Comics

"Comic" leitet hier weiter. Für andere Verwendungen siehe Comic (Disambiguierung).
Nicht zu verwechseln mit Komix (Underground Comics).
Beachten Sie, dass es in diesem Artikel geht das Medium Und so wird "Comics" fast immer als einzigartiges Substantiv verwendet.

Comics ist ein Mittel Wird verwendet, um Ideen mit Bildern auszudrücken, oft kombiniert mit Text oder anderen visuellen Informationen. Es hat typischerweise die Form einer Sequenz von Panels von Bildern. Textgeräte wie z. Sprachballons, Bildunterschriften, und Lautmalerei Kann Dialog, Erzählung, Soundeffekte oder andere Informationen anzeigen. Es gibt keinen Konsens unter Theoretikern und Historikern über eine Definition von Comics. Einige betonen die Kombination von Bildern und Text, einigen Sequenzialität oder anderen Bildbeziehungen und anderen historischen Aspekten wie Massenreproduktion oder der Verwendung wiederkehrender Zeichen. Cartooning und andere Formen von Illustration sind die häufigsten Bildherstellung in Comics; Fumetti ist eine Form, die fotografische Bilder verwendet. Gemeinsame Formen umfassen Comicstreifen, redaktionell und Knebel Cartoons, und Comic-Bücher. Seit dem späten 20. Jahrhundert gebundene Bände wie z. Grafikromane, Comicalben, und Tankōbon sind immer häufiger, während sie online sind Webcomics haben sich im 21. Jahrhundert vermehrt.

Das Geschichte der Comics hat verschiedene Wege in verschiedenen Kulturen befolgt. Wissenschaftler haben eine Vorgeschichte so weit wie die vorgestellt Lascaux Cave Gemälde. Bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts blühten Comics, insbesondere in der Vereinigte Staaten, Westeuropa (vor allem Frankreich und Belgien), und Japan. Die Geschichte von Europäische Comics wird oft verfolgt auf Rodolphe Töpffer's Cartoonstreifen der 1830er Jahre und wurde nach dem Erfolg in den 1930er Jahren von Streifen und Büchern populär wie Die Abenteuer von Tintin. Amerikanische Comics tauchte als a auf Massenmedium im frühen 20. Jahrhundert mit dem Aufkommen von Zeitungs -Comic -Streifen; Magazinstil Comic-Bücher folgte in den 1930er Jahren, in denen die Superheld Genre wurde danach prominent Übermensch erschien 1938. Geschichten japanischer Comics und Cartooning (Manga) Vorschlägen Ursprünge bereits im 12. Jahrhundert. Moderne Comic-Streifen entstanden im frühen 20. Jahrhundert in Japan, und die Ausgabe von Comic-Magazinen und -büchern erweiterte sich in der Ära II. II nach dem Zweiten Weltkrieg (1945-) mit der Popularität von Karikaturisten wie z. B. Osamu Tezuka. Comics hatten eine niedrig Der Ruf für einen Großteil seiner Geschichte, aber gegen Ende des 20. Jahrhunderts begann die Öffentlichkeit und die Akademiker mehr Akzeptanz zu finden.

Der englische Begriff Comics wird als Singular Wenn es sich auf das Medium selbst bezieht (z. B. "Comics ist eine visuelle Kunstform. "), wird aber plural, wenn sie sich gemeinsam auf Werke bezieht (z. B."Comics sind Beliebtes Lesematerial. ").

Ursprünge und Traditionen

Hauptartikel: Geschichte der Comics und Liste der Comics nach Land

Die europäischen, amerikanischen und japanischen Comic -Traditionen haben verschiedene Wege gefolgt.[1] Die Europäer haben ihre Tradition als mit dem Schweizer begonnen gesehen Rodolphe Töpffer schon 1827 und die Amerikaner haben den Ursprung von ihnen gesehen Richard F. Outcault's 1890er Zeitungsstreifen Das gelbe KindObwohl viele Amerikaner Töpffers Vorrang erkennen.[2] Japan hat eine lange Geschichte von satirischen Cartoons und Comics im Vorfeld der Ära des Zweiten Weltkriegs. Das ukiyo-e Künstler Hokusai populär den japanischen Begriff für Comics und Cartooning, Mangaim frühen 19. Jahrhundert.[3] In den 1930ern Harry "ein" Chesler Startete ein Comic -Studio, das schließlich in seiner Höhe 40 Künstler für 50 verschiedene Verlage einsetzte, die nach dem Zweiten Weltkrieg das Comic -Medium in "The Golden Age of Comics" blühten.[4] In der Nachkriegszeit begannen moderne japanische Comics zu gedeihen, als Osamu Tezuka produzierte eine produktive Arbeit.[5] Gegen Ende des 20. Jahrhunderts traten diese drei Traditionen in einem Trend zu Comics mit Buchlängen zusammen: die Comicalbum In Europa die Tankōbon[a] in Japan und die Graphic Novel in den englischsprachigen Ländern.[1]

Außerhalb dieser Genealogie haben Comic -Theoretiker und Historiker Präzedenzfälle für Comics in der gesehen Lascaux Cave Gemälde[6] in Frankreich (einige scheinen chronologische Sequenzen von Bildern zu sein), Ägyptische Hieroglyphen, Trajans Kolumne in Rom,[7] Der Norman des 11. Jahrhunderts Bayeuxteppich,[8] der 1370 Bois Protat Holzschnitt, das 15. Jahrhundert Ars Moriendi und Blockbücher, Michelangelo Das letzte Gericht in der Sixtinischen Kapelle,[7] und William Hogarth's 18. Jahrhundert sequentielle Gravuren,[9] unter anderem.[7][b]

An extremely long embroidered cloth depicting events leading to the Norman conquest of England.
Theoretiker diskutieren, ob die Bayeuxteppich ist ein Vorläufer von Comics.

Englischsprachige Comics

Im Haus des Schreibschweins.
Die Aufwärtstrends der kleinen Lady Lovekins und des alten Mannes Muffaroo, Comics von Gustave Verbeek, die enthalten Reversible Zahlen und Ambigramm Sätze (März 1904).
Hauptartikel: Britische Comics, Geschichte der amerikanischen Comics, und Amerikanisches Comic -Buch

Illustrierte Humor-Zeitschriften waren in Großbritannien aus dem 19. Jahrhundert beliebt, von denen der früheste der kurzlebige war Das Glasgow -aussehende Glas im Jahr 1825.[11] Das beliebteste war Schlagen,[12] was den Begriff populär gemacht hat Karikatur für seine humorvollen Karikaturen.[13] Gelegentlich erschienen die Cartoons in diesen Magazinen in Sequenzen;[12] der Charakter Verbündeter Sloper In dem frühesten serialisierten Comic zu sehen, als die Figur 1884 in einem eigenen wöchentlichen Magazin zu sehen begann.[14]

Amerikanische Comics entwickelten sich aus Magazinen wie Puck, Richter, und Leben. Der Erfolg von illustrierten Humorpräparaten in der New York World und später die New York American, insbesondere Outcaults Das gelbe Kind, führte zur Entwicklung von Zeitungs -Comic -Streifen. Frühzeitig Sonntagsstreifen waren ganzseitig[15] und oft in Farbe. Zwischen 1896 und 1901 experimentierten Karikaturisten mit Sequenzialität, Bewegung und Sprachballons.[16] Ein Beispiel ist Gustave Verbeek, der zwischen 1903 und 1905 seine Comic-Serie "The Upsidedowns of Old Man Muffaroo und Little Lady Lovekins" schrieb. Diese Comics wurden so gemacht, dass man den 6-Panel-Comic lesen, das Buch umdrehen und weiterlesen. Er machte insgesamt 64 solcher Comics. Im Jahr 2012 wurde Marcus Ivarsson in dem Buch "in Uppåner Med Lilla Lisen & Gamle Muppen" ein Remake einer Auswahl der Comics gemacht. (ISBN978-91-7089-524-1)

Five-panel comic strip.
Bud Fisher's Mutt und Jeff (1907–1982) war der erste erfolgreiche Daily Comic (1907).

Kürzere, schwarze und weiße tägliche Streifen erschienen Anfang des 20. Jahrhunderts und wurden nach dem Erfolg 1907 in Zeitungen gegründet Bud Fisher's Mutt und Jeff.[17] In Großbritannien die Amalgamated Press etablierte einen beliebten Stil einer Abfolge von Bildern mit Text darunter, einschließlich Illustrierte Chips und Comic -Schnitte.[18] Humorstreifen dominierten zunächst und in den 1920er und 1930er Jahren wurden auch in Genres wie Abenteuer und Drama populär.[17]

Dünne Zeitschriften genannt Comic-Bücher erschien in den 1930er Jahren, als er zuerst Zeitungs -Comic -Streifen nachdrückte; Am Ende des Jahrzehnts begannen ursprüngliche Inhalte zu dominieren.[19] Der Erfolg von 1938 von Action -Comics und sein Hauptheld Übermensch markierte den Beginn der Goldenes Zeitalter der Comics, in dem die Superhelden -Genre war prominent.[20] In Großbritannien und der Commonwealth, das DC Thomson-geschaffen Dandy (1937) und Beano (1938) wurden zu erfolgreichen Humorbasis-Titeln mit einer kombinierten Kreislauf von über 2 Millionen Exemplaren in den 1950er Jahren. Ihre Charaktere, einschließlich "Dennis die Bedrohung","Desperate Dan" und "Die Bash Street Kids"wurden von Generationen britischer Kinder gelesen.[21] Die Comics experimentierten ursprünglich mit Superhelden und Action -Geschichten, bevor sie sich auf humorvolle Streifen mit einer Mischung aus der Amalgamated Press und den US -Comic -Stilen entschieden haben.[22]

Superhelden waren ein Grundnahrungsmittel von Amerikanische Comics (Wonderworld Comics #3, 1939; Startseite: Die Flamme durch Will Eisner).

Die Popularität von Superhelden -Comics ging nach dem Zweiten Weltkrieg ab.[23] Während der Umsatz von Comics weiter zunahm, als sich andere Genres vermehrten, wie z. Romantik, Western, Verbrechen, Gruselund Humor.[24] Nach einem Verkaufsgipfel in den frühen 1950er Jahren wurde der Inhalt von Comics (insbesondere Kriminalität und Horror) von Elterngruppen und Regierungsbehörden unterzogen, die in Höhe Anhörungen des Senats das führte zur Gründung der Comics Code Authority Selbstcenserkörper.[25] Der Kodex wurde dafür verantwortlich gemacht, das Wachstum amerikanischer Comics zu gestalten und seinen niedrigen Status in der amerikanischen Gesellschaft für einen Großteil des Restes des Jahrhunderts aufrechtzuerhalten.[26] Superhelden stellten sich in den frühen 1960er Jahren wieder als bekannteste Comic-Genre.[27] Untergrundkomix forderte den Code und die Leser mit erwachsenen, kontrakulturellen Inhalten in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren heraus.[28] Der Untergrund brachte die zur Welt Alternative Comics Bewegung in den 1980er Jahren und ihren reifen, oft experimentellen Gehalt in Nicht-Superhelden-Genres.[29]

Comics in den USA hatten eine niedrig Ruf, der sich aus seinen Wurzeln ergibt Massenkultur; Kulturelle Eliten sahen die Populärkultur manchmal als bedrohliche Kultur und Gesellschaft an. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurde die Populärkultur mehr Akzeptanz und die Grenzen zwischen hoher und niedriger Kultur begannen zu verwischen. Comics wurden dennoch weiterhin stigmatisiert, da das Medium als Unterhaltung für Kinder und Analphabeten angesehen wurde.[30]

Das Graphic Novel-book-länge comics-eban, um danach Aufmerksamkeit zu erlangen Will Eisner populär den Begriff mit seinem Buch Ein Vertrag mit Gott (1978).[31] Der Begriff wurde mit der Öffentlichkeit nach dem kommerziellen Erfolg von weithin bekannt Maus, Wächter, und Der dunkle Ritter kehrt zurück Mitte der 1980er Jahre.[32] Im 21. Jahrhundert wurde Graphic Novels in Mainstream -Buchhandlungen eingerichtet[33] und Bibliotheken[34] und Webcomics wurden üblich.[35]

Französisch-belgische und europäische Comics

Hauptartikel: Europäische Comics und Franco-belgische Comics

Der frankophone Schweizer Rodolphe Töpffer Produzierte Comic -Streifen ab 1827,[7] und veröffentlichte Theorien hinter der Form.[36] Cartoons erschienen in Zeitungen und Zeitschriften aus dem 19. Jahrhundert weit verbreitet.[37] Der Erfolg von Zick et puce 1925 machte die Verwendung von Sprachballons in europäischen Comics populär, wonach die Franco-Belgian-Comics dominieren.[38] Die Abenteuer von Tintinmit seiner Unterschrift klare Linie Stil,[39] wurde zuerst in Zeitungskomics -Ergänzungen ab 1929 serialisiert,[40] und wurde eine Ikone von französisch-belgischen Comics.[41]

Nach dem Erfolg von Le Journal de Mickey (Est. 1934),[42] Dedizierte Comic -Magazine[43] wie Spirou (Est. 1938) und Tims (1946-1993) und Vollfarb-Comic-Alben wurden Mitte des 20. Jahrhunderts zum Hauptgeschäft für Comics.[44] Wie in den USA wurden zu dieser Zeit Comics als kindlich und als Bedrohung für Kultur und Alphabetisierung angesehen; Die Kommentatoren gaben an, dass "keiner der geringsten ernsthaften Analyse übertragen wird",[c] Und dass Comics "die Sabotage aller Kunst und aller Literatur" waren.[46][d]

In den 1960er Jahren der Begriff bandes dessinées ("Drawn Strips") kam in Französisch in die breite Verwendung, um das Medium zu bezeichnen.[47] Karikaturisten begannen, Comics für das reife Publikum zu erstellen,[48] und der Begriff "neunte Kunst"[e] wurde geprägt, als Comics als Kunstform öffentliche und akademische Aufmerksamkeit auf sich zogen.[49] Eine Gruppe einschließlich René Goscinny und Albert Uderzo gründete das Magazin Pilote 1959, um Künstlern mehr Freiheit über ihre Arbeit zu geben. Goscinny und Uderzo's The Adventures of Asterix erschien darin[50] und wurde die meistverkaufte französischsprachige Comic-Serie.[51] Ab 1960 die satirischen und tabuversprechten Harakiri trotzte die Zensurgesetz Mai 1968 Ereignisse.[52]

Frustration über Zensur und redaktionelle Einmischung führte zu einer Gruppe von Pilote Karikaturisten, um nur die Erwachsenen zu finden L'écho des Savanes 1972 blühten in den 1970er Jahren in den 1970er Jahren auf, beispielsweise in der experimentellen Science-Fiction von Mœbius und andere in Métal Hurlant, sogar Mainstream-Verleger, die Prestige-Format veröffentlichen Erwachsene Comics.[53]

Ab den 1980er Jahren wurden die Mainstream -Sensibilität wiederbelebt und die Serialisierung wurde weniger verbreitet, als die Anzahl der Comic -Magazine abnahm und viele Comics direkt als Alben veröffentlicht wurden.[54] Kleinere Verlage wie z. L'ociktion[55] Das veröffentlichte längere Werke[56] in nicht traditionellen Formaten[57] durch Auteur-istische Schöpfer wurden ebenfalls üblich. Seit den 1990er Jahren führten Fusionen zu weniger großen Verlage, während sich kleinere Verlage vermehrten. Der Umsatz wuchs trotz des Trends zu einem schrumpfenden Druckmarkt weiter.[58]

Japanische Comics

Hauptartikel: Geschichte von Manga und Manga
Rakuten Kitazawa schuf den ersten modernen japanischen Comic. (Tagosaku nach Mokube no Tōkyō kenbutsu,[f] 1902)

Japanische Comics und Cartoon (Manga),[g] Haben Sie eine Geschichte, die bereits als die anthropomorphen Merkmale im 12. bis 13. Jahrhundert gesehen wurde Chōjū-jinbutsu-giga, 17. Jahrhundert TOBA-E und Kibyōshi Bilderbücher,[62] und Holzblockabzüge wie zum Beispiel ukiyo-e die zwischen dem 17. und 20. Jahrhundert beliebt waren. Das kibyōshi Enthaltende Beispiele für sequentielle Bilder, Bewegungslinien,[63] und Soundeffekte.[64]

Illustrierte Magazine für westliche Expatriates stellten im späten 19. Jahrhundert satirische Cartoons im westlichen Stil nach Japan ein. Neue Veröffentlichungen sowohl im westlichen als auch im japanischen Stil wurden populär, und Ende der 1890er Jahre erschienen in Japan Zeitungs-Comics-Nahrungsergänzungsmittel amerikanische Zeitungs-Comics.[65] sowie einige amerikanische Comic -Streifen.[62] 1900 sah das Debüt der Jiji Manga in dem Jiji Shinpō Zeitung - Die erste Verwendung des Wortes "Manga" in seinem modernen Sinne,[61] und wo, im Jahr 1902, Rakuten Kitazawa begann den ersten modernen japanischen Comic.[66] In den 1930er Jahren wurden Comic-Streifen im monatlichen Magazin für monatliche Großkreismonates und Jungen serialisiert und in Hardback-Bände gesammelt.[67]

Die moderne Ära der Comics in Japan begann nach dem Zweiten Weltkrieg, der vom Erfolg der serialisierten Comics der produktiven Osamu Tezuka[68] und der Comic -Streifen Sazae-san.[69] Genres und Publikum diversifizierten sich in den folgenden Jahrzehnten. Geschichten werden normalerweise zuerst in Zeitschriften serialisiert, die oft Hunderte von Seiten dick sind und über ein Dutzend Geschichten enthalten können.[70] Sie werden später zusammengestellt Tankōbon-Format Bücher.[71] Am 20. und 21. Jahrhundert war fast ein Viertel aller gedruckten Materialien in Japan Comics.[72] Übersetzungen wurden in ausländischen Märkten äußerst beliebt - in einigen Fällen, die den Verkauf von inländischen Comics entsprachen oder übertrafen.[73]

Formen und Formate

Comicstreifen sind im Allgemeinen kurze Multipanel -Comics, die traditionell am häufigsten in Zeitungen erschienen. In den USA haben tägliche Streifen normalerweise eine einzelne Stufe besetzt Sonntagsstreifen haben mehrere Ebenen gegeben. Im frühen 20. Jahrhundert waren tägliche Streifen in der Regel in Schwarzweiß und Sonntags in der Regel in Farbe und belegten oft eine volle Seite.[74]

Spezialisierte Comics -Periodika -Formate variieren stark in verschiedenen Kulturen. Comic-Bücher, vor allem ein amerikanisches Format, sind dünne Zeitschriften[75] normalerweise in Farbe veröffentlicht.[76] Europäische und japanische Comics sind häufig in Magazinen serialisiert - monatlich oder wöchentlich in Europa,[61] und normalerweise schwarz-weiß und wöchentlich in Japan.[77] Das japanische Comics -Magazin läuft normalerweise auf Hunderte von Seiten.[78]

Ein Vergleich von Buchformaten für Comics auf der ganzen Welt. Die linke Gruppe stammt aus Japan und zeigt die Tankōbon und das kleinere Bunkobon Formate. Die in der mittleren Gruppe von Franco-belgische Comics sind im Standard A4-Größe Comicalbum Format. Die richtige Gruppe von Grafikromane ist aus englischsprachigen Ländern, in denen es kein Standardformat gibt.

Buchlänge Comics nehmen in verschiedenen Kulturen unterschiedliche Formen an. europäisch Comicalben werden am häufigsten in gedruckt A4-Größe[79] Farbvolumen.[44] In englischsprachigen Ländern die Taschenbuch handeln Format, das aus gesammelten Comics stammt, wurden auch für Originalmaterial ausgewählt. Ansonsten werden gebundene Comic -Volumina als Grafikromane bezeichnet und sind in verschiedenen Formaten erhältlich. Obwohl der Begriff "neuartig"-ein Begriff, der normalerweise mit Fiktion verbunden ist-bezieht sich "Graphic Novel" auch auf Sachbücher und Sammlungen von kurzen Werken.[80] Japanische Comics werden in Bänden gesammelt, die genannt werden Tankōbon folgende Serialisierung der Zeitschrift.[81]

Gag und Editorial Cartoons Normalerweise bestehen aus einem einzigen Panel, der häufig einen Bildunterschrift oder einen Sprachballon enthält. Definitionen von Comics, die die Sequenz betonen, schließen normalerweise GAG-, Redaktions- und andere Einzelpanel-Cartoons aus; Sie können in Definitionen einbezogen werden, die die Kombination von Wort und Bild hervorheben.[82] Gag Cartoons begann sich zuerst zu vermehren Broadsheets Veröffentlicht in Europa im 18. und 19. Jahrhundert und im Begriff "Cartoon"[h] wurde zuerst verwendet, um sie 1843 im britischen Humor -Magazin zu beschreiben Schlagen.[13]

Webcomics sind Comics, die im Internet verfügbar sind. Sie sind in der Lage, ein großes Publikum zu erreichen, und neue Leser können normalerweise auf archivierte Raten zugreifen.[83] Webcomics kann eine nutzen Unendliche Leinwand- Merkmal Sie werden nicht durch Größe oder Abmessungen einer Seite eingeschränkt.[84]

Einige bedenken Storyboards[85] und wortlose Romane Comics sein.[86] Filmstudios, insbesondere in der Animation, verwenden häufig Sequenzen von Bildern als Leitfaden für Filmsequenzen. Diese Storyboards sind nicht als Endprodukt gedacht und werden von der Öffentlichkeit selten gesehen.[85] Wortlose Romane sind Bücher, die Sequenzen von captionlosen Bildern verwenden, um eine Erzählung zu liefern.[87]

Comics studies

Hauptartikel: Comics studies

"Comics ... sind manchmal vierbeinige und manchmal zweibeinige und manchmal fliegen und manchmal nicht ... um eine Metapher so gemischt wie das Medium selbst zu verwenden, wobei die Definition von Comics das Schneiden eines in ein Geheimnis eingewickelten Gordi-Knotted-Rätsels beinhaltet ... "

R. C. Harvey, 2001[82]

Ähnlich wie bei der Definition von Literatur und Film,[88] Über eine Definition des Comic -Mediums wurde kein Konsens erzielt.[89] und versuchte Definitionen und Beschreibungen sind zahlreichen Ausnahmen zum Opfer gefallen.[90] Theoretiker wie Töpffer,[91] R.C. Harvey, Will Eisner,[92] David Carrier,[93] Alain Rey,[89] und Lawrence Grove betonen die Kombination von Text und Bildern,[94] Obwohl es in seiner Geschichte herausragende Beispiele für Pantomime -Comics gibt.[90] Andere Kritiker wie Thierry Groensteen[94] und Scott McCloud haben die Primat von Bildernsequenzen hervorgehoben.[95] Gegen Ende des 20. Jahrhunderts, die Entdeckungen der Comic -Traditionen der unterschiedlichen Kulturen, die Wiederentdeckung vergessener früher Comic -Formen und der Aufstieg neuer Formen machten die Definition von Comics zu einer komplizierteren Aufgabe.[96]

Europäische Comics -Studien begannen mit Töpffers Theorien seiner eigenen Arbeit in den 1840er Jahren, die die Panelübergänge und die visuelle Verbal -Kombination betonten. Bis in die 1970er Jahre wurden keine weiteren Fortschritte erzielt.[97] Pierre Fresnault-Deruelle nahm dann eine Semiotik Ansatz zur Untersuchung von Comics, Analyse von Text-Image-Beziehungen, Bildbeziehungen auf Seitenebene und Bilddiskontinuitäten oder was Scott McCloud später als "Verschluss" bezeichnete.[98] 1987 stellte Henri Vanlier den Begriff vor multicadre, oder "Multiframe", um die Comics -Seite als semantische Einheit zu bezeichnen.[99] In den 1990er Jahren wie Theoretiker wie Benoît Peeters und Thierry Groensteen Die Aufmerksamkeit der Künstler machte die Aufmerksamkeit Poïetic Kreative Entscheidungen.[98] Thierry Smoldarenen Und Harry Morgan hat relativistische Ansichten über die Definition von Comics vertreten, ein Medium, das verschiedene, ebenso gültige Formen über seine Geschichte angenommen hat. Morgan sieht Comics als Untergruppe von "les littératures dessinées"(oder" gezogene Literaturen ").[96] Die französische Theorie hat der Seite besondere Aufmerksamkeit in den Unterscheidung von amerikanischen Theorien wie McClouds aufmerksam gemacht, die sich auf Panel-zu-Panel-Übergänge konzentrieren.[99] Mitte der 2000er Jahre, Neil Cohn begann zu analysieren, wie Comics anhand von Werkzeugen aus der kognitiven Wissenschaft verstanden werden, wobei sie sich über die Theorie hinaus erstreckt, indem tatsächliche psychologische und neurowissenschaftliche Experimente verwendet wurden. Diese Arbeit hat argumentiert, dass sequentielle Bilder und Seitenlayouts sowohl separate regelgebundene "Grammatiken" verwenden, um über Panel-zu-Panel-Übergänge und kategoriale Unterscheidungen von Arten von Layouts hinauszugehen, und dass das Verständnis von Comics des Gehirns dem Verständnis ähnlich ist Andere Domänen wie Sprache und Musik.[100]

Historische Erzählungen von Manga konzentrieren sich entweder auf seine jüngste Geschichte nach dem Zweiten Weltkrieg oder auf Versuche, tiefe Wurzeln in der Vergangenheit zu demonstrieren, wie zum Beispiel zu dem Chōjū-jinbutsu-giga Bildrolle des 12. und 13. Jahrhunderts oder des frühen 19. Jahrhunderts Hokusai Manga.[101] Der erste historische Überblick über japanische Comics war Seiki Hosokibara's Nihon Manga-Shi[ich] 1924.[102] Die japanische Kritik nach dem Krieg nach dem Krieg war größtenteils links von der linken politischen Natur, bis die Veröffentlichung von Tomofusa Kure von 1986 Moderne Manga: Das komplette Bild,[j] die Politik zugunsten formeller Aspekte wie Struktur und "Grammatik" von Comics de-betonten. Das Feld von manga Die Studien nahmen schnell zu, wobei in den neunziger Jahren zahlreiche Bücher zu diesem Thema erschienen.[103] Formelle Theorien von manga haben sich darauf konzentriert, eine "Manga -Expression -Theorie" zu entwickeln,[k] Mit Schwerpunkt auf räumlichen Beziehungen in der Struktur von Bildern auf der Seite unterscheidet das Medium von Film oder Literatur, in dem der Zeitfluss das grundlegende Organisationselement ist.[104] Comic -Studienkurse haben sich an japanischen Universitäten und der japanischen Gesellschaft für Studien in Cartoon und Comics vermehrt (Ja)[l] wurde 2001 gegründet, um das Comic -Stipendium zu fördern.[105] Die Veröffentlichung von Frederik L. Schodt's Manga! Manga! Die Welt der japanischen Comics 1983 führte die Verbreitung des Wortes zur Verbreitung des Wortes Manga Außerhalb Japans bedeutet "japanische Comics" oder "Comics im japanischen Stil".[106]

An elderly bald man wearing glasses.
A middle-aged man seated behind a table, facing the camera.
Will Eisner (oben) und Scott McCloud haben einflussreiche und kontroverse Definitionen von Comics vorgeschlagen.

Coulton Waugh versuchte die erste umfassende Geschichte amerikanischer Comics mit Die Comics (1947).[107] Will Eisners Comics und sequentielle Kunst (1985) und Scott McCloud's Comics verstehen (1993) waren frühe englische Versuche, das Studium der Comics zu formalisieren. David Carrier's Die Ästhetik der Comics (2000) war die erste Behandlung von Comics in voller Länge aus philosophischer Perspektive.[108] Prominente amerikanische Definitionen von Comics sind Eisners, McClouds und Harvey's. Eisner beschrieb, was er nannte "Sequentielle Kunst"als" die Anordnung von Bildern oder Bildern und Wörtern, um eine Geschichte zu erzählen oder eine Idee zu dramatisieren ";[109] Scott McCloud definierte Comics als "nebeneinander stehende Bilder und andere Bilder in absichtlicher Reihenfolge, die Informationen vermitteln und/oder eine ästhetische Reaktion im Betrachter erzeugen", ",", "[110] Eine streng formale Definition, die Comics von seinen historischen und kulturellen Fallen löste.[111] R.C. Harvey definierte Comics als "bildliche Erzählungen oder Ausstellungen, in denen Wörter (oft in den Bildbereich innerhalb der Sprachballons geschrieben) normalerweise zur Bedeutung der Bilder beitragen und umgekehrt".[112] Jede Definition hatte ihre Kritiker. Harvey sah McClouds Definition als Ausnahme von Einzelpanel-Cartoons,[113] und lehnte McClouds de-betonische verbale Elemente ab und besteht darauf, dass "das wesentliche Merkmal der Comics die Einbeziehung von verbalen Inhalten ist".[99] Aaron Meskin sah McClouds Theorien als künstlichen Versuch, den Ort der Comics in der Kunstgeschichte zu legitimieren.[92]

Das interkulturelle Studium der Comics wird durch den großen Unterschied in der Bedeutung und des Umfangs der Wörter für "Comics" in verschiedenen Sprachen kompliziert.[114] Der französische Begriff für Comics, bandes dessinées ("Drawn Strip") betont die Gegenüberstellung von gezeichneten Bildern als definierender Faktor,[115] was den Ausschluss sogar fotografische Comics implizieren kann.[116] Der Begriff manga wird auf Japanisch verwendet, um alle Formen von Comics anzuzeigen, Cartooning,[117] und Karikatur.[114]

Terminologie

Hauptartikel: Glossar der Comic -Terminologie

Der Begriff Comics bezieht sich auf das Comic -Medium, wenn es als verwendet wird unzählbares Nomen und nimmt so den Singular: "Comics ist ein Medium "eher" Comics " sind ein Medium ". Wann Comic Erscheint als zählbares Substantiv, es bezieht sich auf Fälle des Mediums, wie z. sind im Keller."[118]

Panels sind einzelne Bilder, die ein Wirkungssegment enthalten.[119] oft von einem Grenze umgeben.[120] Hauptmomente in einer Erzählung werden über einen Prozess, der als Kapselung bezeichnet, in Panels unterteilt.[121] Der Leser stellt die Teile durch den Verschlussprozess zusammen, indem er Hintergrundwissen und ein Verständnis der Panelbeziehungen verwendet, um Panels mental zu Ereignissen zu kombinieren.[122] Die Größe, Form und Anordnung der Paneele beeinflussen jeweils das Timing und die Tempo der Erzählung.[123] Der Inhalt eines Panels kann asynchron sein, wobei die Ereignisse, die in demselben Bild dargestellt sind, nicht unbedingt gleichzeitig auftreten.[124]

A comics panel. In the top left, a caption with a yellow background reads, "Suddenly the street is filled with angry people!" In the main panel, anthropomorphic characters crowd a sidewalk. A monkey, standing to the left on the road beside the curb, says, "Gosh! Where'd all these people come from?" An overweight male on the sidewalk in the middle facing right says to a police officer, "Hey! My watch disappeared from my parlor!" A female near the bottom right, says to a male in the bottom right corner, "My necklace! It's gone from the table!!"
Eine Bildunterschrift (die gelbe Box) gibt dem Erzähler eine Stimme. Der Dialog der Charaktere erscheint in Sprachballons. Der Schwanz des Ballons zeigt den Lautsprecher an.

Text wird häufig in Comics über einbezogen Sprachballons, Bildunterschriften und Soundeffekte. Sprachballons zeigen einen Dialog an (oder Gedanken, im Fall von dachte Luftballons) mit Schwänzen auf ihre jeweiligen Sprecher.[125] Bildunterschriften können einem Erzähler eine Stimme geben, den Dialog oder die Gedanken von Charakteren vermitteln.[126] oder Ort oder Zeit angeben.[127] Sprachballons selbst sind stark mit Comics verbunden, so dass das Hinzufügen eines zu einem Bild ausreicht, um das Bild in Comics zu verwandeln.[128] Soundeffekte imitieren nicht-vokale Klänge textuell mit Verwendung Lautmalerei Schallwörter.[129]

Cartooning wird am häufigsten bei der Herstellung von Comics verwendet, traditionell mit Tinte (insbesondere Tinte) Tusche) mit Dip Stifte oder Tintenbürsten;[130] Mischmedien und digitale Technologie sind häufig geworden. Cartooning -Techniken wie Bewegungslinien[131] Und oft werden abstrakte Symbole verwendet.[132]

Während Comics oft die Arbeit eines einzelnen Schöpfers sind, wird die Arbeit, sie zu machen, häufig zwischen einer Reihe von Spezialisten aufgeteilt. Es kann getrennt sein Schriftsteller und Künstlerund Künstler können sich auf Teile des Kunstwerks wie Charaktere oder Hintergründe spezialisiert, wie dies in Japan üblich ist.[133] Besonders in amerikanischen Superhelden -Comics,[134] Die Kunst kann zwischen a aufgeteilt werden Penciller, der das Kunstwerk im Bleistift darstellt;[135] ein Inker, der das Kunstwerk in Tinte beendet;[136] a Kolorist;[137] und ein Briefer, der die Bildunterschriften und Sprachballons hinzufügt.[138]

Etymologie

Der englischsprachige Begriff Comics ergibt sich aus der humorvollen (oder "Comic"), die in frühen amerikanischen Zeitungs-Comic-Streifen vorherrschte, aber die Verwendung des Begriffs ist auch für nicht humorvolle Werke Standard geworden. Die alternative Rechtschreibung Komix - geprägt von der Untergrundkomix Bewegung - wird manchmal verwendet, um diese Unklarheiten anzugehen.[139] Der Begriff "Comic Book" hat eine ähnlich verwirrende Geschichte, da sie am häufigsten nicht humorvoll sind und Zeitschriften und keine regulären Bücher sind.[140] Es ist in Englisch üblich, sich auf die Comics verschiedener Kulturen zu beziehen, indem sie in ihren Sprachen verwendeten, wie z. Manga für japanische Comics oder bandes dessinées Für französische Sprache Franco-belgische Comics.[141]

Viele Kulturen haben ihr Wort für Comics von Englisch, einschließlich Russisch, genommen (комикс, komiks)[142] und Deutsch (Comic).[143] Ebenso der chinesische Begriff Manhua[144] und der Koreanisch Manhwa[145] aus dem abgeben chinesische Charaktere mit der der japanische Begriff manga ist geschrieben.[146]

Siehe auch

Siehe auch Listen

Anmerkungen

  1. ^ Tankōbon (単行本, Übersetzung nahe "unabhängig erscheinen Buch")
  2. ^ David Kunzle hat umfangreiche Sammlungen dieser und anderer Protokomik in seiner zusammengestellt Der frühe Comic -Streifen (1973) und Die Geschichte des Comics (1990).[10]
  3. ^ Französisch: "... aucune ne supporte une analyse un peu serieuse."- Jacqueline & Raoul Dubois in La Presse enfantine française (Midol, 1957)[45]
  4. ^ Französisch: "C'est le sabotage de tout art et de toute littérature."- Jean de Trignon in Histoires de la littérature enfantine de ma Mère l'Oye au Roi Babar (Hachette, 1950)[45]
  5. ^ Französisch: neuvième art
  6. ^ Tagosaku und Mokube Sightseeing in Tokio (japanisch: 田吾作と杢兵衛の東京見物, Hepburn: Tagosaku an Mokube no Tokyo Kenbutsu)
  7. ^ "Manga" (japanisch: 漫画) kann sein beschönigt In vielerlei Hinsicht unter ihnen "skurrile Bilder", "unanständige Bilder",[59] "Verantwortungslose Bilder",[60] "Verrückte Bilder" und "Skizzen für oder aus plötzlicher Inspiration".[61]
  8. ^ "Cartoon": vom Italiener cartone, was "Karte" bedeutet, die sich auf den Karton bezog, auf dem die Cartoons normalerweise gezeichnet wurden.[13]
  9. ^ Hosokibara, Seiki (1924). 日本 漫画史 [Japanische Comic -Geschichte]. Yuzankaku.
  10. ^ Kure, Tomofusa (1986). 現代 漫画 の 全体 像 像 [Moderne Manga: Das komplette Bild]. Joho Center Publishing. ISBN 978-4-575-71090-8.[103]
  11. ^ "Manga -Expressionstheorie" (japanisch: 漫画表現論, Hepburn: manga hyōgenron)[104]
  12. ^ Japan Society for Studies in Cartoon und Comics (japanisch: 日本マンガ学会, Hepburn: Nihon Manga Gakkai)

Verweise

  1. ^ a b Couch 2000.
  2. ^ Gabilliet 2010, p. xiv; Beerbohm 2003; Sabin 2005, p. 186; Rowland 1990, p. 13.
  3. ^ Petersen 2010, p. 41; Power 2009, p. 24; Gravett 2004, p. 9.
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