe and North America, there is often a divide between what types of music are viewed as a "Hochkultur" und "Niedrige Kultur." "High culture" types of music typically include Western art music such as Baroque, Classical, Romantic, and modern-era symphonies, concertos, and solo works, and are typically heard in formal concerts in concert halls and churches, with the audience sitting quietly in seats.
Other types of music—including, but not limited to, jazz, blues, Seele, und Land—are often performed in bars, nightclubs, and theatres, where the audience may be able to drink, dance, and express themselves by cheering. Until the later 20th century, the division between "high" and "low" musical forms was widely accepted as a valid distinction that separated out better quality, more advanced "art music" from the popular styles of music heard in bars and dance halls.
However, in the 1980s and 1990s, musicologists studying this perceived divide between "high" and "low" musical genres argued that this distinction is not based on the musical value or quality of the different types of music. Rather, they argued that this distinction was based largely on the Sozioökonomie standing or social class of the performers or audience of the different types of music. For example, whereas the audience for Classical symphony concerts typically have above-average incomes, the audience for a rap concert in an inner-city area may have below-average incomes. Even though the performers, audience, or venue where non-"art" music is performed may have a lower socioeconomic status, the music that is performed, such as blues, rap, Punk, Funk, oder Ska may be very complex and sophisticated.
When composers introduce styles of music that break with convention, there can be a strong resistance from academic music experts and popular culture. Late-period Beethoven string quartets, Stravinsky ballet scores, Serialismus, Bebop-Epoche Jazz, Hip Hop, Punk Rock, und Elektronik have all been considered non-music by some critics when they were first introduced. Such themes are examined in the sociology of music. The sociological study of music, sometimes called sociomusicology, is often pursued in departments of sociology, media studies, or music, and is closely related to the field of Ethnomusikologie.
Rolle von Frauen
Women have played a major role in music throughout history, as composers, songwriters, instrumental performers, singers, conductors, Musikwissenschaftler, music educators, Musikkritiker/Musikjournalisten and other musical professions. As well, it describes music movements, events and genres related to women, women's issues und Feminismus. In the 2010s, while women comprise a significant proportion of Populärmusik and classical music singers, and a significant proportion of songwriters (many of them being singer-songwriters), there are few women record producers, rock critics and rock instrumentalists. Although there have been a huge number of women composers in classical music, from the medieval period to the present day, women composers are significantly underrepresented in the commonly performed classical music repertoire, music history textbooks and music encyclopedias; Zum Beispiel in der Concise Oxford History of Music, Clara Schumann is one of the few female composers who is mentioned.
Women comprise a significant proportion of instrumental soloists in classical music and the percentage of women in orchestras is increasing. A 2015 article on concerto soloists in major Canadian orchestras, however, indicated that 84% of the soloists with the Orchestre Symphonique de Montreal were men. In 2012, women still made up just 6% of the top-ranked Wiener Philharmonic Orchester. Women are less common as instrumental players in popular music genres such as rock and Schwermetall, although there have been a number of notable female instrumentalists and All-weibliche Bands. Women are particularly underrepresented in Extrem Metall Genres.[88] In the 1960s pop-music scene, "[l]ike most aspects of the...music business, [in the 1960s,] songwriting was a male-dominated field. Though there were plenty of female singers on the radio, women ...were primarily seen as consumers:... Singing was sometimes an acceptable pastime for a girl, but playing an instrument, writing songs, or producing records simply wasn't done."[89] Young women "...were not socialized to see themselves as people who create [music]."[89]
Women are also underrepresented in orchestral conducting, music criticism/music journalism, music producing, und Sound Engineering. While women were discouraged from composing in the 19th century, and there are few women Musiktologen, women became involved in Musikalische Bildung "...to such a degree that women dominated [this field] during the later half of the 19th century and well into the 20th century."[90]
According to Jessica Duchen, a music writer for London's Der Unabhängige, women musicians in classical music are "...too often judged for their appearances, rather than their talent" and they face pressure "...to look sexy onstage and in photos."[91] Duchen states that while "[t]here are women musicians who refuse to play on their looks,...the ones who do tend to be more materially successful."[91] According to the UK's Radio 3 editor, Edwina Wolstencroft, the music industry has long been open to having women in performance or entertainment roles, but women are much less likely to have positions of authority, such as being the conductor of an orchestra.[92] In der populären Musik gibt es viele Frauen -Sänger, die Lieder aufnehmen, aber nur sehr wenige Frauen hinter dem stehen Audiokonsole acting as music producers, the individuals who direct and manage the recording process.[93] One of the most recorded artists is Asha Bhosle, an Indian singer best known as a playback singer in Hindi cinema.[94]
Medien und Technologie
The music that composers and songwriters make can be heard through several media; the most traditional way is to hear it live, in the presence of the musicians (or as one of the musicians), in an outdoor or indoor space such as an amphitheatre, Konzerthalle, Kabarett Zimmer, Theater, pub, or coffeehouse. Since the 20th century, live music can also be broadcast over the radio, television or the Internet, or verzeichnet and listened to on a CD-Player or Mp3 player.
Some musical styles focus on producing songs and pieces for a live performance, while others focus on producing a recording that mixes together sounds that were never played "live." Even in essentially live styles such as rock, recording engineers often use the ability to edit, splice and mix to produce recordings that may be considered "better" than the actual live performance. For example, some singers record themselves singing a melody and then record multiple harmony parts using overdubbing, creating a sound that would be impossible to do live.
Technologie has had an influence on music since prehistoric times, when cave people used simple tools to bore holes into bone flutes 41,000 years ago. Technology continued to influence music throughout the history of music, as it enabled new instruments and music notation reproduction systems to be used, with one of the watershed moments in music notation being the invention of the Druckerpresse in the 1400s, which meant music scores no longer had to be hand copied. In the 19th century, music technology led to the development of a more powerful, louder piano and led to the development of new valves brass instruments.
In the early 20th century (in the late 1920s), as sprechende Bilder emerged in the early 20th century, with their prerecorded musical tracks, an increasing number of moviehouse orchestra musicians found themselves out of work.[95] During the 1920s, live musical performances by orchestras, pianists, and theater organists were common at first-run theaters.[96] With the coming of the talking motion pictures, those featured performances were largely eliminated. Das Amerikanische Föderation der Musiker (AFM) took out newspaper advertisements protesting the replacement of live musicians with mechanical playing devices. One 1929 ad that appeared in the Pittsburgh Press features an image of a can labeled "Canned Music / Big Noise Brand / Guaranteed to Produce No Intellectual or Emotional Reaction Whatever"[97]
Since legislation introduced to help protect performers, composers, publishers and producers, including the Audio -Home -Aufzeichnungsgesetz of 1992 in the United States, and the 1979 revised Berne Convention for the Protection of Literary and Artistic Works in the United Kingdom, recordings and live performances have also become more accessible through computers, devices and Internet in a form that is commonly known as Music-On-Demand.
In many cultures, there is less distinction between performing and listening to music, since virtually everyone is involved in some sort of musical activity, often in a communal setting. In industrialized countries, listening to music through a recorded form, such as Tonaufnahme on record or radio became more common than experiencing live performance, roughly in the middle of the 20th century. By the 1980s, watching Musikvideos was a popular way to listen to music, while also seeing the performers.
Sometimes, live performances incorporate prerecorded sounds. Zum Beispiel a Discjockey Verwendet disc records zum Kratzen, and some 20th-century works have a solo for an instrument or voice that is performed along with music that is prerecorded onto a tape. Some pop bands use recorded Backing -Tracks. Computers and many Tastaturen can be programmed to produce and play Musikinstrument Digital Interface (MIDI) music. Audiences can also werden performers by participating in Karaoke, an activity of Japanese origin centered on a device that plays voice-eliminated versions of well-known songs. Most karaoke machines also have video screens that show lyrics to songs being performed; performers can follow the lyrics as they sing over the instrumental tracks.
Internet
The advent of the Internet and widespread high-speed broadband access has transformed the experience of music, partly through the increased ease of access to recordings of music via ein Video streamen and vastly increased choice of music for consumers. Chris Andersonin seinem Buch The Long Tail: Why the Future of Business Is Selling Less of More, suggests that while the traditional economic model of Angebot und Nachfrage describes scarcity, the Internet retail model is based on abundance. Digital storage costs are low, so a company can afford to make its whole recording inventory available online, giving customers as much choice as possible. It has thus become economically viable to offer music recordings that very few people are interested in. Consumers' growing awareness of their increased choice results in a closer association between listening tastes and social identity, and the creation of thousands of Nischenmärkte.[98]
Another effect of the Internet arose with Online -Communities und sozialen Medien websites like YouTube and Facebook, a Dienstleistung für soziale Netzwerke. These sites make it easier for aspiring singers and amateur bands to distribute videos of their songs, connect with other musicians, and gain audience interest. Professional musicians also use YouTube as a free publisher of promotional material. YouTube users, for example, no longer only download and listen to MP3s, but also actively create their own. Entsprechend Don Tapscott und Anthony D. Williams, in their book Wikinomics, there has been a shift from a traditional consumer role to what they call a "prosumer" role, a consumer who both creates content and consumes. Manifestations of this in music include the production of mashes, Remixe, and music videos by fans.[99]
Geschäft
Das Musikindustrie refers to the businesses connected with the creation and sale of music. It consists of songwriters and composers who create new songs and musical pieces, music producers and Soundingenieure who record songs and pieces, record labels and Verlag that distribute recorded music products and Noten internationally and that often control the rights to those products. Some music labels are "unabhängig," while others are subsidiaries of larger corporate entities or international media groups. In den 2000er Jahren die zunehmende Popularität des Musikhörens als digitale Musikdateien auf MP3 -Playern, iPods oder Computern und des Handels mit Musik auf Datenaustausch Websites oder Online -Kauf in Form digitaler Dateien hatten einen großen Einfluss auf das traditionelle Musikgeschäft. Viele kleinere unabhängige CD stores gingen aus dem Geschäft, als Musikkäufer ihre CDs einkäuften, und viele Etiketten hatten niedrigere CD -Verkäufe. Einige Unternehmen haben sich jedoch gut mit der Änderung eines digitalen Formats wie Apple gemacht iTunes, ein Online -Musikgeschäft that sells digital files of songs over the Internet.
Gesetze im geistigen Eigentum
Trotz einiger Internationale Urheberrechtsverträge, zu bestimmen, welche Musik in der ist öffentlich zugänglich ist kompliziert von der Vielfalt der nationalen Urheberrechtsgesetze Das kann anwendbar sein. US -Urheberrecht Früher geschützte gedruckte Musik, die nach 1923 für 28 Jahre und mit einer Erneuerung für weitere 28 Jahre veröffentlicht wurde, aber die, aber die Copyright Act of 1976 Erneuerung automatisch gemacht und die Digital Millennium Copyright Act änderte die Berechnung des Urheberrechts auf 70 Jahre nach dem Tod des Schöpfers. Aufgenommener Sound fällt unter mechanische Lizenzierungoft von einem verwirrenden Flickenteppich staatlicher Gesetze; die meisten Deckversionen sind durch die lizenziert Harry Fox Agentur. Leistungsrechte kann entweder von Darstellern oder dem Performance -Veranstaltungsort erhalten werden; Die beiden Hauptorganisationen für die Lizenzierung sind BMI und ASCAP. Zwei Online -Quellen für Public Domain Music sind IMSLP (International Music Score Library Project) und Choral Public Domain Library (CPDL).
Ausbildung
Nicht institutionell
Die Einbeziehung von Musik oder Gesangsausbildung in die allgemeine Ausbildung von Vorschule zu post-sekundäre Ausbildung ist in Nordamerika und Europa üblich. Die Beteiligung an Musik und Gesangsmusik wird angenommen, dass sie grundlegende Fähigkeiten wie Konzentration vermittelt. Zählen, Zuhören und Zusammenarbeit und gleichzeitig Förderung des Verständnisses von SpracheVerbesserung der Fähigkeit zu abrufen Informationen und Schaffung einer Umgebung, die dem Lernen in anderen Bereichen förderlicher ist.[100] In Grundschulen lernen Kinder oft, Instrumente wie die zu spielen RecorderSingen Sie in kleinen Chöfen und lernen Sie die Geschichte der westlichen Kunstmusik und der traditionellen Musik kennen. Einige Grundschulkinder lernen auch populäre Musikstile. In religiösen Schulen singen Kinder Hymnen und andere religiöse Musik. In Sekundarschulen (und weniger häufig in Grundschulen) haben die Schüler die Möglichkeit, in einigen Arten von Musiksembles aufzutreten, wie z. Chöre (eine Gruppe von Sängern), Marschbänder, Konzertbänder, Jazzbands oder Orchester. In einigen Schulsystemen können Musikunterricht zum Spielen von Instrumenten bereitgestellt werden. Einige Studenten nehmen auch privat Musikstunden Nach der Schule mit einem singenden Lehrer oder einem Instrumentenlehrer. Amateurmusiker lernen typischerweise grundlegende musikalische Grundlagen (z. B. lernen musikalische Notation zum Musikalische Skalen und Rhythmen) und Anfänger- bis Zwischenstufe- oder Instrumentenspieltechniken.
Auf Universitätsebene Studenten in den meisten Künsten und Geisteswissenschaften Programme können erhalten Anerkennung Für ein paar Musikkurse, die normalerweise einen Überblickskurs auf der Musikgeschichte, oder ein Musik Wertschätzung Kurs, der sich darauf konzentriert, Musik zu hören und verschiedene Musikstile zu lernen. Darüber hinaus verfügen die meisten nordamerikanischen und europäischen Universitäten über einige Arten von Musiksembles, an denen Studenten in Kunst und Geisteswissenschaften teilnehmen können, wie Chöre, Marschbands, Konzertbands oder Orchester. Das Studium der westlichen Kunstmusik wird außerhalb Nordamerikas und Europas immer häufiger, wie die Indonesischer Institut der Künste in Yogyakarta, Indonesien, oder die klassischen Musikprogramme, die in asiatischen Ländern wie Südkorea, Japan und China erhältlich sind. Gleichzeitig vergrößern westliche Universitäten und Hochschulen ihren Lehrplan, um Musik nicht-westlicher Kulturen einzubeziehen, wie die Musik von Afrika oder Bali (z. Gamelan Musik).
Institutionell
Menschen, die darauf abzielen, professionelle Musiker, Sänger, Komponisten, Songwriter, Musiklehrer und Praktiker anderer musikbezogener Berufe wie zu werden Musikgeschichte Professoren, Soundingenieureund so ein Studium in speziellen postsekundären Programmen, die von Hochschulen, Universitäten und angeboten werden Musikkonservatorien. Einige Institutionen, die Einzelpersonen für Karrieren in Musik ausbilden, bieten Schulungen in einer Vielzahl von Berufen an, wie es bei vielen der besten US -amerikanischen Universitäten der Fall ist, die Abschlüsse in der Musikleistung (einschließlich Singen und Spielen), Musikgeschichte, Musiktheorie, bieten, Musik Komposition, Musikalische Bildung (Für Personen, die an Grundschul- oder Highschool -Musiklehrern werden wollen) und in einigen Fällen leiten. Auf der anderen Seite können einige kleine Hochschulen nur Schulungen in einem einzigen Beruf anbieten (z. B.,, Tonaufnahme).
Während sich die meisten Musikprogramme für Universitäts- und Konservatorien auf die Ausbildung von Studenten in klassischer Musik konzentrieren, gibt es eine Reihe von Universitäten und Hochschulen, die Musiker für Karrieren als Karriere ausbilden Jazz oder Populärmusik Musiker und Komponisten mit bemerkenswerten US -Beispielen, einschließlich der Musikschule der Manhattan und die Berklee College of Music. Zwei wichtige Schulen in Kanada, die eine professionelle Jazzausbildung anbieten, sind McGill Universität und Humber College. Personen, die auf Karrieren in einigen Arten von Musik zielen, wie z. Heavy Metal Musik, Land musik oder Blues Es wird weniger wahrscheinlich, dass sie durch Abschluss von Abschlüssen oder Diplomen an Hochschulen oder Universitäten Fachleute werden. Stattdessen lernen sie normalerweise ihren Musikstil, indem sie in vielen Bands singen oder spielen (oft beginnen sie in Amateurbands, Deckbänder und Tributbänder), Studienaufnahmen auf CD, DVD und Internet und Zusammenarbeit mit bereits etablierten Fachleuten in ihrem Musikstil, entweder über informell Mentoring oder regelmäßig Musikstunden. Seit den 2000er Jahren haben die zunehmende Beliebtheit und Verfügbarkeit von Internetforen und YouTube "How-to" -Videos es vielen Sängern und Musikern aus Metal, Blues und ähnlichen Genres ermöglicht, ihre Fähigkeiten zu verbessern. Viele Pop-, Rock- und Country -Sänger trainieren informell mit Vokaltrainer und Lehrer singen.
Wissenschaftliche Studie
Musikwissenschaft
MusikwissenschaftDas akademische Studium des Musikfachs wird an Universitäten und Musikkonservatorien studiert. Die frühesten Definitionen aus dem 19. Jahrhundert definierten drei Unterdisziplinen der Musikologie: Systematische Musikologie, Historische Musikologieund vergleichende Musikologie oder Ethnomusikologie. Im Stipendium der Zeit 2010 stößt man eher auf eine Teilung der Disziplin in die Disziplin Musiktheorie, Musikgeschichte, und Ethnomusikologie. Die Musikforschung wurde oft durch interdisziplinäre Arbeiten angereichert, zum Beispiel im Bereich von Psychoakustik. Das Studium der Musik nicht-westlicher Kulturen und das kulturelle Musikstudium wird als Ethnomusikologie bezeichnet. Studenten können das Studium der Musikologie, Ethnomusikologie, das Studium der Musiktorie, verfolgen, Musikgeschichteund Musiktheorie durch verschiedene Arten von Grad, einschließlich Bachelor -Abschlüssen, Master -Abschlüssen und Doktoranden.
Musiktheorie
Musiktheorie ist das Studium der Musik, im Allgemeinen auf hochtechnische Weise außerhalb anderer Disziplinen. Im weiteren Sinne bezieht es sich auf jede Musikstudie, die normalerweise in irgendeiner Form mit kompositorischen Bedenken zusammenhängt, und kann einschließen Mathematik, Physik, und Anthropologie. Was am häufigsten in den Klassen der Musiktheoretheorie unterrichtet wird, sind Richtlinien, die im Stil des Gemeinsame Praxiszeit, oder Tonmusik. Die Theorie, sogar der Musik der gemeinsamen Praxisperiode, kann viele andere Formen annehmen. Musikalische Set -Theorie ist die Anwendung von Mathematik Mengenlehre zu Musik, zuerst angewendet auf Atonale Musik. Spekulative Musiktheorie, im Gegensatz zu Analytikmusiktheorie, ist zum Beispiel der Analyse und Synthese von Musikmaterialien gewidmet Stimmsystemeim Allgemeinen als Vorbereitung für die Zusammensetzung.
Zoomusikologie
Zoomusikologie ist das Studium der Musik nichtmenschlicher Tiere oder der musikalischen Aspekte von Klängen, die von nichtmenschlichen Tieren erzeugt werden. Wie George Herzog (1941) fragte: "Haben Tiere Musik?" François-Bernard Mâche's Musik, Mythe, Natur, Ou Les Dauphins d'Arion (1983), eine Studie zur "Ornitho-Musikologie" unter Verwendung einer Technik von Nicolas Ruwet's Langage, Musik, Poésie (1972) Paradigmatische Segmentierungsanalyse, zeigt, dass Vogellieder werden nach einem Prinzip der Wiederholungstransformation organisiert. Jean-Jacques Nattiez (1990) argumentiert, dass "in der letzten Analyse ein Mensch ist, der entscheidet, was ist und nicht musikalisch ist und nicht, auch wenn der Klang nicht menschlich ist. Wenn wir anerkennen, dass der Ton nicht organisiert und konzipiert ist (Das heißt, Musik zu bilden) nur von seinem Produzenten, sondern durch den Geist, der sie wahrnimmt, dann ist Musik einzigartig menschlich. "
Ethnomusikologie
Im Westen befasst sich ein Großteil der Musikgeschichte, die unterrichtet wird, mit der Kunstmusik der westlichen Zivilisation, die als klassische Musik bekannt ist. Die Geschichte der Musik in nicht-westlichen Kulturen ("Weltmusik"oder das Gebiet der" Ethnomusikologie ") wird auch an westlichen Universitäten unterrichtet. Dies schließt die dokumentierten klassischen Traditionen asiatischer Länder außerhalb des Einflusses Westeuropas sowie die Volks- oder indigenen Musik verschiedener anderer Kulturen ein. Populäre oder Volksstile von Volksstilen Musik in nicht-westlichen Ländern variierten stark von Kultur zu Kultur und von Zeit zu Zeit. Verschiedene Kulturen betonten unterschiedliche unterschiedliche Instrumente, Techniken, Gesangsstile und Verwendung für Musik. Musik wurde für Unterhaltung, Zeremonien, Rituale, religiöse Zwecke sowie für die praktische und künstlerische Kommunikation verwendet. Nicht-westliche Musik wurde auch für Propaganda-Zwecke verwendet, wie es bei der Fall ist chinesische Oper während der Kulturrevolution.
Es gibt eine Vielzahl von Musikklassifikationen für nicht-westliche Musik, von denen viele in dem Argument über die verwickelt sind Definition von Musik. Zu den größten davon gehört die Trennung zwischen klassischer Musik (oder "Kunst" Musik) und populärer Musik (oder Werbemusik -einschließlich nicht-westlicher Rockstile, Landund popmusikbezogene Stile). Einige Genres passen nicht ordentlich in eine dieser "großen zwei" Klassifikationen (wie z. Volksmusik, Weltmusik, oder Jazz-bezogene Musik).
Wie Weltkulturen in die Luft gekommen sind größerer globaler KontaktIhre indigenen Musikstile haben sich oft mit anderen Stilen verschmolzen, die neue Stile produzieren. Zum Beispiel die Vereinigten Staaten Bluegrass Stil enthält Elemente von Anglo-irisch, schottisch, Iren, Deutsch und afrikanische instrumentelle und vokale Traditionen, die in den multiethnischen der Vereinigten Staaten verschmelzen konnten.Schmelztiegel"Gesellschaft. Einige Arten von Weltmusik enthalten eine Mischung aus nichtwestlichen indigenen Stilen mit westlichen Popmusikelementen. Genres der Musik sind ebenso durch Tradition und Präsentation wie die tatsächliche Musik bestimmt. Einige Werke wie George Gershwin's Rhapsody in Blau, werden sowohl von Jazz als auch von klassischer Musik beansprucht, während Gershwins Porgy und bess und Leonard Bernstein's West Side Story werden sowohl von der Oper als auch von der beansprucht Broadway -Musical Tradition. Viele aktuelle Musikfestivals für nicht-westliche Musik sind Bands und Sänger aus einem bestimmten musikalischen Genre wie Weltmusik.
Indische MusikZum Beispiel ist zum Beispiel eine der ältesten und am längsten lebenden Arten von Musik und wird in Südasien und international (insbesondere seit den 1960er Jahren) immer noch weithin gehört und aufgeführt. Indische Musik hat hauptsächlich drei Formen klassischer Musik. Hindustani, Karnatisch, und Dhrupad Stile. Es hat auch ein großes Repertoire an Stilen, an dem nur Percussion -Musik wie die Talavadya -Performances berühmt sind Südindien.
Therapie
Musiktherapie ist ein zwischenmenschlicher Prozess, bei dem ein ausgebildeter Therapeut Musik und alle seine Facetten verwendet - physisch, emotional, mental, sozial, ästhetisch und spirituell -, um Kunden zu helfen, ihre Gesundheit zu verbessern oder aufrechtzuerhalten. In einigen Fällen werden die Bedürfnisse des Kunden direkt durch Musik gerichtet. In anderen werden sie durch die Beziehungen, die zwischen Klient und Therapeuten aufbauen, angesprochen. Die Musiktherapie wird bei Personen jeden Alters und unter einer Vielzahl von Erkrankungen verwendet, darunter: psychiatrische Störungen, medizinische Probleme, körperliche Behinderungen, sensorische Beeinträchtigungen, Entwicklungsstörungen, Probleme mit Drogenmissbrauch, Kommunikationsstörungen, zwischenmenschliche Probleme und Alterung. Es wird auch verwendet, um das Lernen zu verbessern, das Selbstwertgefühl aufzubauen, Stress zu reduzieren, körperliche Bewegung unterstützenund erleichtern eine Vielzahl anderer gesundheitsbezogener Aktivitäten. Musiktherapeuten können Kunden dazu ermutigen, zu singen, Instrumente zu spielen, Songs zu erstellen oder andere musikalische Aktivitäten durchzuführen.
Im 10. Jahrhundert der Philosoph Al-Farabi beschrieben, wie Vokalmusik die Gefühle und Seelen der Zuhörer anregen kann.[101] Musik wird seit langem verwendet, um Menschen zu helfen, mit ihren Gefühlen umzugehen. Im 17. Jahrhundert der Gelehrte Robert Burton's Die Anatomie der Melancholie argumentierte, dass Musik und Tanz bei der Behandlung von entscheidender Bedeutung waren Geisteskrankheit, besonders Melancholie.[102] Er bemerkte, dass Musik eine "hervorragende Kraft ... viele andere Krankheiten ausweisen" und nannte sie "ein souveränes Mittel gegen Verzweiflung und Melancholie". Er wies darauf hin, dass in der Antike Canus, ein rhodischer Geiger, Musik verwendet, um "einen melancholischen Mann fröhlich zu machen, ... einen Liebhaber, der verliebt ist, einen religiösen Mann, frommes."[103][104][105] In dem Osmanisches Reich, psychische Erkrankungen wurden mit Musik behandelt.[106] Im November 2006 stellten Dr. Michael J. Crawford und seine Kollegen auch fest, dass die Musiktherapie half Schizophrene Patienten.[107][108]
Siehe auch
- Glossar der Musikterminologie
- Lists of musicians
- Liste der musikologischen Themen
- Musik und Emotion
- Musikarchäologie
- Musikgeschichte
- Musikspezifische Störungen
Anmerkungen
- ^ Eine jetzt diskreditierte Theorie vieler mittelalterlicher Denker war, dass „Musik“ vom ägyptischen Wort abstammt Moys, was bedeutet Wasser, gedacht, sich an eine Verbindung zu herstellen zu können Moses.[11]
- ^ Für die weiteren etymologischen Ursprünge,, mousiké leitet sich aus dem ab feminin Form von mousikos, was alles ist, was "die Musen betrifft", aus dem alten griechischen Wort für Muse, Mousa.[9] Es gibt keine Einigung über die Ursprünge des Wortes Mousa,[12] obwohl sehen Muses § Etymologie für vorgeschlagene Theorien.
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Weitere Lektüre
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Externe Links
- Grove Music online - Online -Version von Das neue Grove -Wörterbuch für Musik und Musiker.
- Alle zehn Bände des Girlande -Enzyklopädie der Weltmusik (Abonnement erforderlich)
- Dolmetsch kostenloses Online -Musikwörterbuch, komplett, mit Verweisen auf eine Liste spezialisierter Musikwörterbücher (nach Kontinent, nach Instrument, nach Genre usw.)
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