Zeichnung

Zeichnung ist eine Form von Visuelle Kunst in dem ein Künstler Instrumente benutzt, um zu markieren Papier oder andere zweidimensional auftauchen. Zeichnungsinstrumente umfassen Graphitstifte, Stift und Tinte, verschiedene Arten von Farben, eingefärbt Bürsten, Buntstifte, Buntstifte, Holzkohle, Kreide, Pastelle, Radiergummis, Markierungen, Stileund Metalle (wie z. Silberpoint). Digitale Zeichnung ist das Zeichnen des Zeichnens Grafiksoftware in einem Computer. Gemeinsame Methoden der digitalen Zeichnung umfassen einen Stift oder einen Finger auf a Berührungssensitiver Bildschirm Gerät, Stift- oder Finger-zu-Touchpadoder in einigen Fällen a Maus. Es gibt viele digitale Kunstprogramme und -geräte.

Ein Zeicheninstrument setzt eine kleine Menge Material auf eine Oberfläche frei und hinterlässt eine sichtbare Marke. Die häufigste Unterstützung für das Zeichnen ist Papier, obwohl andere Materialien, wie z. Karton, Holz, Plastik, Leder, Leinwand, und Tafel, wurden verwendet. Temporäre Zeichnungen können auf einem vorgenommen werden Tafel oder Whiteboard. Das Zeichnen war ein populäres und grundlegendes Mittel des öffentlichen Ausdrucks in der gesamten Geschichte der Menschheit. Es ist eines der einfachsten und effizientesten Mittel, um Ideen zu kommunizieren.[1] Die breite Verfügbarkeit von Zeichnen von Instrumenten macht das Zeichnen einer der häufigsten künstlerischen Aktivitäten.

Zusätzlich zu seinen künstlerischeren Formen wird das Zeichnen häufig im Werbespot verwendet Illustration, Animation, die Architektur, Ingenieurwesen, und technische Zeichnung. Eine schnelle, Freihandzeichnung, die normalerweise nicht als fertige Arbeit gedacht ist, wird manchmal als a genannt skizzieren. Ein Künstler Wer praktiziert oder in technischer Zeichnung arbeitet Verfasser, Zeichner oder Zeichner.[2]

Überblick

Galileo Galilei, Phasen des Mondes, 1609 oder 1610, braune Tinte und Wäsche auf Papier. 208 × 142 mm. Nationale Zentralbibliothek (Florenz), Gal. 48, fol. 28r

Das Zeichnen ist eine der ältesten Formen des menschlichen Ausdrucks innerhalb der visuellen Künste. Es befasst sich im Allgemeinen mit der Markierung von Linien und Tonbereichen auf Papier/anderes Material, wo die genaue Darstellung der visuellen Welt auf einer Ebeneoberfläche ausgedrückt wird.[3] Traditionelle Zeichnungen waren einfarbigoder hatte zumindest wenig Farbe,[4] während moderne Zeichnungen farbiger Bleistift eine Grenze zwischen Zeichnen und Malerei nähern oder überschreiten können. In der westlichen Terminologie unterscheidet sich das Zeichnen von der Malerei, obwohl ähnlich Medien Oft werden in beiden Aufgaben eingesetzt. Trockene Medien, die normalerweise mit dem Zeichnen verbunden sind, wie z. B. Kreide, können in verwendet werden Pastell- Gemälde. Das Zeichnen kann mit einem flüssigen Medium erfolgen, das mit Bürsten oder Stiften aufgetragen wird. Ähnliche Stützen können ebenfalls beides dienen: Malerei beinhaltet im Allgemeinen die Anwendung von Flüssigkeitsfarben auf vorbereitete Leinwand oder Paneele, aber manchmal eine unterziehen wird zuerst auf dieselbe Unterstützung gezogen.

Das Zeichnen ist oft explorativ, wobei der Schwerpunkt auf Beobachtung, Problemlösung und Zusammensetzung liegt. Zeichnen werden auch regelmäßig zur Vorbereitung auf ein Gemälde verwendet, wodurch ihre Unterscheidung weiter verschleiert. Zeichnungen für diese Zwecke werden als Studien bezeichnet.

Madame Palmyre mit ihrem Hund, 1897. Henri de Toulouse-Lautrec

Es gibt verschiedene Zeichnungskategorien, einschließlich Figur Zeichnung, Cartooning, kritzelnund Freihand. Es gibt auch viele Zeichenmethoden, wie z. Strichzeichnung, Stipen, Schattierungdie surrealistische Methode von Entopic Graphomania (in denen Punkte an den Stellen von Verunreinigungen in einem leeren Blatt Papier hergestellt werden, und dann werden Linien zwischen den Punkten hergestellt) und Verfolgung (Zeichnen auf einem durchscheinenden Papier, wie z. Transparentpapier, rund um den Umriss der bereits bestehenden Formen, die durch das Papier zeigen).

Eine schnelle, nicht raffinierte Zeichnung kann als a genannt werden skizzieren.

In Feldern außerhalb der Kunst, technische Zeichnungen oder Pläne von Gebäuden, Maschinen, Schaltkreisen und anderen Dingen werden oft als "Zeichnungen" bezeichnet, selbst wenn sie durch Drucken auf ein anderes Medium übertragen wurden.

Geschichte

In Kommunikation

Das Zeichnen ist eine der ältesten Formen des menschlichen Ausdrucks, mit Beweisen für ihre Existenz vor der schriftlichen Kommunikation.[5] Es wird angenommen, dass das Zeichnen als spezielle Kommunikationsform vor der Erfindung der geschriebenen Sprache verwendet wurde.[5][6] demonstriert durch die Produktion von Höhlen- und Felsgemälde vor ungefähr 30.000 Jahren (Kunst des oberen Paläolithikums).[7] Diese als Piktogramme bekannten Zeichnungen, dargestellten Objekte und abstrakte Konzepte.[8] Die von neolithischen Zeiten erzeugten Skizzen und Gemälde wurden schließlich stilisiert und in Symbolsystemen vereinfacht (Proto-Schreiben) und schließlich früh in Schreibsysteme.

In Manuskripten

Vor der weit verbreiteten Verfügbarkeit von Papier, 12. Jahrhundert Mönche In europäischen Klöstern verwendeten komplizierte Zeichnungen, um illustrierte, beleuchtete Manuskripte auf Pergament und Pergament vorzubereiten. Zeichnen wurden auch im Bereich der Wissenschaft als eine Methode zur Entdeckung, Verständnis und Erklärung ausgiebig verwendet.

In der Wissenschaft

Das Zeichnen von Beobachtungsdiagrammen ist ein wichtiger Bestandteil der wissenschaftlichen Studie.

Im Jahr 1609 Astronomer Galileo Galilei erklärte die sich ändernden Phasen der Venus und auch die Sonnenflecken durch seine beobachtenden teleskopischen Zeichnungen.[9] 1924 der Geophysiker Alfred Wegener verwendete Abbildungen, um den Ursprung der Kontinente visuell zu demonstrieren.[9]

Als künstlerischer Ausdruck

Das Zeichnen wird verwendet, um die Kreativität auszudrücken, und ist daher in der Kunstwelt herausragend. Während eines Großteils der Geschichte wurde das Zeichnen als Grundlage für künstlerische Praxis angesehen.[10] Anfangs verwendeten und verwendeten Künstler Holztafeln für die Herstellung ihrer Zeichnungen.[11] Nach der weit verbreiteten Verfügbarkeit von Papier im 14. Jahrhundert nahm die Verwendung von Zeichnen in den Künsten zu. Zu diesem Zeitpunkt wurde das Zeichnen üblicherweise als Instrument für Gedanken und Untersuchungen verwendet und als Studienmedium fungiert, während Künstler sich auf ihre endgültigen Arbeiten vorbereiteten.[12][13] Das Renaissance führte zu einer großartigen Raffinesse in Zeichentechniken und ermöglichte es Künstlern, Dinge realistischer als zuvor darzustellen.[14] und Interesse an Geometrie und Philosophie aufzudecken.[15]

Die Erfindung der ersten weit verbreiteten Form von Fotografie führte zu einer Verschiebung in der Hierarchie der Künste.[16] Die Fotografie bot eine Alternative zum Zeichnen als Methode zur genauen Darstellung visueller Phänomene, und die traditionelle Zeichnungspraxis wurde als wesentliche Fähigkeit für Künstler, insbesondere in der westlichen Gesellschaft, weniger Schwerpunkt gelegt.[9]

Bemerkenswerte Künstler und Zeichner

Das Zeichnen wurde als Kunstform im späten 15. Jahrhundert bedeutend, mit Künstlern und Meistergräber wie Albrecht Dürer und Martin Schongauer (c. 1448-1491), der erste nördliche Graveur, der namentlich bekannt ist. Schongauer kam aus dem Elsass und wurde in eine Familie von Goldschmiede geboren. Albrecht Dürer, ein Meister der nächsten Generation, war auch der Sohn eines Goldschmieds.[17][18]

Alte Meisterzeichnungen spiegeln oft die Geschichte des Landes wider, in dem sie produziert wurden, und die grundlegenden Merkmale einer Nation zu dieser Zeit. In Holland aus dem 17. Jahrhundert, einem protestantischen Land, gab es fast keine religiösen Kunstwerke, und ohne König oder Gericht wurde die meisten Kunst privat gekauft. Zeichnungen von Landschaften oder Genre -Szenen wurden oft nicht als Skizzen, sondern als hoch fertiggestellte Kunstwerke angesehen. Italienische Zeichnungen zeigen jedoch den Einfluss des Katholizismus und der Kirche, die eine wichtige Rolle bei der künstlerischen Schirmherrschaft spielten. Gleiches gilt oft für französische Zeichnungen, obwohl im 17. Jahrhundert die Disziplinen des französischen Klassizismus[19] Bedeutete Zeichnungen waren weniger barock als die freieren italienischen Kollegen, die ein größeres Bewegungsgefühl vermittelten.[20]

Im 20. Jahrhundert Modernismus Ermutigte "fantasievolle Originalität"[21] Und einige Künstleransatz zum Zeichnen wurden weniger wörtlich und abstrakter. Weltbekannte Künstler wie Pablo Picasso, Andy Warhol und Jean-Michel Basquiat haben den Status Quo in Frage gestellt, wobei das Zeichnen im Mittelpunkt ihrer Praxis stand und häufig die traditionelle Technik neu interpretierte.[22]

Die Zeichnungen von Basquiat wurden in vielen verschiedenen Medien hergestellt, am häufigsten Tinte, Bleistift, Filzspitze oder Marker und Ölstift, und er zog auf jede Oberfläche, die zur Hand kam, wie Türen, Kleidung, Kühlschränke, Wände und Baseballhelme.[23]

Die Jahrhunderte haben einen Kanon bemerkenswerter Künstler und Zeichner produziert, jeweils ihre eigene Sprache des Zeichnens, einschließlich:

Materialien

Das Mittel ist die Mittel, mit denen Tinte, Pigment oder Farbe auf die Zeichenfläche geliefert werden. Die meisten Zeichenmedien sind entweder trocken (z. Graphit, Holzkohle, Pastelle, Conté, Silberpoint) oder ein flüssiges Lösungsmittel oder Träger verwenden (Marker, Stift und Tinte). Aquarellstifte können wie gewöhnliche Stifte trocken verwendet werden und dann mit einer nassen Bürste angefeuchtet werden, um verschiedene malerische Effekte zu erzielen. Sehr selten haben Künstler mit (normalerweise dekodiert) gezogen) unsichtbare Tinte. Metalpoint -Zeichnung verwendet normalerweise eine von zwei Metallen: Silber oder Blei.[25] Seltener werden Gold, Platin, Kupfer, Messing, Bronze und Tinpoint verwendet.

Das Papier ist in verschiedenen Größen und Qualitäten erhältlich, von Zeitungen bis hin zu hoher Qualität und relativ teurem Papier, das als einzelne Blätter verkauft wird.[26] Die Papiere variieren in Textur, Farbton, Säure und Festigkeit, wenn sie nass sind. Glattes Papier ist gut, um feine Details zu rendern, aber ein "zahnigeres" Papier hält das Zeichenmaterial besser. Somit ist ein koarigeres Material nützlich, um einen tieferen Kontrast zu erzeugen.

Zeitungspapier und Schreibpapier können für das Üben nützlich und grob sein Skizzen. Transparentpapier wird verwendet, um über eine halbfertige Zeichnung zu experimentieren und ein Design von einem Blatt auf ein anderes zu übertragen. Patronenpapier ist die grundlegende Art von Zeichenpapier in Pads verkauft. Bristol Board und noch schwerere säurfreie Bretter, häufig mit glatten Oberflächen, werden zum Zeichnen feiner Details verwendet und verzerren nicht, wenn Nassmedien (Tinte, Waschungen) aufgetragen werden. Pergament ist extrem glatt und für sehr feine Details geeignet. Durch seine Textur können kaltpressete Aquarellpapier für die Tintenzeichnung bevorzugt werden.

Säurefreies Archivqualitätspapier hält seine Farbe und Textur weit länger als Holzzellstoff basierendes Papier wie z. Zeitungspapier, das wird gelb und wird viel früher spröde.

Die grundlegenden Tools sind a Zeichenbrett oder Tisch,, Bleistiftspitzer und Radiergummiund für Tintenzeichnung,, Löschpapier. Andere verwendete Tools sind Kreiskompass, Lineal, und Set Square. Fixativ wird verwendet, um zu verhindern, dass Bleistift- und Buntstiftspuren verschmieren. Klebeband wird verwendet, um Papier für die Zeichnung der Oberfläche zu sichern und auch einen Bereich zu maskieren, um es frei von versehentlichen Markierungen wie besprühten oder verspritzten Materialien und Wäschen zu halten. Eine Staffelei oder ein schräges Tisch wird verwendet, um die Zeichenoberfläche in einer geeigneten Position zu halten, die im Allgemeinen horizontaler ist als die in der Malerei verwendete Position.

Technik

Raphael, studieren Sie für das, was der wurde Alba Madonnamit anderen Skizzen

Fast alle Entwürfe verwenden ihre Hände und Finger, um die Medien anzuwenden, mit Ausnahme einiger behinderten Personen, die mit Mund oder Füßen zeichnen.[27]

Bevor der Künstler an einem Bild arbeitet, untersucht er normalerweise, wie verschiedene Medien funktionieren. Sie können unterschiedliche Zeichnungsgeräte auf Praxisblättern versuchen, um Wert und Textur zu bestimmen und das Implementierung anzuwenden, um verschiedene Effekte zu erzielen.

Die Wahl des Künstlers, Striche zu zeichnen, wirkt sich auf das Aussehen des Bildes aus. Stift- und Tintenzeichnungen verwenden oft Schraffur - Gruppen paralleler Linien.[28] Cross-Hatching verwendet das Schlüpfen in zwei oder mehr verschiedene Richtungen, um einen dunkleren Ton zu erzeugen. Zerbrochenes Schlüpfen oder Linien mit intermittierenden Pausen, bilden hellere Töne - und die Kontrolle der Dichte der Pausen erreicht eine Tonstufe. Angabe verwendet Punkte, um Ton zu erzeugen, Textur und Schatten. Abhängig von der Methode zum Erstellen von Ton können unterschiedliche Texturen erreicht werden.[29]

Zeichnungen in trockenen Medien verwenden häufig ähnliche Techniken, obwohl Stifte und Zeichnen von Stöcken kontinuierliche Tonschwankungen erzielen können. In der Regel wird eine Zeichnung auf der Grundlage der Hand, die der Künstler bevorzugt. Ein Rechtshänder zeichnet von links nach rechts, um das Bild zu vermeiden. Radiergummis Kann unerwünschte Linien entfernen, Töne aufhellen und Streunerspuren bereinigen. In einer Skizz- oder Umrisszeichnung folgen Linien häufig der Kontur des Motivs und erzeugen Tiefe, indem sie wie Schatten aussehen, die aus einem Licht in der Position des Künstlers geworfen werden.

Manchmal hinterlässt der Künstler einen Abschnitt des Bildes, der unberührt ist, während er den Rest ausfüllt. Die Form des zu konservierenden Bereichs kann mit gestrichen werden Maskierungsflüssigkeit oder aus einem herausgeschnitten Frisket und auf die Zeichenoberfläche aufgetragen, wodurch die Oberfläche vor Streumarkierungen geschützt wird, bis die Maske entfernt ist.

Eine andere Methode zur Erhaltung eines Abschnitts des Bildes besteht darin, ein Sprühanschluss anzuwenden Fixativ zu der Oberfläche. Dies hält loses Material fester zum Blatt und verhindert, dass es verschmiert wird. Das Fixierspray verwendet jedoch typischerweise Chemikalien, die das Atmungssystem schädigen können. Daher sollte es in einem gut belüfteten Bereich wie im Freien eingesetzt werden.

Eine andere Technik ist Subtraktive Zeichnung in dem die Zeichenfläche mit Graphit oder Holzkohle bedeckt und dann gelöscht wird, um das Bild zu erstellen.[30]

Ton

Ein Bleistiftporträt von Henry Macbeth-Raeburnmit Schlüpfen und Schattieren (1909)

Die Schattierung ist die Technik, um die Tonwerte auf dem Papier zu variieren, um den Schatten des Materials sowie die Platzierung der Schatten darzustellen. Sorgfältige Aufmerksamkeit auf reflektiertes Licht, Schatten und Highlights können zu einer sehr realistischen Darstellung des Bildes führen.

Das Mischen verwendet ein Implementierung, um die ursprünglichen Zeichenstriche zu erweichen oder zu verteilen. Das Mischen ist am einfachsten mit einem Medium, das nicht sofort tut Fix selbst, wie Graphit, Kreide oder Holzkohle, obwohl frisch aufgetragene Tinte für einige Effekte verschmiert, nass oder trocken sein kann. Zum Schattieren und Mischen kann der Künstler a verwenden Stumpf mischen, Gewebe, a Knoded Radiergöte, eine Fingerspitze oder eine beliebige Kombination von ihnen. Ein Stück von Chamois ist nützlich zum Erstellen von reibungslosen Texturen und zum Entfernen von Material, um den Ton aufzuhellen. Der kontinuierliche Ton kann mit Graphit auf einer glatten Oberfläche ohne Verschmelzen erreicht werden, aber die Technik ist mühsam und beinhaltet kleine kreisförmige oder ovale Schlaganfälle mit etwas stumpfem Punkt.

Shading -Techniken, die auch Textur in die Zeichnung einführen Schraffur und Angabe. Eine Reihe anderer Methoden erzeugen Textur. Neben der Wahl des Papiers wirken sich das Zeichenmaterial und die Technik auf die Textur aus. Die Textur kann dazu gebracht werden, realistischer zu erscheinen, wenn sie neben einer kontrastierenden Textur gezogen wird. Eine grobe Textur ist offensichtlicher, wenn sie neben einem glatt gemischten Bereich platziert wird. Ein ähnlicher Effekt kann erreicht werden, indem verschiedene Töne nahe beieinander gezogen werden. Eine leichte Kante neben einem dunklen Hintergrund sticht auf das Auge ab und scheint fast über der Oberfläche zu schweben.

Form und Verhältnis

Anteile des menschlichen Körpers

Die Messung der Dimensionen eines Subjekts bei der Blockierung der Zeichnung ist ein wichtiger Schritt, um eine realistische Wiedergabe des Subjekts zu erzeugen. Werkzeuge wie a Kompass Kann verwendet werden, um die Winkel verschiedener Seiten zu messen. Diese Winkel können auf der Zeichenoberfläche reproduziert und dann weitergeleitet werden, um sicherzustellen, dass sie genau sind. Eine andere Form der Messung besteht darin, die relativen Größen verschiedener Teile des Subjekts miteinander zu vergleichen. Ein Finger, der an einem Punkt entlang des Zeichnungsimplements platziert ist, kann verwendet werden, um diese Dimension mit anderen Teilen des Bildes zu vergleichen. EIN Lineal kann beide als als verwendet werden Longere und ein Gerät zur Berechnung von Proportionen.

Variation des Verhältnisses mit dem Alter

Beim Versuch, eine komplizierte Form wie eine menschliche Figur zu zeichnen, ist es zunächst hilfreich, die Form mit einer Reihe primitiver Volumina darzustellen. Fast jede Form kann durch eine Kombination aus Würfel, Kugel, Zylinder und Kegel dargestellt werden. Sobald diese grundlegenden Bände in eine Ähnlichkeit zusammengebaut wurden, kann die Zeichnung in eine genauere und polierte Form verfeinert werden. Die Linien der primitiven Volumina werden entfernt und durch die endgültige Ähnlichkeit ersetzt. Das Zeichnen der zugrunde liegenden Konstruktion ist eine grundlegende Fähigkeit für Repräsentationskunst und wird in vielen Büchern und Schulen unterrichtet. Die richtige Anwendung löst die meisten Unsicherheiten über kleinere Details auf und lässt das endgültige Bild konsistent aussehen.[31]

Eine raffiniertere Kunst von Figur Zeichnung stützt sich auf den Künstler, der ein tiefes Verständnis der Anatomie und der menschlichen Proportionen besitzt. Ein ausgebildeter Künstler ist mit der Skelettstruktur, der gemeinsamen Lage, der Muskelplatzierung, der Sehnenbewegung und der Zusammenarbeit der verschiedenen Teile während der Bewegung vertraut. Dies ermöglicht dem Künstler, natürlichere Posen zu machen, die nicht künstlich steif erscheinen. Der Künstler kennt auch mit der variierenden Proportionen je nach Alter des Subjekts, insbesondere beim Zeichnen eines Porträts.

Perspektive

Eine Künstlerin eine Figur zeichnen aus Wurmperspektive

Die lineare Perspektive ist eine Methode zur Darstellung von Objekten auf einer flachen Oberfläche, so dass die Abmessungen mit Abstand schrumpfen. Jeder Satz paralleler, gerader Kanten eines Objekts, ob ein Gebäude oder eine Tabelle, folgt Linien, die schließlich an einem Fluchtpunkt konvergieren. Typischerweise befindet sich dieser Konvergenzpunkt irgendwo am Horizont, da die Gebäude mit der flachen Oberfläche aufgenommen werden. Wenn mehrere Strukturen miteinander ausgerichtet sind, z. B. Gebäude entlang einer Straße, konvergieren die horizontalen Oberteile und Unterteile der Strukturen typischerweise an einem Fluchtpunkt.

Wenn sowohl die Fronten als auch die Seiten eines Gebäudes gezogen werden, konvergieren die parallelen Linien, die eine Seite bilden, an einem zweiten Punkt entlang des Horizonts (der möglicherweise vom Zeichenpapier ausgesetzt ist). Dies ist eine Zwei-Punkte-Perspektive.[32] Das Konvertieren der vertikalen Linien auf einen dritten Punkt über oder unterhalb des Horizonts erzeugt eine Dreipunktperspektive.

Tiefe kann zusätzlich zum obigen Perspektivansatz auch durch verschiedene Techniken dargestellt werden. Objekte ähnlicher Größe Sollte immer kleiner erscheinen, je weiter sie vom Betrachter stammen. Somit erscheint das Hinterrad eines Wagens etwas kleiner als das Vorderrad. Tiefe kann durch die Verwendung von dargestellt werden Textur. Wenn die Textur eines Objekts weiter wegkommt, wird sie komprimierter und beschäftigt und nimmt einen ganz anderen Charakter an als wenn es nahe wäre. Die Tiefe kann auch dargestellt werden, indem der Kontrast in weiter entfernten Objekten reduziert und ihre Farben weniger gesättigt wird. Dies reproduziert die Wirkung von atmosphärisch Dunst, und lassen Sie sich das Auge hauptsächlich auf Objekte konzentrieren, die im Vordergrund gezogen wurden.

Kunst

Das Komposition des Bildes ist ein wichtiges Element bei der Erzeugung eines interessanten Werkes von Künstlerische Verdienste. Der Künstler plant die Platzierung der Elemente in der Kunst, um Ideen und Gefühlen mit dem Betrachter zu vermitteln. Die Komposition kann den Fokus der Kunst bestimmen und zu einem harmonischen Ganzen führen, das ästhetisch ansprechend und anregend ist.

Das Erleuchtung des Themas ist auch ein Schlüsselelement bei der Erstellung eines künstlerischen Stücks und das Zusammenspiel von Licht und Schatten ist eine wertvolle Methode in der Toolbox des Künstlers. Das Platzierung der Lichtquellen kann einen erheblichen Unterschied in der Art der Nachricht machen, die präsentiert wird. Mehrere Lichtquellen können beispielsweise alle Falten im Gesicht einer Person ausspülen und ein jugendlicheres Aussehen verleihen. Im Gegensatz dazu kann eine einzelne Lichtquelle wie das harte Tageslicht dazu dienen, jede Textur oder interessante Merkmale hervorzuheben.

Beim Zeichnen eines Objekts oder einer Figur achtet der erfahrene Künstler sowohl auf den Bereich innerhalb der Silhouette als auch auf das, was draußen liegt. Das Äußere wird als als als bezeichnet negativer Raumund kann in der Darstellung genauso wichtig sein wie die Abbildung. Objekte, die im Hintergrund der Figur platziert sind, sollten ordnungsgemäß platziert erscheinen, wo immer sie angezeigt werden können.

A lernen ist ein Entwurfszeichnung, der zur Vorbereitung auf ein geplantes endgültiges Bild erstellt wird. Studien können verwendet werden, um die Erscheinungen bestimmter Teile des abgeschlossenen Bildes zu bestimmen oder mit dem besten Ansatz zur Erreichung des Endziels zu experimentieren. Eine gut ausgearbeitete Studie kann jedoch selbst ein Kunstwerk sein, und viele Stunden sorgfältiger Arbeit können in die Fertigstellung einer Studie eingehen.

Verfahren

Eine junge Frau zeichnet die Barberini Faun in München

Individuen zeigen Unterschiede in ihrer Fähigkeit, visuell genaue Zeichnungen zu erstellen.[33] Eine visuell genaue Zeichnung wird als "als ein bestimmtes Objekt zu einem bestimmten Zeitpunkt und in einem bestimmten Raum erkannt, das mit wenig Hinzufügen von visuellen Details gerendert wird, die nicht im dargelegten Objekt oder mit wenig visueller Details zu sehen sind".[34]

Investigative Studien zielten darauf ab, die Gründe zu erklären, warum einige Personen besser zeichnen als andere. Eine Studie stellte vier wichtige Fähigkeiten im Ziehprozess auf: motorische Fähigkeiten, die für die Markierung erforderlich sind, die eigene Wahrnehmung ihrer Zeichnung, die Wahrnehmung der gezogenen Objekte und die Fähigkeit, gute Repräsentationsentscheidungen zu treffen.[34] Nach dieser Hypothese haben mehrere Studien versucht zu dem Schluss, welcher dieser Prozesse am signifikantesten ist, um die Genauigkeit von Zeichnungen zu beeinflussen.

Zeichnungsprozess in der Akademisches Studium eines männlichen Oberkörpers durch Jean-Auguste-Dominique Ingres (1801, Nationalmuseum, Warschau)
Motorsteuerung

Die motorische Steuerung ist eine wichtige physikalische Komponente in der „Produktionsphase“ des Zeichnungsprozesses.[35] Es wurde vermutet, dass die motorische Kontrolle eine Rolle bei der Zeichnungsfähigkeit spielt, obwohl ihre Auswirkungen nicht signifikant sind.[34]

Wahrnehmung

Es wurde vermutet, dass die Fähigkeit eines Individuums, ein Objekt zu erkennen, das sie zeichnen, die wichtigste Phase des Zeichnungsprozesses ist.[34] Dieser Vorschlag wird durch die Entdeckung einer robusten Beziehung zwischen Wahrnehmung und Zeichnungsfähigkeit gestützt.[36]

Dieser Beweis war die Grundlage von Betty Edwards'How-to-to-Traw-Buch, Zeichnen auf der rechten Seite des Gehirns.[37] Edwards zielte darauf ab, ihren Lesern zu zeichnen, basierend auf der Entwicklung der Wahrnehmungsfähigkeiten des Lesers.

Darüber hinaus der einflussreiche Künstler und Kunstkritiker John Ruskin betonte die Bedeutung der Wahrnehmung im Zeichnungsprozess in seinem Buch Die Elemente des Zeichnens.[38] Er erklärte, dass "ich fast überzeugt bin, dass es nur sehr wenig schwierig ist, das zu zeichnen, was wir sehen, wenn wir soweit genug sehen".

Visueller Speicher

Es wurde auch gezeigt, dass dies die Fähigkeit beeinflusst, visuell genaue Zeichnungen zu erstellen.Kurzzeitgedächtnis spielt eine wichtige Rolle beim Zeichnen, wenn sich der Blick zwischen dem Objekt, das sie zeichnen, und der Zeichnung selbst verändert.[39]

Entscheidung fällen

Einige Studien, in denen Künstler mit Nichtkünstlern verglichen werden, haben festgestellt, dass Künstler beim Zeichnen mehr Zeit damit verbringen, strategisch nachzudenken. Insbesondere verbringen Künstler mehr Zeit mit „metakognitive“ Aktivitäten, z.[40]

Siehe auch

Verweise

Anmerkungen

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Weitere Lektüre

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