Komponist

Porträt von Nikolai Rimsky-Korsakov an seinem Schreibtisch komponieren, von Valentin Serov, 1898

A Komponist ist eine Person, die schreibt Musik.[1] Der Begriff wird besonders verwendet, um Komponisten von anzuzeigen Westliche klassische Musik,[2] oder diejenigen, die durch Beruf Komponisten sind.[3] Viele Komponisten sind oder waren auch qualifizierte Musikkünstler.

In anderen Kontexten kann sich der Begriff "Komponist" auf einen literarischen Schriftsteller beziehen.[4] Oder seltener und allgemeiner jemand, der Stücke zu einem Ganzen kombiniert.[5]

Etymologie und Definition

Der Begriff stammt von ab Latein, compōnō; buchstäblich "einer, der zusammenstellt".[6] Die früheste Verwendung des Begriffs in einem musikalischen Kontext, der von dem gegeben wurde Oxford Englisch Wörterbuch ist von Thomas Morley1597 Eine einfache und einfache Einführung in die praktische Musik, wo er sagt "etwas Wil [sic] Seien Sie gute Descanters [...] und doch werden es nur schlechte Komponisten sein ".[1]

Der Begriff "Komponist" wird häufig verwendet, um sich auf Komponisten von zu beziehen Instrumentalmusik, wie diejenigen, die in klassischen, Jazz oder anderen Formen von gefunden wurden Kunst und traditionelle Musik. Im Beliebt und VolksmusikDer Komponist wird normalerweise als a genannt Songwriter, da die Musik im Allgemeinen die Form von a hat Lied. Seit der Mitte des 20. Jahrhunderts hat sich der Begriff erweitert, um die Schöpfer unterzubringen Elektroakustische Musik, in denen Komponisten direkt Schallmaterial in einem der verschiedenen erstellen elektronische Medien, wie zum Beispiel Rollen-zu-Reel-Klebeband und elektronisch Effekteinheiten, die einem Publikum durch Wiederholung eines Bandes oder einer anderen Tonaufnahme oder durch Live -Instrumentalisten und -sänger mit vorgezeichnetem Material präsentiert werden kann. Dies unterscheidet sich von einer Konzeption der instrumentellen Komposition aus dem 19. Jahrhundert, bei der die Arbeit ausschließlich durch a dargestellt wurde Partitur zu interpretieren von Darsteller.

Das Unterscheidungsniveau zwischen Komponisten und anderen Musiker variiert, was betrifft Probleme wie z. Urheberrechte ©[angeben] und die Achtung individueller Interpretationen eines bestimmten Musikstücks. In der Entwicklung von Europäern klassische MusikDie Funktion, Musik zu komponieren, hatte zunächst nicht viel größer als die von der Ausführung. Die Erhaltung einzelner Kompositionen erhielt keine enorme Aufmerksamkeit und Musiker hatten im Allgemeinen keine Bedenken hinsichtlich der Änderung von Kompositionen für die Leistung. In der Rolle des Komponisten in der westlichen Kunstmusik wurde in alternativen Redewendungen (d.h. Jazz, Experimentelle Musik) Es wird in gewisser Weise immer komplexer oder vage. Zum Beispiel in bestimmten Kontexten die Grenze zwischen Komponist und Künstler, Sounddesigner, Arrangeur, Herstellerund andere Rollen können ziemlich verschwommen sein.

Rolle in der westlichen Welt

Beziehung zu Darstellern

In der westlichen Welt vor dem Romantische Periode des 19. Jahrhunderts ging die Komposition fast immer mit einer Kombination aus Gesang, Unterricht und an Seite Theoretisierung.[7]

Sogar in einem konventionellen westlichen Stück Instrumentalmusik, in dem alle alle Melodien, Akkorde, und Basslines werden in musikalischer Notation ausgeschrieben, der Darsteller hat einen gewissen Breitengrad, um dem Werk künstlerische Interpretation zu verleihen, auf diese Weise, indem er seine Artikulation und ihre Artikulation variiert und Formulierung, wählen, wie lange man machen soll Fermatas (Notizen gehalten) oder Pausen und - im Fall von Bogenstrindinstrumenten, Holzblasen oder Messinginstrumenten - entscheiden, ob er ausdrucksstarke Effekte wie z. Vibrato oder Portamento. Für einen Sänger oder Instrumentaler wird der Prozess der Entscheidung, wie man Musik ausführt, die zuvor komponiert und notiert wurde, als "Interpretation" bezeichnet. Verschiedene Interpretationen der Darsteller über das gleiche Musikwerk können in Bezug auf die ausgewählten Tempos und das Spiel- oder Gesangsstil oder die Phrasierung der Melodien stark variieren. Komponisten und Songwriter, die ihre Musik präsentieren, interpretieren genauso wie diejenigen, die die Musik anderer ausführen. Die Standardauswahl und -techniken, die zu einem bestimmten Zeitpunkt und an einem bestimmten Ort vorhanden sind Leistungspraxis, während die Interpretation im Allgemeinen verwendet wird, um die individuellen Auswahl eines Darstellers zu bedeuten.

Obwohl a musikalische Komposition Oft hat dies einen einzelnen Autor, dies ist nicht immer der Fall. Eine Musikarbeit kann mehrere Komponisten haben, die häufig in auftreten Populärmusik Wenn eine Band zusammenarbeitet, um einen Song zu schreiben oder in Musiktheater, wo die Songs von einer Person geschrieben werden können, die Orchestrierung der Begleitteile und Schreiben der Ouvertüre wird von einem Orchestrator durchgeführt, und die Wörter können von einer dritten Person geschrieben werden.

Ein Musikstück kann auch mit Wörtern, Bildern oder im 20. und 21. Jahrhundert Computerprogramme komponiert werden, die erklären oder nicht, wie der Sänger oder Musiker musikalische Geräusche erzeugen sollte. Beispiele für diesen Bereich von Windspiel Jingling im Brise, zu avantgardistischer Musik aus dem 20. Jahrhundert, das verwendet Grafiknotation, zu Textkompositionen wie z. Aus, an Computerprogramme, die Sounds für Musikstücke auswählen. Musik, die Zufälligkeit und Zufall nutzt Aleateorische Musikund ist mit zeitgenössischen Komponisten verbunden, die im 20. Jahrhundert aktiv sind, wie z. John Cage, Morton Feldman, und Witold Lutosławski.

Die Art und das Mittel der individuellen Variation der Musik sind unterschiedlich, abhängig von der Musikkultur im Land und der Zeit, in der sie geschrieben wurde. Zum Beispiel Musik, die in der komponiert ist Barock -Ärainsbesondere in langsamen Tempos wurde oft in bloßem Umriss geschrieben, mit der Erwartung, dass der Darsteller hinzufügen würde improvisiert Ornamente zur Melodie während einer Aufführung. Eine solche Freiheit verringerte sich im Allgemeinen in späteren Epochen und korrelierte mit der erhöhten Verwendung durch Komponisten mit detaillierterer Bewertung in Form von Dynamik, Artikulation und Cetera; Komponisten werden einheitlich expliziter, wie sie ihre Musik interpretieren wollten, obwohl die diktierte, wie streng und minutiös diese von einem Komponisten zum anderen variieren. Aufgrund dieses Trends der Komponisten, die in ihren Anweisungen an den Darsteller immer spezifischer und detaillierter werden, entwickelte sich schließlich eine Kultur, bei der die treue Treue zur schriftlichen Absicht des Komponisten hoch geschätzt wurde (siehe zum Beispiel. Urtext Edition). Diese musikalische Kultur hängt mit ziemlicher Sicherheit mit der hohen Wertschätzung (grenzt an Verehrung) zusammen, in der die führenden klassischen Komponisten häufig von Darstellern gehalten werden.

Das historisch informierte Leistung Die Bewegung hat sich in gewissem Maße wieder belebt Baroque music und Musik von Anfang an Klassik. Die Bewegung kann als Weg zum Schaffen angesehen werden größer Treue zum Original in Werken, die zu einer Zeit komponiert wurden, die erwartete, dass die Darsteller improvisieren. In anderen Genres als klassischer Musik hat der Darsteller im Allgemeinen mehr Freiheit; Wenn ein Darsteller der westlichen Populärmusik zum Beispiel ein "Cover" eines früheren Songs schafft, ist die genaue Wiedergabe des Originals kaum erwartet. Auch ist die genaue Treue auch nicht notwendigerweise hoch geschätzt (mit der möglichen Ausnahme von "Notizen-für-note" -Transkriptionen berühmter Gitarrensoli).

In der westlichen Kunstmusik typischerweise der Komponist orchestrieren Seine oder ihre Kompositionen, aber in Musiktheater und Popmusik können Songwriter einen einstellen Arrangeur die Orchestrierung durchführen. In einigen Fällen kann ein Pop -Songwriter überhaupt keine Notation verwenden und stattdessen das Lied in seinem Geist komponieren und dann aus dem Gedächtnis spielen oder aufnehmen. In Jazz und populärer Musik erhalten bemerkenswerte Aufnahmen von einflussreichen Darstellern das Gewicht, das schriftliche Ergebnisse in klassischer Musik spielen. Das Studium der Komposition wurde traditionell von der Untersuchung von Methoden und der Praxis der westlichen klassischen Musik dominiert, aber die Definition von Komposition ist breit genug. Kostenloser Jazz Künstler und afrikanische Percussionisten wie z. Mutterschafe.

Beschäftigungsgeschichte

Im Mittelalter arbeiteten die meisten Komponisten für die Katholische Kirche und komponierte Musik für religiöse Dienste wie z. Plainchant Melodien. Während der Renaissance -Musik Ära arbeiteten Komponisten in der Regel für aristokratische Arbeitgeber. Während Aristokraten in der Regel Komponisten benötigten, um eine erhebliche Menge religiöser Musik zu produzieren, wie z. Massen, Komponisten haben auch viele nicht-religiöse Songs zum Thema geschrieben Höfliche Liebe: Die respektvolle, ehrfürchtige Liebe einer großen Frau aus der Ferne. Hofliebe waren während der Renaissance -Ära sehr beliebt. Während der Baroque music Ära, viele Komponisten waren bei Aristokraten oder als Kirchenangestellte beschäftigt. Während der KlassikDie Komponisten organisierten mehr öffentliche Konzerte als Gewinn, was den Komponisten half, weniger von aristokratischen oder kirchlichen Jobs abhängig zu sein. Dieser Trend wurde in der fortgesetzt Romantische Musik Ära im 19. Jahrhundert. Im 20. Jahrhundert begannen Komponisten, als Professoren an Universitäten und Konservatorien eine Beschäftigung zu suchen. Im 20. Jahrhundert verdienten Komponisten auch Geld aus dem Verkauf ihrer Werke, wie z. Noten Veröffentlichungen ihrer Lieder oder Stücke oder als Tonaufnahmen ihrer Werke.

Rolle von Frauen

Komponist und Pianist des 19. Jahrhunderts Clara Schumann

Im Jahr 1993 Amerikaner Musikwissenschaftler Marcia Citron Gefragt "[W] hy ist Musik, die von Frauen komponiert wird, die so marginal zum Standard" klassisch "Repertoire?"[8] Citron "untersucht die Praktiken und Einstellungen, die zum Ausschluss von Komponisten der Frauen aus dem erhaltenen geführt haben.Kanon'von durchgeführten musikalischen Werken. “Sie argumentiert, dass in den 19. Jahrhundert Frauenkomponisten normalerweise geschrieben haben Kunstlieder für die Leistung in kleinen Konzerten eher als Symphonien für die Leistung mit einem Orchester in einer großen Halle vorgesehen, wobei letztere als wichtigste Genre für Komponisten angesehen werden; Da Frauenkomponisten nicht viele Symphonien geschrieben haben, wurden sie als Komponisten als nicht bemerkenswert angesehen.[8]

Laut Abbey Philips "hatten Musikerinnen es sehr schwierig, durchzubrechen und den Kredit zu erhalten, den sie verdienen."[9] Während der mittelalterlichen Epochen wurde der größte Teil der Kunstmusik für liturgische (religiöse) Zwecke geschaffen, und aufgrund der Ansichten über die Rollen von Frauen, die von religiösen Führern gehalten wurden, komponierten nur wenige Frauen diese Art von Musik mit der Nonne Hildegard von Bingen unter den Ausnahmen sein. Die meisten Universitätsbücher über die Musikgeschichte diskutieren fast ausschließlich die Rolle männlicher Komponisten. Auch nur sehr wenige Arbeiten von Frauenkomponisten sind Teil des Standardrepertoires klassischer Musik. Im Concise Oxford History of Music, "Clara Shumann [sic] ist eine der wenigen weiblichen Komponisten, die erwähnt werden, ",", ",", ",", ","[9] Aber andere bemerkenswerte Frauenkomponisten der üblichen Praxiszeiten umfassen Fanny Mendelssohn und Cécile Chaminadeund wohl der einflussreichste Lehrer von Komponisten Mitte des 20. Jahrhunderts war Nadia Boulanger. Philips gibt an, dass "die Frauen, die komponierte/spielten, im 20. Jahrhundert weitaus weniger Aufmerksamkeit gewonnen haben als ihre männlichen Kollegen."[9]

Frauen werden heute im Bereich der Konzertmusik ernst genommen, obwohl die Statistiken der Anerkennung, der Preise, der Beschäftigung und der Gesamtmöglichkeiten immer noch gegenüber Männern voreingenommen sind.[10]

Clustering

Berühmte Komponisten neigen dazu, sich in bestimmten Städten im Laufe der Geschichte zu gruppieren. Basierend auf über 12.000 prominenten Komponisten, die in aufgeführt sind Grove Music online und verwenden Wortzahl Messtechniken, die wichtigsten Städte für klassische Musik können quantitativ identifiziert werden.[11]

Paris war in allen Perioden der Hauptzentrum für westliche klassische Musik. Es belegte im 15. und 16. Jahrhundert den fünften Platz, aber im 17. bis 20. Jahrhundert inklusive. London war die zweitnäherndste Stadt: Achtel im 15. Jahrhundert, siebter im 16., fünften im 17., zweiten, im 18. und 19. Jahrhundert und viertes im 20. Jahrhundert. Rom landete im 15. Jahrhundert die Rangliste, fiel im 16. und 17. Jahrhundert auf den zweiten und 17. Jahrhundert, im 18. Jahrhundert, im 19. Jahrhundert, aber im 20. Jahrhundert um den sechsten Platz. Berlin tritt erst im 18. Jahrhundert in den Top -Ten -Ranglisten auf und wurde sowohl im 19. als auch im 20. Jahrhundert die drittwichtigste Stadt. New York City trat im 19. Jahrhundert (auf dem fünften Platz) in die Rangliste ein und stand im 20. Jahrhundert auf dem zweiten Rang. Die Muster sind für eine Probe von 522 Top -Komponisten sehr ähnlich.[12]

Modernes Training

Professionelle klassische Komponisten haben oft einen Hintergrund bei der Ausführung klassischer Musik während ihrer Kindheit und Teenager, entweder als Sänger in einem Chor, als Spieler in a Jugendorchesteroder als Performer auf einem Soloinstrument (z. B.,, Klavier, Orgel, oder Violine). Jugendliche, die danach streben, Komponisten zu sein postsekundär Studien zu verschiedenen formalen Ausbildungseinrichtungen, einschließlich Hochschulen, Konservatorien und Universitäten. KonservatorienDas Standard -Musiktrainingssystem in Frankreich und Quebec, Kanada, bietet Lektionen und Amateur -Orchester- und Chorgesangserfahrung für Kompositionsstudenten. Universitäten bieten eine Reihe von Kompositionsprogrammen an, darunter Bachelor -Abschlüsse, Master of Music Degrees, und Doktor der Musikkunst Grad. Außerdem gibt es eine Vielzahl anderer Trainingsprogramme wie klassische Sommercamps und Festivals, die den Schülern die Möglichkeit geben, von Komponisten zu trainieren.

Bachelor

Bachelor -Abschluss in Zusammensetzung (bezeichnet als als B.Mus. oder b.m) sind vierjährige Programme, die individuelle Kompositionsunterricht, Amateurorchester/Chorerfahrung und eine Abfolge von Kursen in Musikgeschichte, Musiktheorie und Kursen für freie Künste (z. B. englische Literatur) umfassen, die dem Schüler einen besseren Guten machen -Runde Bildung. Normalerweise müssen Kompositionsschüler vor dem Abschluss bedeutende Stücke oder Songs vervollständigen. Nicht alle Komponisten halten einen B.Mus. in Zusammensetzung; Komponisten können auch einen B.Mus halten. in Musikleistung oder Musiktheorie.

Meister

Master of Music Degrees (M.Mus.) In Komposition besteht aus privaten Lektionen mit einem Kompositionsprofessor, einem Ensemble -Erfahrungen und Graduiertenkurs in der Musikgeschichte und Musiktheorie sowie ein oder zwei Konzerte mit den Stücken der Kompositionsstudenten. Ein Master -Abschluss in Musik (als M.Mus. Oder M.M. bezeichnet) ist häufig eine erforderliche Mindestausweise für Menschen, die Komposition an einer Universität oder einem Wintergarten unterrichten möchten. Ein Komponist mit einem M.Mus. könnte ein zusätzlicher Professor oder Ausbilder an einer Universität sein, aber es wäre in den 2010er Jahren schwierig, a zu erhalten Amtszeit Professor Position mit diesem Abschluss.

Doktorand

Um ein Tenure -Track -Professor zu werden, benötigen viele Universitäten a Doktorgrad. In der Zusammensetzung ist der Hauptdokumentabschluss der Doktor der Musikkunst, eher als das PhD; Die Doktorarbeit wird in Musik vergeben, aber normalerweise für Themen wie z. Musikwissenschaft und Musiktheorie.

Doktor der musikalischen Künste (als D.M.A., DMA, D.Mus.A. oder A.MUS.D.D) Abschlüsse in Zusammensetzung bieten die Möglichkeit, auf der höchsten künstlerischen und pädagogischen Ebene eine Möglichkeit zu haben, in der Regel mehr als 54 Kreditstunden erforderlich zu sein Jenseits eines Master -Abschlusses (was über 30+ Credits über den Bachelor -Abschluss hinausgeht). Aus diesem Grund ist die Zulassung sehr selektiv. Die Studierenden müssen Beispiele für ihre Kompositionen einreichen. Wenn verfügbar, akzeptieren einige Schulen auch Video- oder Audioaufnahmen von Aufführungen der Schüler. Untersuchungen in der Musikgeschichte, Musiktheorie, Ohrtraining/-diktation und eine Aufnahmeuntersuchung sind erforderlich.

Die Studierenden müssen erhebliche Kompositionen unter Anleitung von Fakultätskompositionsprofessoren erstellen. Einige Schulen verlangen DMA -Kompositionsschüler, Konzerte ihrer Werke zu präsentieren, die normalerweise von Sängern oder Musikern aus der Schule aufgeführt werden. Der Abschluss der fortschrittlichen Kurse und eines Mindest -B -Durchschnitts sind weitere typische Anforderungen eines D.M.A -Programms. Während eines D.M.A. Programm, ein Kompositionsstudent kann Erfahrung im Unterricht im Musiklusstudenten für Studenten sammeln.

Andere Routen

Einige Komponisten haben keine Kompositionsprogramme abgeschlossen, sondern ihre Studien auf die Leistung von Voice oder einem Instrument oder auf konzentriert Musiktheorieund entwickelte ihre Kompositionsfähigkeiten im Verlauf einer Karriere in einem anderen musikalischen Beruf.

Siehe auch

Verweise

  1. ^ a b OED: Komponist, 3..
  2. ^ "Komponist". Collins English Dictionary. Abgerufen 19. Januar 2021.
  3. ^ Stevenson, Angus; Lindberg, Christine A., Hrsg. (2015) [2010]. "Komponist". New Oxford American Dictionary. ISBN 978-0-19-539288-3. Abgerufen 4. April 2022.
  4. ^ OED: Komponist, 2 ..
  5. ^ OED: Komponist, 1 ..
  6. ^ "Kompose (v.)". Online -Etymologie -Wörterbuch. Abgerufen 4. April 2022.
  7. ^ Everist 2011, p. 2.
  8. ^ a b Citron, Marcia J. (1993). Geschlecht und der Musikkanon. Cup -Archiv. ISBN 9780521392921.
  9. ^ a b c Philips, Abbey (1. September 2011). "Die Geschichte der Frauen und Geschlechterrollen in der Musik". Rvanews.com. Abgerufen 20. Januar 2016.
  10. ^ Alex Ambrose (21. August 2014). "Ihre Musik: Der heutige aufstrebende weibliche Komponist". WQXR. Abgerufen 13. April 2020.
  11. ^ Borowiecki, Karol; O'Hagan, John (2012). "Historische Muster basierend auf automatisch extrahierten Daten: Der Fall klassischer Komponisten". Historische Sozialforschung (Abschnitt 'Cliometrie'). Assoziation Française de Cliométrie. 37 (2): 298–314. Abgerufen 13. Oktober 2012.
  12. ^ O'Hagan, John;Borowiecki, Karol (8. Juli 2010)."Geburtsort, Migration und Clustering wichtiger Komponisten". Historische Methoden. 43 (2): 81–90. doi:10.1080/01615441003729945. S2CID 128708194.

Quellen

Weitere Lektüre

Externe Links