Konzeptkunst

Konzeptkunst, auch bezeichnet als Konzeptualismus, ist Kunst in welcher Konzept(s) oder Idee(s) In die Arbeit beteiligt sind Vorrang vor traditioneller ästhetisch, technische und materielle Bedenken. Einige Werke von konzeptioneller Kunst, manchmal genannt Installationen, kann von jedem konstruiert werden, indem sie einfach einer Reihe schriftlicher Anweisungen folgen.^[1] Diese Methode war für den amerikanischen Künstler von grundlegender Bedeutung Sol Lewitt'S Definition der konzeptionellen Kunst, eine der ersten, die in gedruckter Form erscheinen:

In der konzeptionellen Kunst ist die Idee oder das Konzept der wichtigste Aspekt des Werkes. Wenn ein Künstler eine konzeptionelle Kunstform verwendet, bedeutet dies, dass alle Planungen und Entscheidungen im Voraus getroffen werden und die Ausführung eine oberflächliche Angelegenheit ist. Die Idee wird zu einer Maschine, die die Kunst macht.^[2]

Tony Godfrey, Autor von Konzeptionelle Kunst (Kunst & Ideen) (1998) behauptet, dass konzeptionelle Kunst die Natur der Kunst in Frage stellt,^[3] eine Vorstellung das Joseph Kosuth Erhöht zu einer Definition von Kunst selbst in seinem wegweisenden, frühen Manifest der konzeptionellen Kunst, Kunst nach Philosophie (1969). Die Vorstellung, dass Kunst ihre eigene Natur untersuchen sollte, war bereits ein wirksamer Aspekt des einflussreichen Kunstkritiks Clement Greenberg'S Vision der modernen Kunst in den 1950er Jahren. Mit der Entstehung einer ausschließlich sprachbasierten Kunst in den 1960er Jahren jedoch konzeptionelle Künstler wie Kunst & SpracheJoseph Kosuth (der amerikanischer Herausgeber von wurde Kunstsprache), und Lawrence Weiner begann eine weitaus radikalere Verhör von Kunst als bisher möglich (siehe unter). Eines der ersten und wichtigsten Dinge, die sie in Frage stellten, war die gemeinsame Annahme, dass die Rolle des Künstlers darin bestand, besondere Arten von zu schaffen materielle Objekte.^[4][5][6]

Durch seine Verbindung mit dem Junge britische Künstler und die Turner -Preis In den neunziger Jahren kam in der Volksnutzung, insbesondere im Vereinigten Königreich, "konzeptionelle Kunst", um alle zu bezeichnen zeitgenössische Kunst Das übt nicht die traditionellen Fähigkeiten von Malerei und Skulptur.^[7] Einer der Gründe, warum der Begriff "konzeptionelle Kunst" mit verschiedenen zeitgenössischen Praktiken in Verbindung gebracht wurde, die weit von ihren ursprünglichen Zielen und Formen entfernt sind, liegt im Problem der Definition des Begriffs selbst. Als Künstler Mel Bochner Bereits 1970, als er erklärt, warum er den Epitheton "konzeptionell" nicht mag, ist es nicht immer klar, worauf sich "Konzept" bezieht, und es besteht das Risiko, mit "Absicht" verwechselt zu werden. Somit bei der Beschreibung oder Definition a Kunstwerk Als konzeptionell ist es wichtig, das, was als "konzeptionell" bezeichnet wird, nicht mit der "Absicht" eines Künstlers zu verwechseln.

Vorläufer

Der französische Künstler Marcel Duchamp ebnete den Weg für die Konzeptualisten und lieferte ihnen Beispiele für prototypisch konzeptuelle Werke - die Readymaden, zum Beispiel. Das berühmteste von Duchamps Readymades war Brunnen (1917), ein Standard-Urinal-Basin, der vom Künstler mit dem Pseudonym "R.Mutt" unterzeichnet wurde, und zur Aufnahme in die jährliche, unangebbare Ausstellung der Society of Independent Artists in New York (die sie abgelehnt hat) eingereicht wurde.^[8] Die künstlerische Tradition sieht weder ein alltägliches Objekt (wie ein Urinal) als Kunst, weil sie weder von einem Künstler noch von der Absicht hergestellt wird, Kunst zu sein, und es ist auch nicht einzigartig oder handgefertigt. Duchamps Relevanz und theoretische Bedeutung für zukünftige "Konzeptualisten" wurde später in seinem Essay von 1969 von dem US -Künstler Joseph Kosuth anerkannt. Kunst nach Philosophie, als er schrieb: "Alle Kunst (nach Duchamp) ist konzeptionell (in der Natur), weil Kunst nur konzeptionell existiert."

1956 der Gründer von Lettrismus, Isidore Isouentwickelte den Begriff eines Kunstwerks, das von Natur aus in Wirklichkeit niemals geschaffen werden konnte, aber dennoch ästhetische Belohnungen liefern könnte, indem sie intellektuell betrachtet werden. Dieses Konzept auch genannt Art Esthapériste (oder "unendlich ästhetisch"), abgeleitet von der Infinitesimals von Gottfried Wilhelm Leibniz - Mengen, die eigentlich nicht konzeptionell existieren konnten. Die aktuelle Inkarnation (ab 2013^{[aktualisieren]}) der iouianischen Bewegung, Exkordismus, Selbstdefinen als Kunst des unendlich großen und unendlich kleinen.

Ursprünge

1961 Philosoph und Künstler Henry Flynt geprägt den Begriff "Konzeptkunst" in einem Artikel mit dem gleichen Namen, der im Proto-Fluxus Veröffentlichung Eine Anthologie der zufälligen Operationen.^[9] Flynts Konzeptkunst, behauptete er, entzogen sich aus seiner Vorstellung von "kognitivem Nihilismus", in dem gezeigt wird, dass Paradoxe in Logik Konzepte der Substanz evakuieren. Zeichnen auf der Syntax Von Logik und Mathematik war Konzeptkunst gemeinsam gemeint, um die Mathematik und die formalistische Musik zu ersetzen, die dann in ernsthaft aktuell ist Kunstmusik Kreise.^[10] Daher behielt Flynt bei, um das Etikett zu verdienen KonzeptkunstEine Arbeit musste eine Kritik an Logik oder Mathematik sein, in der ein sprachliches Konzept das Material war, eine Qualität, die in der nachfolgenden "konzeptionellen Kunst" fehlt.^[11]

Der Begriff nahm eine andere Bedeutung an, wenn sie von Joseph Kosuth und dem Engländer verwendet wurde Kunst und Sprache Gruppe, die das konventionelle Kunstobjekt zugunsten einer dokumentierten kritischen Untersuchung verworfen hat, die in begann Kunstsprache: Das Journal of Conceptual Art 1969 in den sozialen, philosophischen und psychologischen Status des Künstlers. Mitte der 1970er Jahre hatten sie zu diesem Zweck Veröffentlichungen, Indizes, Aufführungen, Texte und Gemälde produziert. 1970 Konzeptionelle Kunst und konzeptionelle Aspekte, die erste dedizierte konzeptionelle Kunstausstellung, fand im der statt New Yorker Kulturzentrum.^[12]

Die Kritik des Formalismus und der Vermarktung der Kunst

Die konzeptionelle Kunst trat in den 1960er Jahren als Bewegung auf - teilweise als Reaktion gegen Formalismus Wie dann artikuliert vom Einfluss New York Kunstkritiker Clement Greenberg. Laut Greenberg Moderne Kunst folgte einem Prozess der fortschreitenden Reduzierung und Verfeinerung des Ziels, das Wesentliche zu definieren, formell Art jedes Mediums. Die Elemente, die dieser Art gegenüberstanden, sollten reduziert werden. Die Aufgabe des Malens war zum Beispiel, genau zu definieren, welche Art von Objekt ein Gemälde wirklich ist: Was es zu einem Gemälde macht und sonst nichts. Wie es die Natur von Gemälden ist, flache Objekte mit Leinwandoberflächen zu sein, auf die farbiges Pigment angewendet wird, wie Dinge wie Figuration, 3-d Perspektive Es wurde festgestellt, dass Illusion und Verweise auf äußere Gegenstände alle gegenüber der Essenz der Malerei fremd sind und entfernt werden sollten.^[13]

Einige haben argumentiert, dass die konzeptionelle Kunst diese "Dematerialisierung" der Kunst fortsetzte, indem sie die Notwendigkeit von Objekten insgesamt beseitigt haben.^[14] Während andere, darunter viele der Künstler selbst, konzeptionelle Kunst als radikale Bruch mit Greenbergs formalistischer Modernismus sahen. Spätere Künstler teilen sich weiterhin die Präferenz für Kunst, selbstkritisch und eine Abneigung gegen Illusion zu sein. Am Ende der 1960er Jahre war jedoch sicherlich klar, dass die Bestimmungen von Greenberg, dass Kunst innerhalb der Grenzen jedes Mediums fortgesetzt und externe Themen ausgeschlossen wurde, keine Traktion mehr hatte.^[15] Konzeptionelle Kunst reagierte auch gegen die Vermarktung von Kunst; Es versuchte eine Subversion der Galerie oder des Museums als Standort und Determiner der Kunst sowie des Kunstmarktes als Eigentümer und Vertriebshändler. Lawrence Weiner sagte: "Sobald du etwas über eine Arbeit von mir weißt, besitzt du es. Auf keinen Fall kann ich in den Kopf eines Menschen klettern und es entfernen." Viele Konzeptkünstler -Arbeiten können daher nur durch Dokumentation bekannt sein, die sich danach manifestieren, z. B. Fotografien, geschriebene Texte oder angezeigte Objekte, von denen einige argumentieren könnten, sind nicht in und für sich die Kunst. Es ist manchmal (wie in der Arbeit von Robert Barry, Yoko Onound Weiner selbst) reduziert auf eine Reihe schriftlicher Anweisungen, die ein Werk beschreiben, aber nicht mehr tatsächlich hergestellt werden - die Idee als wichtiger als das Artefakt. Dies zeigt eine explizite Präferenz für die "Kunst" -Seite der angeblichen Dichotomie zwischen Kunst und Boot, wo Kunst im Gegensatz zu Handwerk in innerhalb des historischen Diskurses stattfindet.

Sprache und/als Kunst

Die Sprache war ein zentrales Anliegen für die erste Welle konzeptioneller Künstler der 1960er und frühen 1970er Jahre. Obwohl die Nutzung von Text in Kunst in keiner Weise neuartig war, tat es erst in den 1960er Jahren die Künstler Lawrence Weiner, Edward Ruscha,^[16] Joseph Kosuth, Robert Barry, und Kunst & Sprache Beginnen Sie, Kunst mit ausschließlich sprachlichen Mitteln zu produzieren. Wo zuvor Sprache als eine Art von visuellem Element neben anderen dargestellt wurde und einem übergreifenden Unterguss untergeordnet wurde Komposition (z.B. Synthetic Cubism) Die konzeptionellen Künstler verwendeten die Sprache anstelle von Pinsel und Leinwand und erlaubten es für sich selbst.^[17] Von Lawrence Weins Werken, Anne Rorimer, schreibt: "Der thematische Inhalt einzelner Werke ergibt sich ausschließlich auf die Einfuhr der verwendeten Sprache, während die Präsentationsmittel und die Kontext -Platzierung entscheidende und dennoch getrennte Rollen spielen."^[18]

Der britische Philosoph und Theoretiker der konzeptionellen Kunst Peter Osborne deutet darauf hin, dass unter den vielen Faktoren, die die Gravitation für sprachbasierte Kunst beeinflussten, eine zentrale Rolle für den Konzeptualismus von der Wende zu sprachlichen Bedeutungstheorien in beiden angloamerikanern kam Analytische Philosophie, und Strukturalist und Post -Strukturalist Kontinentalphilosophie Mitte des 20. Jahrhunderts. Dies Sprachwende "Verstärkt und legitimiert" in der Richtung, in die die konzeptionellen Künstler eingegangen sind.^[19] Osborne merkt auch an, dass die frühen Konzeptualisten die erste Generation von Künstlern waren, die eine Studienausbildung in der Universität in Kunst absolvieren.^[20] Osborne machte später die Beobachtung, dass die zeitgenössische Kunst ist postkonzeptuell^[21] In einem öffentlichen Vortrag, der im Fondazione Antonio Ratti, Villa Sucota in Como am 9. Juli 2010. Es handelt sich um eine Behauptung auf der Ebene der Ontologie des Kunstwerks (anstatt auf der beschreibenden Ebene von Stil oder Bewegung zu sagen).

Der amerikanische Kunsthistoriker Edward A. Shanken Punkte auf das Beispiel von Roy Ascott der "die bedeutenden Schnittstellen zwischen konzeptioneller Kunst und Kunst und Technologie stark demonstriert und die konventionelle Autonomie dieser kunsthistorischen Kategorien explodiert". Ascott, der britische Künstler am engsten mit kybernetische Kunst in England war nicht in die kybernetische Serendipität einbezogen, weil seine Verwendung von Kybernetik war in erster Linie konzeptionell und nutzte die Technologie nicht explizit. Umgekehrt wurde sein Aufsatz über die Anwendung der Kybernetik auf Kunst- und Kunstpädagogik "The Construction of Change" (1964) auf der Widmungsseite (an Sol Lewitt) von zitiert Lucy R. Lippard's Samen Sechs Jahre: Die Dematerialisierung des Kunstobjekts von 1966 bis 1972, Ascotts Erwartung und Beitrag zur Bildung der konzeptionellen Kunst in Großbritannien hat vielleicht (und ironischerweise) kaum Anerkennung erhalten, weil seine Arbeit zu eng mit Kunst und Technologie verbunden war. Eine weitere wichtige Kreuzung wurde in Ascotts Verwendung des Thesaurus im Jahr 1963 untersucht Telematische Verbindungen :: Timeline, die eine explizite Parallele zwischen den taxonomischen Eigenschaften verbaler und visueller Sprachen zog - ein Konzept würde in Joseph Kosuths aufgenommen werden Zweite Untersuchung, Proposition 1 (1968) und Mel Ramsden's Elemente einer unvollständigen Karte (1968).

Konzeptionelle Kunst und künstlerische Fähigkeiten

Durch die Übernahme der Sprache als exklusives Medium konnten Weiner, Barry, Wilson, Kosuth und Art & Language die Überreste der Autorenpräsenz beiseite fegen, die sich durch formelle Erfindung und den Umgang mit Materialien manifestierten.^[18]

Ein wichtiger Unterschied zwischen konzeptioneller Kunst und "traditionelleren" Formen der Kunstherstellung geht auf die Frage der künstlerischen Fähigkeiten. Obwohl die Fähigkeiten im Umgang mit traditionellen Medien häufig in der konzeptionellen Kunst kaum eine Rolle spielen, ist es schwierig zu argumentieren, dass keine Fähigkeiten erforderlich sind, um konzeptionelle Werke zu erstellen, oder dass Fertigkeit immer in ihnen fehlt. John BaldessariZum Beispiel hat er realistische Bilder präsentiert, die er professionelle Schildkritiker zum Malen beauftragte. und viele konzeptionelle Performancekünstler (z. Stelarc, Marina Abramović) sind technisch versierte Darsteller und erfahrene Manipulatoren ihres eigenen Körpers. Es ist also nicht so sehr ein Fehlen von Fähigkeiten oder Feindseligkeit gegenüber der Tradition, die die konzeptionelle Kunst als offensichtliche Missachtung der konventionellen, modernen Vorstellungen von Autorenpräsenz und individuellem künstlerischem Ausdruck definiert.

Zeitgenössischer Einfluss

Proto-Konzeptualismus hat Wurzeln im Aufstieg von Modernismus mit zum Beispiel, Manet (1832–1883) und später Marcel Duchamp (1887–1968). Die erste Welle der "konzeptionellen Kunst" -Bewegung erstreckte sich von ungefähr 1967^[22] bis 1978. frühe "Konzept" Künstler mögen Henry Flynt (1940–),, Robert Morris (1931–2018) und Ray Johnson (1927–1995) beeinflusste die spätere, weithin anerkannte Bewegung der konzeptionellen Kunst. Konzeptionelle Künstler mögen Dan Graham, Hans Haacke, und Lawrence Weiner haben sich sehr einflussreich für nachfolgende Künstler und bekannte zeitgenössische Künstler wie z. Mike Kelley oder Tracey Emin werden manchmal beschriftet^{[von wem?]} "zweite oder dritte Generation" Konzeptualisten oder "postkonzeptuell"Künstler (das Präfixpost in der Kunst kann häufig als" wegen "interpretiert werden).

Zeitgenössische Künstler haben viele der Bedenken der konzeptionellen Kunstbewegung aufgenommen, während sie sich selbst als "konzeptuelle Künstler" bezeichnen oder nicht. Ideen wie Anti-Commodifikation, soziale und/oder politische Kritik und Ideen/Informationen als Mittel Seien Sie weiterhin Aspekte der zeitgenössischen Kunst, insbesondere unter Künstlern, die mit arbeiten Installationskunst, Performance Art, net.art und elektronisch/digitale Kunst.^{[23][benötigen Zitat, um dies zu überprüfen]}

Bemerkenswerte Beispiele

• 1913: Fahrrad-Rad (Roue de Bicyclette) durch Marcel Duchamp. Assisted Readymade. Fahrradrad mit der Gabel auf einem bemalten Holzhocker. Die erste Readymade, obwohl er erst zwei Jahre später die Idee für Readymades hatte. Das Original war verloren. Auch als erste kinetische Skulptur anerkannt.^[24]
• 1914: Apotheke (Pharmacie) durch Marcel Duchamp. Korrigierte meedymade. Gouache am Chromolithograph einer Szene mit nackten Bäumen und einem gewundenen Strom, zu dem er zwei Kreise hinzufügte, rot und grün.
• 1914: Flaschenregal (auch genannt Flaschentrockner oder Igel) (Egouttoir oder Porte-Bouteille oder Hérisson) durch Marcel Duchamp. Readymade. Ein verzinktes Eisenflaschen -Trocknungsregal, das Duchamp als "bereits gemacht" Skulptur kaufte, sammelte aber Staub in der Ecke seines Pariser Studios. Zwei Jahre später im Jahr 1916 in Korrespondenz aus New York mit seiner Schwester, Suzanne Duchamp In Frankreich drückt er den Wunsch aus, es zu einer Readymade zu machen. Suzanne, die sich um sein Pariser Studio kümmert, hat es bereits entsorgt.
• 1915: Vor dem gebrochenen Arm (En prévision du bras cassé) durch Marcel Duchamp. Readymade. Schneeschaufel auf welchem ​​Duchamp seinen Titel sorgfältig malte. Das erste Stück, das der Künstler offiziell "Readymade" bezeichnete.
• 1915: Mit 4 Stiften gezogen durch Marcel Duchamp. Readymade. Ein unbemaltem Schornsteinbeatm, der sich im Wind dreht. Duchamp mochte es, dass die wörtliche Übersetzung in Englisch nichts bedeutete und keine Beziehung zum Objekt hatte.
• 1916: Mit verstecktem Geräusch (Ein Bruit -Geheimnis) durch Marcel Duchamp. Assisted Readymade. Eine Schnurbälle zwischen zwei Messingplatten, verbunden mit vier Schrauben. Ein unbekanntes Objekt wurde von Duchamps Freund in den Ball von Twine platziert. Walter Arensberg.
• 1916: Kamm (Peigne) durch Marcel Duchamp. Readymade. Stahlhund -Pflegekamm entlang der Kante eingeschrieben.
• 1917: Klappartikel des Reisenden (... GLANDE, ... DE VOYAGE) durch Marcel Duchamp. Readymade. Underwood Schreibmaschinenabdeckung.
• 1916–17: Apolinère emailliert, 1916–1917. Korrigierte meedymade. Eine veränderte Sapolin -Lackierung.
• 1917: Brunnen durch Marcel Duchamp, beschrieben in einem Artikel in Der Unabhängige als Erfindung der konzeptionellen Kunst. Es ist auch ein frühes Beispiel für eine Institutionelle Kritik^[25]
• 1917: 'Fangen (Trébuchet) durch Marcel Duchamp. Readymade. Holz und Metallmantel am Boden befestigt.
• 1917: Hutständer (Porte-Chapeaux), c. 1917 von Marcel Duchamp. Readymade. Ein hölzerner Hatrack.^[26]
• 1919: L.H.O.O.q. durch Marcel Duchamp. Korrigierte meedymade. Bleistift bei einer Reproduktion von Leonardo da Vinci's Mona Lisa auf dem er a Spitzbart und Schnurrbart Titel mit einem groben Wortspiel.^[27]
• 1919: Unglückliche Readymade, durch Marcel Duchamp. Assisted Readymade. Duchamp wies seine Schwester an Suzanne ein Geometrie -Lehrbuch aus dem Balkon ihrer Pariser Wohnung aufzuhängen. Suzanne führte die Anweisungen durch und malte ein Bild des Ergebnisses.
• 1919: 50 ccm Paris Air (50 ccm Air de Paris, Pariser Luft oder Air de Paris) durch Marcel Duchamp. Readymade. Eine Glasampulle mit Luft aus Paris. Duchamp nahm die Ampulle zu New York City 1920 und gab es an Walter Arensberg als ein Geschenk.
• 1920: Frische Witwe durch Marcel Duchamp. Readymade. Ein verändertes französisches Fenster, das ein Wortspiel erzeugt.
• 1921: Warum nicht niesen, Rose Sélavy? durch Marcel Duchamp. Assisted Readymade. Marmorwürfel in Form von Zuckerklumpen mit einem Thermometer und Tintenknochen in einem kleinen Vogelkäfig.
• 1921: Belle Haleine, Eau de Voilette durch Marcel Duchamp. Assisted Readymade. Eine veränderte Parfümflasche in der Originalbox.^[28]
• 1921: Die Schlägerei bei Austerlitz durch Marcel Duchamp. Readymade. Wie frische Witwe, hergestellt von einem Schreiner nach Duchamps Spezifikationen.
• 1923: Gesucht, $ 2.000 Belohnung durch Marcel Duchamp. Korrigierte meedymade. Fotokollage auf Poster.
• 1952: Die Premiere von Amerikanern Experimental- Komponist John CageArbeit, 4'33 ″, eine Drei-Bewegung Komposition, durchgeführt vom Pianisten David Tudor am 29. August 1952 in Maverick -Konzertsaal, Woodstock, New York, als Teil eines Konzerts zeitgenössischer Klaviermusik.^[29] Es wird allgemein als "vier Minuten dreiunddreißig Sekunden von wahrgenommen Schweigen".
• 1953: Robert Raumschenberg produziert Löte de Kooning Zeichnung, eine Zeichnung von Willem de Kooning was Raumschenberg gelöscht hat. Es warf viele Fragen zur grundlegenden Natur der Kunst auf und forderte den Betrachter heraus, zu überlegen, ob das Löschen eines anderen Künstlers eine kreative Handlung sein könnte und ob die Arbeit nur "Kunst" war, weil der berühmte Rausschenberg es getan hatte.
• 1955: Rhea Sue Sanders schafft ihre ersten Textstücke der Serie pièces de wird durchdringt, kombiniert visuelle Kunst mit Poesie und Philosophie und Einführung des Konzepts der Komplizenschaft: Der Betrachter muss die Kunst in ihrer Fantasie erreichen.^[30]
• 1956: Isidore Isou führt das Konzept der infinitesimalen Kunst in ein Einführung à une Esthétique Imaginaire (Einführung in die imaginäre Ästhetik).
• 1957: Yves Klein, Aerostatische Skulptur (Paris), bestehend aus 1001 blauen Luftballons, die in den Himmel freigelassen werden Galerie Iris Chacher um seine zu fördern Satzmonochrom; Blaue Epoche Ausstellung. Klein auch ausgestellt Eine Minute Feuermalerei, die eine blaue Panel war, in die 16 Feuerwerkskörper gesetzt wurden. Für seine nächste große Ausstellung, Die Leere 1958 erklärte Klein, dass seine Gemälde jetzt unsichtbar seien - und um es zu beweisen, er zeigte einen leeren Raum.
• 1958: George Brecht erfindet die Event Score^[31] Das würde ein zentrales Merkmal von Fluxus werden. Brecht, Dick Higgins, Allan Kaprow, Al Hansen, Jackson Maclow und andere studierten mit John Cage Zwischen 1958 und 1959 am Neue Schule direkt zur Schaffung von Ereignisse, Fluxus und Henry FlyntKonzeptkunst. Ereigniswerte sind einfache Anweisungen, um alltägliche Aufgaben zu erledigen, die öffentlich, privat oder gar nicht ausgeführt werden können.
• 1958: Wolf Vostell Das Theater ist auf der Straße/Das Theater ist auf der Straße. Der Erste Ereignis in Europa.^[32]
• 1960: Yves KleinAktion genannt Ein Sprung in die Leere, in dem er versucht zu fliegen, indem er aus einem Fenster springt. Er erklärte: "Der Maler muss ständig ein Meisterwerk selbst schaffen."
• 1960: Der Künstler Stanley Brouwn erklärt, dass alle Schuhgeschäfte in Amsterdam eine Ausstellung seiner Arbeiten darstellen.
• 1961: Wolf Vostell Cityrama, in Köln - das erste Ereignis in Deutschland.
• 1961: Robert Raumschenberg schickte ein Telegramm an die Galerie Iris Chacher Was lautete: „Dies ist ein Porträt von Iris -Lehrer Wenn ich es sage. ' als seinen Beitrag zu einer Ausstellung von Porträts.
• 1961: Piero Manzoni ausgestellt Scheiße des Künstlers, Dosen, die angeblich seine eigenen enthalten Kot (Obwohl die Arbeit, wenn sie geöffnet wäre, zerstört werden würde, konnte niemand sicher sagen). Er stellte die Dosen für ihr eigenes Gewicht in Gold zum Verkauf. Er verkaufte auch seinen eigenen Atem (in Luftballons eingeschlossen) als Körper der Luftund unterschrieben die Körper der Menschen und erklärte sie so für lebende Kunstwerke für alle Zeiten oder für bestimmte Zeiträume. (Dies hing davon ab, wie viel sie bereit sind zu zahlen). Marcel Broodthaers und Primo Levi gehören zu den ausgewiesenen "Kunstwerken".
• 1962: Künstler Barrie Bates setzt sich als um Billy AppleSeine ursprüngliche Identität, um seine Erforschung des Alltags und des Handels als Kunst fortzusetzen. Zu diesem Zeitpunkt werden viele seiner Werke von Dritten hergestellt.^[33]
• 1962: Christo's Eiserner Vorhang Arbeit. Dies besteht aus einer Barrikade von Ölfässern in einer schmalen Pariser Straße, die einen großen Stau verursachte. Das Kunstwerk war nicht die Barrikade selbst, sondern der daraus resultierende Stau.
• 1962: Yves Klein die Geschenke Immaterielle Bildempfindlichkeit in verschiedenen Zeremonien am Ufer der Seine. Er bietet an, seine eigene "bildliche Sensibilität" (was auch immer das war - er hat sie nicht definiert) als Gegenleistung gegen Blattgold. Bei diesen Zeremonien gab der Käufer Klein das Blatt für ein Zertifikat. Da Kleins Empfindlichkeit immateriell war, musste der Käufer das Zertifikat verbrennen, während Klein die Hälfte des Blattgolds in die Seine warf. (Es gab sieben Käufer.)
• 1962: Piero Manzoni erstellt Die Basis der Weltdamit den gesamten Planeten als seine Kunstwerke ausgestellt.
• 1962: Alberto Greco begann seine Vivo dito oder Lebende Kunst Serie, die in Paris, Rom, Madrid und Piedralaves stattfand. In jedem Kunstwerk machte Greco im Alltag die Aufmerksamkeit auf die Kunst und behauptete damit, dass Kunst tatsächlich ein Prozess des Sehens und Sehens sei.
• 1962: Fluxus Internationale Festspiele Neuester Musik in Wiesbaden mit George Maciunas, Wolf Vostell, Nam June Paik und andere.^[34]
• 1963: George Brecht's Sammlung von Event-Scores, Wasser Yam, wird als erste veröffentlicht Fluxkit durch George Maciunas.
• 1963: Festum Fluxorum Fluxus in Düsseldorf mit George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik, Ben Patterson, Emmett Williams und andere.
• 1963: Henry Flynt's Artikel Konzeptkunst wird veröffentlicht in Eine Anthologie der zufälligen Operationen; Eine Sammlung von Kunstwerken und Konzepten von Künstlern und Musikern, die von veröffentlicht wurden von Jackson Mac Low und La Monte Young (ed.). Eine Anthologie der zufälligen Operationen dokumentiert die Entwicklung von Dick HigginsVision von 's Vision von Intermedia Kunst im Kontext der Ideen von John Cageund wurde ein frühes Vor-Fluxus Meisterstück. Flynts "Konzeptkunst" entschied sich aus seiner Idee des "kognitiven Nihilismus" und aus seinen Einsichten über die Schwachstellen von Logik und Mathematik.
• 1964: Yoko Ono Veröffentlichungen Grapefruit: Ein Buch mit Anweisungen und Zeichnungen, ein Beispiel für heuristische Kunst oder eine Reihe von Anweisungen, um eine ästhetische Erfahrung zu erhalten.
• 1965: Kunst & Sprache Gründer Michael Baldwin's Spiegelstück. Anstelle von Gemälden zeigt die Arbeit eine variable Anzahl von Spiegeln, die sowohl den Besucher als auch den Besucher herausfordern Clement GreenbergTheorie.^[35]
• 1965: Ein komplexes konzeptionelles Kunstwerk von John Latham genannt Immer noch und kauen. Er lädt Kunststudenten ein, gegen die Werte von zu protestieren Clement Greenberg's Kunst und Kultur, viel gelobt und gelehrt bei Saint Martins School of Art of Art in London, wo Latham Teilzeit unterrichtete. Seiten von Greenbergs Buch (aus der College -Bibliothek ausgeliehen) werden von den Studenten gekaut, in Säure gelöst und die daraus resultierende Lösung, die in die in Flaschen abfüllte und beschriftete Bibliothek zurückgegeben wurde. Latham wurde dann aus seiner Teilzeitposition entlassen.
• 1965: mit Show V, immaterielle Skulptur der niederländische Künstler Marinus Boezem Einführte konzeptionelle Kunst in den Niederlanden. In der Show werden verschiedene Lufttüren dort platziert, wo Menschen durch sie gehen können. Die Menschen haben die sensorische Erfahrung von Wärme, Luft. Drei unsichtbare Lufttüren, die als Kälte und Warm in den Raum geblasen werden, sind im Raum mit Pfeilen und Linienbündeln angezeigt. Die Artikulation des Raums, der entsteht, ist das Ergebnis unsichtbarer Prozesse, die das Verhalten von Personen in diesem Raum beeinflussen und die als Co-Performer in das System einbezogen werden.
• Joseph Kosuth datiert das Konzept von Ein und drei Stühle bis zum Jahr 1965. Die Präsentation der Arbeit besteht aus einem Stuhl, seinem Foto und einer Vergrößerung einer Definition des Wortes "Stuhl". Kosuth wählte die Definition aus einem Wörterbuch. Vier Versionen mit unterschiedlichen Definitionen sind bekannt.
• 1966: 1966 konzipiert Die Klimaanlagenshow von Kunst & Sprache wird 1967 als Artikel in der Novemberausgabe von veröffentlicht Kunstmagazin.^[36]
• 1966: N.E. Ding Co. Ltd. (Iain und Ingrid Baxter von Vancouver) Ausstellung Gepackter OrtDer Inhalt einer in Plastiktüten eingewickelten Vierzimmer-Wohnung. Im selben Jahr registrierten sie sich als Unternehmen und organisierten anschließend ihre Praxis entlang von Unternehmensmodellen, einem der ersten internationalen Beispiele für die "Ästhetik der Verwaltung".
• 1967: Mel RamsdenErstens 100% abstrakte Gemälde. Das Gemälde zeigt eine Liste chemischer Komponenten, die die Substanz des Gemäldes ausmachen.^[37]
• 1967: Sol Lewitt's Absätze zur konzeptionellen Kunst wurden vom American Art Journal veröffentlicht Artforum. Das Absätze Markieren Sie den Fortschritt von minimal zur konzeptionellen Kunst.
• 1968: Michael Baldwin, Terry Atkinson, David Bainbridge und Harold Hurrell gefunden Kunst & Sprache.^[38]
• 1968: Lawrence Weiner Gibt die physische Herstellung seiner Arbeit auf und formuliert seine "Absichtserklärung", eine der wichtigsten konzeptionellen Kunstaussagen nach Lewitts "Absätzen zur konzeptionellen Kunst". Die Erklärung, die seine nachfolgende Praxis unterstreicht, lautet: "1. Der Künstler kann das Stück konstruieren. 2. Das Stück kann hergestellt werden. 3. Das Stück muss nicht gebaut werden. Jeder ist gleich und übereinstimmt mit der Absicht des Künstlers, der Künstler der Die Entscheidung über den Zustand liegt beim Empfänger anlässlich des Empfängers. "
• Friedrich Heubach startet das Magazin Interfunktionen In Köln, Deutschland, eine Veröffentlichung, die sich in den Projekten der Künstler hervorgetan hat. Es zeigte ursprünglich einen Fluxus -Einfluss, bewegte sich aber später in Richtung konzeptioneller Kunst.
• 1969: Die erste Generation von New York Alternative Ausstellungsräume werden etabliert, einschließlich Billy Apple'S Apple, Robert Newmans Gewinn Vito Acconci produzierte viele wichtige frühe Arbeiten und 112 Greene Street.^[33][39]
• 1969: Robert Barry's Telepathisches Stück An der Simon Fraser University, Vancouver, von der er sagte: "Während der Ausstellung werde ich versuchen, telepathisch ein Kunstwerk zu kommunizieren, dessen Art eine Reihe von Gedanken ist, die nicht auf Sprache oder Image anwendbar sind."
• 1969: Die erste Ausgabe von Kunstsprache: Das Journal of Conceptual Art wird im Mai veröffentlicht, herausgegeben von Terry Atkinson, David Bainbridge, Michael Baldwin und Harold Hurrell. Kunst & Sprache sind die Redakteure dieser ersten Nummer, und nach der zweiten Nummer schließt sich Joseph Kosuth bis 1972 als amerikanische Redakteurin an.
• 1969: Vito Acconci schafft Folgendes Stück, in dem er zufällig ausgewählte Mitglieder der Öffentlichkeit folgt, bis sie in einem privaten Raum verschwinden. Das Stück wird als Fotos präsentiert.
• Das englische Journal Studio International Veröffentlichungen Joseph KosuthArtikel "Kunst nach Philosophie" in drei Teilen (Oktober bis Dezember). Es wurde der am meisten diskutierte Artikel über konzeptionelle Kunst.
• 1970: Ian Burn, Mel Ramsden und Charles Harrison beitreten Kunst & Sprache.^[38]
• 1970: Maler John Baldessari zeigt einen Film, in dem er eine Reihe von gelehrten Aussagen von Sol Lewitt zum Thema konzeptionelle Kunst zu beliebten Melodien wie "Camptown Races" und "einigen verzauberten Abend" legt.
• 1970: Douglas Huebler zeigt eine Reihe von Fotos, die alle zwei Minuten aufgenommen wurden, während sie 24 Minuten lang entlang einer Straße fahren.
• 1970: Douglas Huebler bittet Museumsbesucher, "ein authentisches Geheimnis" aufzuschreiben. Die daraus resultierenden 1800 Dokumente werden in ein Buch zusammengestellt, das nach einigen Konten für sehr sich wiederholende Lektüre sorgt, da die meisten Geheimnisse ähnlich sind.
• 1971: Hans Haacke's Soziales System in Echtzeit. Dieses Stück von Systemkunst beschrieben die Immobilienbestände der drittgrößten Landbesitzer in New York City. Die Eigenschaften, meistens in Harlem und der Lower East Side, waren wieder in der Nähe und waren schlecht gewartet und stellten die größte Immobilienkonzentration in den Bereichen unter der Kontrolle einer einzelnen Gruppe dar. Die Bildunterschriften gaben verschiedene finanzielle Details zu den Gebäuden an, einschließlich der jüngsten Verkäufe zwischen Unternehmen, die derselben Familie gehören oder kontrolliert wurden. Das Guggenheim -Museum hat die Ausstellung abgesagt und festgestellt, dass die offenkundigen politischen Auswirkungen der Arbeit "eine außerirdische Substanz darstellten, die in den Kunstmuseum -Organismus eingetreten war". Es gibt keine Beweise dafür, dass die Treuhänder der Guggenheim finanziell mit der Familie verbunden waren, die Gegenstand der Arbeit war.
• 1972: Das Kunst- und Sprachinstitut Exponate Index 01 Bei der Documenta 5, eine Installation indizieren Textbewerber von Kunst & Sprache und Textanwerfer von Kunstsprache.
• 1972: Antonio Caro Exponate im National Art Salon (Museo Nacional, Bogotá, Kolumbien) seine Arbeit: Aquinocabeelarte (Kunst passt nicht hierher), wobei jedes der Buchstaben ein separates Plakat ist und unter jedem Buchstaben der Name eines Opfers von Staatsrepressionen geschrieben wird.
• 1972: Fred Forest Kauft einen Bereich mit leerem Raum in der Zeitung Le Monde und lädt die Leser ein, es mit ihren eigenen Kunstwerken zu füllen.
• Grund Idee Start Datei Magazin in Toronto. Das Magazin fungierte als ein erweitertes, kollaboratives Kunstwerk.
• 1973: Jacek Tylicki Legt leere Leinwände oder Papierblätter in der natürlichen Umgebung für die Natur dar, um Kunst zu schaffen.
• 1974: Cadillac Ranch nahe Amarillo, Texas.
• 1975–76: Drei Ausgaben des Journals Der Fuchs wurden veröffentlicht von Kunst & Sprache in New York. Der Herausgeber war Joseph Kosuth. Der Fuchs wurde eine wichtige Plattform für die amerikanischen Mitglieder von Kunst & Sprache. Karl Beveridge, Ian Burn, Sarah Charlesworth, Michael Corris, Joseph Kosuth, Andrew Menard, Mel Ramsden und Terry Smith schrieben Artikel, die den Kontext der zeitgenössischen Kunst thematisierten. Diese Artikel veranschaulichen die Entwicklung einer institutionellen Kritik innerhalb des inneren Kreises der konzeptionellen Kunst. Die Kritik an der Kunstwelt integriert soziale, politische und wirtschaftliche Gründe.
• 1975–77 Orshi DrozdikDie individuelle Mythologie-, Fotografie- und OffsetPrint -Reihe und ihre Theorie der ImageBank in Budapest.
• 1976: Angesichts interner Probleme, Mitglieder von Mitgliedern von Kunst & Sprache getrennt. Das Schicksal des Namens Kunst & Sprache bleibt in Michael Baldwin, Mel Ramsden und Charles Harrison Hands.
• 1977: Walter de Maria's Vertikaler Erdekilometer in Kassel, Deutschland. Dies war eine ein Kilometer liegende Messingstange, die in die Erde gesunken war, so dass nichts sichtbar blieb als einige Zentimeter. Trotz seiner Größe existiert diese Arbeit hauptsächlich im Kopf des Betrachters.
• 1982: The Oper Victorine nach Kunst und Sprache sollte in der Stadt von aufgeführt werden Kassel Für Documenta 7 und neben Kunst & Sprache gezeigt Studio in 3 Wesley Place von Schauspielern gemalt, aber die Leistung wurde abgesagt.^[40]
• 1986: Kunst & Sprache sind für die nominiert Turner -Preis.
• 1989: Christopher Williams' Angola nach Vietnam wird zuerst ausgestellt. Die Arbeit besteht aus einer Reihe von Schwarz-Weiß-Fotografien von Glasbotanischen Exemplaren aus dem Botanisches Museum bei Harvard Universität, ausgewählt nach einer Liste der sechsunddreißig Länder, in denen bekannt war, dass politische Verschwindenheiten im Jahr 1985 stattgefunden haben.
• 1990: Ashley Bickerton und Ronald Jones In "Mind Over Matter: Concept and Object" Ausstellung "Konzeptkünstler der dritten Generation" im Whitney Museum of American Art enthalten.^[41]
• 1991: Ronald Jones zeigt Objekte und Text, Kunst, Geschichte und Wissenschaft, die in düsterer politischer Realität verwurzelt sind Metro Pictures Gallery.^[42]
• 1991: Charles Saatchi finanziert Damien Hirst und das nächste Jahr in der Saatchi Gallery zeigt seine Die physische Unmöglichkeit des Todes im Geist eines Menschen lebt, ein Hai in Formaldehyd in einem Vitrin.
• 1992: Maurizio Bolognini beginnt, seine programmierten Maschinen zu "versiegeln": Hunderte von Computern werden programmiert und links von Infinitum ausführen, um unerschöpfliche Flüsse zufälliger Bilder zu erzeugen, die niemand sehen würde.^[43]
• 1993: Matthieu Laurette Errichtete seine künstlerische Geburtsurkunde, indem er an einem französischen Fernsehspiel namens teilnahm Tournez Manège (Das Dating -Spiel), bei dem die weibliche Moderatorin ihn fragte, wer er sei, worauf er antwortete: "Ein Multimedia -Künstler". Laurette hatte ein Einladung an ein Kunstpublikum gesendet, die Show im Fernsehen aus ihren Häusern zu sehen und seine Inszenierung des Künstlers in eine aufgeführte Realität zu verwandeln.
• 1993: Vanessa Beecroft Hält ihre erste Leistung in Mailand, Italien, und nutzt Modelle, um als zweites Publikum für die Ausstellung ihres Lebensdagebuchs zu fungieren.
• 1999: Tracey Emin ist für die nominiert Turner -Preis. Ein Teil ihrer Ausstellung ist Mein Bett, ihr zerzaustes Bett, umgeben von Detritus wie Kondomen, blutigen Schlüften, Flaschen und ihren Schlafzimmerschuhen.
• 2001: Martin Creed gewinnt den Turner -Preis für Arbeit Nr. 227: Die Lichter gehen und aus, ein leerer Raum, in dem die Lichter ein- und ausgehen.^[44]
• 2003: Damali Ayo Exponate im Zentrum der zeitgenössischen Kunst, Seattle, WA Fleischton Nr. 1: Hauthäutert, eine kollaborative Selbstporträtin, in der sie Lackmixer aus lokalen Hardware-Läden bat, Hausfarbe zu erstellen, um verschiedene Teile ihres Körpers zu entsprechen, während sie die Interaktionen aufzeichnen.^[45]
• 2004: Andrea FraserVideo Ohne TitelIn der Friedrich Petzel Gallery wird ein Dokument ihrer sexuellen Begegnung in einem Hotelzimmer mit einem Sammler (dem Sammler zugestimmt, der zugestimmt hat, die technischen Kosten für die Erlass und Dreharbeiten zur Begegnung zu finanzieren). Es wird von ihrer Arbeit von 1993 begleitet Verschieben Sie keine Freude, oder das Sammeln kann Spaß machen, ein 27-seitiges Transkript eines Interviews mit einem Sammler, in dem der Großteil des Textes gelöscht wurde.
• 2005: Simon Starling gewinnt den Turner -Preis für Schüttler, ein Holzschuppen, den er in ein Boot verwandelt hatte, schwebte den Rhein hinunter und verwandelte sich wieder in einen Schuppen.^[46]
• 2005: Maurizio Nannucci erstellt die große Neoninstallation Alle Kunst war zeitgenössisch Auf der Fassade des Altes Museum in Berlin.
• 2014: Olaf Nicolai erstellt die Denkmal für die Opfer der NS -Militärgerechtigkeit auf Wiener Ballhausplatz Nach einem internationalen Wettbewerb. Die Inschrift auf der dreistufigen Skulptur zeigt ein Gedicht des schottischen Dichters Ian Hamilton Finlay (1924–2006) mit nur zwei Wörtern: ganz allein.

Bemerkenswerte konzeptionelle Künstler

Siehe auch

Einzelne Werke

Verweise

Weitere Lektüre

Bücher

• Charles Harrison, Essays über Kunst & Sprache, MIT Press, 1991
• Charles Harrison, Konzeptionelle Kunst und Malerei: Weitere Aufsätze über Kunst und Sprache, MIT Press, 2001
• Ermanno Migliorini, Konzeptkunst, Florenz: 1971
• Klaus honnef, Konzeptkunst, Köln: Phaidon, 1972
• Ursula Meyer, Hrsg., Konzeptkunst, New York: Dutton, 1972
• Lucy R. Lippard, Sechs Jahre: Die Dematerialisierung des Kunstobjekts von 1966 bis 1972. 1973. Berkeley: University of California Press, 1997.
• Gregory Battcock, Hrsg., Ideenkunst: Eine kritische Anthologie, New York: E. P. Dutton, 1973
• Jürgen Schilling, Aktionskunst. Identität von Kunst und LeBen? Verlag C. J. Bucher, 1978, ISBN3-7658-0266-2.
• Juan Vicente Aliaga & José Miguel G. Cortés, Hrsg.,, ARTE Conceptual Revisado/Conceptual Art Revisited, Valencia: Universidad Politécnica de Valencia, 1990
• Thomas Dreher, Konzeptuelle Kunst in Amerika und England Zwische 1963 und 1976 (Diplom
• Robert C. Morgan, Konzeptionelle Kunst: Eine amerikanische Perspektive, Jefferson, NC/London: McFarland, 1994
• Robert C. Morgan, Kunst in Ideen: Essays über konzeptionelle Kunst, Cambridge et al.: Cambridge University Press, 1996
• Charles Harrison und Paul Wood, Kunst theoretisch: 1900–1990, Blackwell Publishing, 1993
• Tony Godfrey, Konzeptkunst, London: 1998
• Alexander Alberro & Blake Stimson, Hrsg., Konzeptionelle Kunst: Eine kritische Anthologie, Cambridge, Massachusetts, London: MIT Press, 1999
• Michael Newman & Jon Bird, Hrsg., Konzeptionelle Kunst neu schreiben, London: Wiederholung, 1999
• Anne Rorimer, Neue Kunst in den 60ern und 70ern: Realität neu definiert, London: Thames & Hudson, 2001
• Peter Osborne, Konzeptionelle Kunst (Themen und Bewegungen), Phaidon, 2002 (siehe auch die externen Links für Robert Smithson)
• Alexander Alberro. Konzeptionelle Kunst und Politik der Werbung. Mit Press, 2003.
• Michael Corris, Hrsg., Konzeptionelle Kunst: Theorie, Praxis, Mythos, Cambridge, England: Cambridge University Press, 2004
• Daniel Marzona, Konzeptkunst, Köln: Taschen, 2005
• John Roberts, Die Immaterialisierungen der Form: Geschicklichkeit und Schreibtisch in der Kunst nach der Readymade, London und New York: Verso -Bücher, 2007
• Peter Goldie und Elisabeth Schellekens, Wer hat Angst vor konzeptioneller Kunst?, Abingdon [etc.]: Routledge, 2010. - viii, 152 p. : krank. ; 20 cm ISBN0-415-42281-7 HBK: ISBN978-0-415-42281-9 HBK: ISBN0-415-42282-5 PBK: ISBN978-0-415-42282-6 PBK

Aufsätze

• Andrea Sauchelli, 'Das Bekanntschaftsprinzip, ästhetische Urteile und konzeptionelle Kunst, Zeitschrift für Ästhetische Ausbildung (Vorbereitung, 2016).

Ausstellungskataloge

• Diagrammboxen und analoge Strukturen, exh.cat. London: Molton Gallery, 1963.
• 5. bis 31. Januar 1969, exh.cat., New York: Seth Siegelaub, 1969
• Wenn Einstellungen zu Form werden, exh.cat., Bern: Kunsthalle Bern, 1969
• 557.087, exh.cat., Seattle: Seattle Art Museum, 1969
• Konzzeption/Konzeption, exh.cat., Leverkusen: Städt. Museum Leverkusen et al., 1969
• Konzeptionelle Kunst und konzeptionelle Aspekte, Exh.Cat., New York: New York Cultural Center, 1970
• Kunst im Kopf, exh.cat., Oberlin, Ohio: Allen Memorial Art Museum, 1970
• Information, Exh.Cat., New York: Museum of Modern Art, 1970
• Software, Exh.Cat., New York: Jewish Museum, 1970
• Situationskonzepte, exh.cat., Innsbruck: Forum für Aktuelle Kunst, 1971
• Kunst konzeptuel i, exh.cat., Bordeaux: Capcmusée d'Art Contemporain de Bordeaux, 1988
• L'Art Conceptuel, exh.cat., paris: arc -musée d'Art moderne de la ville de paris, 1989
• Christian Schlatter, ed., Art Conceptuel Formen Conceptuelles/konzeptionelle Kunst konzeptuelle Formen, exh.cat., Paris: Galerie 1900–2000 und Galerie de Poche, 1990
• Überdenken Sie das Objekt der Kunst: 1965–1975, Exh.Cat., Los Angeles: Museum of Contemporary Art, 1995
• Globaler Konzeptualismus: Herkunftsstellen, 1950 bis 1980er Jahre, Exh.Cat., New York: Queens Museum of Art, 1999
• Offene Systeme: Kunst überdenken c. 1970, exh.cat., London: Tate Modern, 2005
• Kunst & Sprache unvollständig: Die Philippe Méaille Collection, Macba Press, 2014
• Lichtjahre: Konzeptkunst und das Foto 1964–1977, Exh.Cat., Chicago: Art Institute of Chicago, 2011

Externe Links

• Medien im Zusammenhang mit konzeptionellen Kunst bei Wikimedia Commons
• Zitate zu konzeptioneller Kunst bei Wikiquote
• Kunst & Sprache Unvollständig: Die Philippe Méaille Collection, Macba
• Offizielle Stätte des Château de Montsoreau-Museum der zeitgenössischen Kunst
• Lichtjahre: Konzeptkunst und das Foto, 1964–1977 Bei der Kunstinstitut von Chicago
• Shellekens, Elisabet. "Konzeptkunst". Im Zalta, Edward N. (ed.). Stanford Encyclopedia of Philosophy.
• Sol Lewitt, "Absätze zur konzeptionellen Kunst"
• Konzeptualismus
• PDF -Datei einer Anthologie der Chance -Operationen (1963) enthält Henry Flynt's "Concept Art" Essay bei Ubuweb
• Konzeptkünstler, Bücher über konzeptionelle Kunst und Links zum weiteren Lesen
• ARTE CONCEPTIONIAL Y POSCONPTECILUAL. La idee como arte: Duchamp, Beuys, Cage y Fluxus - PDF UCM