Edward Munch

Edward Munch
Portrett av Edvard Munch (cropped).jpg
Munch auf einem undatierten Foto
Geboren 12. Dezember 1863
Gestorben 23. Januar 1944 (80 Jahre alt)
OsloNorwegen
Staatsangehörigkeit norwegisch
Bekannt für Malerei und Grafiker
Bemerkenswerte Arbeit
Bewegung Expressionismus, Symbolismus

Edward Munch (/mʊŋk/ Muunk,[1] Norwegisch:[ˈƐ̀dvɖ ˈmʊŋk] (Hören); 12. Dezember 1863 - 23. Januar 1944) war ein Norweger Maler. Seine bekannteste Arbeit, Der Schrei (1893) ist ein ikonisch Bild des Kunstwelt.

Seine Die Kindheit wurde überschattet durch Krankheit, Trauer und die Angst, a zu erben Mentale Kondition das rannte in der Familie. Studieren am Royal School of Art and Design in Kristiania (Das heutige Oslo) begann Munch zu leben a Bohemien Leben unter dem Einfluss der Nihilist Hans Jæger, der ihn drängte, seine eigenen zu malen emotionaler und psychologischer Zustand (''Seelenmalerei'). Daraus entstand sein unverwechselbares Stil.

Reisen brachte neue Einflüsse und Verkaufsstellen. Im ParisEr lernte viel von Paul Gauguin, Vincent van Gogh und Henri de Toulouse-Lautrec, besonders ihre Verwendung von Farbe. Im Berliner traf die Schwedisch Dramatiker August Strindberg, den er malte, als er eine große Reihe von Gemälden begann, die er später anrief Der Fries des Lebenseine Reihe von tief empfundenen Themen wie z. Liebe, Angst, Eifersucht und Verrat, in Atmosphäre durchdrungen.

Der Schrei wurde in Kristianien konzipiert. Laut Munch ging er unterwegs an Sonnenuntergang, als er "den riesigen, unendlichen Schrei der Natur hörte". Das qualifizierte Gesicht des Gemäldes ist weithin mit dem identifiziert Angst der modernen Person. Zwischen 1893 und 1910 machte er zwei bemalte Versionen und zwei in Pastellesowie eine Reihe von Drucke. Einer der Pastelle würde das irgendwann befehlen vierthöchster nominaler Preis für ein Gemälde bezahlt bei Versteigerung.

Wie seins Ruhm und Reichtum Wuchs, sein emotionaler Zustand blieb unsicher. Er überlegte kurz die Ehe, konnte sich aber nicht begehen. EIN Nervenzusammenbruch 1908 zwang ihn, aufzugeben schwer betrinken, und er wurde von seiner zunehmenden Akzeptanz durch die Menschen in Kristianien und seine Exposition in der Stadt angefeuert museums. Seine späteren Jahre wurden in Frieden und Privatsphäre verbracht. Obwohl seine Werke verboten waren Nazi-besetztes Europa, die meisten von ihnen überlebten Zweiter Weltkriegihn ein Vermächtnis zu sichern.

Leben

Kindheit

Edvard Munch wurde in einem Bauernhaus im Dorf von geboren Ådalsbruk in Løten, Norwegen, an Laura Catherine Bjølstad und Christian Munch, der Sohn eines Priesters. Christian war ein Arzt und Arzt, der 1861 Laura, eine Frau in seinem halben Alter, heiratete. Edvard hatte eine ältere Schwester, Johanne Sophie, und drei jüngere Geschwister: Peter Andreas, Laura Catherine und Inger Marie. Laura war künstlerisch talentiert und könnte Edvard und Sophie ermutigt haben. Edvard war mit dem Maler verwandt Jacob Munch und der Historiker Peter Andreas Munch.[2]

Die Familie zog nach Christiania (1877 umbenannt Kristiania und jetzt und jetzt Oslo) 1864, als Christian Munch zum medizinischen Offizier ernannt wurde Akershus Festung. Edvards Mutter starb an Tuberkulose 1868, ebenso wie Munchs Lieblingsschwester Johanne Sophie 1877.[3] Nach dem Tod ihrer Mutter wurden die Munch -Geschwister von ihrem Vater und ihrer Tante Karen aufgezogen. Oft krank für einen Großteil der Winter und von der Schule abgehalten, zog Edvard, um sich zu beschäftigen. Er wurde von seinen Schulkollegen und seiner Tante unterrichtet. Christian Munch wies seinen Sohn auch in Geschichte und Literatur an und unterhielt die Kinder mit lebendigen Geistergeschichten und Geschichten des amerikanischen Schriftstellers Edgar Allan Poe.[4]

Wie Edvard sich daran erinnerte, wurde Christians positives Verhalten gegenüber seinen Kindern gegenüber seinem krankhaften Überschatten überschattet Pietismus. Munch schrieb: "Mein Vater war temperamentvoll nervös und obsessiv religiös - bis zur Psychoneurose. Von ihm erbte ich die Samen des Wahnsinns. Die Engel der Angst, Trauer und des Todes standen seit dem Tag, an dem ich geboren wurde, an meiner Seite."[5] Der christliche tadelte seine Kinder, indem sie ihnen erzählte, dass ihre Mutter vom Himmel herabblickte und über ihr Fehlverhalten trauerte. Das unterdrückende religiöse Milieu, Edvards schlechte Gesundheit und die lebendigen Geistergeschichten trugen dazu bei, seine makabre Visionen und Albträume zu inspirieren. Der Junge hatte das Gefühl, dass der Tod ständig auf ihn vorrückte.[6] Einer der jüngeren Schwestern von Munch, Laura, wurde in jungen Jahren bei psychischen Erkrankungen diagnostiziert. Von den fünf Geschwistern, nur Andreas, heiratete, aber er starb einige Monate nach der Hochzeit. Munch schrieb später: "Ich habe zwei der schrecklichsten Feinde der Menschheit geerbt - das Erbe des Konsums und des Wahnsinns."[7]

Christian Munchs militärisches Gehalt war sehr niedrig, und seine Versuche, eine private Seitenpraxis zu entwickeln, scheiterte und hielt seine Familie in vornehmer, aber mehrjähriger Armut.[3] Sie bewegten sich häufig von einer billigen Wohnung zur anderen. Munchs frühe Zeichnungen und Aquarelle zeigten diese Innenräume und die einzelnen Objekte wie Medizinflaschen und Zeichnen von Geräten sowie einige Landschaften. Nach seinen Teenagern dominierte Kunst Munchs Interessen.[8] Mit 13 hatte Munch seine erste Bekanntheit anderer Künstler der neu gegründeten Kunstvereinigung, wo er die Arbeit der norwegischen Landschaftsschule bewunderte. Er kehrte zurück, um die Gemälde zu kopieren, und bald begann er in Öle zu malen.[9]

Studien und Einflüsse

Selbstporträt mit Skelettarm, 1895, Munch Museum, Oslo

Im Jahr 1879 schrieb Munch in a ein technische Universität zum Studium von Ingenieurwesen, wo er sich in Physik, Chemie und Mathematik hervorgetan hat. Er lernte skalierte und perspektivische Zeichnen, aber häufige Krankheiten unterbrach seine Studien.[10] Im folgenden Jahr, sehr zur Enttäuschung seines Vaters, ließ Munch das College entschlossen, Maler zu werden. Sein Vater betrachtete Kunst als "unheiligen Handel", und seine Nachbarn reagierten bitter und schickten ihm anonyme Briefe.[11] Im Gegensatz zum tollwütigen Pietismus seines Vaters nahm Munch eine undogmatische Haltung gegenüber der Kunst ein. Er schrieb sein Ziel in sein Tagebuch: "In meiner Kunst versuche ich, das Leben und seine Bedeutung für mich zu erklären."[10]

Im Jahr 1881 meldete sich Munch an der eingeschrieben Royal School of Art and Design von Kristiania, von der einer der Gründer sein entfernter Verwandter Jacob Munch war. Seine Lehrer waren der Bildhauer Julius Middelthun und die naturalistisch Maler Christian Krohg.[12] In diesem Jahr demonstrierte Munch seine schnelle Absorption seines Figur-Trainings in der Akademie in seinen ersten Porträts, einschließlich eines seines Vaters und seines ersten Selbstporträts. 1883 nahm Munch an seiner ersten öffentlichen Ausstellung teil und teilte sich ein Studio mit anderen Studenten.[13] Sein Porträt von Karl Jensen-Hjell in voller Länge, einem berüchtigten Bohemian-mal-Town, verdiente die abweisende Antwort eines Kritikers: "Es ist der Impressionismus, der bis zum Extrem getragen wird. Es ist eine Traumestie der Kunst."[14] Munchs Nacktbilder aus dieser Zeit überleben nur in Skizzen, mit Ausnahme Nackt stehen (1887). Sie könnten von seinem Vater beschlagnahmt worden sein.[15]

Schon in jungen Jahren wurde Munch von beeinflusst von Impressionisten wie zum Beispiel Édouard Manet und später von Künstlern nach dem Impressionismus, einschließlich Vincent van Gogh und Paul Gauguin.[16] In diesen frühen Jahren experimentierte er mit vielen Stilen, einschließlich Naturalismus und Impressionismus. Einige frühe Arbeiten erinnern an Manet. Viele dieser Versuche brachten ihm ungünstige Kritik von der Presse und brachten ihm ständige Renovierung seines Vaters, der ihm dennoch kleine Summen für Lebenshaltungskosten versorgte.[14] Irgendwann hat Munchs Vater, vielleicht von der negativen Meinung von Munchs Cousin Edvard Diriks (ein etablierter, traditioneller Maler), beeinflusst, mindestens ein Gemälde (wahrscheinlich ein Nackt) und weigerte sich, mehr Geld für Kunstvorräte voranzutreiben.[17]

Munch erhielt auch den Zorn seines Vaters für seine Beziehung mit Hans JægerDer lokale Nihilist, der nach dem Code "Eine Leidenschaft zu zerstören" lebte, ist auch eine kreative Leidenschaft und befürwortete Selbstmord als ultimativen Weg zur Freiheit.[18] Munch wurde unter seinen böswilligen Zauber gegen Establishment. "Meine Ideen entwickelten sich unter dem Einfluss der Böhmen oder eher unter Hans Jæger. Viele Menschen haben fälschlicherweise behauptet, dass meine Ideen unter dem Einfluss von gebildet wurden Strindberg Und die Deutschen ... aber das ist falsch. Sie waren bis dahin bereits gebildet worden. "[19] Zu dieser Zeit war Munch im Gegensatz zu vielen anderen Böhmen immer noch respektvoll gegenüber Frauen sowie reserviert und gut Mannes, aber er begann, dem Alkoholexzesse und Schläger seines Kreises nachzugeben. Er war beunruhigt von der zu dieser Zeit und der unabhängigen Frauen um ihn herum liegenden sexuellen Revolution. Später wurde er in Bezug auf sexuelle Angelegenheiten zynisch und drückte nicht nur in seinem Verhalten und seiner Kunst, sondern auch in seinen Schriften aus Die Stadt der freien Liebe.[20] Munchs Beziehung zu seinem Vater war immer noch von seiner Familie abhängig und blieb über Sorge über sein böhmisches Leben angespannt.

Nach zahlreichen Experimenten kam Munch zu dem Schluss, dass die impressionistische Redewendung nicht ausreichend Expression zulässt. Er fand es oberflächlich und zu ähnlich wie wissenschaftlicher Experimente. Er hatte das Bedürfnis, tiefer zu gehen und Situationen mit emotionalem Inhalt und ausdrucksstarker Energie zu erkunden. Unter Jægers Gebot, dass Munch "sein Leben schreiben" sollte, was bedeutet, dass Munch seinen eigenen emotionalen und psychologischen Zustand erforschen sollte, begann der junge Künstler eine Zeit der Reflexion und Selbstuntersuchung und zeichnete seine Gedanken in seinem "Seele Tagebuch" auf.[21] Diese tiefere Perspektive half ihn in eine neue Sicht auf seine Kunst. Er schrieb, dass sein Gemälde Das kranke Kind (1886), basierend auf dem Tod seiner Schwester, war seine erste "Seelengemälde", seine erste Pause vom Impressionismus. Das Gemälde erhielt eine negative Antwort von Kritikern und seiner Familie und verursachte einen weiteren "gewalttätigen Ausbruch moralischer Empörung" aus der Gemeinschaft.[22]

Nur sein Freund Christian Krohg verteidigte ihn:

Er malt oder eher die Dinge auf eine Weise, die sich von der anderer Künstler unterscheidet. Er sieht nur das Wesentliche, und das ist natürlich alles, was er malt. Aus diesem Grund sind Munchs Bilder in der Regel "nicht vollständig", da die Menschen so erfreut sind, selbst zu entdecken. Oh ja, sie sind vollständig. Sein komplettes Handwerk. Kunst ist vollständig, sobald der Künstler wirklich alles gesagt hat, was ihm in den Sinn kam, und dies ist genau der Vorteil, den Munch gegenüber Malern der anderen Generation hat, dass er wirklich weiß, wie wir uns zeigen können, was er gefühlt hat und was ihn gepackt hat. Und dazu unterordnet er alles andere.[23]

Munch verwendete in den 1880er und frühen 1890er Jahren weiterhin eine Vielzahl von Pinselstrich -Techniken und Farbpaletten, als er sich bemühte, seinen Stil zu definieren.[24] Seine Redegute dauerte weiter dazwischen naturalistisch, wie in ... gesehen Porträt von Hans Jæger, und impressionistisch, wie in Rue Lafayette. Seine Inger am Strand (1889), der einen weiteren Sturm der Verwirrung und Kontroverse verursachte, deutet auf die vereinfachten Formen, schweren Umrisse, scharfen Kontraste und emotionalen Inhalte seines reifen Stils hin.[25] Er begann seine Kompositionen sorgfältig zu berechnen, um Spannung und Emotionen zu erzeugen. Während stilistisch beeinflusst von der Postimpressionisten, was sich entwickelte, war ein Thema, das war Symbolist In Inhalt, der eher einen Geisteszustand als eine externe Realität darstellt. 1889 präsentierte Munch seine erste Ein-Mann-Show von fast allen bisherigen Werken. Die Anerkennung, die sie erhielt Léon Bonnat.[26]

Munch scheint ein früher Kritiker der Fotografie als Kunstform gewesen zu sein, und bemerkte, dass es "niemals mit der Pinsel und der Palette konkurrieren wird, bis die Zeit wie Fotos im Himmel oder in der Hölle aufgenommen werden können!"[27]

Munchs jüngere Schwester Laura war das Thema seines Innenraums von 1899 Melancholie: Laura. Amanda O'Neill sagt über die Arbeit: "In dieser hitzigen klaustrophobischen Szene porträtiert Munch nicht nur Lauras Tragödie, sondern auch seine eigene Angst vor dem Wahnsinn, den er hätte."[28]

Paris

Munch kam während der Feierlichkeiten des Exposition Universelle (1889) und Zimmer mit zwei norwegischen Künstlern. Sein Bild Morgen (1884) wurde im norwegischen Pavillon ausgestellt.[29] Er verbrachte seinen Morgen in Bonnats geschäftigem Studio (zu dem auch weibliche Models gehörte) und nachmittags auf der Ausstellung, Galerien und Museen (in denen von den Schülern erwartet wurde, dass sie Kopien als Lerntechnik und -beobachtung machen).[30] Munch verzeichnete wenig Begeisterung für Bonnats Zeichenstunden - "Es zählt und langweilt mich - es ist betäubend" -, aber es genoss den Kommentar des Meisters während Museumsreisen.[31][32]

Munch war begeistert von der enormen Darstellung moderner europäischer Kunst, einschließlich der Werke von drei Künstlern, die sich als einflussreich erweisen würden: Paul Gauguin, Vincent van Gogh, und Henri de Toulouse-Lautrec- Alle bemerkenswert dafür, wie sie Farbe verwendeten, um Emotionen zu vermitteln.[32] Munch wurde besonders von Gauguins "Reaktion gegen Realismus" und seinem Credo inspiriert, dass "Kunst menschliches Werk und keine Nachahmung der Natur war", ein Glaube, der zuvor erklärte Whistler.[33] Wie einer seiner Freunde von Berlin später von Munch sagte: "Er muss sich nicht nach Tahiti machen, um den Primitiven in der menschlichen Natur zu sehen und zu erleben. Er trägt seine eigenen Tahiti in sich."[34] Beeinflusst von Gauguin sowie den Radierungen des deutschen Künstlers Max KlingerMunch experimentierte mit Drucken als Medium, um Grafikversionen seiner Werke zu erstellen. 1896 schuf er seine ersten Holzschnitte - ein Medium, das sich als ideal für Munchs symbolische Bilder erwies.[35] Zusammen mit seinem Zeitgenosse Nikolai AstrupMunch gilt als Innovator des Holzschnittmediums in Norwegen.[36]

Im Dezember 1889 starb sein Vater und ließ Munchs Familie mittellos. Er kehrte nach Hause zurück und arrangierte einen großen Kredit eines wohlhabenden norwegischen Sammlers, als wohlhabende Verwandte nicht helfen, und übernahm von da an die finanzielle Verantwortung für seine Familie.[37] Christian's Ded deprimierte ihn und er wurde von Selbstmordgedanken geplagt: "Ich lebe mit den Toten - meine Mutter, meine Schwester, mein Großvater, mein Vater ... töte dich selbst und dann ist es vorbei. Warum leben?"[38] Zu Munchs Gemälden des folgenden Jahres gehörten skizzenhafte Tavernenszenen und eine Reihe heller Stadtlandschaften, in denen er mit dem experimentierte Pointillist Art von Georges Seurat.[39]

Berlin

Melancholie, 1891, Öl, Bleistift und Buntstift auf Leinwand, 73 × 101 cm, Munch Museum, Oslo
Munch im Jahr 1902 im Garten seines Schutzpatrons Dr. Max Linde in Lübeck; Im Hintergrund ist eine Besetzung von Auguste RodinSkulptur Eisenzeit.

Bis 1892 formulierte Munch sein charakteristisches und originelles, Synthetist ästhetisch, wie in ... gesehen Melancholie (1891), in welcher Farbe das symbolbeladene Element ist. Vom Künstler und Journalisten berücksichtigt Christian Krohg Als der erste Symbolist Gemälde von einem norwegischen Künstler, Melancholie wurde 1891 auf der Herbstausstellung in Oslo ausgestellt.[40] 1892, Adelsteen Normann, im Namen der Union der Berliner Künstler eingeladen, Munch zu seiner Ausstellung im November auszustellen.[41] Die erste Ein-Mann-Ausstellung der Gesellschaft. Seine Bilder rief jedoch eine bittere Kontroverse (als "Munch Affair" bezeichnet) hervor, und nach einer Woche schloss die Ausstellung.[41] Munch war mit der "großen Aufregung" zufrieden und schrieb in einem Brief: "Ich hatte nie eine so amüsante Zeit - es ist unglaublich, dass etwas so Unschuldiges wie das Gemälde so einen Aufsehen erzeugen sollte."[42]

In Berlin wurde Munch in einen internationalen Kreis von Schriftstellern, Künstlern und Kritikern, einschließlich des schwedischen Dramatikers und dem führenden Intellektuellen, verwickelt August Strindberg, den er 1892 malte.[43] Er traf auch den dänischen Schriftsteller und Maler Holger Drachmann, den er 1898 malte Zum Schwarzen Ferkel 1893–94.[44] 1894 schrieb Drachmann von Munch: "Er kämpft hart. Viel Glück mit Ihren Kämpfen, einsamer Norweger."[45]

Während seiner vier Jahre in Berlin skizzierte Munch die meisten Ideen, die seine Hauptarbeit umfassen würden. Der Fries des Lebens, zuerst für die Buchillustration entwickelt, aber später in Gemälden ausgedrückt.[46] Er verkaufte wenig, erzielte aber ein Einkommen, um Eintrittsgebühren zu erheben, um seine kontroversen Gemälde zu sehen.[47] Munch zeigte bereits eine Zurückhaltung, sich von seinen Gemälden zu trennen, die er als "Kinder" bezeichnete.

Seine anderen Gemälde, einschließlich Casino -Szenen, zeigen eine Vereinfachung der Form und Details, die seinen frühen reifen Stil markierten.[48] Munch begann auch einen flachen bildlichen Raum und einen minimalen Hintergrund für seine Frontalfiguren zu bevorzugen. Da wurden Posen ausgewählt, um die überzeugendsten Bilder von Geisteszuständen und psychologischen Bedingungen zu erzeugen, wie in Asche, Die Zahlen vermitteln eine monumentale, statische Qualität. Munchs Figuren scheinen Rollen auf einer Theaterbühne zu spielen (Tod im Krankenzimmer), deren Pantomime fester Haltungen verschiedene Emotionen bedeuten; Da jeder Charakter eine einzige psychologische Dimension verkörpert, wie in Der Schrei, Munchs Männer und Frauen begannen symbolischer als realistisch. Er schrieb: "Nicht mehr sollten Innenräume gemalt werden, Menschen lesen und Frauen stricken: Es würde lebende Menschen geben, Atmen und Gefühl, Leiden und Lieben."[49]

Der Schrei

Der Schrei existiert in vier Versionen: zwei Pastelle (1893 und 1895) und zwei Gemälde (1893 und 1910). Es gibt auch mehrere Lithografien von Der Schrei (1895 und später).

Der Pastell von 1895 wurde am 2. Mai 2012 versteigert US$119.922.500, einschließlich Provision. Es ist das farbenfrohste der Versionen[50] und unterscheidet sich für die nach unten aussehende Haltung einer seiner Hintergrundfiguren. Es ist auch die einzige Version, die nicht von einem norwegischen Museum gehalten wird.

Die Version von 1893 wurde aus dem gestohlen Nationalgallerie in Oslo im Jahr 1994 und wurde geborgen. Das Gemälde von 1910 wurde 2004 aus dem gestohlen Munch Museum in Oslo, aber 2006 mit begrenztem Schaden erholt.

Der Schrei ist Munchs berühmtestes Werk und eines der bekanntesten Gemälde aller Kunst. Es wurde weithin als die universelle Angst des modernen Menschen interpretiert.[49] Mit breiten Bändern mit grellem Farben und stark vereinfachten Formen gestrichen und einen hohen Standpunkt verwendet, reduziert es die agonisierte Figur zu einem karbigen Schädel im Rahmen einer emotionalen Krise.

Mit diesem Gemälde erreichte Munch sein erklärtes Ziel, "das Studium der Seele, dh das Studium meines eigenen Selbst zu sagen".[51] Munch schrieb darüber, wie das Gemälde entstand: "Ich ging mit zwei Freunden die Straße entlang, als die Sonne setzte; plötzlich wurde der Himmel rot wie Blut. Ich blieb stehen und lehnte sich gegen den Zaun, fühlte sich unaussprechlich müde. Zungen des Feuers Und Blut erstreckte sich über den bläulichen schwarzen Fjord. Meine Freunde gingen weiter, während ich hinter der Angst zurückbog. Dann hörte ich den riesigen, unendlichen Schrei der Natur. "[52] Später beschrieb er die persönliche Angst hinter dem Gemälde: "Einige Jahre lang war ich fast verrückt ... du kennst mein Bild" Der Schrei? " Ich war bis an die Grenze gestreckt - MEFER schrie in meinem Blut… danach gab ich die Hoffnung auf, jemals wieder zu lieben. "[53]

Im Jahr 2003 verglichen das Gemälde mit anderen großartigen Werken, Kunsthistoriker, Martha Tedeschi schrieb:

Whistlers Mutter, Wald Amerikanische Gotik, Leonardo da Vinci's Mona Lisa und Edvard Munch's Der Schrei Alle haben etwas erreicht, das die meisten Gemälde - unabhängig von ihrer kunsthistorischen Bedeutung, Schönheit oder Geldwert - nicht: Sie haben fast jeden Betrachter eine bestimmte Bedeutung fast sofort mit. Diese wenigen Werke haben den Übergang vom Elite -Reich des Museumsbesuchers zum enormen Ort der Populärkultur erfolgreich gemacht.[54]

Frieze des Lebens - ein Gedicht über Leben, Liebe und Tod

Obwohl es eine höchst ungewöhnliche Darstellung ist, dieses Bild könnte von der sein Jungfrau Maria. Ob das Gemälde speziell als Darstellung von Maria gedacht ist, ist umstritten. Munch benutzte mehr als einen Titel, einschließlich beides Liebevolle Frau und Madonna.[55] Munch ist nicht berühmt für religiöse Kunstwerke und war nicht als Christ bekannt. Die Affinität zu Maria könnte trotzdem als Betonung der Schönheit und Perfektion seines Freundes beabsichtigt sein Dagny Juel-Przybyszewska, das Modell für die Arbeit und ein Ausdruck seiner Anbetung von ihr als Ideal der Weiblichkeit.[56](1894, Öl auf Leinwand, 90 cm × 68 cm (35+12in ×26+34in), Munch Museum, Oslo)

Im Dezember 1893, Uner den Linden In Berlin befand sich die Ausstellung von Munchs Arbeiten, unter anderem sechs Gemälde mit dem Titel " Studium für eine Serie: Liebe. Dies begann einen Zyklus, den er später das nannte Frieze des Lebens - ein Gedicht über Leben, Liebe und Tod. Frieze des Lebens Motive, wie z. Der Sturm und Mondlicht, sind in Atmosphäre durchdrungen. Andere Motive beleuchten die nächtliche Seite der Liebe, wie z. Rose und Amelie und Vampir. Im Tod im KrankenzimmerDas Thema ist der Tod seiner Schwester Sophie, die er in vielen zukünftigen Variationen überarbeitet hat. Der dramatische Fokus des Gemäldes, das seine ganze Familie darstellt, ist in den getrennten und getrennten Figuren der Trauer verteilt. 1894 erweiterte er das Spektrum von Motiven durch Hinzufügen Angst, Asche, Madonna und Frauen in drei Phasen (von Unschuld bis zum Alter).[57]

Ungefähr zu Beginn des 20. Jahrhunderts arbeitete Munch daran, den "Frieze" zu beenden. Er malte eine Reihe von Bildern, einige von ihnen im größeren Format und in gewissem Maße die Jugendstil Ästhetik der Zeit. Er machte einen Holzrahmen mit geschnitzten Reliefs für das große Gemälde Stoffwechsel (1898), ursprünglich genannt Adam und Eva. Diese Arbeit enthüllt Munchs Vorbereitung mit dem "Fall des Menschen" und seiner pessimistischen Liebesphilosophie der Liebe. Motive wie Das leere Kreuz und Golgatha (beide c.1900) reflektieren eine metaphysische Orientierung und reflektieren auch Munchs pietistische Erziehung. Das ganze Fries wurde zum ersten Mal an der gezeigt Sezessionist Ausstellung in Berlin im Jahr 1902.[58]

"The Frieze of Life" Themen treten während der Arbeit von Munch auf, aber er konzentrierte sich besonders Mitte der 1890er Jahre auf sie. In Skizzen, Gemälden, Pastellen und Drucken klopfte er auf die Tiefe seiner Gefühle, um seine Hauptmotive zu untersuchen: die Stadien des Lebens, die Femme Fatale, die Hoffnungslosigkeit von Liebe, Angst, Untreue, Eifersucht, sexueller Demütigung und Trennung im Leben und Trennung und Trennung und Trennung und Trennung und Trennung Tod.[59] Diese Themen werden in Gemälden wie zum Beispiel ausgedrückt Das kranke Kind (1885), Liebe und Schmerz (zurückgeführt Vampir; 1893–94), Asche (1894) und Die Brücke. Letzteres zeigt schlaffe Figuren mit fehlerlosen oder versteckten Gesichtern, über die sich die bedrohlichen Formen schwerer Bäume und brütender Häuser ansehen. Munch porträtierte Frauen entweder als gebrechliche, unschuldige Betroffene (siehe Pubertät und Liebe und Schmerz) oder als Ursache großer Sehnsucht, Eifersucht und Verzweiflung (siehe Trennung, Eifersucht, und Asche).

Munch verwendet oft Schatten und Farbringe um seine Figuren, um eine Aura der Angst, Bedrohung, Angstzustände oder sexueller Intensität zu betonen.[60] Diese Gemälde wurden als Reflexionen der sexuellen Ängste des Künstlers interpretiert, obwohl es auch argumentiert werden konnte, dass sie seine turbulente Beziehung zur Liebe selbst und seinen allgemeinen Pessimismus in Bezug auf die menschliche Existenz darstellen.[61] Viele dieser Skizzen und Gemälde wurden in mehreren Versionen durchgeführt, wie z. Madonna, Hände und Pubertätund auch als Holzblockdrucke und Lithografien transkribiert. Munch hasste es, sich von seinen Gemälden zu trennen, weil er seine Arbeit als einen einzigen Ausdrucksgraden betrachtete. Um seine Produktion zu nutzen und ein Einkommen zu erzielen, wandte er sich an Grafik, um viele seiner Gemälde zu reproduzieren, einschließlich derer in dieser Serie.[62] Munch gab zu den persönlichen Zielen seiner Arbeit zu, aber er bot auch seine Kunst einem breiteren Zweck an: "Meine Kunst ist wirklich ein freiwilliges Geständnis und ein Versuch, mir meine Beziehung zum Leben zu erklären - es ist daher tatsächlich eine Art Egoismus , aber ich hoffe ständig, dass ich dadurch anderen helfen kann, Klarheit zu erreichen. "[63]

Während Munch in den 1890er Jahren stark negative Reaktionen anzogen, erhielt er in den 1890er Jahren ein gewisses Verständnis für seine künstlerischen Ziele, wie ein Kritiker schrieb: "Mit rücksichtsloser Verachtung für Form, Klarheit, Eleganz, Ganzheit und Realismus malt er mit intuitiver Stärke des Talents die meisten subtile Visionen der Seele. "[64] Einer seiner großen Anhänger in Berlin war Walther Rathenau, später der Deutsche Außenminister, der stark zu seinem Erfolg beigetragen hat.

Paris, Berlin und Kristiania

1896 zog Munch nach Paris, wo er sich auf grafische Darstellungen von ihm konzentrierte Frieze des Lebens Themen. Er entwickelte seine Holzschnitt und lithografische Technik weiter. Munchs Selbstporträt mit Skelettarm (1895) erfolgt mit einer Ätz-Nadel-und-In-In-In-In-In-Methode, die ebenfalls von verwendet wird Paul Klee.[65] Munch produzierte auch mehrfarbige Versionen von Das kranke Kind, In Bezug auf Tuberkulose, was gut verkauft wurde, sowie mehrere Akte und mehrere Versionen von Kuss (1892).[65] Im Mai 1896 hielt Siegfried Bing eine Ausstellung von Munchs Arbeiten in Bing's ab MAISON DE L'Art -Jugendlichen. Die Ausstellung zeigte 60 Werke, einschließlich Der Kuss, der Schrei, Madonna, das kranke Kind, die Todeskammer und am Tag danach. Die Ausstellung von Bing trug dazu bei, ein französisches Publikum Munch einzusetzen.[66] Dennoch betrachteten viele der Pariser Kritiker Munchs Arbeiten "gewalttätig und brutal", auch wenn seine Ausstellungen ernsthafte Aufmerksamkeit und gute Besucherzahlen erhielten.[67] Seine finanzielle Situation verbesserte Åsgårdstrand In Norwegen. Er nannte dieses Haus das "Happy House" und kehrte fast jeden Sommer für die nächsten 20 Jahre hierher zurück.[68] Es war dieser Ort, den er verpasste, als er im Ausland war und als er sich depressiv und erschöpft fühlte. "In Åsgårdstrand zu gehen ist wie zwischen meinen Gemälden zu gehen - ich lasse mich so inspirieren, zu malen, wenn ich hier bin."

Harald Nørregaard (1899 von Munch gemalt, Nationalgallerie) war einer von Munchs engsten Freunden seit der Adoleszenz, Beraterin und Anwältin[69]

1897 kehrte Munch nach Kristiania zurück, wo er auch widerwillige Akzeptanz erhielt - ein Kritiker schrieb: "Meiner Anfänger wurden zuvor eine angemessene Anzahl dieser Bilder ausgestellt. Meiner Meinung nach verbessern sich diese Bekanntschaft."[68] 1899 begann Munch eine intime Beziehung zu Tulla Larsen, einer "befreiten" Frau der Oberschicht. Sie reisten zusammen nach Italien und als sie zurückkehrte, begann Munch eine weitere fruchtbare Zeit in seiner Kunst, zu der Landschaften und sein letztes Gemälde in der Serie "The Frieze of Life" gehörten. The Dance of Life (1899).[70] Larsen war gespannt auf die Ehe, aber viel weniger. Sein Trinken und seine schlechte Gesundheit verstärkten seine Ängste, wie er in der dritten Person schrieb: "Seit er ein Kind war, hatte er die Ehe gehasst. Sein krankes und nervöses Zuhause hatte ihm das Gefühl gegeben, dass er kein Recht hatte, zu heiraten."[71] Munch gab Tulla fast nach, floh aber im Jahr 1900 aus ihr, wandte sich ebenfalls von ihrem beträchtlichen Vermögen ab und zog nach Berlin.[71] Seine Mädchen am Steg, erstellt in 18 verschiedenen Versionen, zeigte das Thema weiblicher Jugendlicher ohne negative Konnotationen.[62] 1902 zeigte er seine Werke thematisch in der Halle der Berliner Sezession und produzierte "einen symphonischen Effekt -, es machte eine Menge Antagonismus - und viel Zustimmung".[72] Die Berliner Kritiker begannen, Munchs Arbeit zu schätzen, obwohl die Öffentlichkeit seine Arbeit immer noch fremd und seltsam fand.

Die gute Presseberichterstattung machte die Aufmerksamkeit der einflussreichen Gönner Albert Kollman und Max Linde. Er beschrieb die Wende der Ereignisse in seinem Tagebuch: "Nach 20 Jahren des Kampfes und der Elendkräfte des Guten kamen mir schließlich in Deutschland zu helfen - und eine helle Tür öffnet sich für mich."[73] Trotz dieser positiven Veränderung führte Munchs selbstzerstörerisches und unberechenbares Verhalten ihn zuerst zu einem gewalttätigen Streit mit einem anderen Künstler, dann zu einem zufälligen Schießen in Gegenwart von Tulla Larsen, der zu einer kurzen Versöhnung zurückgekehrt war, die zwei seiner verletzte Finger. Munch saß später ein Selbstporträt, das ihn und Larsen als Folge der Schießerei und der nachfolgenden Ereignisse in zwei Hälften darstellte.[74] Sie verließ ihn schließlich und heiratete einen jüngeren Kollegen von Munch. Munch nahm dies als Verrat an, und er wohnte einige Zeit in der Demütigung und leitete einige der Bitterkeit in neue Gemälde.[75] Seine Gemälde Stillleben (die Mörder) und Der Tod von Marat i, verweist in den Jahren 1906 bis 1907 eindeutig auf den Schießvorfall und die emotionalen Nachwirkungen.[76]

In den Jahren 1903 bis 1904 stellte Munch in Paris aus, wo das Kommen Fauvisten, berühmt für ihre mutigen falschen Farben, sah wahrscheinlich seine Werke und könnte Inspiration in ihnen gefunden haben. Als die Fauves 1906 ihre eigene Ausstellung abhielten, wurde Munch eingeladen und zeigte seine Werke mit ihren.[77] Nach dem Studium der Skulptur von Rodin, Munch mag mit Plasticin als Hilfe zum Design experimentiert haben, aber er produzierte wenig Skulptur.[78] Während dieser Zeit erhielt Munch viele Provisionen für Porträts und Drucke, die seine normalerweise prekäre finanzielle Erkrankung verbesserten.[79] 1906 malte er den Bildschirm für eine Ibsen Spielen Sie im kleinen Kammerspiele -Theater in Berliner Deutsches Theater, in dem die Frieze des Lebens wurde aufgehängt. Der Regisseur des Theaters Max Reinhardt später verkaufte es; Es ist jetzt im Berlin Nationalgalerie.[80] Nach einer früheren Landschaftszeit wandte er 1907 seine Aufmerksamkeit wieder auf menschliche Figuren und Situationen zu.[81]

Aufschlüsselung und Wiederherstellung

Munch im Jahr 1933

Im Herbst 1908 war Munchs Angst, die durch übermäßiges Trinken und Schlägereien verstärkt wurde, akut geworden. Wie er später schrieb: "Mein Zustand war der Wahnsinn - es war Berührung und Go."[82] Vorbehaltlich Halluzinationen und Verfolgungsgefühlen trat er in die Klinik von Daniel Jacobson ein. Das Therapie Munch, die für die nächsten acht Monate erhalten wurden, umfassten Diät und "Elektrifizierung" (eine Behandlung, die dann für Nervenbedingungen modisch ist, nicht zu verwechseln mit Elektroschock-Therapie).[83] Munchs Aufenthalt im Krankenhaus stabilisierte seine Persönlichkeit und nachdem er 1909 nach Norwegen zurückgekehrt war, wurde seine Arbeit farbenfroher und weniger pessimistisch. Die breite Öffentlichkeit von Kristianien war sich weiter auf seine Arbeit aufzurufen, und die Museen begannen, seine Bilder zu kaufen. Er wurde zum königlichen Orden von St. Olav "für Gottesdienste" zum Ritter.[84] Seine erste amerikanische Ausstellung fand 1912 in New York statt.[85]

Im Rahmen seiner Genesung riet Dr. Jacobson Munch, nur mit guten Freunden Kontakte zu knüpfen und zu vermeiden in der Öffentlichkeit trinken. Munch folgte diesem Rat und erzeugte dabei mehrere Porträts in voller Länge mit hoher Qualität von Freunden und Gönnern-honestliche Darstellungen ohne Schmeichelei.[86] Er schuf auch Landschaften und Szenen von Menschen bei der Arbeit und Spiele mit einem neuen optimistischen Stil - Broad, losen Pinselstrichen von lebendiger Farbe mit häufiger Verwendung von Weißraum und seltener Verwendung von Schwarz - mit nur gelegentlichen Hinweisen auf seine krankhaften Themen. Mit mehr Einkommen konnte Munch mehrere Immobilien kaufen, die ihm neue Aussichten für seine Kunst legten, und er konnte endlich für seine Familie sorgen.[87]

Der Ausbruch des Ersten Weltkriegs fand ich Munch mit geteilten Loyalitäten, wie er feststellte: "Alle meine Freunde sind Deutsch, aber es ist Frankreich, die ich liebe."[88] In den 1930er Jahren verloren seine deutschen Gönner, viele Juden, ihr Vermögen und einige ihr Leben während des Aufstiegs der Nazisbewegung.[89] Munch fand, dass norwegische Drucker die Deutschen ersetzen, die seine grafische Arbeit gedruckt hatten.[90] In Anbetracht seiner schlechten Gesundheitsgeschichte hatte Munch im Jahr 1918 das Glück, einen Kampf der spanische Grippe, die weltweite Pandemie dieses Jahres.[91]

Spätere Jahre

Munchs Grab am Friedhof unseres Erlösers, Oslo

Munch verbrachte den größten Teil seiner letzten zwei Jahrzehnte in Einsamkeit auf seinem nahezu autarken Anwesen in EKELY, AN Skøyen, Oslo.[92] Viele seiner späten Gemälde feiern das Farmleben, darunter mehrere, in denen er sein Arbeitspferd "Rousseau" als Model benutzte.[93] Ohne Anstrengung zog Munch einen stetigen Strom weiblicher Modelle an, den er als Untertanen zahlreicher nackter Gemälde malte. Er hatte wahrscheinlich sexuelle Beziehungen zu einigen von ihnen.[94] Munch ließ gelegentlich sein Zuhause, um Wandgemälde in Provision zu malen, einschließlich derjenigen, die für die getan wurden Freia Schokoladenfabrik.[95]

Bis zum Ende seines Lebens malt Munch weiterhin unsparen Selbstporträts und beitrug seinen selbstsuchenden Zyklus seines Lebens und seine unerschütterliche Reihe von Einstellungen seiner emotionalen und physischen Zustände. In den 1930er und 1940er Jahren die Nazis Munchs Arbeit beschriftet "Entartete Kunst"(zusammen mit denen von Picasso, Klee, Matisse, Gauguin und viele andere moderne Künstler) und seine 82 Werke aus deutschen Museen entfernt.[96] Adolf Hitler Ankündigte 1937: "Für alles, was wir interessieren, können diese Barbaristen und Kunststutterer der vor-historischen Steinzeit in die Höhlen ihrer Vorfahren zurückkehren, und es können ihr primitives internationales Kratzer anwenden."[97]

1940 die Die Deutschen fielen in Norwegen ein und die Nazi -Partei übernahm die Regierung. Munch war 76 Jahre alt. Mit fast einer ganzen Sammlung seiner Kunst im zweiten Stock seines Hauses lebte Munch in Angst vor einer nationalsozialistischen Beschlagnahme. Einundsiebzig der zuvor von den Nazis aufgenommenen Gemälde waren durch den Kauf durch Sammler nach Norwegen zurückgekehrt worden (die anderen 11 wurden nie geborgen), einschließlich Der Schrei und Das kranke KindAuch sie waren vor den Nazis verborgen.[98]

Munch starb am 23. Januar 1944 in seinem Haus in Ekely in der Nähe von Oslo, ungefähr einen Monat nach seinem 80. Geburtstag. Seine nationalsozialistische Beerdigung schlug Norwegern vor, er sei ein Nazi-Sympathisant, eine Art Aneignung des unabhängigen Künstlers.[99] Die Stadt Oslo kaufte 1946 das EKELEY -Estate von Munchs Erben; Sein Haus wurde im Mai 1960 abgerissen.[100]

Erbe

Munch Museum, Oslo

Von meinem verrottenden Körper,
Blumen werden wachsen
Und ich bin in ihnen
Und das ist Ewigkeit.

Edward Munch[101]

Als Munch starb, wurden seine verbleibenden Werke der Stadt Oslo hinterlassen, die das baute Munch Museum bei Tøyen (Es wurde 1963 eröffnet). Das Museum enthält eine Sammlung von ungefähr 1.100 Gemälden, 4.500 Zeichnungen und 18.000 Drucken, der breitesten Sammlung seiner Werke der Welt.[102] Das Munch Museum dient als offizielles Nachlass von Munch.[102] Es war aktiv, auf Urheberrechtsverletzungen zu reagieren und das Urheberrecht für die Arbeit zu beseitigen, z. B. das Erscheinungsbild von Munchs Der Schrei in einem 2006 M & Ms Werbekampagne.[103] Der Vertreter des US -amerikanischen Urheberrechts für das Munch Museum und der Nachlass von Edvard Munch ist die Artists Rights Society.[104]

Munchs Kunst war sehr personalisiert und er lehrte wenig. Seine "private" Symbolik war weitaus persönlicher als die anderer symbolistischer Maler wie Gustave Moreau und James Ensor. Munch war immer noch sehr einflussreich, besonders mit dem Deutsche Expressionisten, der seiner Philosophie folgte: "Ich glaube nicht an die Kunst, die nicht das zwanghafte Ergebnis des Drangs des Menschen, sein Herz zu öffnen."[49] Viele seiner Bilder, einschließlich Der Schrei, haben universelle Anziehungskraft zusätzlich zu ihrer sehr persönlichen Bedeutung.

Munchs Werke sind jetzt in zahlreichen großen Museen und Galerien in Norwegen und im Ausland vertreten. Seine Kabine "The Happy House" wurde 1944 der Gemeinde Åsgårdstrand übergeben; Es dient als kleines Munch -Museum. Das Inventar wurde genau so gehalten, wie er es verlassen hat.

Eine Version von Der Schrei wurde 1994 aus der National Gallery gestohlen. 2004 wurde eine weitere Version von Der Schreizusammen mit einem von Madonna, wurde aus dem Munch Museum in einem gewagten Raubüberfall gestohlen. Diese wurden alle schließlich geborgen, aber die Gemälde, die im Raub 2004 gestohlen wurden, wurden ausführlich beschädigt. Sie wurden akribisch restauriert und sind wieder ausgestellt. Drei Munch -Werke wurden aus dem Hotel gestohlen Refsnes Götter im Jahr 2005; Sie wurden in Kürze geborgen, obwohl eines der Arbeiten während des Raubüberfalls beschädigt wurde.[105]

Im Oktober 2006 die Farbe Holzschnitt Zwei Menschen. Der einsame (An Mennesker. De ensomme) Setzen Sie einen neuen Rekord für seine Drucke, als er bei einer Auktion in Oslo für 8,1 Millionen verkauft wurde Kroner (1,27 Mio. USD entsprechen im Jahr 2021 1.700.000 USD). Es stellte auch einen Rekord für den höchsten Preis in der Auktion in Norwegen auf.[106] Am 3. November 2008 das Gemälde Vampir Setzen Sie einen neuen Rekord für seine Bilder, als es für 38.162.000 US -Dollar verkauft wurde (entspricht 48.000.000 USD im Jahr 2021) bei Sotheby's New York.

Munchs Bild erscheint auf dem Norweger 1.000-Kroner-Notezusammen mit Bildern, die von seinem Kunstwerk inspiriert sind.[107]

Im Februar 2012 eine große Munch -Ausstellung, Edward Munch. Das moderne Auge, geöffnet am Schirn Kunsthalle Frankfurt; Die Ausstellung wurde von eröffnet von Mette-Marit, Kronprinzessin von Norwegen.[108][109]

Im Mai 2012, Der Schrei verkauft für 119,9 Mio. USD (entspricht 141.500.000 USD im Jahr 2021) und ist die Zweites teuerste Kunstwerk, das jemals verkauft wurde Bei einer offenen Auktion. (Es wurde im November 2013 von übertroffen von Drei Studien von Lucian Freud, die für 142,4 Millionen US -Dollar verkauft wurden).[110]

Im Jahr 2013 wurden vier von Munchs Gemälden in einer Reihe von Briefmarken von der dargestellt Norwegischer Postdienstzum Gedenken im Jahr 2014 zum 150. Jahrestag seiner Geburt.[111]

Am 14. November 2016 eine Version von Munch's Die Mädchen auf der Brücke verkauft für 54,5 Millionen US -Dollar (entspricht 61.500.000 USD im Jahr 2021) bei Sotheby'sNew York, der es zum zweithöchsten Preis für eines seiner Gemälde macht.[112]

Im April 2019 die Britisches Museum Gastgeber der Ausstellung, Edvard Munch: Liebe und Angst, bestehend aus 83 Kunstwerken und einschließlich eines seltenen Originaldrucks von Der Schrei.[113]

Universität Aula

Die Aula mit Geschichte (links), Die Sonne (Vorderseite), Alma Mater (rechts), kleinere Gemälde an Ecken

1911 fand der endgültige Wettbewerb um die Dekoration der großen Mauern der Universität von Oslo Aula (Montage Hall) zwischen Munch und statt Emanuel Vigeland. Die Episode ist als "Aula -Kontroverse" bekannt. 1914 wurde Munch schließlich beauftragt, die Aula zu dekorieren, und die Arbeiten wurden 1916 abgeschlossen. Diese wichtigsten Arbeiten im norwegischen monumentalen Gemälde umfasst 11 Gemälde, die 223 m abdecken2 (2.400 m²). Die Sonne, Geschichte und Alma Mater sind der Schlüssel in dieser Sequenz. Munch erklärte: "Ich wollte, dass die Dekorationen eine vollständige und unabhängige Welt der Ideen bilden, und ich wollte, dass ihr visueller Ausdruck sowohl norwegisch als auch universell menschlich ist." Im Jahr 2014 wurde vorgeschlagen, dass die Aula -Gemälde einen Wert von mindestens 500 Millionen Kronen haben.[114][115]

Hauptarbeiten

Leben von munch, am Rådhuset (Rathaus) in Oslo. Das Zimmer heißt Der Munch -Raum

Ausgewählte Werke

Akte

Selbstporträt

Landschaften

Fotos

Siehe auch

Verweise

Zitate

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Allgemeine Quellen

Weitere Lektüre

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Externe Links