Dokumentation

"Dokumentarfilm" leitet hier weiter. Für andere Verwendungen siehe Dokumentarfilm (Disambiguierung).
A 16 mm Frühlingswunde Bolex Reflexkamera "H16"-eine beliebte Einstiegskamera, die in Filmschulen verwendet wird

A Dokumentation oder Dokumentarfilm ist eine Sachbücher Bewegungsfaktor beabsichtigt, "Realität zu dokumentieren, vor allem zum Zwecke des Unterrichts, der Bildung oder der Aufrechterhaltung a historischer Rekord".[1] Bill Nichols hat den Dokumentarfilm in Bezug auf "a" charakterisiert Filmemachen Praxis, eine filmische Tradition und Art des Publikumsempfangs [das bleibt] eine Praxis ohne klare Grenzen. "[2]

Frühe Dokumentarfilme, ursprünglich genannt "Wirklichkeitsfilme", dauerte eine Minute oder weniger. Im Laufe der Zeit haben sich die Dokumentarfilme zu einer längeren Länge entwickelt und mehr Kategorien einbeziehen. Einige Beispiele sind lehrreich, Beobachtungs und docUfiction. Dokumentarfilme sind sehr informativund werden häufig innerhalb von Schulen als Ressource verwendet, um verschiedene Unterricht zu unterrichten Prinzipien. Dokumentarfilmer sind die Verantwortung, ihrer Vision der Welt ehrlich zu sein, ohne absichtlich ein Thema falsch darzustellen.

Social-Media-Plattformen (wie zum Beispiel Youtube) haben eine Möglichkeit für das Wachstum des Dokumentarfilms bereitgestellt.Filmgenre. Diese Plattformen haben den Verteilungsbereich und die Erziehungsfähigkeit erhöht.

Definition

Die Abdeckung von Bolesław Matuszewski1898 Buch Une Nouvelle Source de l'histoire. (Eine neue Quelle der Geschichte), Die erste Veröffentlichung über die Dokumentarfunktion der Kinematographie.

Polnischer Schriftsteller und Filmemacher Bolesław Matuszewski war unter denen, die die Art des Dokumentarfilms identifizierten. Er schrieb zwei der frühesten Texte zum Kino Une nouvelle source de l'histoire (Eng. Eine neue Quelle der Geschichte) und La fotografie animée (Eng. Animated Photography). Beide wurden 1898 in Französisch und zu den frühen geschriebenen Werken veröffentlicht, um den historischen und dokumentarischen Wert des Films zu betrachten.[3] Matuszewski gehört auch zu den ersten Filmemachern, die die Schaffung eines Filmarchivs vorschlagen, um sichere visuelle Materialien zu sammeln und zu halten.[4]

Das Wort "Dokumentarfilm" wurde vom schottischen Dokumentarfilmfilm geprägt John Grierson in seiner Rezension von Robert FlahertyFilm Moana (1926), veröffentlicht in der New Yorker Sonne am 8. Februar 1926, geschrieben von "The Moving Googin" (ein Pseudonym für Grierson).[5]

Griersons Prinzipien des Dokumentarfilms waren, dass das Potenzial des Kinos, das Leben zu beobachten, in einer neuen Kunstform ausgenutzt werden konnte. Dass der "originelle" Schauspieler und die "originelle" Szene bessere Führer sind als ihre Fiktionskollegen, um die moderne Welt zu interpretieren; und diese Materialien, die "so aus dem Roh entnommen" werden können, können realer sein als der gespielte Artikel. In dieser Hinsicht ist Griersons Definition des Dokumentarfilms als "kreative Behandlung der Aktualität"[6] hat mit dieser Position in Abweichung mit dem sowjetischen Filmemacher eine gewisse Akzeptanz gewonnen Dziga Vertov's Provokation, um "Leben so wie es ist" zu präsentieren (dh, das Leben filmisch gefilmt) und "Leben, die nicht bewusstes gefangen werden" (das Leben provoziert oder überrascht von der Kamera).

Der amerikanische Filmkritiker Pare Lorentz Definiert einen Dokumentarfilm als "dramatisch" einen "sachlichen Film".[7] Andere geben weiter an, dass sich ein Dokumentarfilm von den anderen Arten von Sachbuchfilmen zur Abgabe einer Meinung und einer bestimmten Botschaft zusammen mit den von ihm präsentierten Fakten abhebt.[8] Die Gelehrte Betsy McLane behauptete, dass Dokumentarfilme für Filmemacher seien, um ihre Ansichten über historische Ereignisse, Menschen und Orte zu vermitteln, die sie für bedeutend halten.[9] Daher besteht der Vorteil der Dokumentarfilme darin, neue Perspektiven einzuführen, die in traditionellen Medien wie schriftlichen Veröffentlichungen und Schullehrplänen möglicherweise nicht weit verbreitet sind.[10]

Dokumentarfilmpraxis ist der komplexe Prozess des Erstellens von Dokumentarfilmprojekten. Es bezieht sich auf das, was Menschen mit Mediengeräten, Inhalten, Form und Produktionsstrategien tun, um die kreativen, ethischen und konzeptionellen Probleme und Entscheidungen anzugehen, die bei der Dokumentarfilme auftreten.

Dokumentarfilms -Filmemachen kann als Form von Journalismus, Interessenvertretung oder persönlichem Ausdruck verwendet werden.

Geschichte

Vor 1900

Der frühe Film (vor 1900) wurde von der Neuheit der Darstellung eines Ereignisses dominiert. Es waren Single-Shot-Momente, die im Film festgehalten wurden: einen Zug, der in eine Bahnhof eindrang, ein Bootsdocking oder Fabrikarbeiter, die die Arbeit verließen. Diese Kurzfilme wurden als "Aktualität" -Filme bezeichnet; Der Begriff "Dokumentarfilm" wurde erst 1926 geprägt. Viele der ersten Filme, wie sie beispielsweise von denen gemacht wurden Auguste und Louis Lumièrewaren aufgrund technologischer Einschränkungen (Beispiel auf YouTube) eine Minute oder weniger in Länge.

Filme, die viele Menschen zeigten (zum Beispiel, eine Fabrik, wurden aus kommerziellen Gründen gedreht: Die Menschen, die gefilmt wurden, waren gespannt auf die Zahlung, um sie zu bezahlen, wie der Film ihnen zeigte. Ein bemerkenswerter Film fuhr über anderthalb Stunden ein. The Corbett-Fitzsimmons Fight. Verwendung der Pionierartin der Film-Looping-Technologie, Henoch J. Rektor präsentierte die Gesamtheit eines berühmten Preiskampfs von 1897 auf Kino-Bildschirmen in den USA.

Im Mai 1896, Bolesław Matuszewski Aufgenommen auf Film einige chirurgische Operationen in Warschau und Sankt Petersburg Krankenhäuser. 1898 der französische Chirurg Eugène-Louis Doyen eingeladener Bolesław Matuszewski und Clément Maurice und schlug sie vor, seine chirurgischen Operationen aufzuzeichnen. Sie begannen in Paris eine Reihe chirurgischer Filme kurz vor Juli 1898.[11] Bis 1906, dem Jahr seines letzten Films, verzeichnete Doyen mehr als 60 Operationen. Doyen sagte, dass seine ersten Filme ihm beigebracht haben, wie man professionelle Fehler korrigierte, die er nicht bewusst war. Für wissenschaftliche Zwecke kombinierte Doyen nach 1906 15 seiner Filme in drei Zusammenstellungen, von denen zwei überleben, die Six-Film-Serie Extirpation des Tumers Kapsel (1906) und der Vierfilm Les Opérations Sur la Cavité Crânienne (1911). Diese und fünf andere von Doyens Filmen überleben.[12]

Rahmen aus einem von einem von Gheorghe MarinescuScience Films (1899).

Zwischen Juli 1898 und 1901 der rumänische Professor Gheorghe Marinescu machte mehrere Wissenschaftsfilme in seinem Neurologie Klinik in Bukarest:[13] Walking -Probleme von organischen Hemiklus (1898), Die wandelnden Probleme der organischen Paraplegien (1899), Ein Fall von hysterischer Hemiplegie, die durch Hypnose geheilt wurde (1899), Die wandelnden Probleme der progressiven Fortbewegungsataxie (1900) und Krankheiten der Muskeln (1901). Alle diese Kurzfilme wurden erhalten. Der Professor nannte seine Werke "Studien mit Hilfe des Kinematographen" und veröffentlichte die Ergebnisse zusammen mit mehreren aufeinanderfolgenden Frames in Fragen von La semaine médicale Magazin aus Paris, zwischen 1899 und 1902.[14] 1924 erkannte Auguste Lumiere die Vorzüge von Marinescus wissenschaftlichen Filmen: "Ich habe Ihre wissenschaftlichen Berichte über die Verwendung des Kinematografen in Studien über nervöse Krankheiten gesehen, als ich noch erhielt La semaine médicaleAber damals hatte ich andere Bedenken, die mir keine Freizeit machten, um biologische Studien zu beginnen. Ich muss sagen, ich habe diese Arbeiten vergessen und ich bin Ihnen dankbar, dass Sie sie an mich erinnert haben. Leider sind nicht viele Wissenschaftler Ihnen gefolgt. "[15][16][17]

1900–1920

Geoffrey Malins mit einem Aeroskop Kamera während des Ersten Weltkriegs I.

Reisebergerfilme waren zu Beginn des 20. Jahrhunderts sehr beliebt. Sie wurden oft von Distributoren als "Scenics" bezeichnet. Szenen gehörten zu den beliebtesten Filmen zu dieser Zeit.[18] Ein wichtiger früher Film, der über das Konzept des landschaftlichen Hintergrunds hinausging, war Im Land der Kopfjäger (1914), das umarmte Primitivismus und Exotik In einer inszenierten Geschichte, die als wahrheitsgemäße Nachstellungen des Lebens von präsentiert wird Amerikanische Ureinwohner.

Kontemplation ist ein separater Bereich. Pathé ist der bekannteste globale Hersteller solcher Filme des frühen 20. Jahrhunderts. Ein lebendiges Beispiel ist Moskau in Schnee gekleidet (1909).

In dieser Zeit erschienen biografische Dokumentarfilme wie das Feature Eminescu-Veronica-Creargă (1914) über die Beziehung zwischen den Autoren Mihai eminescu, Veronica micle und Ion CreaRGă (alle zum Zeitpunkt der Produktion verstorben) veröffentlicht von der Bukarest Kapitel von Pathé.

Frühe Farbfilme -Filmprozesse wie z. Kinemacolor- Bekannt für die Funktion Mit unserem König und unserer Königin durch Indien (1912) - und Prizmacolor-bekannt für Überall mit Prizma (1919) und das Fünf-Rollen-Feature Bali das Unbekannte (1921) - verwendete Reiseberichte, um die neuen Farbprozesse zu fördern. Im Gegensatz, Technicolor Konzentrierte sich hauptsächlich darauf, ihren Prozess von Hollywood Studios für fiktive Spielfilme einzulegen.

Auch während dieser Zeit, Frank Hurley's Feature -Dokumentarfilm, Süden (1919) über die Imperial Trans-Antarctic Expedition wurde veröffentlicht. Der Film dokumentierte die fehlgeschlagene Antarktische Expedition unter der Leitung Ernest Shackleton 1914.

1920er Jahre

Romantik

Nanook des Nordens Poster.

Mit Robert J. Flaherty's Nanook des Nordens Im Jahr 1922 umarmte Dokumentarfilm Romantik; Flaherty filmte während dieser Zeit eine Reihe stark inszenierter romantischer Filme und zeigte oft, wie seine Untertanen 100 Jahre zuvor gelebt hätten und nicht wie sie sofort gelebt hätten. Zum Beispiel in Nanook des NordensFlaherty erlaubte seinen Untertanen nicht, mit einer nahe gelegenen Schrotflinte einen Walross zu schießen, aber sie ließ sie stattdessen eine Harpune benutzen. Einige von Flahertys Inszenierung, wie z. B. ein Dach ohne Dach bauen Iglu Für Innenaufnahmen wurde erledigt, um die Drehtechnologie der Zeit zu unterbringen.

Paramount Pictures versuchte, den Erfolg von Flaherty's zu wiederholen Nanook und Moana mit zwei romantisierten Dokumentarfilmen, Gras (1925) und Chang (1927), beide inszeniert von Merian Cooper und Ernest Schoedsack.

Stadtsymphonie

Die Stadtsymphonie Sub Filmgenre war Avantgarde-Filme In den 1920er und 1930er Jahren. Diese Filme wurden besonders von beeinflusst von moderne Kunst; nämlich Kubismus, Konstruktivismus, und Impressionismus.[19] Entsprechend Kunsthistoriker und Autor Scott MacDonald,[20] City-Symphony-Filme können als "eine Kreuzung zwischen Dokumentarfilm und Avantgarde-Film: An beschrieben werden: An Avant-Doc";[19]

Frühe Titel, die in diesem Genre produziert werden, umfassen: Manhatta (New York; Dir. Paul Strand1921); Rien que les heures/Nichts als die Stunden (Frankreich; Dir. Alberto Cavalcanti1926); Vierundzwanzig Dollar Island (Dir. Robert J. Flaherty1927); Études Sur Paris (Dir. André Sauvage, 1928); Die Brücke (1928) und Regen (1929), beide von Joris Ivens; São Paulo, Sinfonia da Metrópole (Dir. Adalberto Kemeny, 1929), Berlin: Symphonie einer Metropole (Dir. Walter Ruttmann1927); Mann mit einer Filmkamera (Dir. Dziga Vertov, 1929) und Douro, Faina Fluvial (Dir. Manoel de Oliveira1931).

In diesem Schuss von Walter Ruttmann's Berlin, Symphonie einer großartigen Stadt (1927) rennen Radfahrer drinnen. Der Film wird wie ein visuelles Poem gedreht und bearbeitet.

Ein Stadtsymphoniefilm, wie der Name schon sagt, basiert am häufigsten auf einem Major Großstadt Bereich und versucht, das Leben, die Ereignisse und Aktivitäten der Stadt zu erfassen. Es kann sein abstrakt Kinematographie (Walter Ruttman's Berlin) oder verwenden können Sowjetische Montage -Theorie (Dziga Vertov, Mann mit einer Filmkamera); Vor allem ist ein Stadtsymphoniefilm eine Form von Cinepoetrie im Stil eines "erschossen und bearbeitet werden"Symphonie".

In diesem Schuss von Mann mit einer Filmkamera, Mikhail Kaufman fungiert als Kameramann, das sein Leben auf der Suche nach dem besten Schuss riskiert

Die kontinentale Tradition (Sehen: Realismus) konzentrierte sich auf Menschen in Menschen mit Menschen und beinhaltete die sogenannten. "Stadtsymphonie"Filme wie Walter Ruttmanns, Berlin, Symphonie einer Stadt (von welchem Grierson in einem Artikel notiert[21] das Berlin, dargestellt, was ein Dokumentarfilm nicht sein sollte); Alberto Cavalcanti, Rien que les heures; und Dziga Vertovs Mann mit einer Filmkamera. Diese Filme neigen dazu, Menschen als Produkte ihrer Umgebung zu zeigen und sich in Richtung Avantgarde zuzuwenden.

Kino-Pravda

Dziga Vertov war zentral für den Sowjet Kino-Pravda (buchstäblich "Cinematic Truth") Newsreel -Serie der 1920er Jahre. Vertov glaubte, dass die Kamera-mit ihren abwechslungsreichen Objektiven, Schuss-Shot-Bearbeitung, Zeitraffer, Verlangsamung, Stop-Bewegung und schneller Bewegung-die Realität genauer machen könnte als das menschliche Auge und daraus eine Filmphilosophie daraus heraus .

Nachrichtenschautradition

Das Wochenschau Tradition ist im Dokumentarfilm wichtig; Die Nachrichtenbänder wurden manchmal auch inszeniert, aber normalerweise wurden nach Anlagen von Ereignissen, die bereits stattgefunden hatten, und nicht Versuche, Ereignisse zu lenken, da sie gerade stattfanden. Zum Beispiel wurde ein Großteil des Kampfmaterials aus dem frühen 20. Jahrhundert inszeniert; Der Kameramänner würde normalerweise nach einem großen Kampf vor Ort ankommen und Szenen nachdenken, um sie zu filmen.

1930er bis 1940er Jahre

Die propagandistische Tradition besteht aus Filmen, die mit dem ausdrücklichen Zweck gedreht wurden, ein Publikum eines Punktes zu überzeugen. Eine der berühmtesten und kontroversen Propaganda -Filme ist Leni RiefenstahlFilm Triumph des Willens (1935), die die 1934 aufzeichneten Nazi -Parteikongress und wurde von beauftragt von Adolf Hitler. Linke Filmemacher Joris Ivens und Henri Storck gerichtet Borinage (1931) über die belgische Kohleabbauregion. Luis Buñuel leitete a "Surrealist"Dokumentarfilm Las Hurdes (1933).

Pare Lorentz's Der Pflug, der die Ebenen brach (1936) und Der Fluss (1938) und Willard Van Dyke's Die Stadt (1939) sind bemerkenswert Neues Geschäft Produktionen, die jeweils komplexe Kombinationen von sozialem und ökologischem Bewusstsein, staatlicher Propaganda und linke Gesichtspunkten präsentieren. Frank Capra's Warum wir kämpfen (1942–1944) Serie war eine Nachrichtenreel -Serie in den Vereinigten Staaten, die von der Regierung in Auftrag gegeben wurde, um die US -Öffentlichkeit davon zu überzeugen, dass es Zeit war, in den Krieg zu ziehen. Constance Bennett und ihr Ehemann Henri de la Falaise produzierte zwei Dokumentarfilme mit Spiellängen, Legong: Tanz der Jungfrauen (1935) gefilmt in Bali, und Kilou der Mörder Tiger (1936) gefilmt in Indochina.

In Kanada die Filmbrett, eingerichtet von John Grierson, wurde aus den gleichen Propaganda -Gründen erstellt. Es schuf auch Nachrichtenaufwälle, die von ihren nationalen Regierungen als legitime Gegenpropaganda für den psychologischen Krieg von angesehen wurden Nazi- Deutschland (orchestriert von Joseph Goebbels).

Die Konferenz der "World Union of Dokumentarfilme" im Jahr 1948 war in Warschau berühmte Regisseure der Ära: Basil Wright (auf der Linken), Elmar Klos, Joris Ivens (2. von rechts) und Jerzy Toeplitz.

In Großbritannien kamen verschiedene Filmemacher unter John Grierson zusammen. Sie wurden als die bekannt Dokumentarfilmbewegung. Grierson, Alberto Cavalcanti, Harry Watt, Basil Wright, und Humphrey Jennings Unter anderem gelang es, Propaganda, Informationen und Bildung mit einem poetischeren ästhetischen Ansatz zum Dokumentarfilm zu mischen. Beispiele für ihre Arbeiten sind Drifter (John Grierson), Lied von Ceylon (Basil Wright), Feuer wurden begonnen, und Ein Tagebuch für Timotheus (Humphrey Jennings). Ihre Arbeit umfasste Dichter wie W. H. Auden, Komponisten wie Benjamin Brittenund Schriftsteller wie J. B. Priestley. Zu den bekanntesten Filmen der Bewegung gehören Nachtpost und Streb.

Film Mr. Schmied (1943) war Anti-Nazi-Farbfilm[22][23][24] erstellt von Stefan -Themenson und sowohl Dokumentarfilm als auch Avantgarde-Film gegen den Krieg zu sein. Es war einer der ersten Anti-Nazi-Filme in der Geschichte.

1950er bis 1970er Jahre

Lennart Meri (1929–2006) die zweite Präsident der Republik Estland, leitete Dokumentarfilme einige Jahre vor seiner Präsidentschaft. Sein Film the Winde der Milchstraße gewann eine Silbermedaille am New Yorker Filmfestival 1977.[25][26][27]

Cinéma-vérité

Cinéma Vérité (oder die eng verwandten Direktes Kino) war abhängig von einigen technischen Fortschritten: leichte, ruhige und zuverlässige Kameras und tragbarer Synchronisation.

Cinéma Vérité und ähnliche Dokumentarfilmtraditionen können daher in einer breiteren Perspektive als Reaktion gegen studiobasierte Filmproduktionsbeschränkungen gesehen werden. Das Schießen vor Ort mit kleineren Besatzungen würde auch in der passieren Französische neue WelleDie Filmemacher nutzen die technologischen Fortschritte, die kleinere, handgehaltene Kameras und synchronisierte Sound für Filmereignisse vor Ort ermöglichen.

Obwohl die Begriffe manchmal austauschbar verwendet werden, gibt es wichtige Unterschiede zwischen Cinéma vérité (Jean Rouch) und der Nordamerika "Direktes Kino"(oder genauer gesagt" Cinéma Direct "), unter anderem von Kanadiern Pionierarbeiter Allan King, Michel Brault, und Pierre Perrault,[28] und Amerikaner Robert Drew, Richard Leacock, Frederick Wiseman und Albert und David Maysles.

Die Direktoren der Bewegung nutzen unterschiedliche Ansichten zu ihrem Grad der Beteiligung an ihren Probanden. Kopple und Pennebaker wählen beispielsweise nicht involviert (oder zumindest keine offene Beteiligung), und Perrault, Rouch, Koenig und Kroitor bevorzugen eine direkte Beteiligung oder sogar Provokation, wenn sie dies für notwendig halten.

Die Filme Chronik eines Sommers (Jean Rouch), Schauen Sie nicht zurück (D. A. Pennebaker), Graue Gärten (Albert und David Maysles), Titicut follies (Frederick Wiseman), Primär und Krise: Hinter einer Präsidentschaftsbindung (beide produziert von Robert Drew), Harlan County, USA (unter der Regie von Barbara Kopple), Einsamer Junge (Wolf Koenig und Roman Kroitor) werden alle häufig als angesehen Cinéma Vérité Filme.

Zu den Grundlagen des Stils gehören die Befolgen einer Person während einer Krise mit einem bewegenden, oft Handheld und Kamera, um mehr persönliche Reaktionen zu erfassen. Es gibt keine Sitzinterviews und die Schießverhältnis (Die Menge an Film, die zum fertigen Produkt gedreht wurde) ist sehr hoch und erreicht oft 80 zu eins. Von dort aus finden und formen die Redakteure die Arbeit in einen Film. Die Redakteure der Bewegung - wie zum Beispiel als Werner Nold, Charlotte Zwerin, Muffie Myers, Susan Froemke, und Ellen Hovde-werden oft übersehen, aber ihr Beitrag zu den Filmen war so wichtig, dass sie oft Co-Direktor-Credits erhielten.

Zu den berühmten Cinéma Vérité/Direct Cinema -Filmen gehören Les Raquetteurs,[29] Showman, Verkäufer, Dem Tode nahe, und Die Kinder beobachteten.

Politische Waffen

In den 1960er und 1970er Jahren wurde der Dokumentarfilm oft als politische Waffe gegen Neokolonialismus und Kapitalismus Im Allgemeinen, insbesondere in Lateinamerika, aber auch in einem Veränderung Quebec Gesellschaft. La Hora de Los Hornos (Die Stunde der Öfen, ab 1968), inszeniert von Octavio Getino und Arnold Vincent Kudales Sr. beeinflusste eine ganze Generation von Filmemachern. Zu den vielen politischen Dokumentarfilmen, die in den frühen 1970er Jahren produziert wurden Salvador Allende Regierung in Chile durch Militärführer unter Augusto Pinochet, produziert von den Dokumentarern Ari Martinez und José Garcia.

Ein 28. Juni 2020, Artikel von Die New York Times Gespräche über einen politischen Dokumentarfilm "und sie könnte als nächstes sein" unter der Regie von Grace Lee und Marjan Safinia. Der Dokumentarfilm konzentriert sich nicht nur auf die Rolle von Frauen in der Politik, sondern auch auf die Frauen der Farbe, ihre Gemeinschaften und die bedeutenden Veränderungen, die sie in der amerikanischen Politik bewirken.[30]

Moderne Dokumentarfilme

Kassenanalysten haben festgestellt, dass dieses Filmgenre in der Theaterveröffentlichung mit Filmen wie immer erfolgreicher geworden ist Fahrenheit 9/11, Super Size Me, Food, Inc., Erde, Marsch der Pinguine, und Eine unbequeme Wahrheit zu den bekanntesten Beispielen. Im Vergleich zu dramatischen Erzählfilmen haben Dokumentarfilme in der Regel weitaus niedrigere Budgets, was sie für Filmunternehmen attraktiv macht, da selbst eine begrenzte Theaterveröffentlichung hochprofitabel sein kann.

Die Natur der Dokumentarfilme wurde in den letzten 20 Jahren aus dem in den 1960er Jahren eingeführten Cinéma Vérité -Stil erweitert, in dem die Verwendung tragbarer Kamera und Soundgeräte eine enge Beziehung zwischen Filmemacher und Subjekt ermöglichte. Die Linie verwischt zwischen Dokumentarfilm und Erzählung und einigen Werken sind sehr persönlich, wie z. Marlon Riggs's Zungen losgelassen (1989) und Schwarz ist ... schwarz ist nicht (1995), die ausdrucksstarke, poetische und rhetorische Elemente mischen und eher Subjektivitäten als historische Materialien betonen.[31]

Historische Dokumentarfilme wie das 14-stündige Wahrzeichen Augen auf den preis: Amerikas Bürgerrechtsjahre (1986 - Teil 1 und 1989 - Teil 2) von Henry Hampton, 4 kleine Mädchen (1997) von Spike Lee, und Der Bürgerkrieg durch Ken Burns, UNESCO verzeichnete einen unabhängigen Film über die Sklaverei 500 Jahre späterdrückte nicht nur eine unverwechselbare Stimme, sondern auch eine Perspektive und einen Blick auf die Ansichten aus. Einige Filme wie Die dünne blaue Linie durch Errol Morris integrierte stilisierte Nachstellungen und Michael Moore's Roger & ich Die weitaus interpretierende Kontrolle mit dem Regisseur. Der kommerzielle Erfolg dieser Dokumentarfilme kann aus dieser narrativen Verschiebung in der dokumentarischen Form herrühren und einige Kritiker dazu veranlassen, sich zu fragen, ob solche Filme wirklich als Dokumentarfilme bezeichnet werden können. Kritiker beziehen sich manchmal auf diese Werke als "Mondo -Filme"oder" docu-ganda. "[32] Die Regie -Manipulation von dokumentarischen Probanden wurde jedoch seit der Arbeit von Flaherty festgestellt und kann aufgrund problematischer ontologischer Grundlagen in der Form endemisch sein.

Dokumentarfilmer nutzen zunehmend soziale Impact -Kampagnen mit ihren Filmen.[33] Kampagnen für soziale Auswirkungen versuchen, Medienprojekte zu nutzen, indem sie das öffentliche Bewusstsein für soziale Themen und Ursachen in Engagement und Handeln umwandeln, hauptsächlich durch das Bieten des Publikums eine Möglichkeit, sich zu engagieren.[34] Beispiele für solche Dokumentarfilme umfassen Kony 2012, Salam Nachbar, Gasland, Auf einem Dollar leben, und Mädchen steigt.

Obwohl die Dokumentarfilme finanziell tragfähiger sind mit der zunehmenden Beliebtheit des Genres und der Aufkommen der DVD, bleibt die Finanzierung der Dokumentarfilmproduktion schwer fassbar. Innerhalb des letzten Jahrzehnts haben sich die größten Ausstellungsmöglichkeiten aus dem Rundfunkmarkt herausgebildet und Filmemacher den Geschmack und Einflüssen der Sender, die ihre größte Finanzierungsquelle geworden sind, verpflichtet.[35]

Moderne Dokumentarfilme überschneiden sich mit Fernsehformen, wobei die Entwicklung des "Reality -Fernsehens" gelegentlich den Dokumentarfilm übergeht, aber häufiger zu fiktiven oder inszenierten. Der Dokumentarfilm "Make-of" zeigt, wie ein Film oder ein Film Computerspiel wurde produziert. Normalerweise für Werbezwecke hergestellt, liegt es näher an einer Werbung als einem klassischen Dokumentarfilm.

Moderne, leichte digitale Videokameras und computergestützte Bearbeitung haben den Dokumentarfilmherstellern erheblich unterstützt, ebenso wie der dramatische Rückgang der Ausrüstungspreise. Der erste Film, der diese Änderung voll ausnutzt, war Martin Kunert und Eric Mans' Stimmen des Irak, wo während des Krieges 150 DV -Kameras in den Irak geschickt wurden und nach Irakern verteilt wurden, um sich selbst aufzuzeichnen.

Dokumentarfilme ohne Worte

Filme in der dokumentarischen Form ohne Worte wurden gedreht. Hören Sie GroßbritannienUnter der Regie von Humphrey Jennings und Stuart McAllister im Jahr 1942 ist eine wortlose Meditation über Großbritannien. Ab 1982 die QATSI -Trilogie und das ähnliche Baraka Könnte als visuelle Tongedichte beschrieben werden, mit Musik, die sich auf die Bilder beziehen, aber ohne gesprochene Inhalte. Koyaanisqatsi (Teil der QATSI -Trilogie) besteht hauptsächlich aus Zeitlupe und Zeitraffer Fotografie von Städten und vielen natürlichen Landschaften in den USA. Baraka versucht, den großen Puls der Menschheit zu fangen, während sie in täglichen Aktivitäten und religiösen Zeremonien strömt und schwärmt.

Bodysong wurde 2003 gemacht und gewann einen britischen Independent Film Award für "Best British Dokumentarfilm".

Der Film von 2004 Genesis zeigt das Leben und das Pflanzenleben in Ausdehnung, Verfall, Sex und Tod mit einigen, aber wenig Erzählung.

Erzählstile

Voice-Over-Erzähler

Der traditionelle Stil für Erzählung soll einen dedizierten Erzähler ein Skript lesen, das auf den Audio -Track synchronisiert wird. Der Erzähler erscheint nie vor der Kamera und hat möglicherweise nicht unbedingt Kenntnisse über das Thema oder die Beteiligung am Schreiben des Skripts.

Stille Erzählung

Diese Art der Erzählung verwendet Titelbildschirme Um den Dokumentarfilm visuell zu erzählen. Die Bildschirme werden für etwa 5–10 Sekunden gehalten, um dem Betrachter eine angemessene Zeit zu ermöglichen. Sie ähneln denen, die am Ende von Filmen gezeigt werden, die auf wahren Geschichten basieren, aber sie werden in der Regel zwischen Szenen gezeigt.

Gastgeberer Erzähler

In diesem Stil gibt es einen Host, der vor der Kamera erscheint, Interviews führt und auch Voice-Over macht.

Andere Formen

Hybriddokumentation

Die Freisetzung von Der Akt des Tötens (2012) inszeniert von Joshua Oppenheimer hat Möglichkeiten für aufkommende Formen des Hybriddokumentarfilms eingeführt. Das traditionelle dokumentarische Filmemachen entfernt typischerweise Anzeichen einer Fiktionalisierung, um sich von fiktiven Filmgenres zu unterscheiden. Das Publikum ist in letzter Zeit misstrauischer gegenüber der traditionellen Faktenproduktion der Medien geworden, was sie für experimentelle Wege des Erzählens von Fakten empfänglicher macht. Der Hybrid -Dokumentarfilm implementiert Wahrheitsspiele, um die traditionelle Faktenproduktion herauszufordern. Obwohl es sachlich ist, ist der Hybriddokumentarfilm nicht explizit darüber, was verstanden werden sollte, und schafft einen offenen Dialog zwischen Subjekt und Publikum.[36] Clio Barnard's Die Laube (2010), Joshua Oppenheimer's Der Akt des Tötens (2012), Mads Brügger's Der Botschafter, und Alma Har'el's Bombay Beach (2011) sind einige bemerkenswerte Beispiele.[36]

DocUfiction

DocUfiction ist ein hybrides Genre von zwei grundlegenden, fiktiver Film und Dokumentarfilm, das seit den ersten Dokumentarfilmen geübt wurde.

Fälschungsfiktion

Siehe auch: Pseudo-dokumentarer § Film

Fake-Fiction ist ein Genre, das absichtlich echte, nicht geschriebene Ereignisse in Form eines Fiktionsfilms präsentiert und sie als inszeniert erscheinen lässt. Das Konzept wurde eingeführt[37] durch Pierre Wismut Um seinen Film 2016 zu beschreiben Wo ist Rocky II?

DVD -Dokumentation

Ein DVD -Dokumentarfilm ist ein Dokumentarfilm über unbestimmte Länge, der mit der alleinigen Absicht produziert wurde, ihn für den direkten Verkauf an die Öffentlichkeit auf DVD zu veröffentlichen. Theaterfreigabe) und anschließend auf DVD für den öffentlichen Konsum.

Diese Form der dokumentarischen Veröffentlichung wird immer beliebter und wird als Kosten und Schwierigkeiten beim Finden von TV- oder Kinos -Veröffentlichungsschlitzen anerkannt. Es wird auch häufig für "Spezialisten" -Dokumentarfilme verwendet, die möglicherweise kein allgemeines Interesse für ein breiteres Fernsehpublikum haben. Beispiele sind militärische, kulturelle Künste, Transport, Sport usw.

Kompilierungsfilme

Kompilierungsfilme wurden 1927 von Pionierarbeit von Pionierarbeit ESFIR Schub mit Der Fall der Romanov -Dynastie. Zu den neueren Beispielen gehören Ordnungspunkt! (1964), inszeniert von Emile de Antonio über die McCarthy -Anhörungen. Ähnlich, Die letzte Zigarette kombiniert das Zeugnis verschiedener Führungskräfte des Tabakunternehmens vor dem US Kongress mit Archivpropaganda, die die Tugenden des Rauchens impolieren.

Poetische Dokumentarfilme, die erstmals in den 1920er Jahren auftraten, waren eine Art Reaktion sowohl gegen den Inhalt als auch gegen die schnell kristallisierende Grammatik des frühen Fiktionsfilms. Der poetische Modus bewegte sich von der Kontinuitätsbearbeitung und organisierte stattdessen Bilder der materiellen Welt durch Assoziationen und Muster, sowohl in Bezug auf Zeit als auch Raum. Abgerundete Charaktere-"lebensee Menschen"-waren abwesend; Stattdessen traten die Menschen in diesen Filmen als Entitäten auf, genau wie in jeder anderen, die in der materiellen Welt zu finden sind. Die Filme waren fragmentarisch, impressionistisch, lyrisch. Ihre Störung der Kohärenz von Zeit und Raum-eine Kohärenz, die von den Fiktionsfilmen des Tages bevorzugt wird-kann auch als Element des modernistischen Gegenmodells der filmischen Erzählung angesehen werden. Die "reale Welt" - Nichols nennt es die "historische Welt" - wurde in Fragmente und ästhetisch rekonstituiert mithilfe der Filmform aufgeteilt. Beispiele für diesen Stil sind Joris Ivens ' Regen (1928), der eine passende Sommerdusche über Amsterdam aufzeichnet; László Moholy-Nagy's Lichtspiel: Schwarz, Weiß, Gray (1930), in dem er eine seiner eigenen kinetischen Skulpturen filmt und nicht die Skulptur selbst, sondern das Lichtspiel um sie herum betont; Oskar Fischinger's abstrakte Animationsfilme; Francis Thompsons N.Y., N.Y. (1957), ein City Symphony -Film; und Chris Marker's Ohne Soleil (1982).

Expository -Dokumentarfilme sprechen direkt mit dem Betrachter, häufig in Form eines maßgeblichen Kommentars, der Voice -Over oder Titel verwendet und ein starkes Argument und eine Sichtweise vorschlägt. Diese Filme sind rhetorisch und versuchen, den Betrachter zu überzeugen. (Sie können eine reichhaltige und klangliche männliche Stimme verwenden.) Der (Voice of God) Kommentar klingt oft "objektiv" und allwissend. Bilder sind oft nicht von größter Bedeutung; Sie existieren, um das Argument voranzutreiben. Die Rhetorik drückt uns aufdringlich auf, die Bilder auf eine bestimmte Weise zu lesen. Historische Dokumentarfilme in diesem Modus liefern einen unproblematischen und "objektiven" Konto und eine Interpretation früherer Ereignisse.

Beispiele: Fernsehsendungen und Filme wie Biografie, Amerikas Meistgesuchter, viele Wissenschafts- und Naturdokumentarfilme, Ken Burns' Der Bürgerkrieg (1990), Robert Hughes' Der Schock des Neuen (1980), John Berger's Sehensweisen (1974), Frank CapraKrieg Warum wir kämpfen Serie und Pare Lorentz's Der Pflug, der die Ebenen brach (1936).

Beobachtungs

Filmteam bei Hafen von Dar es Salaam mit zwei Fähren

Beobachtungsdokumentarfilme versuchen einfach und spontan zu beobachten, dass das Leben mit einem Minimum an Intervention ein Leben lang beobachtet. Filmemacher, die in diesem Subgenre arbeiteten, sahen den poetischen Modus oft als zu abstrakt und den Expository -Modus als zu didaktisch an. Die ersten Beobachtungsdokumente stammen aus den 1960er Jahren; Zu den technologischen Entwicklungen, die sie ermöglichten, gehören mobile leichte Kameras und tragbare Soundaufnahmegeräte für synchronisierten Klang. Oft verzeichnete diese Art des Films Voice-Over-Kommentar, postsynchronisierten Dialog und Musik oder Nachstellungen. Die Filme zielten auf unmittelbare Intimität und Offenbarung des individuellen menschlichen Charakters in gewöhnlichen Lebenssituationen ab.

Typen

Partizipative Dokumentarfilme Glauben Sie, dass es unmöglich ist, dass der Akt des Filmemachens die gedrehten Ereignisse nicht beeinflusst oder verändert. Diese Filme machen den Ansatz des Anthropologen nach: Teilnehmer-Beobachtung. Der Filmemacher ist nicht nur Teil des Films, wir bekommen auch ein Gefühl dafür, wie Situationen im Film durch ihre Anwesenheit beeinflusst oder verändert werden. Nichols: "Der Filmemacher tritt hinter dem Umhang des Voice-Over-Kommentars aus, tritt von der poetischen Meditation weg, tritt von einem Fly-on-the-Wall-Barsch zurück und wird (fast) wie jeder andere ein sozialer Schauspieler (fast). (Fast Wie jeder andere, weil der Filmemacher die Kamera behält, und damit ein gewisses Maß an potenzieller Kraft und Kontrolle über Ereignisse.) "Die Begegnung zwischen Filmemacher und Subjekt wird zu einem kritischen Element des Films. Rouch und Morin nannten den Ansatz Cinéma Vérité und übersetzten Dziga Vertovs Kinopravda in Französisch; Die "Wahrheit" bezieht sich eher auf die Wahrheit der Begegnung als auf eine absolute Wahrheit.

Reflexive Dokumentarfilme Sehen Sie sich nicht als transparentes Fenster auf der Welt; Stattdessen lenken sie auf ihre eigene Konstruktion und die Tatsache, dass sie Darstellungen sind. Wie wird die Welt durch Dokumentarfilme vertreten? Diese Frage ist von zentraler Bedeutung für dieses Subgenre von Filmen. Sie fordern uns auf, "die Authentizität des Dokumentarfilms im Allgemeinen in Frage zu stellen". Es ist der selbstbewussteste aller Modi und dem "Realismus" sehr skeptisch. Es kann brechtianische Entfremdungsstrategien verwenden, um uns zu streichen, um das zu "differenzieren", was wir sehen und wie wir es sehen.

Performative Dokumentarfilme Stress subjektiver Erfahrung und emotionale Reaktion auf die Welt. Sie sind stark persönlich, unkonventionell, vielleicht poetisch und/oder experimentell und können hypothetische Erlass von Ereignissen umfassen, die uns dazu bringen, uns zu erleben, wie es für uns sein könnte, eine bestimmte spezifische Perspektive auf die Welt zu besitzen, die nicht unsere eigene ist, z. das von schwarzen, schwulen Männern in Marlon Riggs ' Zungen losgelassen (1989) oder Jenny Livingston's Paris brennt (1991). Dieses Subgenre kann sich auch für bestimmte Gruppen (z. B. Frauen, ethnische Minderheiten, Schwule und Lesben usw.) eignen, um "über sich selbst zu sprechen". Oft werden eine Reihe von Techniken verwendet, die viele aus Fiktion oder Avantgarde-Filmen entlehnt wurden. Performative Dokumente verknüpfen häufig persönliche Konten oder Erfahrungen mit größeren politischen oder historischen Realitäten.

Bildungsfilme

Dokumentarfilme werden in Schulen auf der ganzen Welt gezeigt, um Schüler zu erziehen. Sie werden verwendet, um Kindern verschiedene Themen einzuführen. Sie werden häufig mit einer Schulstunde verwendet oder viele Male gezeigt, um eine Idee zu verstärken.

Übersetzung

Mit der Übersetzung von Dokumentarfilmen sind mehrere Herausforderungen verbunden. Die beiden Hauptbedingungen sind Arbeitsbedingungen und Probleme mit der Terminologie.

Arbeitsbedingungen

Dokumentarfilmübersetzer müssen sehr oft enge Fristen einhalten. Normalerweise hat der Übersetzer zwischen fünf und sieben Tagen, um die Übersetzung eines 90-minütigen Programms zu übergeben. Synchronisationsstudios geben Übersetzern in der Regel eine Woche Zeit, um einen Dokumentarfilm zu übersetzen. Um ein gutes Gehalt zu verdienen Der Rundfunkkanal setzt eine enge Frist fest, z. In Dokumentarfilmen über die neuesten Nachrichten.[38]

Ein weiteres Problem ist der Mangel an Postproduktionsskript oder die schlechte Qualität der Transkription. Eine korrekte Transkription ist für einen Übersetzer von wesentlicher Bedeutung, um seine Arbeit ordnungsgemäß zu erledigen. Oft wird das Skript nicht einmal dem Übersetzer angegeben, was ein wichtiges Hindernis ist, da die Dokumentarfilme durch "die Häufigkeit terminologischer Einheiten und sehr spezifische Eigennamen" gekennzeichnet sind.[39] Wenn das Skript dem Übersetzer übergeben wird, ist es normalerweise schlecht transkribiert oder völlig falsch, was die Übersetzung unnötig schwierig und anspruchsvoll macht Von Informationen muss der Übersetzer daher jeden Semester selbst überprüfen. Solche Fehler in den richtigen Namen sind zum Beispiel: "Jungle Reinhard anstelle von Django Reinhart, Jorn Asten anstelle von Jane Austen und Magnus Achle anstelle von Aldous Huxley".[39]

Terminologie

Der Prozess der Übersetzung eines Dokumentationsprogramms erfordert die Arbeit mit sehr spezifischer, häufig wissenschaftlicher Terminologie. Dokumentarfilmübersetzer sind normalerweise keine Spezialisten in einem bestimmten Bereich. Daher sind sie gezwungen, umfangreiche Recherchen durchzuführen, wenn sie aufgefordert werden, ein bestimmtes Dokumentarfilmprogramm zu übersetzen, um es richtig zu verstehen und das Endprodukt frei von Fehlern und Ungenauigkeiten zu liefern. Im Allgemeinen enthalten Dokumentarfilme eine große Anzahl spezifischer Begriffe, mit denen Übersetzer sich beispielsweise selbst vertraut machen müssen:

Die Dokumentation Käfer, Rekordbrecher Verwendet 15 verschiedene Begriffe, um in weniger als 30 Minuten auf Käfer zu verweisen (Longhorn -Käfer, Kellerkäfer, Käfer aus Hirten, Käfer oder Gravedigger, Sexton Käfer, Tigerkäfer, blutiger Nasenkäfer, Schildkrötenkäfer, Tischkäfer, Devil's Coach Horse, Rüsselkäfer, Klickkäfer, Malachitkäfer, Ölkäfer, Cockchafer), abgesehen davon, dass sie andere Tiere wie Hufeisenfledermäuse oder mit Wiese braune Schmetterlinge erwähnen.[40]

Dies ist eine echte Herausforderung für die Übersetzer, weil sie die Bedeutung, d. H. Ein Äquivalent finden, von einem sehr spezifischen, wissenschaftlichen Begriff in der Zielsprache erfüllen müssen, und häufig verwendet der Erzähler einen allgemeineren Namen anstelle eines bestimmten Begriffs und der Übersetzer hat es Um sich auf das im Programm vorgestellte Bild zu verlassen, um zu verstehen, welcher Begriff diskutiert wird, um es entsprechend in die Zielsprache zu transponieren.[41] Darüber hinaus müssen Übersetzer von kleineren Sprachen häufig einem anderen Problem konfrontiert: Einige Begriffe existieren möglicherweise nicht einmal in der Zielsprache. In solchen Fällen müssen sie neue Terminologie erstellen oder Spezialisten konsultieren, um angemessene Lösungen zu finden. Manchmal unterscheidet sich die offizielle Nomenklatur von der von den tatsächlichen Spezialisten verwendeten Terminologie, wodurch der Übersetzer zwischen der Verwendung des offiziellen Vokabulars, der im Wörterbuch zu finden ist, oder vielmehr für spontane Ausdrücke von realen Experten in realen Situationen entscheiden kann.[42]

Siehe auch

Einige Dokumentarfilmpreise

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