Filmübergang

A Filmübergang ist eine Technik in der nach Produktion Prozess von Schnitt und Videobearbeitung durch welche Szenen oder Schüsse sind kombiniert. Am häufigsten ist dies durch eine normale schneiden zum nächsten Schuss. Die meisten Filme umfassen auch die selektive Verwendung anderer Übergänge, normalerweise um einen Ton oder eine Stimmung zu vermitteln, den Lauf der Zeit oder getrennte Teile der Geschichte vorzuschlagen. Diese anderen Übergänge können umfassen löst sich, L Schnitte, verblasst (normalerweise zu schwarz), Match -Schnitte, und Tücher.
Schussübergänge

Jeder Film heute, sei es Live-Action, computergenerierte oder traditionelle handgezeichnete Animation, besteht aus Hunderten von Individuen Schüsse Das werden alle während der Bearbeitung zusammengesetzt, um den einzelnen Film zu bilden, der von der betrachtet wird Publikum. Das Schussübergang ist die Art und Weise, wie zwei dieser einzelnen Aufnahmen miteinander verbunden sind.[1]
Zäsur
Hauptsächlich ein literarischer Begriff, der eine rhythmische Pause bezeichnet und in einer Versen eine Reihe brechen. In der Poesie wird die Caesura verwendet, um den rhythmischen Fortschritt zu diversifizieren und dadurch akzentuelle Verse zu bereichern.[2]
Einige Anwendungen
Der Begriff erlangte zuerst durch die Bearbeitungsversuche von in Bewegungszahlenkunst mit der Kunst-Art-Kunst Sergei Eisenstein. Bei der Anwendung seines Konzepts von Montage Als "Kollision von Aufnahmen" enthielt Eisenstein oft Caesuras - rhythmische Pausen - in seine Filme. Die Taten von Der Schlachtschiff -Potemkin (1925) werden durch Caesuras getrennt, die einen rhythmischen Kontrast zur vorhergehenden Wirkung bieten. Auf die intensive, frenetische Wirkung der Meuterei folgt beispielsweise die lyrische Reise eines Beiboots zum Ufer. Die drei musikalischen Sequenzen von Burt Bacharach in Butch Cassidy und The Sundance Kid (1969) bieten kontrastierende Cäsuras, die die Hauptaktionen des Films trennen. Mehrere intensive Action -Sequenzen in Meister und Kommandant (2003), einschließlich eines tobenden Meeressturm- und Kampfszenen, folgen Caesuras - ruhige, landschaftlich reizvolle Zwischenspiele, die oft von melodischer Cellomusik begleitet werden.[2]
Kontinuität
Das Kontinuität ist die Entwicklung und Strukturierung von Filmsegmenten und Ideen, damit die beabsichtigte Bedeutung klar ist und die Übergänge zur Verbindung der Filmteile verwendet werden. In einer spezifischeren Bedeutung bezieht sich "Kontinuität" auf die Übereinstimmung einzelner szenischer Elemente von Shot zu Shot, so dass Details und Aktionen, die zu unterschiedlichen Zeiten gedreht wurden, ohne Fehler zusammenarbeiten. Dieser Prozess wird als "Kontinuitätsbearbeitung" bezeichnet. Um die Kontinuität innerhalb von Sequenzen aufrechtzuerhalten, wird der Editor häufig die Charakteraktion reduziert, so dass die Szene ohne merkwürdige zusammenfließt Sprungschnitte (siehe unten). Verfälle im Wirkstrom können durch vermieden werden Überleitung und Cutaways Geräte (siehe unten). Musik und Klang werden häufig verwendet, um einer Szene oder Sequenzen ein Gefühl der Kontinuität zu vermitteln, die möglicherweise eine Vielzahl von unvergleichlichen Schüssen enthalten, die an verschiedenen Orten gemacht wurden. Zum Beispiel in Felsig (1976) diente das Lied "Get High" während der hochfragmentarischen Sequenz als Kontinuitätsgerät in den verschiedenen Trainingsvorbereitungen für seinen Titelkampf. Das Lied verband die zahlreichen kurzen Aufnahmen, so dass sie als einzelne und komplette Einheit innerhalb des Films erschienen.[3]
Schneiden
Die grundlegendste Art des Schussübergangs, die schneiden ist die häufigste Art, zwei Aufnahmen zu beitreten. Im Wesentlichen ist es die Fortsetzung von zwei verschiedenen Schüssen innerhalb der gleichen Zeit und des gleichen Raums. Es ist insofern das grundlegendste, als der Film keine speziellen Prozesse für einen Schnitt durchführt. Die beiden Filmstreifen werden einfach nacheinander gespielt. Während des Ansehens des Films wird hier ein Bild auf dem Bildschirm sofort durch ein anderes ersetzt, oft in Form eines Kamerawinkelwechsels. Obwohl es einfach im Bau ist, kann das Thema auf jeder Seite des Schnitts weitreichende Auswirkungen auf einen Film haben.[1]
Schuss A endet abrupt und Schuss B beginnt abrupt.[4]
Ausschnitt
Ein Schuss in einer Szene bearbeitet, die Informationen enthält, die nicht Teil des ersten Schusses sind. Auf den Ausschnittshot folgt normalerweise eine Rückkehr zum ursprünglichen Schuss und wird häufig verwendet, um die Zeit in einer Szene zu verdichten, indem unerwünschte Aktionen eliminiert oder einen Kontinuitätsverlust in der Aktion abgeholt werden. Zum Beispiel kann eine Reihe von Aufnahmen einer Frau, die eine Zigarette raucht, aufgrund der unterschiedlichen Längen der Zigarettenasche vom Schuss bis zum Schuss nicht korrekt zur Bearbeitung übereinstimmt. Ein Ausschnitt einer Manteluhr, die die Zeit wegkraut, würde genügend Ablenkung bieten, um den Verlust der Kontinuität abzudecken. Oder der Ausschnitt der Uhr könnte sein eingefügt Zwischen einem Schuss der Frau, die eine Zigarette raucht, und einer der Frau, die ein Buch liest. Der Ausschnitt würde das zulassen Editor die Aktion rechtzeitig vorantreiben.[5]
Einschneiden
Eine Aufnahme, die Material in einer Szene ausführlicher darstellt, normalerweise durch a Nahansicht Schuss. Ein ausgeschnittener Isolat und betont ein Element der Mise-en-scène für einen dramatischen oder informativen Wert. Jede progressive Bewegung durch die Schusssequenz, von langer Schuss zu Nahansichtstellt eine Form des Ausschnitts dar. Ein Ausschnitt aus einer langen Aufnahme bis zu einer großen Nahaufnahme kann aufgrund dieser sofortigen Vergrößerung einen verblüffenden Effekt auf den Betrachter haben. Diese Technik ist häufig eine Bearbeitungsmethode für Spannungsfilme.
Verwandte, gibt es die Schuss einfügen, was eine Aufnahme mit visuellem Detail enthält, das in a eingefügt wird Szene zu Informationszwecken oder dramatische Betonung. EIN Nahansicht Blick auf das gedruckte Material in einem Buch, Intercut Wie ein Charakter liest, ist eine Art Informationspunktansicht. Das Einsetzen einer Nahaufnahme einer Waffe, die auf einem Schreibtisch in einem Raum ruht, in dem ein gewalttätiges Argument auftritt, ist eine Art dramatischer Einsatz. Detailaufnahme ist ein weiterer Begriff für den Kurzschluss.[5]
Kontrastschnitt
Ein Redakteur kann strategisch kürzen, um zwei Fächer gegenüberzustellen. Zum Beispiel kann jemand, der von einem schönen Blumenfeld träumt, gedreht A, plötzlich in einem brennenden Gebäude aufwachen, Schuss B. Das Geräusch wäre in Schuss A gelassen und friedlich und plötzlich laut und schmerzhaft in Schuss B. Dieser Kontrast zwischen Frieden und Chaos werden durch den plötzlichen Übergang verstärkt.[1]
Dynamisches Schneiden
Das dynamische Schneiden ist ein Ansatz zur Filmbearbeitung, bei dem der Schnitt von einer Aufnahme zum nächsten abrupt für den Betrachter erkennbar ist. Im Matchiertes Schneiden oder unsichtbare BearbeitungDie Schnitte sind für den Betrachter nicht so offensichtlich, da diese Ansätze an Kontinuitätsverfahren haften, mit denen die Bearbeitungsanlage ausgeblendet werden soll, um die Aktion zu schneiden. Dynamisches Schneiden hingegen ist selbstbewusst und erschreckt den Betrachter oft, indem er sich zeitlich oder räumlich abrupt bewegt, oder durch schnelles Schneiden in einer Szene für ausdrucksstarke und narrative Zwecke. Bob Fosse's All dieser Jazz (1979), Richard Rush's Der Stunt -Mann (1980) und Oliver Stone's JFK (1991) und Naturgeborene Mörder (1994) verwendeten dynamisches Schneiden ausgiebig. Dynamisches Schneiden ist ein vorgestellter Bearbeitungselement in den Filmen von Quentin Tarantino, aus Reservoir Dogs (1992) zu Django Unchained (2012).[6]
Direkter Schnitt
Im Zusammenhang mit dem dynamischen Schneiden, die direkter Schnitt ist eine sofortige Veränderung von Schüssen, normalerweise zu einem neuen Gebietsschema oder Zeitrahmen und ohne optisches Übergangsgerät ausgeführt. Der direkte Schnitt dient dynamisch mit einem anderen.[7]
L Schnitt
Ein L Schnitt ist eine Bearbeitungstechnik, die zu einem anderen Zeitpunkt für Audio als für Video führt. Zum Beispiel können wir einige Sekunden vor dem Film der Charaktere ein paar Sekunden hören. Um diesen Effekt zu erzielen, musste der Herausgeber den Filmstrip selbst einen L-förmigen Schnitt machen. Noch heute mit dem Aufkommen von computergestütztem Nichtlineare BearbeitungssystemeDie digitale Darstellung des Films im Programm nimmt dieses L-förmige Erscheinungsbild immer noch auf.[8]
Match Cut
Das Match Cut Vereint zwei Filmstücke, die zwei ähnlich geformte Objekte in ähnlichen Positionen im Rahmen enthalten. Eines der berühmtesten Beispiele dafür ist die Bearbeitung in 2001: Ein Weltraum -Odyssey wo der Knochen, der von einem prähistorischen Affen geworfen wird, zu einer futuristischen Raumstation schneidet.[1]
Unsichtbarer Schnitt
Wie der Match -Schnitt, das unsichtbarer Schnitt Versuche, zwei Aufnahmen mit ähnlichen Rahmen zusammenzuschließen. Der unsichtbare Schnitt soll jedoch den Übergang vor dem Publikum vollständig verbergen. Das Publikum kann abgeleiten, dass ein Schnitt stattgefunden hat, aber es fällt ihnen schwer, den genauen Moment zu stecken. Sollte ein Charakter zur Kamera gehen, die sie vollständig bedeckt, wird der Schnitt eingeführt, wenn die Rückseite des Charakters gezeigt wird, das weggeht. Der unsichtbare Schnitt kann auch durch a versteckt werden PeitscheEingeben/Verlassen einer sehr dunklen oder sehr leichten Umgebung oder durch ein Objekt, das den Bildschirm überquert.
Parallele Bearbeitung
Stellen Sie sich zum Beispiel eine Action -Szene vor, in der ein Bösewicht den Helden des Films verfolgt. Um die gesamte Verfolgungsjagd zu verbringen, um sowohl den Helden als auch den Bösewicht in der zu halten rahmen Gleichzeitig wird es nach einer Weile sehr schwierig und uneingeschränkt. Ein besserer Weg, um diesem Problem zu nähern, ist die Verwendung von Parallele Schneiden. In diesem Beispiel würde die Szene aus mehreren Schüssen des Helden bestehen, das in eine Richtung läuft, und einige Schüsse des Bösewichts in die gleiche Richtung. Vielleicht schaut der Held bei seinem Verfolger aus dem Rahmen zurück. Zu diesem Zeitpunkt würde der Herausgeber eine Aufnahme des Bösewichts einfügen. Keiner der Charakter nimmt den gleichen Bildschirmraum ein, aber das Publikum versteht immer noch, dass einer den anderen jagt.[9] Diese Technik ist im Film "Naked Gun 2½" vorgeführt, in dem sich die Bearbeitung zwischen dem Helden und dem Bösewicht gegenseitig austauscht, und dann schließlich in einem langer Schuss Wir erkennen, dass sie tatsächlich nur etwa vier Fuß voneinander entfernt sind.[10]
Sprungschnitt
A Sprungschnitt ist normalerweise das Ergebnis eines Kontinuitätsfehlers und keine stilistische Wahl des Regisseurs. Ein Sprungschnitt tritt auf, wenn ein Schnitt, der nur als Kamerawinkelwechsel wirkt 30 Grad), zeigt eine Kontinuitätsdiskrepanz zwischen den beiden Schüssen. Zum Beispiel, wenn ein Charakter ihre Hand über ihren Mund in einem hat mittelschüssigund nicht in ihren NahansichtDieses kleine Detail, das wahrscheinlich nicht am Set bemerkt wurde, ist für die Zuschauer jetzt schmerzlich offensichtlich.[9]
Defokusübergang
Das Defokusübergang ist eine Art von Übergang, das durch Rollen des Objektivs durchgeführt wird Fokus bis die Szene verschwommen wird. Zeitablauf innerhalb einer Szene kann vorgeschlagen werden, indem der Schuss nach Änderungen in der Szene neu ausgerichtet wird: Änderung des Kostüms, der Beleuchtung und anderer Kontinuität Elemente. Das Defokus -Gerät wurde auch häufig in Übergängen zum Traum oder im Traum verwendet oder Fantasie Sequenzen.[11]
Ein-/Ausblenden
A verblassen tritt auf, wenn das Bild allmählich zu einer einzigen Farbe wird, normalerweise schwarz oder wenn ein Bild allmählich auf dem Bildschirm angezeigt wird. Einblendens treten im Allgemeinen zu Beginn eines Films oder Handels auf ausblendenS sind normalerweise am Ende eines Films oder eines Aktes zu finden.[12]
Sich auflösen
Wie der Verblassen, a sich auflösen beinhaltet allmählich die Sichtbarkeit des Bildes. Anstatt jedoch von einem Schuss zu einer Farbe zu wechseln, ist ein Auflösen, wenn sich ein Schuss allmählich in einen weiteren Schuss verwandelt. Auflösungen können wie Schnitte verwendet werden, um eine Verbindung zwischen zwei verschiedenen Objekten zu erstellen, einen Mann, der eine Geschichte erzählt, und zum Beispiel ein Bild seiner Geschichte.[12]
Ripple löst sich auf
A Ripple löst sich auf ist eine Art von Übergang, die durch ein schwankendes Bild gekennzeichnet ist, das normalerweise verwendet wird, um eine Änderung zu ändern Rückblende Material, häufig die Erinnerung eines Charakters an ein Ereignis. Manchmal wird die Ripple -Lösung als Übergang zu einem imaginären Ereignis oder einer imaginären Aktion verwendet. Eine Reihe von drei aufgelösten Wellen erschien in Mamma Mia! (2008) als Donna (Meryl Streep) entdeckt ihre drei ehemaligen Liebhaber auf dem Dachboden ihrer griechischen Villa. Der kurze Ripple löste jeden Mann visuell in die Zeit, um ihre "Hippy" -Störungen in den 1960er Jahren zu enthüllen, wie Donna sich an sie erinnert.[13]
Auswaschung
Das Auswaschung ist ein optischer Übergang Wird für Bearbeitungszwecke verwendet, die dem Fade ähnlich sind. Im Gegensatz zum Verblassen, bei dem die Bilder zu schwarz verblassen, beginnen die Bilder plötzlich zu bleichen oder zu färben, bis der Bildschirm zu einem Rahmen aus weißem oder farbigem Licht wird. Dann folgt eine neue Szene.
Auch das Auswaschung ist die extremste Form von sehr ausgesetzt, das ist der Akt der Belebung jedes Films des Films für mehr Licht oder für einen längeren Zeitraum, als erforderlich wäre, um eine "normale" Exposition desselben Probanden zu erzeugen. In den Highlights gibt es wenig oder keine sichtbaren Details - die hellen Bereiche des Bildes - und die Bilder erscheinen gebleicht, mehr oder weniger ausgewaschen. Der Effekt wird erreicht, indem die Kamera an einer hellen Lichtquelle geleitet wird, die die meisten, wenn nicht alle, der Rahmenbereichoder durch den Effekt im Filmlabor verarbeitet. Während sich 2014 einige Bewegungsimmobiliendirektoren immer noch für fotografische fotografische Materialien auf Filmemulsionen entschieden haben, anstatt digital abgerufene Bilder zu ermitteln, nahm die Zahl schnell ab.[14]
Einige Anwendungen
Ingmar Bergman in diesem psychologischen Film ausführlich die Auswaschung eingesetzt Weint und flüstert (1972). Bergman variierte die Technik sowohl für die Zwecke des Übergangs als auch für die Fortsetzung seiner ausdrucksstarken Verwendung von Farbe im Bild. Die Auswaschungen würden eine einzelne, reiche Farbe bis zum Ende einer Szene bringen, um die Emotionen und psychologischen Leidenschaften in der Geschichte zu symbolisieren. Auswaschungen wurden auch effektiv in den Fantasy -Sequenzen von verwendet Catch-22 (1970). Monster (2003) schließt mit einem Auswaschen als Ailen Wuornos (Charlize Theron) verlässt den Gerichtssaal, nachdem sie zum Tode verurteilt wurde. In ähnlicher Weise bringt ein langsames Auswaschen an Weiß Std (2012) zu einer tränenreichen, aber glücklichen Schlussfolgerung in einem Schuss, in dem ein Vater (Vater (Paul Walker) kuschelt seine vorzeitige Tochter, deren Leben er in einem Krankenhaus in New Orleans ohne Strom gerettet hat, während der Hurrikan Katrina tobt.[15]
Wischen
A wischen beinhaltet einen Schuss, der einen anderen ersetzt und von einer Seite des Rahmens zur anderen reist. Denken Sie an eine vertikale Linie, die von der rechten Seite des Rahmens nach links verläuft. Auf der linken Seite dieser Linie haben wir a gedreht und auf der rechten Seite dieser Linie wird geschossen. Wenn diese Linie die linke Kante des Rahmens erreicht, füllt Shot B die Szene vollständig und der Übergang ist vollständig. Dieses Beispiel beschreibt ein vertikales Linienwisch, obwohl dies nur eine Art von Wischtyp ist.
Ein weiterer häufiger Wischtyp verwendet Objekte in der Szene und nicht eine unsichtbare vertikale Linie. Eine interessante Anwendung davon erzeugt die Illusion einer Kamera, die durch die Decke des unteren Stockwerks eines mehrstöckigen Hauses auf dem Boden des Bodens liegt. In diesem Fall würde Shot A aus der Kamera bestehen, die an die Decke steigt, und Shot B würde die Kamera vom Boden steigen lassen. Ein Wischübergang vermittelt den Eindruck, dass die Kamera zwischen den Böden eines Hauses fließt.
Natürliches Wischen
Eine Übergangstechnik, die durch ein Element innerhalb des Mise-en-scène eher als durch einen Laborprozess. Ein Charakter oder ein Objekt wird zum zur Linse der Kamera und wischt die Szene weg, indem sie den Rahmen vollständig blockiert oder verwischt. Eine Schlusstür dient oft als natürliches Wischen. Dem natürlichen Wischtuch folgt eine neue Szene. EIN Frontal, Schwanz Der Übergang ist eine Art natürlicher Wischtyp, die verwendet wird, um eine Szene zu beenden und eine andere zu enthüllen.[16]
Iris wischen
Die Wischform kann auch durch die Verwendung der Iris der Kamera kreisförmig sein. Durch die Schließung der Iris fegt ein verschwommener Kreis nach in die Mitte des Rahmens nach innen und lenkt auf das Thema, das diesen Mittelraum besetzt.[1]
Morph
Obwohl nicht immer auf Schussübergänge beschränkt, a Morph kann als eine Auflösung in Kombination mit a betrachtet werden visueller Effekt. Anstatt die Farben einfach miteinander zu mischen, kann ein Morph ein Objekt nach und nach neu umgehen, um eine viel stärkere Verbindung herzustellen, als eine einfache Auflöste bieten kann. Ein berühmtes Beispiel hierfür findet sich gegen Ende des Films Der Soldat James Ryan. Das Gesicht des jungen privaten Ryan (gespielt vom Schauspieler Matt Damon)[17] wird langsam zu einem älteren privaten Ryan (gespielt von Harrison Young) zurückgewandelt.[17] Gleichzeitig wird der Hintergrund während des zweiten Weltkriegs von einer belagerten Stadt in einen Friedhof aufgelöst. Es besteht kein Zweifel daran, dass die beiden Männer ein und dasselbe sind.
Soundeffekte
Überlappender Klang
Ein überlappender Klang ist normalerweise a Sound-Effekt oder Sprache, die kurz von einem weitergeht Schuss in den nächsten. Überlappender Klang kann ein sein Sound Fortschritt, wo ein Sprach- oder ein Soundeffekt in einem eingehenden Schuss kurz in der scheidenden Schuss zu hören ist. Überlappender Klang kann verwendet werden, um dynamisch zwei separate dramatische Teile zu verbinden oder die zu verbessern Tempo der Entwicklung der Geschichte.[18]
Sound Advance / Sound Bridge
Es ist die Weiterentwicklung eines Sounds, der in einer neuen Aufnahme oder einer neuen Szene aus dem Ende der vorhergehenden Szene zu hören ist. Sound Advances, die in modernen Filmen üblich sind, werden tatsächlich mit geschnittenen Übergängen kombiniert, um die Aktion der Geschichte auf dynamische Weise voranzutreiben.[19]
Einige Anwendungen
Alfred Hitchcock Ziemlich gut patentierte den Sound -Fortschritt in seinem Klassiker von 1929 Bestechung. Eine junge Frau (Anny Ondra) Nach dem Töten eines Mannes durch die Straßen von London wandert, stieß auf einen betrunkenen auf dem Bürgersteig, sein Arm auf die gleiche Weise wie die Künstlerin, die gerade von der Frau in seiner Studio -Wohnung ermordet wurde. Das Bild des Arms scheint einen Schrei von der jungen Frau zu auslösen. Ein Schnitt zeigt jedoch, dass der Schrei aus einer Vermieterin stammt, die gerade den Körper des toten Künstlers in seiner Wohnung entdeckt hat. Der Sound -Fortschritt hat auch konzeptionelle, satirische und dramatische Möglichkeiten. Im Fünf einfache Stücke (1970), das unerwartete Geräusch eines Bowlingkugels, der eine Bowling -Spur hinunterrollt, ist in den letzten Sekunden einer Szene in einem Motelraum zu hören, in dem Jack Nicholson eine Freundin genommen hat. Gerade als der Ball auf den Tenpin schlägt, wird eine neue Szene, in der Nicholson mit der Frau bowlen, ein Schnitt gemacht. Der kombinierte Klangvorschuss und der zusammengeschnittene Übergang dienen gemeinsam als sexuell Metapher.[19]
Asynchroner Klang
Ein Asynchroner Klang ist ein Begriff für Ton, der nicht mit dem synchronisiert wurde Bildschirmbild. Der asynchrone Sound umfasst auch den ästhetischen Einsatz von Klang für ausdrucksstarke Zwecke. Aufgrund der zusammengesetzten Natur der Filmkunst ist das Element des Klangs (Musik, Dialog, Soundeffekte) sehr manipulativ. Die Geräusche eines kluckenden Huhns können mit einem Schuss eines Schimpfpolitikers wegen satirischer Wirkung stehen.
Eine beliebte Variation des asynchronen Klangs im zeitgenössischen Filmemachen wurde im Einsatz von der Verwendung von Sound Fortschritte in den Bearbeitungsszenen. Ein asynchroner Klangvorschuss kann auftreten, wenn der Redakteur das Gesicht eines Charakters zeigt, der entsetzt schreibt, und anstatt den natürlichen Klang der entsetzten Stimme des Charakters zu verwenden, fügt die durchdringende, schrillende Sirene eines Polizeiautos in der folgenden Szene ein . Das Gerät des Tonvorschusses kombiniert asynchron und synchroner Klang auf einzigartig filmische Weise. Francis Ford Coppola in der Taufszene von kombinierter synchron-asynchroner Klang ausgiebig eingesetzt Der Pate (1972). Gegen Ende des Films werden Schüsse einer feierlichen religiösen Zeremonie mit Szenen einer Vendetta nebeneinander stehen, die gleichzeitig in verschiedenen Teilen der Stadt auftreten. Die Klänge der großen Kirchenmusik und der priesterlichen Intonationen des Taufritus bleiben ununterbrochen, als die bewaffneten Männer ihre Aufgaben erledigen. Telefon Durch die Verwendung von synchron-asynchronem Sound und visuellem Sound Kreuzung, eine ironische, psychologische Verknüpfung von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft tritt auf. Asynchroner Klang kann dazu dienen, eine Ironie zwischen Klang und Bild zu erzeugen, dramatische Situationen zu satirisieren und zu parodieren und separate Momente der Zeit auf ausdrucksstarke Weise zu verknüpfen.[20]
Psychologische Zeit
Die psychologische Zeit ist ein Begriff, der sich auf die Verwendung von Drehvorrichtungen bezieht, die in der Kontinuität einer Bewegungsbild-Erzählung nicht eine chronologische Zeit, sondern die Zeit darauf hindeuten, wie sie durch den Geist eines Charakters wahrgenommen wird. Ein Auflösen (siehe oben) zum Beispiel zeigt am häufigsten einen Zeitverlauf, wenn es innerhalb eines verwendet wird laufende Szene. Die Auflösung dient der Tradition dient dazu, Zeit und Handlungsgrad einzubeziehen. Wenn jedoch eher eine Auflöste als ein Schnitt in einer anhaltenden ununterbrochenen Wirkung verwendet wird, hat seine unkonventionelle Platzierung psychologische Implikationen. Subjektiv inspiriert Psychodramen durch experimentelle Filmemacher, wie z. Maschen des Nachmittags (1943) von Maya DerenNutzen Sie oft die psychologische Auflöste für den Zeiteffekt eines Geistes. Die psychologische Zeit kann auch durch die wiederholte Verwendung eines Stücks vorgeschlagen werden. Die letzte, verzweifelte Anstrengung des verurteilten Verräters in Ein Ereignis an der Owl Creek Bridge (1962), um seine Frau zu erreichen, wird in der psychologischen Zeit von einem wiederholten Tele -Tele -Schuss des Mannes vermittelt, der die Straße zu seinem Haus entlang läuft. Er erscheint zeitlich und an Ort, was er tatsächlich ist; Kurz nach diesen Schusswiederholungen entdeckt der Betrachter, dass der gesamte Flug des Verräters eine Fantasie war, die durch einen längeren Gebrauch der psychologischen Zeit enthüllt wurde. Eine besonders engagierte und manchmal verwirrende Verwendung der Wahrnehmung der psychologischen Charaktere überträgt sich in Memento (2000), einem Film über einen Mann, der nach dem Mörder seiner Frau sucht. Die Suche wird durch die Tatsache kompliziert, dass der Mann sein Kurzzeitgedächtnis verloren hat. Ereignisse kommen und gehen auf den Bildschirm, ohne dass sie bei der ersten Offenbarung klar sind. Die psychologische Zeit ist ein unterschiedliches Element in Shane Carruth's 2013 Experimental Science-Fiction-Film Stromaufwärts gerichtete Farbe. Die Handlung von vorgelagerten Farbzentren auf einen Mann und eine Frau, die Ziele der parasitären Ingenieurwesen sind und deren Leben in geistige und psychische Unordnung auflöst, vermeiden eine gut gemachte narrative Struktur. Die Zeit wird in abrupten, diskontinuierlichen Fragmenten gerendert, wobei die tägliche Realität mit mentalen Erscheinungen und abstrakten Bildern vermischt wird.[21]
Verweise
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