Geschichte des Modedesigns

Geschichte des Modedesigns Bezieht sich speziell auf die Entwicklung des Zwecks und der Absicht hinter Kleidungsstücken, Schuhen ein Accessoires sowie deren Design und Konstruktion. Die moderne Industrie, basierend auf Unternehmen oder Modehäuser von einzelnen Designern betrieben, im 19. Jahrhundert mit gestartet Charles Frederick wert Wer war ab 1858 der erste Designer, der sein Etikett in die von ihm geschaffenen Kleidungsstücke genäht hatte.^[1]

Die Mode begann, als Menschen anfingen, Kleidung zu tragen. Diese Kleider wurden typischerweise aus Pflanzen, Tierhäuten und Knochen hergestellt. Vor Mitte des 19. Jahrhunderts die Trennung zwischen Haute Couture und bereit zu tragen existierte nicht wirklich. Aber die grundlegendsten weiblichen Kleidung waren Maßanfertigung durch Schneiderin und Seemannschaft direkt mit dem Kunden umgehen. Am häufigsten wurde Kleidung im Haushalt gemustert, genäht und zugeschnitten. Als Storefronten erschienen, wurden diese Bedürfnisse aus der Arbeitsbelastung in der Haushaltsbelastung entfernt.

Das Design dieser Kleidung nahm aufgrund von gedruckten Designs, insbesondere aus Paris, die in ganz Europa verbreitet wurden, zugenommen und in den Provinzen mit Spannung erwartet. Seemanninnen würden diese Muster dann so gut sie konnten. Der Ursprung der Entwürfe war die Kleidung, die von den modischsten Figuren entwickelt wurde, normalerweise diejenigen am Hof, zusammen mit ihren Näherinnen und Schneidern. Obwohl es die Verteilung von gegeben hatte gekleidete Puppen aus Frankreich seit dem 16. Jahrhundert und Abraham Bosse hatte produziert Gravuren der Mode in den 1620er Jahren wurde das Tempo des Wandels in den 1780er Jahren mit einer verstärkten Veröffentlichung französischer Gravuren aufgenommen, die die neuesten Pariser Stile veranschaulichen, gefolgt von Modemagazinen wie z. Kabinett des Modi. Bis 1800 zogen sich alle Westeuropäer gleichermaßen an (oder dachten, dass sie es waren); Lokale Variationen wurden zuerst zu einem Zeichen der Provinzkultur und später zu einem Abzeichen des konservativen Bauern.^[2]

Im frühen 20. Jahrhundert, Modemagazine und, mit Rotogravüre, Zeitungen, begannen, Fotos aufzunehmen und wurden noch einflussreicher. Auf der ganzen Welt waren diese Magazine sehr gefragt und hatten tiefgreifende Auswirkungen auf den öffentlichen Geschmack. Talentierte Illustratoren - darunter unter ihnen Paul Iribe, Georges Lepape, Erté, und George Barbier - Für diese Veröffentlichungen, die die neuesten Entwicklungen in Mode und Schönheit umfassten, wurden attraktive Modeschilder gezeichnet. Das vielleicht berühmteste dieser Magazine war La Gazette du Bon Ton das 1912 von Lucien Vogel gegründet und regelmäßig bis 1925 veröffentlicht wurde.^[3]

Vor 1900: Couture -Anfänge

Im frühen 18. Jahrhundert trafen die ersten Modedesigner als Führungskräfte der Mode in den Vordergrund. In den 1720er Jahren die Schneiderin der Königin Françoise Leclerc wurde von den Frauen der französischen Aristokratie gesucht,^[4] und Mitte des Jahrhunderts, Marie Madeleine Duchapt, Mademoiselle Alexandre und Le Sieur Beaulard Alle erlangten nationale Anerkennung und erweiterten ihren Kundenstamm von der französischen Aristokratie auf die ausländische Aristokratie.^[5] Jedoch, Rose Bertin wird allgemein als der erste international berühmte Modedesigner angesehen.

Rose Bertin (2. Juli 1747 - 22. September 1813), genannt "Minister für Mode", war die Schneiderin von Marie Antoinette, Königin von Frankreich von 1770 bis 1793. Bertin eröffnete ein Geschäft in Paris und hatte einen beträchtlichen Einfluss auf den Pariser Stil, im Stil von Pariser, bis zum Französische Revolution zwang sie ins Exil in London.^[6]

Marie Antoinette, eine Außenseiterin des französischen Gerichts, stützte sich auf Bertins akribische Designs, um ihr zu helfen, "ihre Feinde mit Stil zu bekämpfen". Marie Antoinettes einzigartige Modepräferenzen wie männliche Reithose oder einfache Musselin -Schichtkleider standen stark mit aufwändigen Kleidern gegenüber, als die Königin versuchte, eine Persona zu schaffen, die es den Bürgern Frankreichs ermöglichte, sich mit ihr und ihrem Lebensstil zu verbinden. Obwohl Marie Antoinettes Versuche weitgehend erfolglos waren Louis Hippolyte Leroy. Und im frühen 19. Jahrhundert wie Designer wie Ann Margaret Lanchester und Mary Ann Bell erweiterten ihre Geschäfte und veröffentlichen ihre eigenen Designs in Modemagazinen.^[7] In der ersten Hälfte der modischen Pariser-Designer des 19. Jahrhunderts, wie z. Madame Vignon, Madame Victorine und Madame PalmyreNormalerweise entworfene er ein Produkt, das ihre Kunden kaufen konnten, normalerweise nicht unabhängig voneinander, sondern erstellte das Produkt in Zusammenarbeit mit ihren Kunden, um etwas Einzigartiges zu produzieren.^[8]

Ein Engländer, der in Paris lebt, Charles Frederick wert (1825 - 1905) gilt als erster Designer im modernen Sinne des Begriffs, wobei ein großes Unternehmen viele weitgehend anonyme Schneider und Seemanninnen einsetzt. Ein ehemaliger Erfolg von Draper, der Erfolg von Worth war, war so, dass er diktieren konnte, was Kunden tragen sollten. Ins Rampenlicht gestartet als die Kaiserin EugénieDer primäre Designer, den Worth, nutzte seine königlichen Verbindungen, um Anerkennung und Kunden zu gewinnen. Die Proklamation am 1. Februar 1853 von Napoleon III Dass keine Besucher ohne formelles Kleid an sein Hof empfangen würden, bedeutete, dass die Popularität von Kleidern im Wert von Worth überwältigend wurde. Kunstvoll dekoriert und aus den besten Materialien gebaut, sind die Kleider von Worth bekannt für ihre Crinoline (käfigartige Metallstrukturen, die das Kleid in einer stilvollen Form hielten).

In den frühen Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts stammte High Fashion in Paris und in geringerem Maße London. Modemagazine Von anderen Ländern schickte die Redakteure in die Pariser Mode Shows. Warenhäuser Schickten auch Käufer in die Paris -Shows, wo sie Kleidungsstücke kauften, um zu kopieren (und die Stillinien und die Details anderer offen gestohlen). Beide Maßanfertigung Salons und bereit zu tragen Die Abteilungen zeigten die neuesten Pariser Trends, die an die Annahmen der Geschäfte über die Lebensstile und Taschenbücher ihrer gezielten Menschen angepasst waren.

1900er Jahre

Die Outfits, die von modischen Frauen während der getragen werden Belle époque (1871-1914) waren denjenigen, die in der Blütezeit des Modepioniers Charles Worth getragen wurden, auffallend ähnlich. Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts hatten sich die Horizonte der Modebranche aufgrund der stabileren und unabhängigeren Lebensstile wohlhabender Frauen und der von ihnen geforderten praktischen Kleidung erweitert. Die Mode des Belle époque behielten jedoch den aufwändigen, gepolsterten Stil des 19. Jahrhunderts. Der Modewechsel war undenkbar, daher war die Verwendung verschiedener Zutaten alles, was von einer Saison bis zur nächsten angesehen wurde.

Auffälliger Abfall und auffälliger Konsum definierte die Mode des Jahrzehnts und die Outfits der Couturiers der Zeit extravagant, reich verziert und sorgfältig gemacht. Die kurvenreiche S-Bend-Silhouette dominierte die Mode bis ungefähr 1908. Das S-Bend-Korsett schob die Brust nach vorne in den Mono-Bosom und mit Hilfe der Polsterung, einer vernünftigen Platzierung von Trimmkleidung und vor allem einer besonderen Haltung völlig unabhängig vom Korsett schuf die Illusion einer "S" -Silhouette.^[9] Gegen Ende des Jahrzehnts Paul Poiret Einführte Designs, die weder Petticoat noch ein Korsett enthielten und die Form aus der Mode genommen haben. Dies war eine große Veränderung, da die Taille der Frauen seit der Renaissance von Korsetts geprägt war. ^[10]

Das Maison Redfern, gegründet vom englischen Schneider John Redfern (1820-1895), war das erste Modehaus, das Frauen Sportbekleidung und maßgeschneiderte Anzüge anbasierte .

1910er Jahre

In den frühen Jahren der 1910er Jahre wurde die modische Silhouette viel geschmeidiger und flüssiger und weicher als im 19. Jahrhundert. Wenn der Ballette Russen durchgeführt Scheherazade 1910 in Paris eine Begeisterung um Orientalismus Folge. Der Couturier Paul Poiret war einer der ersten Designer, die dies in die Modewelt übersetzen. Poirets Kunden wurden sofort in verwandelt Harem Mädchen in fließenden Pantalons, Turbanen und lebendigen Farben und Geisha in exotisch Kimono. Poiret entwickelte auch das erste Outfit, das Frauen ohne die Hilfe einer Magd aufnehmen konnten.^[11]

Das Art Deco Zu dieser Zeit traten die Bewegung auf und ihr Einfluss zeigte sich in den Entwürfen vieler Couturiers der Zeit. Einfache Filzhüte, Turbane und Tüllwolken ersetzten die im 19. Jahrhundert beliebten Kopfbedeckungsstile. Es ist auch bemerkenswert, dass die ersten realen Modenshows in dieser Zeit organisiert wurden, von Jeanne Paquin, einer der ersten Couturiersinnen, der auch der erste Pariser Couturier war, der ausländische Zweige in London, Buenos Aires und Madrid eröffnete.^[12]

Zwei der einflussreichsten Modedesigner der Zeit waren Jacques Doucet und Mariano Fortuny. Doucet war hervorragende Pastellfarben und seine aufwändigen Hauchdarsteller schlugen das vor, die die Impressionist Schimmer aus reflektiertem Licht. Seine angesehenen Kunden haben nie einen Geschmack für seine flüssigen Linien und dünnen, diaphanischen Materialien verloren. Doucet gehorchte Imperative, die wenig der Fantasie des Couturiers überließen, und war dennoch ein Designer von immensen Geschmack und Diskriminierung, eine Rolle, die viele seitdem ausprobiert haben, aber selten mit Doucets Erfolgsniveau.

Das Venedig-Basierten Designerin Mariano Fortuny y Madrazo, war eine merkwürdige Figur mit sehr wenigen Parallelen in jedem Alter. Für seine Kleiderentwürfe konzipierte er einen speziellen Fehlprozess und neue Färbentechniken. Er gab den Namen Delphos Zu seinen langen Klammerscheidekleidern, die mit Farbe wellig waren. Jedes Kleidungsstück bestand aus einem einzigen Stück der besten Seide, deren einzigartige Farbe durch wiederholte Eintauchen in Farbstoffe erworben wurde, deren Farbtöne auf Mondlicht oder auf die wässrigen Reflexionen der venezianischen Lagune hindeuten. Breton Stroh, mexikanischer Cochineal und Indigo aus dem Fernen Osten gehörten zu den Zutaten, die das Glück verwendete. Unter seinen vielen Anhängern waren Eleonora Duse, Isadora Duncan, Cléo de Mérode, das Marchesa Casati, Émilienne d'Alençon, und Liane de Pougy.

Veränderungen des Kleides während des Ersten Weltkriegs wurden ich eher von Notwendigkeit als Mode diktiert. Da immer mehr Frauen zur Arbeit gezwungen waren, forderten sie Kleidung, die besser für ihre neuen Aktivitäten geeignet waren. Soziale Ereignisse mussten zugunsten dringlicherer Arbeiten verschoben werden, und die Notwendigkeit, um die zunehmende Anzahl von Toten zu trauern, die Verwundeten zu besuchen, und die allgemeine Schwerkraft der Zeit bedeutete, dass dunklere Farben zur Norm wurden. Ein neuer monochromer Look entstand, der jungen Frauen unter komfortablen Umständen nicht vertraut war. Bis 1915 waren modische Röcke über dem Knöchel gestiegen und bis 1920 bis zur Mitte der Kälte.

Goldenes Zeitalter der französischen Mode

Die Zeit zwischen den beiden Weltkriegen, die oft als goldenes Zeitalter der französischen Mode gilt, war ein großer Wandel und eine Reformation. Haute Couture fand neue Kunden in den Reihen von Filmschauspielerinnen, Amerikanische Erben und die Frauen und Töchter wohlhabender Industriellen.

1920er Jahre

Nach dem Ersten Weltkrieg entstand eine radikale Veränderung in der Mode. Füllig Coiffures gaben kurz Platz zu Bobs, Kleider mit langen Zügen gaben über den Knie-Pinalfores Platz. Korsetts wurden verlassen und Frauen liehen sich ihre Kleider aus der männlichen Garderobe aus und beschlossen, sich wie Jungen zu kleiden. Obwohl es zunächst viele Couturiers zögerten, das neue zu übernehmen androgyn Stil, sie umarmten sie von ungefähr 1925 von ganzem Herzen. Eine bustlose, hüftlose Silhouette tauchte auf und aggressive Dressing-Down wurde von Feather Boas, Stickerei und auffälligem Accessoires gemildert. Das Flapper Der Stil (dem Franzosen als "Garçonne" -Sähte bekannt) wurde bei jungen Frauen sehr beliebt. Das Glocke Hut war weit verbreitet und Sportswear wurde sowohl bei Männern als auch bei Frauen populär, und Designer wie Jean Patou und Coco Chanel populierten den sportlichen und sportlichen Look.

Der große Couturière Coco Chanel war zu dieser Zeit eine große Figur in der Mode, die für ihre magnetische Persönlichkeit ebenso bekannt war wie für ihre schicken und progressiven Designs. Chanel half bei der Popularisierung der Bob -Frisur, die kleines schwarzes Kleidund die Verwendung von Jersey -Strick für Frauenkleidung; Sie erhöhte auch den Status von Kostümschmuck und Strickwaren.

Zwei weitere prominente französische Designer der 1920er Jahre waren Jeanne Lanvin und Jean Patou. Jeanne Lanvin, die ihre Karriere als Münder begann, machte so schöne Outfits für ihre junge Tochter Marguerite, dass die Leute anfingen, nach Kopien zu fragen. Lanvins Name erscheint im Mode -Jahrbuch aus dem Jahr 1901, aber in den 1920er Jahren erreichte sie den Höhepunkt ihres Erfolgs. Der Lanvin -Stil umfasste das Aussehen der Zeit mit dem geschickten Einsatz komplexer Zeugnisse, schillernden Stickereien und Perlendekorationen in leichten, klaren, floralen Farben, die schließlich zu einem Markenzeichen von Lanvin wurden. Bis 1925 produzierte Lanvin viele verschiedene Produkte, darunter Sportswear, Pelzen, Dessous, Herrenmode und Innenausstattung. Ihr globaler Ansatz für die Mode war die Pläne an, dass alle großen zeitgenössischen Modehäuser später in ihren Bemühungen zur Diversifizierung eingehen würden.

Der Stil von Jean Patou war nie Mainstream, sondern voller Originalität und gekennzeichnet durch eine untersuchte Einfachheit, die ihn insbesondere auf den amerikanischen Märkten gewann. Viele seiner Kleidungsstücke mit ihren klaren Linien, geometrisch und Kubist Motive und Mischung aus Luxus und Praktikabilität wurden entwickelt, um die neue Mode für das Leben im Freien zu befriedigen und eine bemerkenswerte Ähnlichkeit mit modernen Sportbekleidung zu trugen. Der berühmteste Verfechter seines Stils war Suzanne Lenglen, der legendäre Tennis -Champion.

In Menswear gab es eine wachsende Stimmung der Informalität, insbesondere bei den Amerikanern, die sich in Moden widerspiegelte, die Jugendlichkeit und Entspannung betonten. In der Vergangenheit gab es ein besonderes Outfit für jede Veranstaltung am gut gekleideten Gentleman-Tag, aber junge Männer in den 1920er Jahren, die nicht mehr Angst hatten, ihre Jugendlichkeit zu zeigen, begannen den ganzen Tag über den gleichen weichen Wollanzug zu tragen. Kurze Anzugjacken ersetzten die alten langen Jacken der Vergangenheit, die jetzt nur für formelle Anlässe getragen wurden. Männer hatten eine Vielzahl von Sportkleidung zur Verfügung, darunter Pullover und kurze Hosen, allgemein als Schlüpfer bekannt. Für den Abend tragen ein kurzer Verschleiß Smoking war modischer als der Schwanzmantel, der jetzt als etwas altmodisch angesehen wurde. Der Londoner Schnitt mit seinen schlanken Linien, locker sitzenden Ärmeln und gepolsterten Schultern, die durch das englische Schneiderscholte perfektioniert wurden, war sehr beliebt.

Faire Insel Muster wurden für beide Geschlechter sehr beliebt. Zu dieser Zeit waren Fersen oft über zwei Zoll hoch und halfen bei der Popularisierung des zweifarbigen Schuhs. Salvatore Ferragamo und André Perugia waren zwei der einflussreichsten und angesehensten Designer in Schuhen. Viele Sterne von Stummfilm hatte einen erheblichen Einfluss auf die Mode in den 1920er Jahren, einschließlich Louise Brooks, Gloria Swanson, und Colleen Moore. Die unbeschwerten, zukunftsgerichteten Moden der 1920er Jahre kamen allmählich nach dem zum Stillstand Wall Street Crash von 1929und erlag einem konservativeren Stil. Während der Flapper-Look bis 1930 bestand, verschwand er schnell, obwohl glockenförmige Hüte bis 1933 dauerten.

1930er Jahre

In den 1930er Jahren, als die Öffentlichkeit begann, die Auswirkungen des WeltwirtschaftskriseViele Designer stellten fest, dass Krisen nicht die Zeit für das Experimentieren waren. Die Mode wurde kompromittierender und strebte auf der Bewahrung zu FeminismusSie haben Siege und entdeckten eine subtile und beruhigende Eleganz und Raffinesse wieder. Insgesamt war die Kleidung der 1930er Jahre düster und bescheiden und spiegelte die schwierige soziale und wirtschaftliche Situation des Jahrzehnts wider. Die Mode der Frauen bewegte sich von dem dreist und gewagten Stil der 1920er Jahre in Richtung einer romantischeren, weiblichen Silhouette. Die Taille wurde restauriert, die Hemlines fiel auf nahezu Knöchellänge, es gab eine erneute Wertschätzung der Büste und rückenfreie Abendkleider und weiche, schlanke Tageskleider wurden populär. Der weibliche Körper wurde in eine neoklassigere Form umgebaut und schlank, straffen und sportliche Körper kamen in Mode. Die Mode für Outdoor -Aktivitäten stimulierte Couturiers, um das herzustellen, was heute als "Sportbekleidung" bezeichnet werden würde. Der Begriff "Ready-to-Wear" war noch nicht weit verbreitet, aber die Boutiquen beschrieben solche Kleidung als "für den Sport". Anstelle des Hakenhaarschnitts des Bobbed Flappers war die Standardfrisur für Frauen der 1930er Jahre eine bescheidene, kurze Perm.

Zwei der bekanntesten und einflussreichsten Modedesigner der 1930er Jahre waren ELSA SCHIAPARELLI und Madeleine Vionnet. Elsa Schiparelli zeigte ihre erste Sammlung im Jahr 1929 und wurde sofort von der Presse als "einer der seltenen Innovatoren" des Tages gefeiert. Mit ihren aufregenden und erfinderischen Designs revolutionierte Schiparelli die Mode nicht so sehr, als seine Grundlagen erschüttern. Der erste Pullover, den sie in ihren Fenstern zeigte Trompe-l'i Weißer Bogen. Schiaparelli war ein enger Freund von Christian Bérard, Jean Cocteau, und Salvador Dalí, die Stickmotive für sie entwarf und Inspiration für Models wie den Schreibtischanzug mit Schubladen für Taschen, dem schuhförmigen Hut, den Seidenkleidern mit Fliegen oder lieferten Hummer. Alle Paris drängten sich um 21 zu ihrem Salon Platz Vendôme Als Sammlung wurde die Sammlung erfolgreich.

Madeleine Vionnet fand ihre Inspiration in alten Statuen und schuf zeitlose und schöne Kleider, die auf einem griechischen Fries nicht fehl am Platz aussehen würden. Königin der Vorspannung (diagonal über die Längsfäden des Stoffes) und produzierte Abendkleider, die den Körper ohne übermäßige Ausarbeitung oder Verbreitung einstellten und eine fließende und elegante Linie verwendeten. Ihr perfektes Drapieren von Chiffon, Seide und Marokkanin Krepp schuf eine wunderbar gezielte und sinnliche Wirkung. Der beispiellose Erfolg von Vionnets Kürzungen garantierte ihren Ruf im Ruhestand im Jahr 1939.

MainbocherDer erste amerikanische Designer, der in Paris lebt und arbeitete, war ebenfalls einflussreich, mit seinen einfachen, aber äußerst eleganten Designs, die häufig die von Vionnet geschnittene Vorspannung verwendeten. Der Luxusgüterhersteller Hermes begann, in den frühen 1930er Jahren handgemachte gedruckte Seidenquadratschals zu verkaufen und zusätzlich den Reißverschluss und viele andere praktische Innovationen zu populieren. Gegen Ende des Jahrzehnts nahm die Mode der Frauen eine etwas imposantere und breitschulte Silhouette an, die möglicherweise von Elsa Schiparelli beeinflusst wurde. Die Moden der Männer setzten den informellen, praktischen Trend fort, der seit dem Ende des Ersten Weltkriegs dominiert hatte.

Mitte des 20. Jahrhunderts

Nach dem Zweiten Weltkrieg begann Paris 'Ruf als globales Modezentrum zu bröckeln. In den 1950er Jahren entstand ein neuer Jugendstil und veränderte den Fokus der Mode. Im Westen wurde die traditionelle Kluft zwischen High Society und der Arbeiterklasse in Frage gestellt. Insbesondere eine neue junge Generation wollte die Vorteile einer boomenden Konsumgesellschaft nutzen. Das Privileg wurde weniger offensichtlich beworben als in der Vergangenheit und die Unterschiede wurden mehr beschönigt. Als die alten europäischen Hierarchien aufgehoben wurden, verschwand die äußeren Markierungen der Unterscheidung. Als die ersten Raketen in den Weltraum gestartet wurden, war Europa mehr als bereit, ein qualitativ hochwertiges Kleidungsstück nach amerikanischer Sicht zu übernehmen-etwas, um den Mittelweg zwischen Off-the-Peg und Couture zu besetzen. Dieses Bedürfnis war umso dringlicher, da die Anstieg der Overhead- und Rohstoffkosten anfingen, die handgefertigte Mode an die Seitenlinie zu bringen. In der Zwischenzeit machten es sich schnell die Herstellung eines immer wieder verbesserten, qualitativ hochwertigen Produkts immer einfacher.

Angesichts der Bedrohung durch ein fabrikgefertigtes, modebasiertes Produkt stieg die Pariser Mode Couture in die Verteidigung, aber nur wenig Wirkung. Während die alte Welt ihre endgültige Veränderungen in Mode nahm, waren die Veränderungen in der Mode eine der sichtbarsten Manifestationen der allgemeinen Umstellung in der Gesellschaft. Es dauerte nicht lange, dass Kurse von Frauen, die bisher auf minderwertige Ersatzstoffe für Haute Couture beschränkt sind, eine stark vergrößerte Freiheit der Wahl genießen. Die Produktionszyklen waren länger als die von Couture-Workshops, was bedeutete, dass Stylisten ihre Linien für die zweimal jährlichen Sammlungen planten, mehr als ein Jahr im Voraus zu erraten, was ihre Kunden wollen würden. Eine neue Autorität hatte übernommen - das von der Straße, was eine weitere Bedrohung für die Diktatur der Couture darstellte.

1940er Jahre

Viele Modehäuser wurden während der Besetzung von Paris während während dessen geschlossen Zweiter Weltkrieg, einschließlich des Maison Vionnet und des Maison Chanel. Mehrere Designer, darunter Mainbocher, wurden dauerhaft auf verlegt New York. In dem enormen moralischen und intellektuellen Umerziehungsprogramm, das der französische Staat durchgeführt hat, wurde Couture nicht verschont. Im Gegensatz zu der stilvollen, befreiten Parisienne, die Vichy -Regime förderte das Modell der Frau und Mutter - einer robusten, sportlichen jungen Frau - eine Figur, die viel mehr mit der politischen Agenda des neuen Regimes übereinstimmt. In der Zwischenzeit nahm Deutschland über die Hälfte dessen in Besitz Frankreich produziert, einschließlich High Fashion Berlin und Wien. Die Archive der Chambre Syndicale de la Couture wurden beschlagnahmt, einschließlich der Client -Liste. Der Sinn von all dem war es, ein Monopol aufzubrechen, das angeblich die Dominanz der Dominanz bedrohte Drittes Reich.

Aufgrund der schwierigen Zeiten schlichen sich die Hemlinien sowohl bei Abendverschleiß als auch bei Tagesabschlüssen nach oben, wobei letztere nach Möglichkeit unter Verwendung von Ersatzmaterialien hergestellt wurde. Ab 1940 wurde ein Stoff für Militärpersonal benötigt; Für alle anderen wurde es rationiert, mit einer Zulage von nicht mehr als vier Metern (dreizehn Fuß) Stoff durfte für einen Mantel und etwas mehr als ein Meter (drei Fuß) für eine Bluse verwendet werden. Kein Gürtel kann über 3 Zentimeter (eineinhalb Zoll) breit sein. Jeder, von Hausfrauen bis zu Designer, war gezwungen, alter Stoff wiederzuverwenden oder neue Stile aus alten Kleidungsstücken zu kreieren. ^[13] Haute Couture tat sein Bestes, um seine Flagge fliegen zu halten. Humor und Frivolität wurden zu einem Popstar -Weg, um den Besatzungsmächten zu trotzen und die Couture überlebte. Obwohl einige argumentiert haben, dass der Grund, warum er ertrug, auf die Schirmherrschaft der Frauen der wohlhabenden Nazis zurückzuführen war, zeigten Aufzeichnungen, dass es sich abgesehen von den üblichen wohlhabenden Parisiennes um eine vielseitige Mischung der Frauen ausländischer Botschafter, Kunden aus dem Schwarzen Markt, handelte und verschiedene andere Gönner der Salons (unter denen deutsche Frauen nur eine Minderheit waren), die die Türen in Modehäusern offen hielten, z. Jacques Fath, Maggy Rouff, Marcel Rochas, Jeanne Lafaurie, Nina Ricci, und Madeleine vramant.

Permed Frisuren blieben Standard, obwohl sich dies in den 40er Jahren zu einer gewickelten Rolle entlang des unteren Teils des Haaransatzes entwickelte.

Während der Besatzung war die einzig wahre Möglichkeit für eine Frau, ihre Extravaganz zur Schau zu stellen oder einem trockenen Outfit Farbe zu verleihen. In dieser Zeit wurden häufig Hüte aus Materialfetzen hergestellt, die sonst weggeworfen worden wären, einschließlich Papier- und Holzspänen. Zu den innovativsten Milliners der Zeit gehörten Pauline Adam, Simone Naudet, Rose Valoisund Le Monnier.

Paris 'isolierte Situation in den 1940er Jahren ermöglichte es den Amerikanern, den Einfallsreichtum und die Kreativität ihrer eigenen Designer vollständig zu nutzen. Während des zweiten Weltkrieges, Vera Maxwell Präsentierte Outfits, die aus einfacher, einfacher Koordinaten bestanden und Innovationen in die Arbeitskleidung von Männern eingeführt wurden. Bonnie Cashin verwandelte Stiefel in ein großes Modeaccessoire und begann 1944 die Produktion von originellen und fantasievollen Sportbekleidung. Claire McCardell, Anne Kleinund Cashin bildete ein bemerkenswertes Trio von Frauen, die die Grundlagen der Amerikaner legten Sportbekleidung, sicherstellen dass bereit zu tragen wurde nicht als zweitbeste angesehen, sondern eine elegante und komfortable Möglichkeit für moderne Frauen, sich anzuziehen.

In den Kriegsjahren die Zoot -Anzug (und in Frankreich die Zazou Anzug) wurde bei jungen Männern beliebt.

Viele Schauspielerinnen der Zeit, einschließlich Rita Hayworth, Katharine Hepburn, und Marlene Dietrich, hatte einen erheblichen Einfluss auf die beliebte Mode.

Der Couturier Christian Dior Mit seiner ersten Sammlung im Februar 1947 eine Flutwelle erstellt. Die Kollektion enthielt Kleider mit akzentuierten Büsten, winzigen (oder "Wespen") Taillen und extravagant volle Röcke und betonte die feminine Hourglasfigur sehr ähnlich wie der Stil der Belle sehr ähnlich Äpoque. Die verschwenderische Verwendung von Stoff und die weibliche Eleganz der Entwürfe appellierten nach dem Kriegskundschaft und sorgten für den meteorischen Anstieg von Dior zum Ruhm. Die bloße Raffinesse des Stils hat den allmächtigen Redakteur von The American angeregt Harper's Basar, Karmel Schnee, um auszufäuschen: "Das ist ein neuer Look!".

1950er Jahre

Die Mode in den 1950er Jahren, weit davon entfernt, revolutionär und progressiv zu sein, nutzte im vergangenen Jahrzehnt in den 1950er Jahren, die angesichts Kontinuität, Unterstützung und Logik und gelehrten soziologischen Vorhersagen fliegen. Eine ganze Gesellschaft, die in den 1920er und 1930er Jahren sehr im Gange geglaubt hatte, war jetzt viel umsichtiger. Trotz der Tatsache, dass Frauen das Recht hatten, zu wählen, zu arbeiten und ihre eigenen Autos zu fahren, entschieden sie sich dafür, Kleider aus opulenten Materialien zu tragen, mit korsettierten Taillen und wirbelnden Röcken bis zur Mitte der Kälte. Als Mode in die Vergangenheit schaute, erlebte Haute Couture eine Wiederbelebung und brachte eine Vielzahl von Star -Designern hervor, die von dem raschen Wachstum der Medien sehr profitierten.

Während der 1950er Jahre untersuchten sich Frauen auf der ganzen Welt weiterhin den Trends der Pariser Haute Couture. Drei der bekanntesten der Pariser Couturiers der Zeit waren Cristóbal Balenciaga, Hubert de Givenchy, und Pierre Balmain. Der sparsame Prinz des Luxus, Cristóbal Balenciaga ESAGRI, feierte Ende der 1930er Jahre sein Modedebüt. Erst in den Nachkriegsjahren wurde der vollständige Ausmaß der Erfindungsreichtum dieses hochrangigen Designers offensichtlich. 1951 verwendete er die Silhouette völlig, erweiterte die Schultern und entfernte die Taille. 1955 entwarf er das Tunika-Kleid, das sich später zu dem Chemisekleid von 1957 entwickelte. Schließlich gipfelte seine Arbeit 1959 in der Empire-Linie, mit hochverteizten Kleidern und Mänteln, die ähnlich wie Kimono geschnitten wurden. Seine Beherrschung des Stoffdesigns und der Schöpfung widersetzte sich Glauben. Balenciaga ist auch als einer der wenigen Couturiers in der Modegeschichte bemerkenswert, der die Modelle entwerfen, schneiden und nähen könnte, die die Höhe seiner Kunst symbolisierten.

Hubert de Givenchy Eröffnete 1952 sein erstes Couture -Haus und schuf ein Gefühl mit seinen Trennungen, das nach Belieben gemischt und abgestimmt werden konnte. Am bekanntesten war seine Bettina Bluse aus Shirting, das nach seinem Top -Modell benannt wurde. Bald wurden in Rom Boutiquen eröffnet, Zürichund Buenos Aires. Als Mann mit immenser Geschmack und Diskriminierung war er, vielleicht mehr als jeder andere Designer dieser Zeit, ein integraler Bestandteil der Welt, dessen zurückhaltende Eleganz er half, zu definieren.

Pierre Balmain eröffnete 1945 seinen eigenen Salon. In einer Reihe von Kollektionen namens "Jolie Madame" erlebte er ab 1952 seinen größten Erfolg. Balmains Vision der elegant gekleideten Frau war besonders Pariser und war durch den maßgeschneiderten Glamour des "" ""Neues Aussehen"Mit seiner ausreichenden Büste, der schmalen Taille und seiner vollen Röcke durch Meisterschaft von Schnitt- und fantasievollen Versammlungen von Stoffen in subtilen Farbkombinationen. Seine Haute Couture-Arbeit, der talentierte Geschäftsmann, leitete Pionier in einer Bereitschaft namens Florilege und startete auch eine Reihe sehr erfolgreicher Parfums.

Bemerkenswert ist auch die Rückkehr von Coco Chanel (der den "neuen Look" in die Modewelt verabreicht hat. Nach der Schließung ihrer Salons in den Kriegsjahren im Jahr 1954 im Alter von über siebzig Jahren erzielte sie ein Comeback und präsentierte am 5. Februar eine Sammlung, die eine ganze Reihe von Ideen enthielt, die von Frauen auf der ganzen Welt adoptiert und kopiert werden würden: Ihr berühmter kleiner geflochtener Anzug mit goldenen Ketten, glänzender Kostümschmuck, Seidenblusen In Farben, die zu den Anzugsteinen, schlanken Tweeds, monogrammierten Knöpfen, flachen schwarzen Seidenbögen, Bootsfahrern, gesteppten Taschen auf Ketten und Abendkleidern und Pelzen entsprachen, die Wunder der Einfachheit waren.

Obwohl er ein High Fashion Designer ist, geboren amerikanisch Mainbocher Entworfen auch militärische und zivile Dienstuniformen. Im Jahr 1952 konzipierte er die Uniform der Women Marines Service, die Weiblichkeit mit Funktionalität kombinierte. Frühere Neugestaltungen umfassen Uniformen für die Wellen (Frauen, die für den freiwilligen Notdienst angenommen wurden) im Jahr 1942 und einheitliche Entwürfe für die Pfadfinderinnen der USA und die amerikanisches rotes Kreuz 1948.

Diors "neuer Look" (das 1947 uraufgeführt wurde) wiederbelebte die Popularität von Gürteln und den All-in-One-Korseletten. In den frühen 1950er Jahren nutzten viele Couture -Häuser das Interesse an "Grundkleidung", um ihre eigenen Linien zu starten, kurz nachdem viele Dessous -Hersteller ihre eigenen Marken bauten. 1957 trug Jane Russell den "Cantilever" -Bh, der von Howard Hughes wissenschaftlich entworfen wurde, um einen üppigen Look zu maximieren. Die Erfindung von Lycra (ursprünglich als "Faser K" genannt) 1959 revolutionierte die Unterwäscheindustrie und wurde schnell in alle Aspekte von Dessous aufgenommen.

Nach dem Krieg wurde der amerikanische Look (der aus breiten Schultern, Blumenbeziehungen, geradlinigen Hosen und Hemden mit langen spitzen Kragen bestand, die oft nicht abhängen und nicht eingebettet waren) bei Männern in Europa sehr beliebt. Bestimmte Londoner Hersteller leiteten eine Wiederbelebung von Edwardian Eleganz in Männermode, die eine eng sitzende Annahme annimmt Retro Stil, der Traditionalisten ansprechen sollte. Dieser Look, der ursprünglich an den respektablen jungen Mann in der Stadt gerichtet war, wurde in die beliebte Mode übersetzt als die Teddy Junge Stil. Der italienische Look, populär von Caraceni, Brioniund Cifonelli wurde von einer ganzen Generation eleganter junger Liebhaber auf beiden Seiten des Atlantiks aufgenommen. Plaid war in den 1950er -Jahren -Herrenmode sowohl für Hemden als auch für Anzüge sowie den Haircut "Ducktail", der oft als Symbol für die Rebellion von Teenagern angesehen und in Schulen verboten wurde.

In der zweiten Hälfte der 1950er Jahre gab es einen allgemeinen Schritt in Richtung weniger formeller Kleidung, insbesondere unter den Herrenmode. Das Fedora und Homburg -Hut, ebenso gut wie Grabenmäntel, verschwunden aus weit verbreiteter Verwendung (dieser Trend hatte bereits einige Jahre zuvor an der informelleren Westküste der USA begonnen), nachdem er seit den 1920er Jahren Standardteile von Herrenbekleidung gewesen war.

Die Designer von Hollywood erstellte eine bestimmte Art von Glamour für die Stars des amerikanischen Films und Outfits von Leuten wie Marilyn Monroe, Lauren Bacall, oder Grace Kelly wurden weithin kopiert. Quantitativ gesehen hätte ein Kostüm, das eine Schauspielerin in einem Hollywood -Film getragen hat, ein viel größeres Publikum als das Foto eines Kleides, das von einem Couturier entworfen wurde, der in einer Zeitschrift illustriert wurde, die von nicht mehr als ein paar tausend Menschen gelesen wurde. Ohne zu versuchen, alle Pariser Stile im Auge zu behalten, konzentrierten sich die Kostümdesigner auf ihre eigene Version des Klassizismus, die zeitlos, schmeichelhaft und fotogen sein sollte. Mit scheinbar luxuriösen Materialien wie Pailletten, Chiffon und Fell wurden die Kleidung sehr einfach geschnitten, oft einschließlich einiger unvergesslicher Details, wie z. oder einige besonders atemberaubendes Accessoire. Die einflussreichsten und angesehensten Designer von Hollywood von den 1930er bis 1950er Jahren waren Edith Head, Orry-Kelly, William Travilla, Jean Louis, Travis Banton, und Gilbert Adrian. Alltägliche Kleidung für Frauen während des Jahrzehnts bestand aus langen Mänteln, Hüten mit kleinen Schleier und Lederhandschuhen. Kniebelle Kleider kombiniert mit Perlenketten, die von First Lady sofort beliebt gemacht wurden Mamie Eisenhower. Kurzes, Permed Hair war die Standardfrisur für Frauen dieser Zeit.

Bis zum Ende des Jahrzehnts war die massengesteuerte, off-the-Peg-Kleidung viel populärer geworden als in der Vergangenheit und gewährte der breiten Öffentlichkeit einen beispiellosen Zugang zu modischen Stilen.

1960er Jahre

Bis in die 1960er Jahre galt Paris als das Zentrum der Mode auf der ganzen Welt. Zwischen 1960 und 1969 trat jedoch in der grundlegenden Struktur der Mode ein radikales Erschütterung auf. Ab den 1960er Jahren würde es niemals nur einen einzigen, vorherrschenden Trend oder eine große Mode geben, sondern eine große Fülle von Möglichkeiten, die unteilig mit all den verschiedenen Einflüssen in anderen Bereichen des Lebens der Menschen verbunden sind. Wohlstand und die Entstehung einer bestimmten Teenagerkultur, kombiniert mit der Gegenkulturbewegung, hätten alle große Auswirkungen auf die Mode.

Nach 30 Jahren konservativer Kleidungsstile sahen die 60er Jahre eine Art Rückfall in die 1920er Jahre, wobei Frauen erneut einen kindlichen Look mit gewitzten Haarschnitten und zunehmend weniger bescheidenen Kleidung verabschiedeten. Zu Beginn des Jahrzehnts waren die Röcke knielang, wurden aber stetig immer kürzer, bis der Minirock 1965 auftauchte. Am Ende des Jahrzehnts hatten sie weit über dem Strumpfoberteil geschossen, was den Übergang zum Übergang machte Strumpfhose unvermeidlich.

Viele der radikalen Veränderungen in der Mode, die in den Straßen von London entwickelt wurden, mit so begabten Designern wie Mary Quant (bekannt für den Start des Minirocks) und Barbara Hulanicki (der Gründer der legendären Boutique Biba). Paris hatte auch seinen Anteil an neuen und revolutionären Designern, einschließlich Pierre Cardin (bekannt für seine visionären und gekonnt geschnittenen Designs), André Courrèges (bekannt für seine futuristischen Outfits und für den Start des Minirocks zusammen mit Mary Quant), Yves Saint Laurent (bekannt für seine revolutionären und dennoch eleganten Moden) und Emanuel Ungaro (bekannt für seine fantasievolle Verwendung von Farbe und kühner Barockkontraste). In den Vereinigten Staaten, Rudi Gernreich (bekannt für seine avantgardistischen und futuristischen Designs) und James Galanos (bekannt für seine luxuriösen Ready-to-Wear), die auch ein junges Publikum erreichten. Die Hauptgeschäfte für diese neuen jungen Modedesigner waren kleine Boutiquen, die Outfits verkauften, die nicht gerade „einmalige“ waren, sondern in kleinen Mengen in einer begrenzten Reihe von Größen und Farben hergestellt wurden. Allerdings haben nicht alle Designer den neuen Stil und die neue Stimmung gut genommen. Im Jahr 1965 montierte Coco Chanel eine Rekuard -Aktion gegen die Exposition des Knies, und Balenciaga produzierte entschlossen weiterhin weibliche und konservative Designs.

Die grundlegende Form und den Stil der Zeit waren einfach, ordentlich, trimm und farbenfroh. Die Hüte hatten bereits ihren Niedergang im vergangenen Jahrzehnt begonnen und waren jetzt fast vollständig ausgestorben, bis auf besondere Anlässe. Die unteren Kätzchenabsätze waren ein ziemlich Ersatz für Stilettos. Spitze Zehen machten 1961 meißelförmigen Zehen und 1961 einem Mandelzeh Platz. Flache Stiefel wurden auch 1965 mit sehr kurzen Kleidern beliebt und schließlich stiegen sie das Bein auf und erreichten das Knie.

In den 60ern zum ersten Mal sahen eine weit verbreitete Auswahl an beliebten Frisuren, darunter Bobs, Pageboy -Schnitte und Bienenstöcke.

Zwei bemerkenswerte und einflussreiche Designer in den 1960er Jahren waren Emilio Pucci und Paco Rabanne. Emilio Puccis Sportswear Designs und Drucke inspiriert von OP -Kunst, Psychedeliaund mittelalterliche heraldische Banner brachten ihm einen Ruf, der weit über die Kreise der Hochgesellschaft hinausging. Seine schlanken Schichtkleider, Tuniken und Strandbekleidung schuf ein 'Puccimania', das Teil einer Bewegung war, um die weibliche Form zu befreien, und seine Entwürfe sind heute ein Synonym für die 1960er Jahre. Francisco Rabaneda Cuervo (später Paco Rabanne) eröffnete 1966 sein erstes Couture -Haus und produzierte von Anfang an entschlossen moderne Entwürfe. Anstatt herkömmliche Kleidermaterialien zu verwenden, schuf er Kleidungsstücke aus AluminiumRhodoid und Schrottstücke. Seine Entwürfe waren sowie experimentell auch eng mit den modernen, abenteuerlustigen jungen Frauen übereinstimmend. Zu seinen Innovationen gehören das nahtlose Kleid, das nach viel Experiment durch das Sprühen von Vinylchlorid auf eine Form und das Einwegkleid mit niedrigem Budget aus Papier und Nylonfaden hergestellt wurde. Rabanne war auch der erste Modedesigner, der schwarze Modelle verwendete, was fast zu seiner Entlassung aus der Chambre Syndicale de la Couture Parisienne führte. Der Erfolg seines Parfüms Calandre trug dazu bei, die weniger profitablen Bereiche seiner Arbeit zu unterstützen, während sein Utopismus ihm eine einzigartige Position in der konservativen Welt der Haute Couture versicherte.

Die Hauptveränderung der Herrenbekleidung in den 1960er Jahren war im Gewicht des verwendeten Stoffes. Die Auswahl der Materialien und die Herstellungsmethode erzeugten einen Anzug, der, weil sie leichter gewichtete, ein völlig anderes Aussehen hatte, mit einer Linie, die näher an der natürlichen Form des Körpers lag und die Männer dazu veranlasste, ihre Figuren kritischer zu betrachten . Die Ausbreitung von Jeans diente dazu, eine radikale Veränderung der männlichen Garderobe zu beschleunigen. Junge Männer wuchsen ihre Haare zu ihren Kragen und fügten ihren Hemden einen Hauch von Farbe und sogar Blumenmotiven hinzu. Der Polo -Hals gelang es nie, die Krawatte zu ersetzen, sondern die Übernahme der Arbeitskampfjacke in rauem Cord und insbesondere die Mao Jacke erwies sich als mehr als nur eine politische Aussage. Ein paar futuristische Gerüchte wurden von Pierre Cardin und Andre Courrèges ausgelöst, aber der dreiteilige Anzug überlebte immer noch intakt.

In den frühen 1960er Jahren gab es einflussreiche "Partnerschaften" von Prominenten und High-Fashion-Designern, die am bekanntesten sind Audrey Hepburn mit Givenchy, und Jackie Kennedy mit Oleg Cassini. Außerdem hatten viele Modelle einen sehr tiefgreifenden Einfluss auf die Mode Zweiggy, Veruschka, Jean Shrimpton. Anfang des Jahrzehnts waren die Culottes in Stil und die Bikini schließlich kam 1963 in Mode. Die Hippie und psychedelisch Bewegungen Ende des Jahrzehnts hatten auch einen starken Einfluss auf die Kleidungsstile, einschließlich Glockenboden Jeans (entworfen vom englischen Schneider Tommy Nutter, aus seinem Savoy-Geschäft), Stoffstoffe mit Tie-Dye und Batik sowie Paisley-Drucke.

1970er Jahre

Nannte das Jahrzehnt "Ich"; "Bitte selbst" war das Schlagwort der 1970er Jahre. Einige sahen es als das Ende des guten Geschmacks. Das Jahrzehnt begann mit einer Fortsetzung des Hippie-Looks der späten 1960er Jahre mit Kaftaner, indischen Schals und Tuniken von Blumendruck. Jeans blieb ausgefranst und glockengebiet, Bindfärben war immer noch beliebt und die Mode für Unisex -Pilze. Eine immense Bewegung, die die Bürgerrechte für Schwarze in Kombination mit dem Einfluss der Seelenmusik aus den USA behauptet, schuf eine Nostalgie für Afrika und Afrikanische Kultur. EIN radikaler Chic tauchte auf, beeinflusst von Leuten wie James Brown, Diana Ross, Angela Davis, und die Schwarze Pantherin allem von Afro Frisuren zu Plattformsohlen. In den 1970er Jahren erhöhte Marken ihren Anteil am internationalen Markt erheblich. Die HEMs fielen 1974 auf unter das Knie, bis sie 1977 schließlich die untere Mitte der Halle erreichten und Schulterlinien fallen gelassen wurden. Nach 1975 wurde die Mode von dem "Disco-Look" dominiert, der gefiederte Frauenhaarschnitte und auf Männer, dem dreiteiligen, beinhaltete Freizeitanzug. Die Glockenboot-Hosen würden während des gesamten Jahrzehnts beliebt bleiben.

Vielleicht waren die beiden innovativsten Modedesigner in Frankreich Frankreich Kenzo Takada und Sonia Rykiel. Der unbestrittene Star der Pariser Mode in den 1970er Jahren ließ sich Kenzo von der ganzen Welt inspirieren und mischten westliche und orientalische Folk -Einflüsse mit einem fantastischen Lebensfreude und ein instinktives Verständnis dessen, was seine jungen Kunden wollten. Mit seinen flüssigen Linien, ungewöhnlichen Drucken, cleverem Accessoires und dem bisher beispiellosen Frequenz-Zuwächsen stellte er die Modewelt auf den Kopf. Sonia Rykiel, die 1974 die Königin der figurbrudelten Stricke, entwarf ihre ersten Pullover mit umgekehrten Nähten. Darüber hinaus kreierte sie jedoch eine ganze Reihe von Kleidung, die extrem individuell waren und doch fast überall getragen werden konnten. Der Rykiel-Stil, der von flüssigen gestrickten Kleidungsstücken, dunklen Schwarzen, Strasssteinen, langen Boa-ähnlichen Schals und kleinen gehäkelten Hüten dominiert wurde, eroberte den amerikanischen Markt, und bis heute wird Rykiel von vielen Amerikanern als der wahre Nachfolger von Chanel angesehen.

Durch Punk, London hatte einen beträchtlichen Einfluss auf Mode, am deutlichsten in den Boutiquen der Königsstraße, wo Vivienne WestwoodBoutique, SEX, die 1971 eröffnet wurde, wehte mit dem vorherrschenden Wind. Dieser Tempel des britischen Ikonoklasmus zentrierte sich auf fetischistische Accessoires und Kleidungsbereiche, bei denen schwarze Gummi- und Stahlbieten die äußeren Zeichen des zugrunde liegenden Sadismus waren. Postmodernistisch und ikonoklastisch im Wesentlichen war die Punk -Bewegung eine direkte Reaktion auf die wirtschaftliche Situation während der wirtschaftlichen Depression der Zeit, das Vehikel gegen einen viszeralen Hass als politischer. Punk hatte im Herzen ein Manifest der Schöpfung durch Störung. Mit ihren zerrissenen T-Shirts, Amerikanischer Ureinwohner Frisuren, Doc Martens, Bondage Hosen und Ketten, die Punks exportierten ein allgemeines Gefühl von Ekel auf der ganzen Welt.

Ein weiterer beliebter britischer Stil war der entschlossene, feminine, ländliche Kleidungsstil, der populär gemacht wurde von Laura Ashley, der aus langen Floorsrocks und hohen Halsblusen in traditionellen Blumendrucken bestand, die mit gehäkelten Schals getragen wurden. Laura Ashley begann ein kleines Geschäft in Wales Mitte der 1960er Jahre expandierte das Unternehmen 1985 bis zum Unfalltod seines Besitzers. Laura Ashley war nicht der einzige Designer, der nostalgisch in die Vergangenheit schaute. Moden basierend auf den 1920er, 30er, 40er und 50er Jahren waren während eines Großteils des Jahrzehnts beliebt, mit Hollywood -Filmen wie Der Pate und Der große Gatsbyund zahlreiche Ausstellungen zur Kostümgeschichte am Metropolitan Museum of Art in New York erhöht ihre Popularität. In Japan die Boutiquen von Tokios modisch Harajuku Distrikt verkaufte viele überarbeitete Versionen traditioneller britischer und amerikanischer Looks.

In den Vereinigten Staaten war der allgemeine Modetrend zu Vereinfachung und längeren Röcken, obwohl viele Frauen negativ auf die mittlere Länge reagierten, die sie als altern empfanden. Hose hingegen verdiente einstimmige Zustimmung. Jeans profitierten am meisten davon, in den 1970er Jahren ein anerkannter Teil der amerikanischen Modeszene zu werden, wobei deren neu entdeckte Seriosität sich aus ihrer Aufnahme in Sammlungen unter der Überschrift von Sportswear ergab. Die neuen Stars der amerikanischen Ready-to-Wear-Anpassungen haben das Beste aus dem, was sie von Europa gelernt haben, an die massive amerikanische Bekleidungsindustrie angepasst. Calvin Klein und Ralph Lauren stiegen mehr oder weniger gleichzeitig aus der Anonymität, um die Frage der Gestaltung von Kleidung für die Männer und Frauen einer neuen Welt anzugehen. Zwei gegensätzliche Bewegungen dominierten in den 1970er Jahren in den USA Mode. Einerseits gab es den maßgeschneiderten Unisex -Look; Andererseits ein flüssiger, unstrukturierter Stil mit einem starken Gefühl des Glamour der 1930er Jahre. Der einflussreichste amerikanische Designer der Zeit, Roy Halston Frowick (einfach als bekannt als Halston), gehörte der letzteren Kategorie an. Sein spezielles Talent in der New Yorker Szene erfasste den Status der New Yorker und in Einklang mit dem maßgeschneiderten Kleidungsstück für den besonderen Anlass mit Konzepten von Komfort, Natürlichkeit und Entspannung. Mit seinen Kaftans, Hemdwaisern, Djellabas, Schichtkleidern und Tuniken, die über Shorts und Weitbeinhosen getragen wurden, war er eine Ikone der Ära und ein regulärer Besucher im VIP-Raum des Studio 54 nach seiner Eröffnung im Jahr 1977.

Geoffrey Beee, gelobt für seine eleganten und raffinierten Schnitte und seine Verwendung von Schwarzweiß, war in den radikal vereinfachten Designs, bei denen er sich hervorgetante, am erfolgreichsten. Seine intelligenten kleinen Kleider und gut geschnittenen Anzüge in Jersey, Flanell und Wolle waren maßgeblich dazu beigetragen, amerikanische Frauen von der Überabnahme zu entmutigen. Bill Blass, der 1962 seine eigene Reichweite startete, entwickelte die Gewohnheit, durch die USA zu reisen, um selbst zu hören, was seine Kunden wünschten. Er ist einer der beliebtesten Designer der Zeit und war fast zu erfolgreich, um die Wünsche seiner Kunden zu erfüllen. Sein disziplinierter Stil und seine Verarbeitung wurden besonders von Businessfrauen und den Frauen von Führungskräften bevorzugt. Betsey Johnson begann, für die Boutique -Utensilien zu entwerfen. Mit Vinyl- und Metallic -Stoffen und dem Schwerpunkt auf Witz, Fantasie und Unabhängigkeit brachte sie in den 1970er Jahren einen beispiellosen Geist der Respektlosigkeit nach New York.

Auf beliebte Weise die Glamgestein Kleidungsstil, getragen von Felsdarstellern wie David Bowie und Marc Bolanwar sehr einflussreich, besonders im Vereinigten Königreich. Der Designer Elio Fiorucci hatte einen sehr ähnlichen Blick. Seine Boutique in Mailand verkaufte Dinge wie bunte Gummistiefel, Plastik -Gänseblümchen -Sandalen, falsches Fell und Pop-Art-inspirierte Jacken.

In den 1970er Jahren entstand eine neue Generation von Herrenbekleidungsboutiquen, um das Dekor, die Rituale und den Kundenstamm eines traditionell schwierigen Handels zu verändern. Ende der 1960er Jahre modische Kleidung an einen jungen Mann zu verkaufen war immer noch in vielen Kreisen, die seine Männlichkeit in Frage stellten. Das Erscheinungsbild der Männer änderte sich in den 1970er Jahren mehr als in einem ganzen Jahrhundert. Viele der Modedesigner, die den männlichen Look revolutionierten, schuldeten Pierre Cardin viele ihrer Innovationen: schmale Schultern, eng anliegende Linien, keine Krawatte, keine Schnittstelle, Kesselanzüge mit Reißverschluss, Taillenjacken oder Tuniken, manchmal kein Hemd. Arbeitskleidung lieferte Inspiration für einen weniger formalen Stil, ermutigte Designer, über den traditionellen Anzug hinaus zu schauen und beispielsweise einen Unisex-Look zu veranlassen oder den massiven Versorgung mit gebrauchter Kleidung zu untersuchen. Manchmal erlangte diese Art von männlichem Dressing, die oft als "Hippie" angeprangert, als absichtliches Aussehen eine formelle Anerkennung. Zu bestimmten Zeiten stellten Designer im Rahmen einer Retro -Bewegung eine Wiederbelebung der Eleganz der 1930er Jahre ein. Die Entdeckung alter militärischer Kleidung, vorzugsweise Khaki und aus den Vereinigten Staaten; Schuhe im englischen Stil; Oxford -Hemden; makellose T-Shirts; Tweed -Jacken mit gepolsterten Schultern; bunte V-Ausschnitt-Pullover; Kaschmirgedruckte Schals, die um den Hals drapiert sind Beatnik Blick auf die männliche Garderobe Ende der 1970er Jahre.

Auch bedeutend sind die Entwicklungen in der italienischen Weise, die in diesem Zeitraum stattgefunden haben. Im Verlauf der 1970er Jahre, infolge der Bereitschaftsbranche, Mailand bestätigte seinen Status als zweiter in Paris als Zentrum internationaler Mode. Die 'Alta Moda' bevorzugte Rom, die Basis der Couturiers Valentino, Kapucci, und Schön. Der dominierende Trend des Anti-Mode-Italiens bot einen Glamour, der nichts mit dem Diktat der Pariser Haute Couture zu tun hatte. Die italienische Mode von einem klar definierten Stil war luxuriös und leicht zu tragen. Die beiden einflussreichsten italienischen Modedesigner der Zeit waren wahrscheinlich wahrscheinlich Giorgio Armani und Nino Cerruti. Giorgio Armani produzierte 1975 seine erste Kollektion für Frauen. Von Anfang an war die Linie dynamisch, städtisch und zurückhaltend, androgyn inspiriert. Armani bot einen zurückhaltenden Stil an, der die zunehmende Bevölkerung von Frauen, die jetzt Zugang zur Arbeitswelt hatten, sehr appellierte und zunehmend höhere leitendere Positionen in sich besetzten. Dies war nur der Beginn einer enormen Karriere, die 1981 zum Tragen kam, als Emporio Armani wurde gestartet. 1957 Nino Cerruti öffnete die Herrenmode -Boutique Hitman in Mailand. Ein Mann aus Geschmack und Unterscheidung, 1976 präsentierte er seine erste Sammlung für Frauen. Zwei Jahre später startete er sein erstes Parfüm. In der Verknüpfung der Karriere eines erfolgreichen Industriellen mit der eines qualitativ hochwertigen Designers in Einklang brachte Cerruti eine einzigartige Position im italienischen Ready-to-Wear ein.

Ende des 20. Jahrhunderts

Während des späten 20. Jahrhunderts begannen die Moden mit Schnelligkeit, internationale Grenzen zu kreuz. Die beliebten weltweit weltweiten Stile wurden auf der ganzen Welt übernommen, und viele Designer von außerhalb des Westens hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf die Mode. Synthetische Materialien wie z. Lycra/spandexund Viskose wurde weit verbreitet, und Mode, nachdem zwei Jahrzehnte in die Zukunft schauten, wandte sich erneut in die Vergangenheit, um sich inspirieren zu lassen.

1980er Jahre

Die Gesellschaft der 1980er Jahre kritisierte sich nicht mehr als Konsumistin, sondern interessierte sich stattdessen für das Spektakel. Das selbstbewusste Bild des Jahrzehnts war sehr gut für die Modebranche, die noch nie so à la-Modus gewesen war. Modenshows wurden in mediengesättigte Spektakulare und häufig ausgestrahlt, wobei im sozialen Kalender eine hohe Priorität übernommen wurde. Das Aussehen war mit der Leistung zusammenhängen, was für eine ganze Generation junger städtischer Fachkräfte von höchster Bedeutung war, deren Wunsch, das Teil mit einem Verlangen nach Macht zu sorgen, auszusehen. Die Art und Weise, in der Männer und Frauen mit den neuesten Stilen verbunden sind, war nicht mehr eine Frage der passiven Unterwerfung, aber die Disco -Musik fiel zum Beginn des Jahrzehnts zusammen mit ihren damit verbundenen Kleidungsstilen schnell in Ungnade. Bis 1982 waren die letzten Spuren der Mode der 1970er Jahre verschwunden.

In den 1980er Jahren wurde die Meeräsche zum Standard-Männerhaarschnitt und Frauen hatten große, quadratische Perms, obwohl es viele Variationen von beiden gab. Overalls wurden zu einem beliebten Element weiblicher Kleidung und bei Männern, dünnen Krawatten und rundum Sonnenbrillen. Auch in den 80er Jahren war Aerobic in Mode und brachte so Spandex -Leggings und Stirnbänder in die Mode.

Die beiden französischen Modedesigner, die das Aussehen dieser Zeit am besten definierten, waren ein Mann und Azzedine Alaia. Thierry Mugler wurde stark von seiner frühen Karriere im Theater beeinflusst und produzierte Modedesigns, die Hollywood Retro und Futurismus, mit abgerundeten Hüften, scharf akzentuierten Schultern und einem leichten Hinweis auf die galaktische Heldin kombinierten. Muglers glamouröse Kleider waren ein bemerkenswerter Erfolg und bedeuteten das gesamte Ende der Hippie -Ära und seiner unstrukturierten Silhouette. Azzedine Alaia ist bekannt für seine beeindruckenden Kombinationen und beeinflusste die Silhouette der Frau der 1980er Jahre stark. Der Meister aller Arten von Techniken, die zuvor nur von Haute Couture bekannt waren, experimentierte er mit vielen neuen und nicht genutzten Materialien, wie z. Elasthan und Viskose. Das Finish, die Einfachheit und die schiere Sexualität von Alaias Aussehen ließen Frauen jeder Generation sich mit seinem verführerischen Stil identifizieren, und in den 1980er Jahren erhielt er einen gewissen Ruhm und wurde von Mitgliedern seines eigenen Berufs sehr geschätzt.

Das Erstellen von Designs, die sehr typisch für die Ära waren, waren auch Claude Montana, dessen imposante, breitschulte Designs, oft aus Leder, im futuristischen Universum von Thierry Mugler und nicht fehl am Platz ausgesehen hätte, und Christian Lacroix, der Schockwellen durch die Welt der Haute Couture schickte, mit seinen Flopprocks, gestickten Korseletten, Bühne und gepackten Crinolinen, die die Rhythmen von Flamenco hervorrufen.

In den 1980er Jahren trat eine Reihe vielversprechender Neuankömmlinge in die Modeszene ein. Ein außergewöhnlicher Techniker, der einst für Patou arbeitete, war sowohl die Presse als auch seine Kunden mit seinen Kleidern „Taschentuch“ verzaubert. Sie bestanden aus Stoffquadrändern, um sie zu verbringen, um sie weitaus komplizierter zu sein als zunächst erschienen. Viele Pariser Soirée der 1980er Jahre wurden von seinen Kleidern belebt, alle in einem flüssigen und originellen Stil, bei dem Schneiden und Nähen auf ein Minimum gehalten wurden. Chantal Thomas, die Königin der sexy Strümpfe und Spitze, gewann eine engagierte Anhängerschaft für ihre verführerische Unterwäsche und für Abendkleider, die aussahen wie Nachtmerkmale und umgekehrt. Guy Paulin war einer der ersten Designer, der einen schweren, schlichten und übersichtlichen Look förderte. Seine Kleidungsstücke waren klassisch in ihren Proportionen und machten sich nach Komfort und Einfachheit, wobei ihre harmonischen Linien durch eine subtile Palette von Farben und feinen Materialien verstärkt wurden. Unter seinem eigenen Namen entwarf Joseph luxuriöse Strickwege nach klassischen Linien und kreierte lose, sexy Kleidungsstücke in neutralen Farben. Carolina Herrera1981 startete 1981 eine Reihe von Kollektionen, die sich an Frauen wie sie richten, die 1981 als eines der elegantesten Mitglieder des Jet -Sets angesehen wurden, mit tadellos geschnittenen Kleidung hochwertiger und attraktiver Abendkleider.

Japanische Designer wie Rei Kawakubo und Yohji Yamamoto bot einen Look, der einen Gesamtpause mit dem vorherrschenden Modebild der Zeit markierte. Flache Schuhe, kein Make-up, Reserve, Bescheidenheit und Geheimhaltung waren die Kennzeichen dieses modernen Looks. Schließlich beinhaltete es Details aus den Moden der Vergangenheit, da die alten Stätten Europas von diesen Anarchisten der Mode, deren Einfluss auf die Form der Kleidung am Ende des 20. Jahrhunderts, legendär wurde.

In amerikanischer Weise der verführerische, klammernde Stil von Donna Karan und die lässige Raffinesse von Ralph Lauren waren sehr einflussreich. Donna Karan, ein Star der New Yorker soziale Szene, brachte einen sehr persönlichen und femininen Ansatz in den schweren, nüchternen, ungezwungenen Look, der amerikanische Ready-to-Wear dominierte. Ihre Entwürfe gründeten 1984 ihr eigenes Label und wurden bei aktiven städtischen Frauen sofort beliebt, die den zurückhaltenden Luxus ihrer Kleidung sehr schätzten. 1971 eröffnete Ralph Lauren eine Boutique für Männer und Frauen in Beverly Hills. Sein aristokratischer Stil zu Preisen, den der durchschnittliche Amerikaner leisten konnte, schuf eine Sensation. Für eine Elite mit allen Arten von Avantgarde-Moden stellte sie einen Rallye-Punkt dar, der einen klassischen Look unterstützte, der für ein aktives Leben übernommen worden war. Lauren, die Nummer eins der amerikanischen Ready-to-Wear, war mit seinen Sportbekleidung und seinen Jeans ebenso erfolgreich, was es ihm ermöglichte, die größtmögliche Auswahl an sozialen Klassen und Altersgruppen zu erreichen.

Zentral für den Erfolg einer neuen Welle amerikanischer Sportbekleidung war die Perry Ellis Das Label, das 1978 gegründet wurde und in den farbigen und natürlichen Fasern in seinen eleganten Variationen der Grundlagen großer Vorteil verwendet wurden. Norma Kamali, mit ihren kurzen Röcken aus Sweatshirts, Trikots, Stirnbändern und Beinwärmen, die joggen modisch aussehen. Kamali kreierte auch den beliebten "Rah-Rah-Rock". Bemerkenswert ist auch die extreme Popularität der Adidas Sportlabel, das in den 1980er Jahren ein unglaubliches Niveau an Street Cred erreichte und die Hip -Hop -Gruppe hervorrief Run DMC um die Single 'My Adidas' im Jahr 1986 zu veröffentlichen. Der legendäre Schuhdesigner Manolo Blahnik stieg auch in den 1980er Jahren zum Ruhm auf.

Die Vielzahl der Trends, die in den 80er Jahren blühten, wurde durch die wirtschaftliche Rezession eingeschränkt, die zu Beginn der neunziger Jahre einsetzte und die optimistische Stimmung, die für die Modebranche so vorteilhaft ist, weitgehend zerstörte.

1990er Jahre

In den 1990er Jahren war es nicht mehr das Tätigkeit, dem Mode sklavisch zu folgen, ein scharfer Kontrast zum hoch a la -Modus 1970er und 1980er Jahre. Die Phobie, unterdrückt zu werden, wurde schließlich vollständig durch die Angst vor Überkleidungen verdrängt. Mode in den neunziger Jahren vereint einen neuen Standard, Minimalismusund Stile der krassen Einfachheit wurden zur Mode. Trotz der besten Anstrengungen einiger Designer, die Flagge für hübsche Kleider fliegen zu lassen, war bis zum Ende des Jahrzehnts der Begriff des prächtigen Prinzips praktisch verschwunden. Neben dem Styling des Produkts wurde seine Werbung in den Medien für seinen Erfolg und sein Image entscheidend. Der finanzielle Druck des Jahrzehnts wirkte sich verheerend auf die Entwicklung neuer Talente aus und verringerte die Autonomie, die etabliertere Designer genossen.

Die Mode am Ende des 20. Jahrhunderts befasste sich mit Themen, die Mode zuvor nicht angenommen hatte. Diese Themen umfassten Vergewaltigung, Behinderung, religiöse Gewalt, Tod und Körperveränderung. Es gab eine dramatische Bewegung von den sexy Stilen, die auf den glamourösen Bereich gerichtet waren Femme Fatale der 1980er Jahre und viele Designer, die mit einer Vision der romantischen Armut aufgenommen wurden, übernahm den Stil der von Armut betroffenen Waif, gekleidet in einer starken, pervers nüchternen Palette, mit einem Gesicht ohne bilden. Kleidung von bereitgestellten Einzelhändlern wie Die Lücke, Bananen Republik, und Eddie Bauer kam in die Spitze der Mode und schaffte es, die Bedürfnisse von Frauen zu nutzen, die einfach bequeme, tragbare Kleidung wollten. Retro Die von den 1960er und 1970er Jahren inspirierten Kleidung war für einen Großteil der 1990er Jahre beliebt.

Das berühmte italienische Modehaus, Gucci wurde 1921 von Guccio Gucci gegründet und war ursprünglich ein Unternehmen, das Luxuslederwaren verkaufte. Unter den Kindern von Guccio Gucci hatte das Etikett bis Ende der 1960er Jahre eine Fülle von Produkten mit einem deutlich lateinischen Glamour aufgenommen. Erben, als die Gucci -Erben die Kontrolle über das Unternehmen an Invest Corp. aufgaben, die das Geschäft umdrehen wollten, begann es wirklich zu genießen, wie viel Erfolg sie in der heutigen Zeit genießt. Einen unbekannten Designer einsetzen, Tom FordAls Designdirektor im Jahr 1994 war das Modehaus mit großem Prestige ausgestattet, da Ford eine Flutwelle mit seinen schicken und schockierenden Sammlungen, Parfums für Männer und Frauen, überarbeitete Boutiquen und Werbekampagnen auslöste. 1998 wird Gucci von European Business Press Federation zum "Europäischen Unternehmen des Jahres" ernannt.^[14] Heute ist es die zweitstärkste modische Modemarke (danach Lvmh) weltweit mit 7 Milliarden US -Dollar weltweit Umsatz 2006 laut Arbeitswoche Zeitschrift.^[15]

In den 1990er Jahren das Designer -Label Prada wurde zu einer echten kreativen Kraft in der Modebranche. Die Mailänder Firma wurde erstmals 1923, zwei Jahre nach Gucci, gegründet, und wie Gucci war es eine Firma, die hochwertige Schuhe und Leder verkaufte. Es war bis in die 1980er Jahre das Miuccia PradaDie Nichte des Gründers des Unternehmens begann, referde zu ärgern und erlangte Ruhm für ihren subtilen, optimierten, aber zweifellos luxuriösen Stil, der für die privilegierte junge Frau sorgte, die es vorkommt, der extravaganten Extravaganz zu unterstreichen.

In Amerika waren drei der einflussreichsten Modedesigner dieser Zeit Michael Kors, Marc Jacobs, und Calvin Klein. Michael Kors gründete 1980 sein eigenes Geschäft. Erst in den 1990er Jahren erreichte der Designer den Höhepunkt seiner Popularität. Sein Wissen und sein Bewusstsein der Trends ermöglichten es ihm, einfache, gut geschnittene Kleidungsstücke zu produzieren, deren Raffinesse und Eleganz eine ganz neue Generation wohlhabender amerikanischer Kunden ansprachen, die von der neuen Mode für den minimalistischen Chic angezogen wurden. Marc Jacobs ist einer der bemerkenswertesten amerikanischen Designer dieser Zeit, in denen er im Gegensatz zu vielen amerikanischen Modedesigner in der Vergangenheit nicht so sehr der Koordinator eines Massenbekleidungskleides als Designer im europäischen Sinne des Wortes war . Eine der vielversprechendsten Talente der Modebranche zu dieser Zeit, die Gruppe der LVMH (Louis Vuitton-Moet Henessy) bot ihm die Aufgabe, eine Reihe von Ready-to-Wear-Linien zu entwerfen, um die De-Luxe-Produkte des Gepäckspezialisten zu ergänzen Louis Vuitton In den späten 1990er Jahren. Der bereits bekannte Designer Calvin Klein, einer der ersten Modedesigner, die die Globalisierung der Weltmärkte erwarten, begann seine Mode, Parfums und Accessoires nicht nur in den USA, sondern auch in Europa und Asien zu vermarkten und einen ungleiche Erfolg zu erzielen. Ein brillanter künstlerischer Direktor verwendete Klein sorgfältig konstruierte Anzeigen, die Bilder enthielten, die mit Erotik getönt waren, um seine raffiniert funktionalen Massenentwürfe zu fördern, die unter den städtischen Jugendlichen der 90er Jahre eine massive Popularität gewannen.

Die Gruppe der Designer, die als 'bekannt sindAntwerpen sechs'(so genannt, weil sie alle Absolventen der Royal Academy of Fine Arts in waren Antwerpen), der erstmals in den 1980er Jahren aufgetaucht war, in den 1990er Jahren bekannt. Drei der einflussreichsten der Gruppe waren Ann Demeulemester, Trocknen Van Note, und Walter van Beirendonck. Ann Demeulemester aus ihrer ersten Sammlung im Jahr 1991 zeigte viel Vertrauen und Erfindungsreichtum. Natürlich neigte sie zur Untertreibung und baute ihre Entwürfe in Widersprüchen auf und führte kontrastierende Elemente in ihre flüssigen und optimierten Moden ein, die Frauen, die sich vor allem an sich selbst kleideten, ansprachen. Die Arbeit von Dries Van Note wurde auf einer soliden Beherrschung der Kunst des Schneiders gegründet, zu der der junge Designer diskrete Fantasie -Häftung in einem sehr persönlichen Stil hinzufügte. Seine Mode schafften es, sowohl klassisch als auch originell zu sein, und appellierten an diejenigen, die es vorzogen, ihre Individualität auszudrücken, anstatt den Trends sklavisch zu folgen. Walter van Beirendonck, der 1995 in die Modeszene ausbrach, produzierte entschieden futuristische Designs unter seinem Label W & LT (Wild und Lethal Müll). Absichtlich verwendete er Stoffe, die von den neuesten Technologien in gewalttätig kontrastierenden Farben entwickelt wurden, Kleidung, die voller erotischer und sadomasochistischer Referenzen waren, die von ätzendem Jugendhumor berührt wurden. Sein sehr charakteristischer Ansatz im Zusammenhang mit einem Wiederaufleben von Anti-Fashion, aber diesmal eine Anti-Mode mit nichts im geringsten ethnischen über seine Ursprünge, statt auf Science-Fiction, die die Inspiration für Ausstellungen solcher hoher Provokation lieferte.

In Italien, Gianni Versace, mit seinen brillanten, sexy und farbenfrohen Designs und Dolce & GabbanaMit ihrem superfemininen und fantastischen Stil löste sich von den ernsthaften und nüchternen Moden, die in den 90er Jahren dominierten. Der britische Designer Vivienne Westwood produzierte Anfang der neunziger Jahre viele einflussreiche und beliebte Sammlungen, darunter Outfits, die von Courtansans und der Kurtisanen des 18. Jahrhunderts inspiriert wurden Marquis de Sade, mit abgerundeten Hüften, Korsetts und Plattformabsätzen. Der in London ansässige Designer Rifat Ozbek war auch beliebt, insbesondere in New York und Mailand. Sein jugendlicher Stil, der auf Indien, Afrika und seine Heimatstürme mit cleveren Kleidungsstücken bezeichnete, erinnerte an angesagteste Nachtclubs und die empörendere Straßenmut der Zeit. Rap Music war in den frühen und Mitte der neunziger Jahre ein herausragender Einfluss auf die populäre und Straßenmode. Anhänger von Hip Hop adoptierten riesige baggy Jeans, ähnlich wie in amerikanischen Gefängnissen, mit großen gemusterten Hemden und schweren schwarzen Schuhen. Das Sportlabel Nike hatte große Popularität und Materialien wie Lycra/spandex wurden zunehmend für Sportbekleidung eingesetzt. Erhöhte Öko-Wahrnehmung und Tierrechte haben sogar Top-Couture-Häuser wie Chanel in ihre Sammlungen einbezogen.

Siehe auch

Verweise

11. ^Haug, Joanne. "Gazette du Bon ton: 1912-1925." Victoriana Magazine. Abgerufen am 13. Juni 2018.

Weitere Lektüre

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• Hollander, Anne, Sex und Anzüge: Die Entwicklung des modernen Kleides, New York: Knopf, 1994, ISBN978-0679430964
• Hollander, Anne, Füttern des Auges: Essays, New York: Farrar, Straus und Giroux, 1999, ISBN978-0374282011
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• Martin, Richard (1994). Madame Grès.New York: Das Metropolitan Museum of Art. ISBN 9780870997273.
• McDermott, Kathleen, Stil für alle: Warum Mode, erfunden von Königen, gehört uns allen (eine illustrierte Geschichte), 2010, ISBN978-0-557-51917-0-Viele handgezeichnete Farbabbildungen, umfangreiche kommentierte Bibliographie und Leserhandbuch
• Perrot, Philippe (übersetzt von Richard Bienvenu), Modeing der Bourgeoisie: Eine Kleidungsgeschichte im neunzehnten Jahrhundert, Princeton NJ: Princeton University Press, 1994, ISBN978-0691000817
• Przybyszewski, Linda (2016). Die verlorene Kunst des Kleides: Die Frauen, die Amerika einst stilvoll gemacht haben. Grundbücher. ISBN 978-0465066865.
• Steele, Valerie, Pariser Mode: Eine Kulturgeschichte (Zweite Ausgabe, überarbeitet und aktualisiert), Oxford: Berg, 1998, ISBN978-1859739730
• Steele, Valerie, Fünfzig Jahre Mode: neuer Look zu jetzt, New Haven: Yale University Press, 2000, ISBN978-0300087383
• Steele, Valerie, Enzyklopädie von Kleidung und Mode, Detroit: Thomson Gale, 2005