Film

A Film - auch a genannt Film, Film, bewegtes Bild, Bild oder Fotoplay - ist eine Arbeit von Visuelle Kunst Das simuliert Erfahrungen und vermittelt anderweitig Ideen, Geschichten, Wahrnehmungen, Gefühle, Schönheit oder Atmosphäre durch die Verwendung von bewegten Bildern. Diese Bilder werden im Allgemeinen von Klang und seltener anderer sensorischer Stimulationen begleitet.[1] Das Wort "Kino", kurz für Kinematographie, wird oft verwendet, um sich darauf zu beziehen Filmemachen und die Filmindustrieund zur Kunst Form, das das Ergebnis davon ist.

Aufnahme und Übertragung von Film

Die bewegten Bilder eines Films werden von erstellt von fotografieren tatsächliche Szenen mit a Motion-Picture-Kamera, durch das Fotografieren von Zeichnungen oder Miniaturmodellen mit traditionellen Animation Techniken mittels von CGI und Computeranimationoder durch eine Kombination einiger oder aller dieser Techniken und anderer visuelle Effekte.

Vor der Einführung der digitalen Produktion wurden eine Reihe von Standbildern auf einem Streifen chemisch sensibilisiertes Celluloid aufgenommen (fotografischen Film Lager), normalerweise mit 24 Rahmen pro Sekunde. Die Bilder werden durch a übertragen Filmprojektor mit der gleichen Geschwindigkeit wie sie aufgezeichnet wurden, mit a Genf Drive Sicherstellen, dass jeder Rahmen während seiner kurzen Projektionszeit still bleibt. Ein rotierender Verschluss verursacht stroboskopisch Intervalle der Dunkelheit, aber der Betrachter bemerkt die Unterbrechungen aufgrund von Unterbrechungen nicht Flackerfusion. Die scheinbare Bewegung auf der Bildschirm ist das Ergebnis der Tatsache, dass der visuelle Sinn die einzelnen Bilder bei hohen Geschwindigkeiten nicht erkennen kann, sodass die Eindrücke der Bilder mit den dunklen Intervallen vermischt werden und somit miteinander verbunden sind, um die Illusion eines beweglichen Bildes zu erzeugen. Ein analog Optischer Soundtrack (eine Grafik Aufzeichnung von den gesprochenen Worten, Musik und anderen Geräusche) Läuft entlang eines Teils des Films ausschließlich dafür reserviert und wurde nicht projiziert.

Zeitgenössische Filme sind normalerweise voll digital durch den gesamten Prozess der Produktion, Verteilung und Ausstellung.

Etymologie

Der Name "Film" bezog sich ursprünglich auf die dünne Schicht der photochemischen Emulsion[2] auf dem Celluloidstreifen, der früher der tatsächliche war Mittel zum Aufnehmen und Anzeigen von Filmen.

Viele andere Begriffe existieren für ein individuelles Bewegungsbild, einschließlich Bild, Bildshow, bewegtes Bild, Fotoplay, und Film. Der häufigste Begriff in den Vereinigten Staaten ist Film, während in Europa Film Ist bevorzugt. Zu den archaischen Begriffen gehören "Animationsbilder" und "Animated Photography".

Gemeinsame Begriffe für das Feld im Allgemeinen umfassen Der große Bildschirm, die Leinwand, die Filme, und Kino; Das letzte davon wird üblicherweise als übergreifender Begriff in wissenschaftlichen Texten und kritischen Aufsätzen verwendet. In frühen Jahren das Wort Blech wurde manchmal anstelle von verwendet Bildschirm.

Geschichte

Vorläufer

Die Kunst des Films hat sich auf mehrere frühere Traditionen in Bereichen wie mündlich gestützt Geschichtenerzählen, Literatur, Theater und bildende Kunst. Kunstformen und Entertainment Das hatte bereits bewegte und/oder prognostizierte Bilder enthalten:

  • Schattengraphie, wahrscheinlich seit prähistorischen Zeiten verwendet
  • Camera Obscura, ein natürliches Phänomen, das möglicherweise seit prähistorischen Zeiten als künstlerische Hilfe verwendet wurde
  • Schattenpuppen, möglicherweise rund 200 v. Chr. In Zentralasien, Indien, Indonesien oder China entstanden
  • Das Zauberlaterne, entwickelt in den 1650er Jahren. Die Multimedia Phantasmagorie Zeigt, dass die genutzten magischen Laternen in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts von 1790 beliebt waren und mechanische Objekte, hintere Projektion, mobile Projektoren und mechanische Folien aufweisen konnten, die aufweisen konnten. Überlagerung, Auflösungsansichten, lebende Schauspieler, Rauch (manchmal zu Projektbildern), Gerüche, Geräusche und sogar elektrische Stoßdämpfer.

Vor Celluloid

Animierter GIF von Prof. Stampers Stroboscopische Scheibe Nr. X (Trentsensky & Vieweg 1833)

Das stroboskopisch Das Animationsprinzip wurde 1833 mit der stroboskopischen Scheibe eingeführt (besser bekannt als die Phénakistik) und später in der angewendet Zoetrope (seit 1866) die Daumenkino (seit 1868) und die Praxinoskop (Seit 1877), bevor es das Grundprinzip für die Kinematographie wurde.

Experimente mit frühen Animationsprojektoren auf Phénakistik-basierten Animation wurden mindestens 1843 durchgeführt und 1847 öffentlich gezeigt. Jules Duboscq vermarktete Phénakistic -Projektionssysteme in Frankreich von ca. 1853 bis in die 1890er Jahre.

Fotografie wurde 1839 eingeführt, aber zunächst fotografische Emulsionen So lange benötigt Expositionen Dass die Aufzeichnung bewegender Themen unmöglich schien. Mindestens 1844 wurden eine fotografische Reihe von Probanden, die in verschiedenen Positionen gestellt wurden, entweder eine Bewegungssequenz oder eine Reihe verschiedener Betrachtungswinkel erstellt. Das Aufkommen der stereoskopischen Fotografie mit frühen Experimenten in den 1840er Jahren und dem kommerziellen Erfolg seit den frühen 1850er Jahren weckte das Interesse daran, das fotografische Medium zu vervollständigen, um Farbe und Bewegung zu erfassen. 1849, Joseph Plateau Veröffentlicht über die Idee, seine Erfindung des Phénakistiks mit dem Stereoskop zu kombinieren, wie ihm durch den Stereoskoperinventor vorgeschlagen wurde Charles Wheatstoneund um Fotos von Gipsskulpturen in verschiedenen Positionen zu verwenden, um im kombinierten Gerät animiert zu werden. Im Jahr 1852 patentierte Jules Duboscq ein solches Instrument wie das "Stéréoscope-Fantascope, Ou Bïoscope", aber er vermarktete es nur sehr kurz, ohne Erfolg. Eine Bïoscope -Scheibe mit stereoskopischen Fotografien einer Maschine befindet sich in der Plateau -Sammlung der Gent University, es wurden jedoch noch keine Instrumente oder andere Discs gefunden.

Eine Animation der retuschierten Sallie Garner -Karte von Das Pferd in Bewegung Serie (1878–1879) von Muybridge

In den späten 1850er Jahren die ersten Beispiele von Instantane Fotografie kam vor und hoffte, dass die Bewegungsfotografie bald möglich sein würde, aber es dauerte einige Jahrzehnte, bis sie erfolgreich mit einer Methode kombiniert wurde, um eine Reihe von sequentiellen Bildern in Echtzeit aufzunehmen. Im Jahr 1878, Eadweard Muybridge Es gelang ihm schließlich, eine Reihe von Fotos eines laufenden Pferdes mit einer Batterie von Kameras in einer Linie entlang der Strecke zu machen, und veröffentlichte die Ergebnisse als Das Pferd in Bewegung an Kabinettskarten. Sowohl Muybridge als auch Étienne-Jules Marey, Ottomar Anschüttz und viele andere würden viel mehr schaffen Chronophotographie Studien. Muybridge hatte die Konturen von Dutzenden seiner chronophotografischen Serie auf Glasscheiben und projizierte sie mit seinem Zoopraxiscope in seinen Vorträgen von 1880 bis 1895. Anschütz entwickelte seine eigenen ElektrotachySkop 1887 projizierte 24 diapositive fotografische Bilder auf Glasscheiben als bewegte Bilder, so lange wie für das Publikum als interessant angesehen.

Pauvre Pierrot (1892) Neulackierter Clip

Émile Reynaud Bereits erwähnte die Möglichkeit, die Bilder des Praxinoskops in seiner Patentanwendung von 1877 zu projizieren. Er präsentierte ein Praxinoskopprojektionsgerät an der Société Française de Fotografie am 4. Juni 1880, aber nicht vermarktet sein Praxinoskop eine Projektion vor 1882. Dann entwickelte er das Gerät weiter in die Théâtre Optique Dies könnte längere Sequenzen mit separaten Hintergründen projizieren, die 1888 patentiert wurden. Er kreierte mehrere Filme für die Maschine, indem er Bilder auf Hunderten von Gelatine -Tellern malt, die in Kartonrahmen montiert und an einem Stoffband befestigt waren. Vom 28. Oktober 1892 bis März 1900 gab Reynaud über 12.800 Shows an insgesamt über 500.000 Besucher im Musée Grévin in Paris.

Erste Filme

A screenshot of Roundhay Garden Scene by the French Louis Le Prince, the world's first film
Ein Rahmen von Roundhay -Gartenszene, der früheste überlebende Film der Welt, der mit einer Filmkamera produziert wurde, von Louis le Prince1888

Bis zum Ende der 1880er Jahre die Einführung von Längen von Zelluloid fotografischen Film und die Erfindung von Filmkameras, die eine schnelle Abfolge von Bildern mit nur einer Linse fotografieren könnte, ermöglichte es, die Aktion auf einem einzigen Kompakt zu erfassen und zu speichern Spule von Film.

Filme wurden zunächst öffentlich einer Person durch "Peep Show" -Geräte wie die öffentlich gezeigt ElektrotachySkop, Kinetoskop und die Mutoskop. Nicht viel später schafften es die Aussteller dazu Projekt Filme auf großen Bildschirmen für Theaterpublikum.

Die ersten öffentlichen Filmvorführungen von Filmen, bei denen die Zulassung angeklagt wurde, wurden 1895 vom Amerikaner geführt Woodville Latham und seine Söhne, die Filme verwenden, die von ihren produziert werden Eidoloskop Gesellschaft,[3] und durch die - wohl besser bekannten - französischen Brüder Auguste und Louis Lumière mit zehn ihrer eigenen Produktionen. Private Screenings hatten dies um mehrere Monate vorausgegangen, wobei Lathams leicht vor den Brüdern von Lumière war.

Frühe Entwicklung

Georges Méliès Le Voyage dans la Lune, showing a projectile in the man in the moon's eye from 1902
Ein berühmter Schuss von Georges Méliès Le voyage dans la lune (Eine Reise zum Mond) (1902), ein frühes Erzählfilm und auch ein frühes Science-Fiction-Film.

Die frühesten Filme waren einfach eine statische Schuss Das zeigte ein Ereignis oder eine Aktion ohne nein Bearbeitung oder andere filmische Techniken. Typische Filme zeigten, dass Mitarbeiter ein Fabriktor verließen, Menschen, die auf der Straße gingen, die Aussicht von der Vorderseite eines Wagens, als er die Hauptstraße einer Stadt bewegte. Laut Legend, als ein Film eine Lokomotive mit hoher Geschwindigkeit zeigte, die sich dem Publikum näherte, geriet das Publikum in Panik und lief vom Theater aus. Um die Wende des 20. Jahrhunderts begannen die Filme mehrere Szenen zusammen, um eine Geschichte zu erzählen. (Die Filmemacher, die zuerst mehrere Schüsse oder Szenen abgeschlossen haben Einfaches Beispiel: Wenn eine Person gezeigt wird, die aus einem Fenster schaut, wird es in welchem ​​nächsten Schuss unabhängig davon gezeigt, dass sie als die Ansicht, die die Person sah, angesehen wird.) Jede Szene war eine einzelne stationäre Aufnahme mit der zuvor auftretenden Aktion. Die Szenen wurden später in mehrere Schüsse unterteilt, die aus verschiedenen Entfernungen und Winkeln fotografiert wurden. Andere Techniken wie Kamerabewegungen wurden als effektive Möglichkeiten entwickelt, eine Geschichte mit Film zu erzählen. Bis um Soundfilm wurde Ende der 1920er Jahre kommerziell praktisch, Filmbilder waren rein Visuelle Kunst, aber diese innovativ Stummfilme hatte die öffentliche Vorstellungskraft festgehalten. Anstatt das Publikum nur den Lärm des Projektors als Begleitung zu lassen, stellten Theaterbesitzer a ein Pianist oder Organist oder in großen städtischen Theatern ein volles Orchester Musik spielen, die zu jedem Zeitpunkt der Stimmung des Films passt. In den frühen 1920er Jahren kamen die meisten Filme mit einer vorbereiteten Liste von Noten, die für diesen Zweck verwendet werden sollen, und vervollständigen Filmzahlen wurden für große Produktionen komponiert.

Ein Clip aus dem Charlie Chaplin Stummfilm Die Bindung (1918)

Der Aufstieg des europäischen Kinos wurde durch den Ausbruch von unterbrochen Erster Weltkrieg, während die Filmindustrie in den Vereinigten Staaten mit dem Aufstieg von florierte Hollywood, typisch am deutlichsten durch die innovative Arbeit von D. W. Griffith in Die Geburt einer Nation (1915) und Intoleranz (1916). In den 1920er Jahren wie europäische Filmemacher wie Eisenstein, F. W. Murnau und Fritz Lang, in vielerlei Hinsicht inspiriert vom meteorischen Kriegsfortschritt des Films durch Griffith, zusammen mit den Beiträgen von Charles Chaplin, Buster Keaton Und andere, die schnell mit amerikanischem Filmemachen getroffen wurden und das Medium weiter vorangebracht haben.

Klang

In den 1920er Jahren die Entwicklung von Elektronik Tonaufnahme Technologien machten es praktisch, a einzubauen Soundtrack von Sprache, Musik und Soundeffekte Synchronisiert mit der Aktion auf dem Bildschirm. Das resultierende Soundfilme wurden zunächst von den üblichen stillen "bewegenden Bildern" oder "Filmen" unterschieden, indem sie sie "sprechende Bilder" oder "Talkies" nannten. Die Revolution, die sie entwickelten, war schnell. Bis 1930 wurde der Stummfilm in den USA praktisch ausgestorben und wurde bereits als "das alte Medium" bezeichnet.

Farbe

Eine weitere wichtige technologische Entwicklung war die Einführung von "natürliche Farbe, "was bedeutete Farbe, die fotografisch aus der Natur aufgenommen wurde und nicht zu schwarz-weißen Drucken von handkühl, schablarfarben oder anderer willkürlicher Verfahren hinzugefügt wurde, obwohl die frühesten Prozesse in der Regel Farben ergaben, die in der Regel nicht" natürlich "im Aussehen waren . Während das Aufkommen von Soundfilmen schnell Stummfilme und Theatermusiker veraltet machte, ersetzte die Farbe Schwarz-Weiß viel allmählich. Die entscheidende Innovation war die Einführung der Drei-Trip-Version des Technicolor Prozess, zuerst für animierte Cartoons 1932 und dann auch für Live-Action verwendet Kurzfilme und isolierte Sequenzen in wenigen Spielfilmedann für einen ganzen Spielfilm, Becky Sharp, im Jahr 1935. Die Kosten des Prozesses waren entmutigend, aber eine günstige öffentliche Reaktion in Form von Erhöhung Theaterkasse Die Einnahmen rechtfertigten normalerweise die zusätzlichen Kosten. Die Anzahl der farbigen Filme stieg Jahr für Jahr langsam an.

1950er Jahre: Wachsender Einfluss des Fernsehens

In den frühen 1950er Jahren begann die Verbreitung des Schwarz-Weiß-Fernsehens ernsthaft deprimierendes nordamerikanisches Theaterbesuch. Um das Publikum wieder in die Kinos zu locken, wurden größere Bildschirme installiert, Breitbild Prozesse, Polarisierte 3D -Projektion, und stereophoner Klang wurden eingeführt, und mehr Filme wurden in Farbe gedreht, die bald eher zur Regel als zur Ausnahme wurden. Einige wichtige Mainstream-Hollywood-Filme wurden noch in der Mitte der 1960er Jahre in Schwarz-Weiß gedreht, aber sie markierten das Ende einer Ära. Farbfernseher-Empfänger waren seit Mitte der 1950er Jahre in den USA erhältlich, aber zunächst waren sie sehr teuer und nur wenige Sendungen waren farbig. In den 1960er Jahren gingen die Preise allmählich ab, Farbsendungen wurden üblich und der Umsatz boomte. Das überwältigende öffentliche Urteil zugunsten der Farbe war klar. Nachdem die endgültige Flut von Schwarz-Weiß-Filmen Mitte des Jahrzehnts veröffentlicht worden war, wurden alle Hollywood-Studio-Produktionen in Farbe gedreht, wobei die üblichen Ausnahmen nur auf dem Bestehen von "Star" -Filmmachern wie gemacht wurden, wie z. Peter Bogdanovich und Martin Scorsese.

1960er Jahre und später

Salah Zulfikar, einer der beliebtesten Schauspieler im goldenen Zeitalter von Ägyptisches Kino

Die Jahrzehnte nach dem Niedergang der Studiosystem In den 1960er Jahren veränderte sich Veränderungen in der Produktion und im Filmstil. Verschiedene neue Wellenbewegungen (einschließlich der Französische neue Welle, Indische neue Welle, Japanische neue Welle, Neues Hollywood, und Ägyptische neue Welle) und der Aufstieg von unabhängigen Filmemachern der Filmschule trugen zu den Veränderungen bei, die das Medium in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts erlebte. Die digitale Technologie war in den neunziger Jahren und bis in die 2000er Jahre die treibende Kraft für Veränderungen. Die digitale 3D-Projektion ersetzte das frühere problematische 3D-Filmsysteme weitgehend und ist in den frühen 2010er Jahren beliebt geworden.

Filmtheorie

16 mm spring-wound Bolex H16 Reflex camera
Dies 16 mm Frühlingswunde Bolex Reflexkamera "H16" ist eine beliebte Einstiegskamera, die in verwendet wird Filmschulen.

"Filmtheorie"versucht, präzise und systematische Konzepte zu entwickeln, die für das Studium des Films als gelten Kunst. Das Konzept des Films als Kunstform begann 1911 mit Ricciotto CanudoManifest Die Geburt der sechsten Kunst. Das Moskauer FilmschuleDie älteste Filmschule der Welt wurde 1919 gegründet, um über die Theorie der Filmtheorie zu unterrichten und zu erforschen. Formalistische Filmtheorie, geführt von Rudolf Arnheim, Béla Balázs, und Siegfried Kracauer, betonte, wie sich der Film von der Realität unterschied und daher als gültig angesehen werden könnte Kunst. André Bazin reagierte gegen diese Theorie, indem er argumentierte, dass der künstlerische Essenz des Films in seiner Fähigkeit lag, die Realität mechanisch zu reproduzieren, nicht in seinen Unterschieden von der Realität, und dies führte zu Realistische Theorie. Neuere Analyse von Ansporne durch Jacques LacanPsychoanalyse und Ferdinand de Saussure's Semiotik unter anderem hat zugekommen Psychoanalytische Filmtheorie, Strukturalistische Filmtheorie, Feministische Filmtheorie, und andere. Andererseits Kritiker aus dem analytische Philosophie Tradition, beeinflusst von WittgensteinVersuchen Sie, Missverständnisse zu klären, Lebensform.

Sprache

Der Film wird als eigenes angesehen Sprache. James Monaco schrieb einen klassischen Text über die Filmtheorie mit dem Titel "How to Lesen ein Film, "das spricht dies an. Regisseur Ingmar Bergman berühmt gesagt: "Andrei Tarkovsky Für mich ist der größte Direktor, derjenige, der a erfunden hat neue Sprache, treu der Natur des Films, wie es das Leben als Reflexion, das Leben als Traum fängt. "Ein Beispiel für die Sprache ist eine Folge von Hin- und Her -Bildern eines sprechenden Schauspielers, gefolgt von einem anderen sprechenden Schauspieler, dem rechten Profil eines sprechenden Schauspielers. Dann eine Wiederholung davon, die eine Sprache ist, die vom Publikum verstanden wird, um ein Gespräch anzuzeigen. Dies beschreibt eine andere Filmtheorie, die 180-Grad-Regel, als visuelles Geschichtenerzählen mit der Fähigkeit, einen Betrachter in einen Kontext zu setzen, der durch die Verwendung von visueller Komposition und Bearbeitung psychologisch präsent ist. Das "Hollywood -Stil"Enthält diese Erzähltheorie aufgrund der überwältigenden Praxis der Regel von Filmstudios in Hollywood, Kalifornien, während der klassischen Ära des Films. Ein weiteres Beispiel für die filmische Sprache ist eine Aufnahme, die auf die Stirn eines Schauspielers mit einem Ausdruck von einem Schauspieler zoomt Stille Reflexion, die zu einem Schuss eines jüngeren Schauspielers schneidet, der dem ersten Schauspieler vage ähnelt, was darauf hinweist, dass sich die erste Person an ein früheres Selbst erinnert, eine Bearbeitung von Kompositionen, die einen Zeitübergang verursacht.

Montage

Montage ist die Technik, mit der separate Filmstücke ausgewählt, bearbeitet und dann zusammengesetzt werden, um einen neuen Abschnitt des Films zu erstellen. Eine Szene könnte einen Mann zeigen, der in die Schlacht geht, mit Rückblenden seiner Jugend und seinem Heimleben und mit zusätzlichen Spezialeffekten, die nach Abschluss der Dreharbeiten in den Film gesteckt werden. Da diese alle separat gedreht wurden, und vielleicht mit verschiedenen Schauspielern, wird die endgültige Version als Montage bezeichnet. Die Regisseure entwickelten eine Montage -Theorie, beginnend mit Eisenstein und das komplexe Nebeneinander von Bildern in seinem Film Schlachtschiff -Potemkin.[4] Eingliederung von musikalisch und visuell Kontrapunktund Szeneentwicklung durch Mise en Szene, Bearbeitungund Effekte haben zu komplexeren Techniken geführt, die mit denen vergleichbar sind Oper und Ballett.

Filmkritik

Wenn ein Film das Leben anderer Menschen beleuchten kann, die diesen Planeten mit uns teilen und uns nicht nur zeigen, wie unterschiedlich sie sind, sondern wie auch immer, sie teilen die gleichen Träume und Verletzungen, dann verdient er es, als großartig bezeichnet zu werden.

Roger Ebert (1986)[5]

Filmkritik ist die Analyse und Bewertung von Filmen. Im Allgemeinen können diese Werke in zwei Kategorien unterteilt werden: akademische Kritik von Filmwissenschaftlern und journalistischer Filmkritik, die regelmäßig erscheint in Zeitungen und andere Medien. Filmkritiker, die für Zeitungen arbeiten, Zeitschriften, und Rundfunkmedien Überprüfen Sie hauptsächlich neue Veröffentlichungen. Normalerweise sehen sie nur einen bestimmten Film einmal und haben nur ein oder zwei Tage, um ihre Meinungen zu formulieren. Trotzdem haben Kritiker einen wichtigen Einfluss auf die Reaktion und Anwesenheit des Publikums bei Filmen, insbesondere auf die von bestimmten Genres. Masse vermarktet Aktion, Grusel, und Comedy Filme Tendenziell nicht stark von dem allgemeinen Urteil eines Kritikers über einen Film betroffen sein. Die Zusammenfassung der Handlung und Beschreibung eines Films und die Bewertung der Arbeiten und Drehbuchautomaten, die die meisten der meisten Filmkritiken ausmachen, kann immer noch wichtige Auswirkungen auf die Entscheidung, ob die Menschen einen Film sehen. Für Prestigefilme wie die meisten Dramen und KunstfilmeDer Einfluss von Überprüfungen ist wichtig. Schlechte Bewertungen von führenden Kritikern in großen Arbeiten und Zeitschriften verringern häufig das Interesse und die Besucherzahlen des Publikums.

Die Auswirkungen eines Rezensenten auf einen bestimmten Film eines Films Theaterkasse Leistung ist eine Frage der Debatte. Einige Beobachter behaupten das Filmmarketing In den 2000er Jahren ist so intensiv, gut koordiniert und gut finanziert, dass Rezensenten nicht schlecht geschrieben oder gefilmt werden können Blockbuster Aus dem Erreichen des Marktes. Das katastrophale Versagen einiger stark geförderter Filme, die hart überprüft wurden, sowie der unerwartete Erfolg von kritisch gelobten unabhängigen Filmen zeigt jedoch, dass extrem kritische Reaktionen erheblichen Einfluss haben können. Andere Beobachter stellen fest, dass positive Filmkritiken gezeigt haben, dass sie das Interesse an wenig bekannten Filmen wecken. Umgekehrt gab es mehrere Filme, in denen Filmunternehmen so wenig Vertrauen haben, dass sie den Rezensenten eine fortgeschrittene Besichtigung geben, um eine weit verbreitete Verschwendung des Films zu vermeiden. Dies fällt jedoch in der Regel ab, da Rezensenten für die Taktik klug sind und die Öffentlichkeit warnen, dass der Film möglicherweise nicht sehenswert ist und die Filme infolgedessen oft schlecht abschneiden. Journalistenfilmkritiker werden manchmal Film Rezensenten genannt. Kritiker, die einen akademischeren Ansatz für Filme verfolgen, indem sie in Filmjournalen veröffentlicht und Bücher über Filme verwenden Filmtheorie oder Film Studien Ansätze, studieren Sie, wie Film- und Drehtechniken funktionieren und welche Auswirkungen sie auf die Menschen haben. Anstatt ihre Rezensionen in Zeitungen zu veröffentlichen oder im Fernsehen zu erscheinen, werden ihre Artikel in wissenschaftlichen Zeitschriften oder UP-Market-Magazinen veröffentlicht. Sie neigen auch dazu, mit Hochschulen oder Universitäten als Professoren oder Ausbilder verbunden zu sein.

Industrie

Babelsberg Studio near Berlin gate with pedestrian island
1912 gegründet, die, die Babelsberg Studio nahe Berlin war das erste groß angelegte Filmstudio der Welt und der Vorläufer zu Hollywood. Es produziert immer noch jedes Jahr globale Blockbuster.

Die Herstellung und Darstellung von Filmen wurde fast zu einer Gewinnquelle, sobald der Prozess erfunden wurde. Als er sah, wie erfolgreich ihre neue Erfindung und ihr Produkt in ihrer Heimat Frankreich war, die Lumières machte sich schnell daran, den Kontinent zu touren, um die ersten Filme privat für Könige und öffentlich zu den Massen auszustellen. In jedem Land fügten sie normalerweise neue lokale Szenen zu ihrem Katalog hinzu und fanden schnell genug lokale Unternehmer in den verschiedenen Europaländern, um ihre Ausrüstung und Fotografie zu kaufen, exportieren, importieren und zusätzliches Produkt kommerziell zu überprüfen. Das Oberammergau Passionsspiel von 1898[6] war das erste kommerzielle Filmbild, das jemals produziert wurde. Es folgten bald andere Bilder, und Filme wurden zu einer separaten Branche, die die Varieté -Welt überschattete. Gewidmet Theater und Unternehmen, die speziell zur Produktion und Verteilung von Filmen gegründet wurden, während Kinofilmakteure zu groß wurden Prominente und befahl große Gebühren für ihre Leistungen. Bis 1917 Charlie Chaplin hatte einen Vertrag, der ein jährliches Gehalt von einer Million Dollar erforderte. Von 1931 bis 1956 war der Film auch das einzige Bildspeicher- und Wiedergabesystem für Fernsehprogramm bis zur Einführung von Videobandschreiber.

In den Vereinigten Staaten konzentriert sich ein Großteil der Filmindustrie Hollywood, Kalifornien. Andere regionale Zentren existieren in vielen Teilen der Welt, wie z. Mumbai-zentriert Bollywood, das Indische Filmindustrie Hindi Kino, das die größte Anzahl von Filmen der Welt produziert.[7] Obwohl die Kosten für die Filme geführt haben, hat die Kinoproduktion dazu geführt FilmstudiosDie jüngsten Fortschritte bei erschwinglichen Filmemachen haben ermöglicht, unabhängige Filmproduktionen zu gedeihen.

Der Gewinn ist aufgrund der kostspieligen und riskanten Natur des Filmemachens eine Schlüsselkraft in der Branche. Viele Filme haben große Kostenüberschreitungenein Beispiel sein Kevin Costner's Wasserwelt. Dennoch bemühen sich viele Filmemacher, Werke von dauerhafter sozialer Bedeutung zu schaffen. Das Oscar-Verleihung (Auch als "The Oscars" bekannt) sind die bekanntesten Filmpreise in den Vereinigten Staaten und bieten Filme jedes Jahr an, die auf ihren künstlerischen Verdiensten beruhen. Es gibt auch eine große Branche für Bildungs- und Lehrfilme, die anstelle von oder zusätzlich zu Vorlesungen und Texten gedreht werden. Einnahmen in der Branche sind manchmal volatil, aufgrund der Abhängigkeit von Blockbuster -Filme veröffentlicht in Kino. Der Aufstieg alternativer Heimunterhaltung hat Fragen zur Zukunft der Kinoindustrie aufgeworfen, und die Beschäftigung von Hollywood ist weniger zuverlässig geworden, insbesondere für mittelgroße und niedrige Budget-Filme.[8]

Assoziierte Felder

Derivative akademische Studienbereiche können sowohl mit dem Filmemachen interagieren als auch unabhängig voneinander entwickeln, wie in Filmtheorie und Analyse. Es wurden Bereiche der akademischen Studie erstellt, die abgeleitet oder von der Existenz des Films abhängig sind, wie z. Filmkritik, Filmgeschichte, Abteilungen von Filmpropaganda in autoritären Regierungen oder psychologisch auf unterschwellige Wirkungen (z. B. einer blinkenden Soda während eines Screenings). Diese Felder können ferner abgeleitete Felder wie a erstellen Filmkritik Abschnitt in einer Zeitung oder einem Fernsehführer. Unterindustrien können sich von Film wie Popcorn-Machern und Filmspielzeugen abgrenzen (z. B.,,,,,,, Krieg der Sterne Zahlen). Unterindustrien der bereits bestehenden Branchen können sich speziell mit Film befassen, wie z. Produktplazierung und andere Werbung Innerhalb von Filmen.

Terminologie

Die zur Beschreibung von Filmbildern verwendete Terminologie variiert erheblich dazwischen Britisch- und amerikanisches Englisch. In der britischen Verwendung ist der Name des Mediums "Film". Das Wort "Film" wird verstanden, aber selten verwendet.[9][10] Zusätzlich wird "The Pictures" (Plural) halbweit verwendet, um sich auf den Ort zu beziehen, an dem Filme ausgestellt werden, während dies im amerikanischen Englisch "The Movies" genannt wird, aber es wird veraltet. In anderen Ländern kann der Ort, an dem Filme ausgestellt werden, als Kino bezeichnet werden oder Kino. Im Gegensatz dazu ist "Film" in den Vereinigten Staaten die vorherrschende Form. Obwohl die Wörter "Film" und "Film" manchmal austauschbar verwendet werden, wird "Film" häufiger bei der Betrachtung verwendet künstlerisch, theoretisch, oder technisch Aspekte. Der Begriff "Filme" bezieht sich häufiger auf Entertainment oder kommerziell Aspekte, wo man zu einem Date zum unterhaltsamen Abend gehen kann. Zum Beispiel handelt es sich wahrscheinlich um ein Buch mit dem Titel "How to Geting a Film" handelt es sich wahrscheinlich um die Ästhetik oder die Theorie des Films, während ein Buch mit dem Titel "Let's Goy ins Kino" würde wahrscheinlich von der Geschichte der Unterhaltungsfilme und der Unterhaltung von Filmen und der Blockbuster.

Weitere Terminologie werden verwendet, um verschiedene Formen und Medien zu unterscheiden, die in der Filmindustrie verwendet werden. "Motion Pictures" und "Moving Pictures" werden häufig verwendete Begriffe für Film- und Filmproduktionen, die speziell für die Theaterausstellung bestimmt sind, wie zum Beispiel, zum Beispiel, Krieg der Sterne. "DVD" und "videotape"Sind Videoformate, die einen photochemischen Film reproduzieren können. Eine auf solchen basierende Reproduktion wird als" Transfer "bezeichnet. Nach dem Aufkommen des Theaterfilms als Branche begann die Fernsehindustrie mit Videobändern als Aufnahmededium zu verwenden. Viele Jahrzehnte lang war das Band, das Band war das Band, das Band war das Band, das Band war, das Band war ein Videoband. Nur ein analoges Medium, auf das bewegte Bilder entweder aufgezeichnet oder übertragen werden können. "Film" und "Dreharbeiten" beziehen Medien wie bei einer Digitalkamera werden immer noch "Filmen" genannt und die resultierenden Werke, die oft als "Filme" bezeichnet werden, als austauschbar für "Filme", ​​obwohl sie nicht auf Film gedreht wurden ".Stummfilme"Ich muss nicht absolut still sein, sondern Filme und Filme ohne hörbares Dialog, einschließlich derer, die eine musikalische Begleitung haben. Das Wort,"Talkies"bezieht sich auf die frühesten Soundfilme hörbar Dialog Aufgenommen für die Wiedergabe zusammen mit dem Film, unabhängig von einer musikalischen Begleitung. "Cinema" umfasst entweder sowohl Filme als auch Filme im Großen und Ganzen, oder es ist ungefähr gleichbedeutend mit Film- und Theaterausstellung, und beide werden auf eine Kunstkategorie verwendet. Das "Leinwand"Bezieht sich auf den Projektionsbildschirm, der zum Ausstellen von Filmen verwendet wird, und wird im weiteren Sinne auch als als verwendet Metonym Für die gesamte Filmindustrie.

"Breitbild"Bezieht sich auf eine größere Breite bis zur Höhe in der rahmen, im Vergleich zu früheren historischen Seitenverhältnisse.[11] Ein "Spielfilmfilm" oder "Spielfilm", hat eine herkömmliche volle Länge, normalerweise 60 Minuten oder mehr, und kann ohne andere Filme in einem Ticket -Screening kommerziell selbst stehen.[12] EIN "kurz"Ist ein Film, der nicht so lang wie ein Spielfilm ist, der oft mit anderen Shorts gezeigt wird oder einem Film mit Spielfilm vorgeht. An"unabhängig"Ist ein Film außerhalb der konventionellen Filmindustrie.

In der US -Nutzung spricht man von einem "Screening" oder "Projektion"eines Films oder Videos auf einem Bildschirm in einem öffentlichen oder privaten "Theater". Im britischen Englisch findet ein "Film -Show" bei a statt Kino (Nie ein ""Theater", was ein anderes Medium ist und insgesamt Ort).[10] Ein Kino bezieht sich normalerweise auf eine Arena, die speziell für Ausstellungsfilme ausgestellt wurde, in der der Bildschirm an einer Wand befestigt ist, während sich ein Theater normalerweise auf einen Ort bezieht, an dem lebende, nicht aufgezeichnete Aktion oder Kombination davon aus einem Podium oder einer anderen Art von Bühne auftritt, einschließlich des Amphitheaters. Die Theater können immer noch Filme in ihnen untersuchen, obwohl das Theater dazu nachgerüstet wird. Man könnte vorschlagen, "ins Kino zu gehen", wenn man sich auf die Aktivität oder manchmal "auf die Bilder" im britischen Englisch bezieht, während der US -Ausdruck normalerweise "ins Kino geht". Ein Kino zeigt normalerweise einen Massenfilm mit einem Film mit einem Filmprojektor oder in jüngerer Zeit mit einem digitalen Projektor. Kinos zeigen jedoch auch Theatralfilme aus ihren Heimvideoübertragungen, die Blu-ray-CD, DVD und Videokassette enthalten, wenn sie über ausreichende Projektionsqualität verfügen oder auf Bedürfnissen basieren, z. B. Filme, die nur in ihrem übertragenen Zustand existieren, was möglicherweise fällig ist zum Verlust oder Verschlechterung des Filmmeisters und der Drucke, aus denen der Film ursprünglich existierte. Aufgrund des Aufkommens von Produktion und Verbreitung digitaler FilmDer physische Film könnte vollständig abwesend sein. EIN "Doppelfunktion"Ist eine Vorführung von zwei unabhängig vermarkteten, eigenständigen Spielfilmen. Ein" Betrachten "ist ein Anschauen eines Films."Verkauf"Und" an der Abendkasse "beziehen sich auf Tickets, die in einem Theater oder mehr Rechten für individuelle Shows verkauft werden. A"Veröffentlichung"Ist die Verteilung und oft gleichzeitiges Screening eines Films. a"Vorschau"Ist ein Screening vor der Hauptveröffentlichung.

Jeder Film kann auch eine "haben"Folge", die Ereignisse darstellen, die denjenigen im Film folgen. Braut von Frankenstein ist ein frühes Beispiel. Wenn es mehr Filme als eine mit denselben Charakteren, Handlungsbögen oder Themen gibt, werden diese Filme zu einer "Serie" wie dem James Bond Serie. Und existiert außerhalb einer bestimmten Zeitleiste in der Regel keinen Film aus einer Reihe. Ein Film, der Ereignisse in einer Zeitleiste mit denen in einem anderen Film darstellt, aber nach diesem Film veröffentlicht wird, wird manchmal als "" genannt "genannt" "Prequel"Ein Beispiel ist Butch und Sundance: Die frühen Tage.

Die "Credits" oder "End Credits" sind eine Liste, die den Personen, die an der Produktion eines Films beteiligt sind, Anerkennung erhalten. Filme von vor den 1970er Jahren beginnen normalerweise einen Film mit Credits, der oft nur mit einer Titelkarte endet und "das Ende" oder ein Äquivalent sagt, oft ein Äquivalent, das von der Sprache der Produktion abhängt. Von da an erscheinen die Credits eines Films normalerweise am Ende der meisten Filme. Filme mit Credits, die einen Film beenden Ende, was oft mit dem Kredit des Direktors passiert. Die Credits, die bei oder nahezu dem Beginn eines Films erscheinen, werden normalerweise "Titel" oder "Anfängertitel" genannt. EIN Post-Credits-Szene ist eine Szene, die nach dem Ende der Credits gezeigt wird. Ferris macht blau Hat eine Post-Credit-Szene, in der Ferris dem Publikum erzählt, dass der Film vorbei ist und sie nach Hause gehen sollten.

Die "Cast" eines Films bezieht sich auf eine Sammlung der Schauspieler und Schauspielerinnen, die in einem Film erscheinen oder "Star" erscheinen. Ein Star ist Schauspieler oder Schauspielerin, oft eine beliebte, und in vielen Fällen a Berühmtheit Wer spielt eine zentrale Figur in einem Film. Gelegentlich kann das Wort auch verwendet werden, um sich auf den Ruhm anderer Mitglieder der Besatzung zu beziehen, wie z. B. einen Direktor oder eine andere Persönlichkeit, wie z. Martin Scorsese. Eine "Crew" wird normalerweise als die Personen interpretiert, die an der physischen Konstruktion eines Films außerhalb der Besetzung beteiligt sind, und es könnte Regisseure, Filmredakteure, Fotografen, Griffe, Gaffer, Set -Dekorateure, Prop -Meister und Kostümdesigner umfassen. Eine Person kann beide Teil der Besetzung und der Crew eines Films sein, wie z. Woody Allen, wer leitete und spielte in Nimm das Geld und renne.

Ein "Filmbesucher", "Filmbesucher" oder "Filmfan" ist eine Person, die gefällt oder oft an Filmen und Filmen teilnimmt, und jeder dieser, wenn auch häufiger letztere, könnte sich auch als Student für Filme und Filme sehen oder der filmische Prozess. Intensives Interesse an Filmen, Filmtheorie und Filmkritik ist bekannt als Cinephilia. Ein Filmliebhaber ist als Cinephile oder Cineastte bekannt.

Vorschau

Eine Vorschau -Aufführung bezieht sich auf eine Darstellung eines Films an ein ausgewähltes Publikum, normalerweise zum Zwecke der Unternehmenswerbung, vor der öffentlichen Filmpremiere. Vorschau wird manchmal verwendet, um die Reaktion des Publikums zu beurteilen, was, wenn sie unerwartet negativ ist, zu einer Wiederbelebung oder sogar zum Wiedergutschen von bestimmten Abschnitten führen kann Publikumsreaktion. Ein Beispiel für einen Film, der nach einer negativen Reaktion des Test -Screenings geändert wurde, ist die 1982er Erstes Blut. Nachdem das Testpublikum sehr negativ auf den Tod des Protagonisten reagiert hat John Rambo, a Vietnam -VeteranAm Ende des Films schrieb das Unternehmen ein neues Ende, in dem die Figur überlebt.[13]

Anhänger und Teaser

Trailer oder Voransichten sind Anzeigen für Filme, die in 1 bis 3 Monaten in einem Kino gezeigt werden. In den frühen Tagen des Kinos mit Theatern mit nur ein oder zwei Bildschirmen wurden nur bestimmte Trailer für die Filme gezeigt, die dort gezeigt wurden. Später, als Theater mehr Bildschirme oder neue Theater mit vielen Bildschirmen fügten, wurden alle verschiedenen Trailer gezeigt, auch wenn sie diesen Film in diesem Theater nicht spielen wollten. Filmstudios erkannten, dass je mehr Trailer gezeigt wurden (auch wenn es in diesem speziellen Theater nicht gezeigt werden würde), desto mehr Gönner gingen in ein anderes Theater, um den Film zu sehen, als er herauskam. Der Begriff "Trailer" stammt aus ihrer ursprünglich am Ende eines Filmprogramms gezeigt. Diese Praxis hielt nicht lange an, weil die Gäste das Theater nach dem Ende der Filme neigten, aber der Name ist festgefahren. Trailer werden jetzt vor dem Film gezeigt (oder der "ein Film" in a Doppelfunktion Programm) beginnt. Filmtrailer sind auch häufig auf DVDs und Blu-ray-Discssowie im Internet und im mobilen Geräte. Trailer sind für die Zuschauer ansprechend und interessant. Infolgedessen suchen die Zuschauer in der Internet -Ära häufig Anhänger, um sie zu beobachten. Von den zehn Milliarden Videos, die im Jahr 2008 jährlich online angesehen wurden, belegten Filmtrailer nach Nachrichten und benutzergezogenen Videos den dritten Platz.[14] Teaser sind eine viel kürzere Vorschau oder Werbung, die nur 10 bis 30 Sekunden dauert. Teaser werden verwendet, um die Gönner in den nächsten sechs bis zwölf Monaten von einem Film zu begeistern. Teaser können bereits vor Abschluss der Filmproduktion produziert werden.

Die Rolle des Films in Kultur

Filme sind kulturelle Artefakte erstellt von spezifisch Kulturen, Erleichterung des interkulturellen Dialogs. Es wird als wichtige Kunstform angesehen, die Unterhaltung und historischem Wert bietet und oft visuell einen Zeitraum dokumentiert. Die visuelle Grundlage des Medium Synchronisation oder Untertitel zu Übersetzen Der Dialog in andere Sprachen.[15] Nur einen Ort in einem Film zu sehen, ist mit einem höheren Tourismus mit diesem Ort verbunden und zeigt, wie mächtig die suggestive Natur des Mediums sein kann.[16]

Ausbildung und Propaganda

Der Film wird für eine Reihe von Zielen verwendet, darunter Bildung und Propaganda aufgrund seiner Fähigkeit, den interkulturellen Dialog effektiv zu diskutieren. Wenn der Zweck in erster Linie lehrreich ist, wird ein Film als "als" bezeichnet "Bildungsfilm"Beispiele sind Aufnahmen von akademischen Vorträgen und Experimenten oder ein Film, der auf einem klassischen Roman basiert. Film kann sein Propagandaganz oder teilweise, wie die Filme von gedreht von Leni Riefenstahl In Nazi -Deutschland, US -Kriegsfilmtragen während des Zweiten Weltkriegs oder künstlerischen Filme unter Stalin von Sergei Eisenstein. Sie können auch Werke des politischen Protests sein, wie in den Filmen von Andrzej Wajdaoder subtiler die Filme von Andrei Tarkovsky. Der gleiche Film kann von einigen als lehrreich angesehen werden, und Propaganda von anderen kann die Kategorisierung eines Films subjektiv sein.

Produktion

Im Kern hängen die Mittel zur Produktion eines Films von dem Inhalt ab, den der Filmemacher zeigen möchte, und dem Apparat, ihn anzeigen: die Zoetrope benötigt nur eine Reihe von Bildern auf einem Papierstreifen. Die Filmproduktion kann daher nur eine Person mit einer Kamera (oder sogar ohne Kamera, wie in Stan Brakhage1963 Film Mothlight) oder Tausende von Schauspielern, Extras und Besatzungsmitgliedern für eine Live-Action-Länge-Epos. Die notwendigen Schritte für fast jeden Film können auf Empfängnis, Planung, Ausführung, Überarbeitung und Verbreitung abgekocht werden. Je mehr die Produktion involviert ist, desto wichtiger wird jede der Schritte. In einem typischen Produktionszyklus Von einem Film im Hollywood-Film sind diese Hauptbühnen definiert als Entwicklung, Vorproduktion, Produktion, nach Produktion und Verteilung.

Dieser Produktionszyklus dauert normalerweise drei Jahre. Das erste Jahr wird mit aufgenommen Entwicklung. Das zweite Jahr umfasst Vorproduktion und Produktion. Das dritte Jahr, nach Produktion und Verteilung. Je größer die Produktion, desto mehr Ressourcen dauert und desto wichtiger Finanzierung wird; die meisten Spielfilme sind künstlerische Werke aus der Perspektive der Schöpfer (z. B.,, Regisseur, Kameramann, Drehbuchautor) und gewinnorientierte Unternehmen für die Produktionsunternehmen.

Besatzung

Eine Filmcrew ist eine Gruppe von Menschen, die von einer Filmfirma eingestellt wurden, die während der Phase der "Produktion" oder "Fotografie" verwendet wird, um einen Film oder Film zu produzieren. Besatzung unterschieden sich von gießen, Wer sind die Schauspieler die vor dem erscheinen Kamera Oder stellen Sie Stimmen für Charaktere im Film an. Das Besatzung interagiert mit, unterscheidet sich aber auch von der Mitarbeiter der Produktion, bestehend aus Produzenten, Managern, Unternehmensvertretern, ihren Assistenten und solchen, deren Hauptverantwortung in der Vorproduktions- oder Postproduktionsphasen liegt, wie z. Drehbuchautoren und Filmredakteure. Kommunikation zwischen Produktion und Besatzung Im Allgemeinen durchläuft der Regisseur und seine/ihre Mitarbeiter von Assistenten. Mittelgroße bis große Besatzungen werden im Allgemeinen in Abteilungen mit genau definierten Hierarchien und Standards für Interaktion und Zusammenarbeit zwischen den Abteilungen unterteilt. Abgesehen von der Schauspielerei verarbeitet die Besatzung alles in der Fotografie -Phase: Requisiten und Kostüme, Schießen, Klang, Elektrik (d. H. Lichter), Sets und Produktionspezifikationen. Caterer (In der Filmindustrie als "Handwerksdienste") gelten normalerweise nicht als Teil der Crew.

Technologie

Filmbestand besteht aus transparent Zelluloid, Acetat, oder Polyester Base beschichtet mit einer Emulsion, die lichtempfindliche Chemikalien enthält. Cellulosenitrat war die erste Art von Filmbasis, die zum Aufnehmen von Filmen verwendet wurde, aber aufgrund seiner Entflammbarkeit wurde schließlich durch sicherere Materialien ersetzt. Lagerbreiten und die Filmformat Für Bilder auf der Rolle haben eine reiche Geschichte, obwohl die meisten großen kommerziellen Filme immer noch aufgenommen (und in die Kinos verteilt sind) als 35 mm Drucke. Der ursprünglich bewegte Bildfilm wurde gedreht und mit verschiedenen Geschwindigkeiten mit handgekurbeltem Projekt projiziert und projiziert Kameras und Projektoren; obwohl 1000 Bilder pro Minute (162/3 Rahmen/n) wird im Allgemeinen als Standard -Stummgeschwindigkeit bezeichnet. Die Forschungsergebnisse zeigen, dass die meisten Filme zwischen 16 Frame/S und 23 Frame/s gedreht und aus 18 Frame/s auf UP projiziert wurden (häufig enthielten die Rollen Anweisungen, wie schnell jede Szene sein sollte gezeigt).[17] Wann Soundfilm wurde Ende der 1920er Jahre eingeführt, für den Schallkopf war eine konstante Geschwindigkeit erforderlich. 24 Frames pro Sekunde wurden ausgewählt, weil es die langsamste (und damit billigste) Geschwindigkeit war, die eine ausreichende Klangqualität ermöglichte.[18] Verbesserungen seit dem späten 19. Jahrhundert umfassen die Mechanisierung von Kameras, die es ihnen ermöglichen, mit einer konsistenten Geschwindigkeit und einem ruhigen Kamera-Design aufzunehmen-, sodass der Sound on-set verwendet werden kann, ohne große "Blimps" zu erfordern, um die Kamera zu beschleunigen, die Erfindung von anspruchsvoller Filmstocks und Linsen, erlauben Regisseure unter zunehmend schwierigeren Bedingungen und die Entwicklung des synchronisierten Klangs zu filmen, so dass der Ton mit genau der gleichen Geschwindigkeit wie seine entsprechende Aktion aufgenommen werden kann. Der Soundtrack kann getrennt vom Dreh des Films aufgenommen werden, aber für Live-Action-Bilder werden viele Teile des Soundtracks normalerweise gleichzeitig aufgenommen.

Als Medium ist der Film nicht auf Kinobilder beschränkt, da sich die Technologie als Grundlage für die Grundlage für Fotografie. Es kann verwendet werden, um eine progressive Abfolge von Standbildern in Form einer Diashow zu präsentieren. Der Film wurde auch in integriert Multimedia Präsentationen und häufig als primäre historische Dokumentation an Bedeutung. Historische Filme haben jedoch Probleme in Bezug auf Erhaltung und Lagerung, und die Filmindustrie untersucht viele Alternativen. Die meisten Filme auf Cellulose -Nitrat -Basis wurden auf moderne Sicherheitsfilme kopiert. Einige Studios speichern Farbfilme durch die Verwendung von Trennungsmeister: Drei B & W -Negative, die jeweils durch Rot-, Grün- oder blaue Filter ausgesetzt sind (im Wesentlichen ein Gegenteil der Technicolor Prozess). Digitale Methoden wurden auch verwendet, um Filme wiederherzustellen, obwohl sie (ab 2006) (ab 2006) ihre fortgesetzte Veralterung zu einer schlechten Wahl für die langfristige Erhaltung machen. Film Erhaltung Der verfallende Film Stock ist sowohl für Filmhistoriker als auch für Archivare und Unternehmen, die daran interessiert sind, ihre vorhandenen Produkte zu bewahren, eine Frage der Sorge, um sie zukünftigen Generationen zur Verfügung zu stellen (und dadurch die Einnahmen zu steigern). Die Erhaltung ist im Allgemeinen ein höheres Problem für Nitrat- und Single-Strip-Farbfilme aufgrund ihrer hohen Zerfallraten. Schwarz-Weiß-Filme auf Sicherheitsbasen und Farbfilmen, die auf Technicolor-Aufträgen aufbewahrt werden, neigen dazu, viel besser mitzuhalten, vorausgesetzt, die richtige Handhabung und Lagerung.

Einige Filme in den letzten Jahrzehnten wurden verwendet Analoges Video Technologie ähnlich der in verwendeten in Fernsehproduktion. Modern Digitale Videokameras und Digitale Projektoren gewinnen auch Boden. Diese Ansätze werden von einigen Filmemachern bevorzugt, insbesondere weil das Filmmaterial mit gedreht wurde Digitales Kino kann bewertet und bearbeitet werden mit Nichtlineare Bearbeitungssysteme (NLE) ohne darauf zu warten, dass der Filmbestand verarbeitet wird. Die Migration war allmählich und ab 2005 wurden die meisten großen Kinobilder noch auf Film gedreht.[Benötigt Update]

Unabhängig

Auguste and Louis Lumière brothers seated looking left
Die Lumière -Brüder, die zu den ersten Filmemachern gehörten

Das unabhängige Filmemachen findet oft außerhalb von Hollywood oder einem anderen Major statt Studiosysteme. Ein unabhängiger Film (oder Indie -Film) ist ein Film, der ursprünglich ohne Finanzierung oder Vertrieb von a produziert wird Hauptfilmstudio. Kreative, geschäftliche und technologische Gründe haben alle zum Wachstum der Indie -Filmszene im späten 20. und frühen 21. Jahrhundert beigetragen. Auf der geschäftlichen Seite führen die Kosten für Studiofilme mit großem Budget auch zu konservativen Entscheidungen in Cast und Crew. In Hollywood gibt es einen Trend zur Kofinanzierung (über zwei Drittel der von den Filmen herausgegebenen Filmen Warner Bros. Im Jahr 2000 waren Joint Ventures, gegenüber 10% im Jahr 1987).[19] Ein hoffnungsvoller Regisseur hat fast nie die Möglichkeit, einen Job in einem Big-Budget-Studiofilm zu bekommen, es sei denn, er oder sie verfügt über eine bedeutende Branchenerfahrung im Film oder Fernsehen. Außerdem produzieren die Studios selten Filme mit unbekannten Schauspielern, insbesondere in Hauptrollen.

Vor dem Aufkommen von Digital Alternativen, die Kosten für professionelle Filmausrüstung und -bestand waren auch eine Hürde, um in einem traditionellen Studiofilm produzieren, direkt zu starten oder zu spielen. Aber das Aufkommen des Verbrauchers Camcorder 1985 und vor allem die Ankunft hochauflösender Ankunft digitales Video In den frühen neunziger Jahren haben die Technologiebarriere für die Filmproduktion erheblich gesenkt. Sowohl die Produktionskosten als auch die Nachproduktion wurden erheblich gesenkt. In den 2000er Jahren kann die Hardware und Software für die Postproduktion in einem Rohstoffbasis installiert werden. persönlicher Computer. Technologien wie DVDs, Firewire Verbindungen und eine Vielzahl von professionellen und Verbraucherqualität Videobearbeitungssoftware Machen Sie das Filmemachen relativ erschwinglich.

Seit der Einführung von digitalem Video Dv Technologie, die Produktionsmittel sind stärker demokratisiert. Filmemacher können möglicherweise einen Film mit einer digitalen Videokamera drehen, den Film bearbeiten, den Sound und die Musik erstellen und bearbeiten und den Final Cut auf einem High-End-Heimcomputer mischen. Während die Produktionsmittel demokratisiert werden können, bleiben Finanzierung, Vertrieb und Marketing außerhalb des traditionellen Systems schwer zu erreichen. Die meisten unabhängigen Filmemacher verlassen sich auf Filmfestivals Um ihre Filme zu bemerken und für den Vertrieb zu verkaufen. Die Ankunft internetbasierter Video-Websites wie z. Youtube und Veoh hat die Filmmaking -Landschaft weiter verändert und es Indie -Filmemachern ermöglicht, ihre Filme der Öffentlichkeit zur Verfügung zu stellen.

Öffnen Sie den Inhaltsfilm

Ein offener Inhaltsfilm ähnelt einem unabhängigen Film, wird aber durch offene Zusammenarbeit produziert. Sein Ausgangsmaterial ist unter einem erhältlich Lizenz Welches ist zulässt genug, um anderen Parteien zu erstellen, um zu erstellen Fanfiction oder abgeleitete Werke als ein traditionelles Urheberrecht. Wie das unabhängige Filmemachen findet Open -Source -Filmemachen außerhalb von Hollywood oder einem anderen Major statt StudiosystemeZum Beispiel basierte der Filmballon auf dem realen Ereignis während des Kalten Krieges.[20]

Fanfilm

Ein Fanfilm ist ein Film oder ein Video, das von einem Film inspiriert ist. Fernsehprogramm, Comic oder eine ähnliche Quelle, erstellt von durch Fans eher als durch die Urheberrechtsinhaber oder -Herschöpfer der Quelle. Fan -Filmemacher waren traditionell AmateureAber einige der bemerkenswertesten Filme wurden tatsächlich von professionellen Filmemachern als Projekte für Filmschule oder als Demonstrationsrollen produziert. Fanfilme variieren enorm eng, von kurzen Faux-Teaser-Trailern für nicht existierende Filme bis hin zu selteneren Filmbildern in voller Länge.

Verteilung

Salah Zulfikar und Fett Hamama in dem Premiere von Bain al-Atlal ("Unter den Ruinen") in Kairo, 1959

Die Filmverteilung ist der Prozess, durch den ein Film von einem zur Anzeige zur Verfügung gestellt wird Publikum. Dies ist normalerweise die Aufgabe eines Profis Filmverteiler, wer würde die Marketingstrategie des Films bestimmen, die Medien, mit denen ein Film ausgestellt oder zur Anzeige zur Verfügung gestellt werden soll, und kann die festlegen Veröffentlichungsdatum und andere Angelegenheiten. Der Film kann entweder durch a direkt der Öffentlichkeit ausgestellt werden Kino (Historisch gesehen wurden die Hauptstraße verteilt) oder Fernsehen zum Persönliches Zuhause (einschließlich auf DVD-Video oder Blu-Ray Disc, Video auf Nachfrageonline wird heruntergeladen, Fernsehprogramm durch Rundfunk -Syndizierung etc.). Andere Möglichkeiten zum Vertrieb eines Films sind Miete oder persönlichen Kauf des Films in verschiedenen Medien und Formaten, wie z. VHS Klebeband oder DVD, oder Internet wird heruntergeladen oder Streaming einen Computer benutzen.

Animation

Ein animiertes Bild eines Pferdes, das mit acht Bildern gemacht wurde.

Animation ist eine Technik, bei der jeder Frame eines Films einzeln produziert wird, sei Tonmation und Bewegung stoppen) und dann das Ergebnis mit einem besonderen Fotografieren fotografieren Animationskamera. Wenn die Frames zusammengespannt sind und der resultierende Film mit einer Geschwindigkeit von 16 oder mehr Frames pro Sekunde betrachtet wird, gibt es eine Illusion der kontinuierlichen Bewegung (aufgrund des PHI -Phänomen). Es ist sehr arbeitsintensiv und langweilig, einen solchen Film zu erzeugen, obwohl die Entwicklung von Computeranimation hat den Prozess stark beschleunigt. Weil die Animation sehr zeitaufwändig und oft sehr teuer zu produzieren ist, die Mehrheit der Animation für Fernseher Und Filme stammen aus professionellen Animationsstudios. Jedoch das Feld von unabhängige Animation existiert mindestens seit den 1950er Jahren, wobei die Animation von unabhängigen Studios (und manchmal von einer einzelnen Person) produziert wird. Mehrere unabhängige Animationsproduzenten haben in die professionelle Animationsindustrie teilgenommen.

Begrenzte Animation ist eine Möglichkeit, die Produktion zu steigern und die Animationskosten zu senken, indem "Abkürzungen" im Animationsprozess verwendet werden. Diese Methode wurde von Pionierarbeit von Pionierarbeit Upa und populär von Hanna-Barbera in den Vereinigten Staaten und von Osamu Tezuka in Japan und von anderen Studios adaptiert, als Cartoons von Cartoons von bewegt wurden Kino zu Fernsehen.[21] Obwohl die meisten Animationsstudios jetzt digitale Technologien in ihren Produktionen verwenden, gibt es einen spezifischen Animationsstil, der vom Film abhängt. Ohne Kamera ohne Animation, die von Filmemachern wie berühmt gemacht wurden Norman McLaren, Len Lye, und Stan Brakhage, wird direkt auf Filmstücke gemalt und gezogen und dann durch einen Projektor rennt.

Siehe auch

Anmerkungen

  1. ^ Separny, Andrei (5. September 2013). "Das Kino der Zukunft wird in Ihrem Kopf sein". Tribeca. Archiviert von das Original am 7. September 2013. Abgerufen 5. September, 2013.
  2. ^ "Film | Etymologie, Herkunft und Bedeutung des Films durch Etymonline". www.etymonline.com. Archiviert vom Original am 2022-02-01. Abgerufen 2022-02-01.
  3. ^ Stribible, Dan (11. April 2008). Kampfbilder: Eine Geschichte des Boxens und des frühen Kinos. University of California Press. p. 46. ISBN 9780520940581.
  4. ^ Nelmes, Jill (2004). Eine Einführung in Filmstudien (3. Aufl., Nachgedruckt. Hrsg.). London: Routledge. p. 394. ISBN 978-0-415-26269-9. Archiviert vom Original am 2022-03-12. Abgerufen 2021-02-03.
  5. ^ Ebert, Roger (25. Oktober 1986). "Sid und Nancy". Chicago Sun-Times. Archiviert vom Original am 5. April 2020. Abgerufen 31. Mai, 2020 - via Rogerebert.com.
  6. ^ Couvares, Francis G. (2006). Filmzensur und amerikanische Kultur. Univ of Massachusetts Press. ISBN 978-1-55849-575-3. Archiviert vom Original am 2022-03-11. Abgerufen 2022-01-17.
  7. ^ Bollywood ist heiß Archiviert 2008-03-07 im Wayback -Maschine cnn.com. Abgerufen am 23. Juni 2007.
  8. ^ Christopherson, Susan (2013-03-01). "Hollywood im Niedergang? US -Film- und Fernsehproduzenten jenseits der Ära der Finanzkrise". Cambridge Journal of Regions, Economy and Society. 6 (1): 141–157. doi:10.1093/cjres/RSS024. ISSN 1752-1378.
  9. ^ "British English/American English Vokabular". Archiviert Aus dem Original am 21. Juni 2013. Abgerufen 26. Juni 2013.
  10. ^ a b "British English vs. USA Englisch - Film vs. Film". Straight Dope Message Board. 21. März 2006. Archiviert Aus dem Original am 10. Januar 2014. Abgerufen 26. Juni 2013.
  11. ^ "Filmterminologie Glossar: W". IMDB. Archiviert Aus dem Original am 07.07.2010.
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  13. ^ "'First Blood' wird 30: Rambos ursprüngliches dunkles Ende ". Yahoo! Filme. 22. Oktober 2012. Archiviert Aus dem Original am 17. November 2016. Abgerufen 16. November 2016.
  14. ^ "AWFJ Meinungsumfrage: Alles über Filmtrailer". AWFJ. 2008-05-09. Archiviert vom Original am 2013-12-03.
  15. ^ "Wie die Leute sich in der Fernsehserie und in der Synchronisation begrüßen: Veronica Bonsignori, Silvia Bruti", Die Sprachen des Synchronisation, Peter Lang, 2015, doi:10.3726/978-3-0351-0809-5/13, ISBN 9783034316460, archiviert vom Original am 2022-07-30, abgerufen 2022-01-24
  16. ^ Tooks, Nichola; Baker, Michael (1996-03-01). "Sehen ist glauben: Die Auswirkung von Film auf Besucherzahlen auf gezeigte Orte". Tourismus Verwaltung. 17 (2): 87–94. doi:10.1016/0261-5177 (95) 00111-5. ISSN 0261-5177. Archiviert vom Original am 2022-07-30. Abgerufen 2022-01-27.
  17. ^ "Stummfilmgeschwindigkeit". Cinemaweb.com. 1911-12-02. Archiviert von das Original am 7. April 2007. Abgerufen 2010-11-25.
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  19. ^ Amdur, Meredith (2003-11-16). "Das Teilen von Pix ist ein riskantes Geschäft". Vielfalt. Archiviert Aus dem Original am 15. September 2007. Abgerufen 23. Juni, 2007.
  20. ^ Filme, Distrib (2021-01-02). "Empfohlene Filme". Peace Review. 33 (1): 170–172. doi:10.1080/10402659.2021.1956155. ISSN 1040-2659. S2CID 239028670. Archiviert vom Original am 2022-07-30. Abgerufen 2021-11-18.
  21. ^ Savage, Mark (2006-12-19). "Hanna Barberas goldenes Zeitalter der Animation". BBC News. Archiviert vom Original am 2006-12-19. Abgerufen 2007-01-25.

Verweise

Weitere Lektüre

  • Burton, Gideon O. und Randy Astle, JT.eds.(2007)."Mormonen und Film", ganze Sonderausgabe, B.Y.U. Studien (Brigham Young University), Vol.46 (2007), Nr.2. 336 S., Ill. ISSN 0007-0106
  • Hickenlooper, George (1991). Reel [sic] Gespräche: ehrliche Interviews mit den führenden Regisseuren und Kritikern des Films, in Serie, Citadel Press Book [s].New York: Carol Publishing Group.xii, 370 p. ISBN0-8065-1237-7
  • Thomson, David (2002). Das neue biografische Wörterbuch des Films (4. Aufl.).New York: A.A.Knopf. ISBN 0-375-41128-3.
  • Jeffrey Zacks (2014). Flicker: Dein Gehirn auf Filmen. Oxford University Press. ISBN 978-0199982875.

Externe Links