Kostümdesign

Siehe auch: Bühnenkleidung
Kostümdesign für Gianetta - die Gondeler

Kostümdesign ist die Schaffung von Kleidung Für das Gesamtauftritt eines Charakters oder Künstlers. Das Kostüm kann sich auf den Kleidungsstil beziehen, der sich speziell für eine Nation, eine Klasse oder eine Periode befindet. In vielen Fällen kann es zur Fülle der künstlerischen, visuellen Welt beitragen, die für eine bestimmte theatralische oder filmische Produktion einzigartig ist. Die grundlegendsten Designs werden erstellt, um Status zu bezeichnen, Schutz oder Bescheidenheit zu bieten oder einem Charakter visuelles Interesse zu bieten.[1] Kostüme kann für a sein Theater, Kino, oder musikalische Leistung, kann aber nicht auf solche beschränkt sein. Kostümdesign sollte nicht mit verwechselt werden Kostümkoordination Dies beinhaltet lediglich die Veränderung bestehender Kleidung, obwohl beide erzeugen Bühnenkleidung.

Vier Arten von Kostümen werden im Theaterdesign verwendet: historisch, fantastisch, tanz und modern.[2]

Geschichte

Dorffestivals und Prozessionen zu Ehren von Dionysos (siehe auch: Dionysia) Unter den alten Griechen werden angenommen, dass sie der Ursprung des Theaters und damit des Theaterkostüms sind. Die Skulptur- und Vase -Gemälde liefern den klarsten Beweis für dieses Kostüm.[1] Aufgrund ihres ritualisierten Theaterstils wurden viele Masken verwendet, um jedem Charakter ein bestimmtes Aussehen zu verleihen, und sie variierten, je nachdem, ob sie für komödiantische oder dramatische Zwecke verwendet wurden. Einige Masken wurden mit einer fröhlichen und schwerwiegenden Seite im selben Gesicht konstruiert, um eine Veränderung der Emotionen ohne Maskenänderung anzuzeigen.[3] Gleiches gilt für die Römer, die die Maskentradition fortsetzten, was die Verdoppelung der Rollen erleichterte.

Während des späten Mittelalters in Europa waren dramatische Erlassungen von Bibelgeschichten weit verbreitet. Daher wurden tatsächliche christliche Gewänder, die aus traditionellem byzantinischem Hofkleid stilisiert wurden, als Kostüme getragen, um die Leistungen so realistisch wie möglich zu halten.[1] Die stereotype Charakterisierung war der Schlüssel, wenn Kleidungskünstler für diesen Theaterstil. In den meisten Fällen mussten die Schauspieler ihre eigenen Kostüme liefern, wenn sie einen Charakter spielen, der im täglichen Leben gefunden wurde.[4]

Später, in der elisabethanischen Leistung während der 1500-1600er Jahre in England, wurde das Kostüm zum wichtigsten visuellen Element. Kleidungsstücke waren sehr teuer, da nur die besten Stoffe verwendet wurden. Die Mehrheit der Charaktere war in elisabethanischer Weise gekleidet, sonst könnten die Kostüme in fünf Kategorien unterteilt werden; "Ancient", das aus der Stil von Kleidung war, die verwendet wurde, um eine andere Periode darzustellen; "Antike", ältere Ergänzungen zu zeitgenössischer Kleidung, um klassische Charaktere zu unterscheiden; Traumartige, "phantasievolle" Kleidungsstücke für übernatürliche oder allegorische Charaktere; "Traditionelle" Kleidung, die nur wenige bestimmte Personen darstellte, wie Robin Hood oder "nationale oder rassistische" Kostüme, die eine bestimmte Gruppe von Menschen auseinander setzen sollten, aber nicht historisch korrekt sind.[5]

"Normalerweise wurden modische Kleidungsstücke sowohl in der Komödie als auch in der Tragödie bis 1727 eingesetzt, als Adrienne Lecouvreur das viel aufwändigere und formelle Gerichtskleid für Tragödien annahm. Ihre Praxis wurde bald Standard für alle tragischen Heldinnen." [6] Große Schauspieler begannen miteinander zu konkurrieren, wer das verschwenderischste Bühnenkleid haben würde. Diese Praxis dauerte bis zu den 1750er Jahren, als Kostüme für den Charakter wieder relevant wurden. Die Kunst begann das Leben zu kopieren und realistische Eigenschaften wurden besonders im 19. Jahrhundert bevorzugt. Zum Beispiel interessierte sich Georg, der zweite, Herzog von Saxe-Mesinnen, persönliches Interesse am Theater und begann mit der Verwaltung von Truppen. Er setzte sich für Authentizität und Genauigkeit des Drehbuchs und der Zeit Zeit ein. Daher weigerte er sich, den Schauspielern ihre eigenen Kostüme manipulieren zu lassen. Er sorgte auch dafür, dass die Materialien authentisch und spezifisch waren und mit echten Kettenpost, Rüstung, Schwertern usw. keine billigen Ersatzstoffe erlaubt waren.[7]

Im August 1823 in einer Ausgabe von Das Album, James Planché Veröffentlichte einen Artikel, in dem es um die Zeit der Stücke von Shakespeares Stücken von Shakespeare geschenkt werden sollte, insbesondere wenn es um Kostüme geht. Im selben Jahr führte ein ungezwungenes Gespräch zu einer der bestmöglichen Auswirkungen von Planché auf das britische Theater. Er beobachtete Charles Kemble, der Manager von Covent Garden, dass "während einer Weihnachtspantomime oder einem Osterspektakel häufig tausend Pfund geworfen wurden, die Stücke von Shakespeare mit provisorischen Landschaft auf die Bühne gebracht wurden und im besten Fall ein oder zwei neue Kleid die Hauptfiguren. "[8][9] Kemble "sah den möglichen Vorteil der korrekten Geräte, die den Geschmack der Stadt fangen" und stimmten zu, Planché die Kontrolle über die Kostüme für die bevorstehende Produktion von zu geben König John, wenn er die Forschung durchführen würde, die Kostüme entwerfen und die Produktion beaufsichtigen würde.[10] Planché hatte wenig Erfahrung in diesem Bereich und suchte die Hilfe von Antiquaren wie Francis Douce und Sir Samuel Meyrick. In der Forschung wurden Planchés latente antiquarische Interessen ausgelöst. Diese kamen zu einem zunehmenden Teil seiner Zeit später im Leben.[11]

Trotz der Vorbehalte der Schauspieler, König John war ein Erfolg und führte zu einer Reihe ähnlich kostschaliger Shakespeare-Produktionen von Kemble und Planché (Henry IV, Teil I., Wie du es magst, Othello, Zymbeline, Julius Caesar).[11] Die Entwürfe und Renderings von König John, Henry IV, Wie du es magst, Othello, Weiler und Kaufmann von Venedig wurden veröffentlicht, obwohl es keine Beweise dafür gibt Weiler und Kaufmann von Venedig wurden jemals mit Planchés historisch genauen Kostümdesigns produziert. Planché schrieb auch eine Reihe von Stücken oder Anpassungen, die mit historisch genauen Kostümen inszeniert wurden (Cortez, Die Frau Vegetation nie, Die Hochzeit des Händlers, Charles XII, Die Partisanen, Der Brigandchef, und Hofer).[12] Nach 1830, obwohl er noch ein Kostüm benutzte, beanspruchte er keine historische Genauigkeit mehr für seine Arbeit in Theaterstücken. Seine Arbeit in König John hatte eine "Revolution in der Bühnenpraxis des 19. Jahrhunderts" bewirkt "[12] das dauerte fast ein Jahrhundert.[13]

1923 die erste einer Reihe innovativ Modernes Kleid Produktionen von Shakespeare Theaterstücke, Zymbeline, unter der Regie von H. K. Ayliff, geöffnet bei Barry Jackson's Birmingham Repertory Theatre in England.[14]

Historische Kostüme von Le Cateau Cambrésis, Frankreich

Kostüme im chinesischen Theater sind sehr wichtig, insbesondere in der Peking -Oper. Sie haben normalerweise schwer gemustert und laut. Die Standardelemente bestehen aus mindestens 300 Teilen und beschreiben den Charaktertyp, das Alter und den sozialen Status der Schauspieler durch Ornament, Design, Farbe und Zubehör. "Farbe wird immer symbolisch verwendet: rot für Loyalität und hohe Position, Gelb für Könige und dunkle Crimson für Barbaren oder Militärberater."[15] Eine symbolische Bedeutung findet sich auch in den für Embleme verwendeten Designs. Zum Beispiel steht der Tiger für Macht und männliche Stärke. Ein Großteil der Kleidung, unabhängig vom Rang, besteht aus reichen und luxuriösen Materialien. Make -up wird auch symbolisch und sehr wichtig für den Gesamtlook verwendet.

In japanischen Noh werden immer Drama -Masken verwendet und der herausragende Aspekt des Kostüms. Sie bestehen aus Holz und werden normalerweise seit Generationen verwendet. Es gibt fünf Grundtypen; männlich, weiblich, gealtert, Gottheiten und Monster, alle mit vielen Variationen.[16] Die Masken werden während des gesamten Stücks oft verändert. In Kabuki, einer anderen Form des japanischen Theaters, tragen Schauspieler keine Masken, sondern verlassen sich stark auf Make -up für den Gesamtlook. Merkmale sind übertrieben oder entfernt und für einige der sportlichen Rollen wird die Muskulatur in einem bestimmten Muster umrissen. Für jede Rolle werden traditionelle Kostüme verwendet, basierend auf historischen Kleidungsstücken, die für dramatische Wirkung verändert werden. "Einige Kostüme wiegen bis zu fünfzig Pfund, und Bühnenbegleiter helfen den Schauspielern dabei, sie auf der Bühne ordnungsgemäß arrangiert zu halten." [17]

Designprozess

Der Kostümdesign -Prozess umfasst viele Schritte und obwohl sie sich von Genre zu Genre unterscheiden, wird häufig eine grundlegende Methode angewendet.

Kostümdesignzeichnungen von Lisa Holmes für 2016 Neuseeländische Oper Produktion von Mozarts Magische Flöte

1. Analyse:

Der erste Schritt ist eine Analyse des Skripts, der musikalischen Komposition, der Choreografie usw. Kostümparameter für die Show und es werden ein grobes Kostümdiagramm erstellt. In einem Kostümplot skizziert, welcher Charakter in welcher Szene, wenn sich die Schauspieler ändern und welche Kostüme im Skript erwähnt werden.

2. Designzusammenarbeit: Eine wichtige Phase des Prozesses, in der sich alle Designer mit dem Regisseur treffen. Es muss ein klares Verständnis dafür sein, wohin die Show führt. Die Designer kommen in Bezug auf Themen für die Show auf die gleiche Seite mit dem Regisseur und welche Botschaft sie von der Publikum aus der Show erhalten sollen.

3. Kostümforschung: Sobald der Regisseur und die Designer auf derselben Seite sind, besteht der nächste Schritt darin, dass der Kostümdesigner Forschung sammelt. Kostümdesigner beginnen in der Regel mit der Welt der Spielforschung, in der sie Forschungsergebnisse finden, um die Welt zu etablieren, in der das Stück stattfindet. Dies hilft den Designern, die Regeln der Welt festzulegen und dann die Charaktere dann besser zu verstehen. Der Designer wird dann in eine breite Forschung über jeden Charakter eingehen, um zu versuchen, ihre Persönlichkeiten durch ihr Kostüm zu etablieren.

Eine Frau, die in einem Kostüm -Workshop erstellt wird Prag Theater.

4. Vorläufige Skizzier- und Farb -Layout: Sobald genügend Informationen erhalten wurden, beginnen Kostümdesigner damit, vorläufige Skizzen zu erstellen. Beginnend mit sehr schnellen groben Skizzen kann der Designer eine Grundidee dafür bekommen, wie die Show zusammengestellt wird und ob die Regeln der Welt aufrechterhalten werden. Der Kostümdesigner wird dann in detailliertere Skizzen eingehen und die spezifischen Kostüme und Farben für den Charakter ermittelt. Skizzen helfen, die Show als Ganzes zu sehen, ohne dass sie zu viel Zeit damit verbringen müssen.

5. Letzte Skizzen: Sobald sich der Kostümdesigner und der Regisseur auf die Kostüme und die Ideen einig sind, erstellt der Designer endgültige Skizzen. Diese werden als Rendering bezeichnet und normalerweise mit Aquarellen oder Acrylfarben gestrichen. Diese letzten Skizzen zeigen, wie der Designer aussehen soll und welche Farben des Kostüms.

[18]

Herstellungsprozess

Beispiel für das Drapieren von Musselin -Stoff auf eine Kleiderform

Sobald die Show entworfen wurde, muss planen, wo die Artikel bezogen werden. Es gibt vier Optionen. Kleidungsstücke können sein:

  • Gezogen, was sich auf die Suche durch einen Kostümgeschäfte bezieht
  • Gemietet
  • Gekauft
  • Gebaut oder auch als Bestellung bezeichnet.

Es gibt zwei Möglichkeiten, wie ein Kleidungsstück konstruiert werden kann. Entweder Muster entworfen oder drapiert, und oft werden beide Methoden zusammen verwendet.Mustererziehung Beginnt mithilfe einer Reihe grundlegender Musterblöcke, die aus den Messungen des Schauspielers entwickelt wurden. Sie werden zuerst auf Papier gezogen, dann auf Stoff übertragen und zusammengenäht, um die Anpassung zu testen.[19]

Drapieren beinhaltet ein Stück Stoff auf einer Kleiderform oder Schaufensterpuppe, die eng mit den Schauspielern verbunden ist. Es ist ein Prozess, bei dem ein flaches Stück Stoff aufnimmt und es formt, um den Stoff an einen dreidimensionalen Körper zu entsprechen, indem er schneidet und festhält.

Nach dem Bau ist das Kostüm jedoch nicht "funktionieren" beendet. Ein wichtiger Aspekt der Kostüme ist die Art und Weise, wie sie die Leistungen der Akteure und die Funktion innerhalb ihrer Einstellungen beeinflussen. Die besten Kostümdesigner bauen ihre ursprünglichen Ideen auf, nachdem sie die visuellen und räumlichen Bedingungen der Kostüme bewertet haben.[20]

Siehe auch

Verweise

  1. ^ a b c Eubank, Tortora, Keith, Phyllis G. (2005). Übersicht über historisches Kostüm. New York: Fairchild Publications. p. 1.
  2. ^ Grimball und Wells, Elizabeth B. und Rhea (1925). Kostüme eines Stücks: Inter-Theatre Arts Handbook. The Century Co. p. 6. WIE IN B0000d5itv.
  3. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). Geschichte des Theaters. USA: Pearson Education Inc. p. 53. ISBN 0-205-47360-1.
  4. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). Geschichte des Theaters. USA: Pearson Education Inc. p. 96. ISBN 0-205-47360-1.
  5. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). Geschichte des Theaters. USA: Pearson Education Inc. p. 125. ISBN 0-205-47360-1.
  6. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). Geschichte des Theaters. USA: Pearson Education Inc. p. 254. ISBN 0-205-47360-1.
  7. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). Geschichte des Theaters. USA: Pearson Education Inc. p. 358. ISBN 0-205-47360-1.
  8. ^ Nachruf, Die New York Times, 15. Juni 1880, p3
  9. ^ Reinhardt, Die Kostümdesigns von James Robinson Planché, argumentiert, dass ein Brief in veröffentlicht wurde Das Album, August 1823, PP298–304, unterzeichnete nur 'P', die mehr Aufmerksamkeit auf die Kostüme von Shakespeares Stücken geschenkt und ein Garderobensystem vorgeschlagen wurden, bei dem alle Standorte und Perioden untergebracht werden konnten, tatsächlich von Planché geschrieben wurden.
  10. ^ Nachruf, Die New York Times. Der Spielbill für König John gibt an, dass, wenn das Stück mit "Zustimmung und Schirmherrschaft" trifft, dass mehr Shakespeares Stücke "in dem gleichen prächtigen, neuartigen und interessanten Stil" aufgeführt werden.
  11. ^ a b Reinhardt, Die Kostümdesigns von James Robinson Planché, p526–7
  12. ^ a b Roy, Oxford Dictionary of National Biography
  13. ^ Granville-Barker, Ausgang Planché - Gilbert einbeziehen, p. 107
  14. ^ Morris, Sylvia (2012-01-13). "Innovation in Birmingham: Barry Jackson und modernes Kleid Shakespeare". Der Shakespeare -Blog. Abgerufen 2012-03-21.
  15. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). Geschichte des Theaters. USA: Pearson Education Inc. p. 201. ISBN 0-205-47360-1.
  16. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). Geschichte des Theaters. USA: Pearson Education Inc. p. 206. ISBN 0-205-47360-1.
  17. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). Geschichte des Theaters. USA: Pearson Education Inc. p. 211. ISBN 0-205-47360-1.
  18. ^ Covey, Ingham, Liz, Rosemary (1992). Das Handbuch des Kostümdesigners. Portsmouth, NH: Heinemann. S. 15–100.
  19. ^ Covey, Ingham, Liz, Rosemary (2003). Das Handbuch des Kostümtechnikers. Portsmouth, NH: Heinemann. p. 98.
  20. ^ Lugli, Emanuele. "Kostüm als Aussehen: Eine Studie in den Modalitäten der Existenz von Filmkostümen".

Externe Links