Kino der Vereinigten Staaten

Kino der Vereinigten Staaten (Hollywood)
Das Hollywood-Schriftzug in dem Hollywood hills, oft als Symbol der amerikanischen Filmindustrie angesehen
Nein. von Bildschirme	40.393 (2017)[1]
• pro Kopf	14 pro 100.000 (2017)[1]
Hauptverteiler	Disney Walt Disney Bilder 20th Century Studios Pixar Sony Columbia Bilder Tristar Bilder Comcast Universal Paramount Global Paramount Warner Bros. Entdeckung Warner Bros. Bilder Neues Zeilenkino Amazonas Mgm
Produzierte Spielfilme (2016)[2]
Fiktiv	646 (98,5%)
Animiert	10 (1,5%)
Anzahl der Zulassungen (2017)[4]
Gesamt	1,239.742.550
• pro Kopf	3.9 (2010)[3]
Bruttokasse (2017)[4]
Gesamt	11,1 Milliarden US -Dollar

Das Kino der Vereinigten Staaten, auch bekannt als Hollywood, hat einen großen Einfluss auf die Globale Filmindustrie Seit dem frühen 20. Jahrhundert. Der dominierende Stil des amerikanischen Kinos ist Klassisches Hollywood -Kino, die sich von 1913 bis 1969 entwickelte und immer noch typisch für die meisten Filme ist, die dort bis heute gemacht wurden. Während Franzosen Auguste und Louis Lumière werden im Allgemeinen der Geburt des modernen Kinos zugeschrieben,^[5] Das amerikanische Kino wurde bald zu einer dominierenden Kraft in der aufstrebenden Branche. Ab 2017^{[aktualisieren]}Es produzierte die zweitgrößte Anzahl von Filmen aller Sprachen Nationales Kinonach China mit mehr als 700 englischsprachigen Filmen, die jedes Jahr im Durchschnitt veröffentlicht wurden.^[6] Während die nationalen Kinos der Vereinigtes Königreich (299), Kanada (206), Australien, und Neuseeland Auch produzieren Filme in derselben Sprache, sie werden nicht als Teil des Hollywood -Systems angesehen. Trotzdem wurde Hollywood auch als als betrachtet Transnationales Kino.^[7] Es produzierte mehrere Sprachversionen einiger Titel, oft in Spanisch oder Französisch. Das zeitgenössische Hollywood lagert die Produktion oft nach Kanada, Australien und Neuseeland aus.

Hollywood gilt als die älteste Filmindustrie in dem Sinne, an dem die frühesten Filmstudios und Produktionsfirmen auftauchten. Es ist auch der Geburtsort verschiedener Kinogenres - among sie Komödie, Theater, Aktion, das Musical, Romantik, Grusel, Science-Fiction, und die Kriegsepos- und hat das Beispiel für andere nationale Filmindustrien festgelegt.

Im Jahr 1878, Eadweard Muybridge demonstrierte die Kraft von Fotografie Bewegung erfassen. Im Jahr 1894 wurde die weltweit erste kommerzielle Bewegungszahlenausstellung in der Welt gegeben New York City, verwenden Thomas Edison's Kinetoskop. In den folgenden Jahrzehnten die Produktion von Stummfilm Die Studios bildeten und wanderten nach Kalifornien, und Filme und die Geschichten, die sie erzählten, wurden viel länger. Die Vereinigten Staaten produzierten den ersten der Welt synchronisieren Musikfilm, Der Jazzsänger, im Jahr 1927,^[8] und war in den folgenden Jahrzehnten an der Spitze der Entwicklung von Soundfilmentwicklung. Seit dem frühen 20. Jahrhundert hat die US -amerikanische Filmindustrie größtenteils in und um die Dreißig Meilen Zone in Hollywood, Los Angeles, Kalifornien. Direktor D.W. Griffith war zentral für die Entwicklung von a Film Grammatik. Orson Welles's Citizen Kane (1941) wird häufig in Kritikumfragen als die zitiert Größter Film aller Zeiten.^[9]

Das Große Filmstudios von Hollywood sind die Hauptquelle der am kommerziell erfolgreichsten und Die meisten Ticketverkaufsfilme in der Welt.^[10][11] Darüber hinaus haben viele von Hollywoods höchsten Filmen von Hollywood mehr Einnahmen und Ticketverkäufe außerhalb der USA generiert als Filme, die an anderer Stelle gedreht wurden. In den 21. Jahrhundert generieren American Film Studios jedes Jahr mehrere hundert Filme, was die Vereinigten Staaten zu einem der produktivsten Produzenten von Filmen der Welt und zu einem führenden Pionier in macht Motivpiction Engineering und Technologie.

Geschichte

Ursprünge und Fort Lee

Justus D. Barnes als Outlaw -Führer Bronco Billy Anderson in Der große Zugüberfall (1903) der erste Western.

Die erste aufgezeichnete Instanz von Fotografien, die Bewegung erfassen und reproduzieren, war Eine Reihe von Fotografien eines laufenden Pferdes durch Eadweard Muybridge, was er aufgenommen hat Palo Alto, Kalifornienmit einer Reihe von noch in Folge platzierten Kameras. Muybridges Leistung führte Erfinder überall dazu, ähnliche Geräte zu erstellen. In den Vereinigten Staaten, Thomas Edison war einer der ersten, der ein solches Gerät produzierte, die Kinetoskop.

Harold Lloyd in der Uhrenszene von Sicherheit zuletzt! (1923)

Die Geschichte des Kinos in den Vereinigten Staaten kann ihre Wurzeln auf die verfolgen Ostküste wo, einmal, Fort Lee, New Jersey, war das Bewegungszahlenkapital Amerikas. Die Branche begann am Ende des 19. Jahrhunderts mit dem Bau von Thomas Edison's "Schwarze Maria", Der Erste Motion-Picture Studio in West Orange, New Jersey. Die Städte und Städte auf der Der Hudson Fluss und Hudson Palisades angeboten Land zu Kosten erheblich weniger als New York City über den Fluss und profitierte aufgrund des phänomenalen Wachstums der Filmindustrie um die Wende des 20. Jahrhunderts stark.^[12][13][14]

Die Branche zog sowohl Kapital als auch eine innovative Belegschaft an. Im Jahr 1907, wenn die Kalem Company Die Verwendung von Fort Lee als Ort für die Dreharbeiten in der Region folgten andere Filmemacher schnell. Im Jahr 1909 ein Vorläufer von Universal Studios, das Champion Film Companybaute das erste Studio.^[15] Andere folgten schnell und bauten entweder neue Studios oder gemietete Einrichtungen in Fort Lee. In den 1910er Jahren und 1920er Jahre, Filmunternehmen wie die Unabhängige bewegende Bilder Gesellschaft, Peerless Studios, Die Solax -Firma, Éclair Studios, Goldwyn Picture Corporation, Amerikanische Méliès (Starfilme), World Film Company, Biographiestudios, Fox Film Corporation, Pathé Frères, Metro Pictures Corporation, Victor Film Company, und Selznick Pictures Corporation machten alle Bilder in Fort Lee. Solche Aussagen wie Mary Pickford Ich habe ihren Start in Biograf Studios.^[16][17][18]

In New York die Kaufman Astoria Studios in Königinnen, das während der Stummfilm -Ära gebaut wurde, wurde von der genutzt Marx Brüder und TOILETTE. Felder. Das Edison Studios befanden sich in der Bronx. Chelsea, Manhattanwurde auch häufig verwendet. Andere östliche Städte, vor allem Chicago und Clevelanddiente auch als frühe Zentren für die Filmproduktion.^[19][20] Im Westen, Kalifornien wurde bereits schnell zum großen Filmproduktionszentrum. Im Colorado, Denver war die Heimat der Art-O-Graf Filmfirma und Walt Disney'S früh Laugh-o-Gram Animation Studio hatte seinen Sitz in Kansas City, Missouri. Bildstadt, Floridawar in den 1920er Jahren ein geplanter Ort für ein Filmproduktionszentrum für Filmbild, aber aufgrund der 1928 Okeechobee Hurricane, die Idee brach zusammen und Bildstadt kehrte zu seinem ursprünglichen Namen von zurück Hobe Sound. Ein Versuch, ein Filmproduktionszentrum zu etablieren Detroit erwiesen sich auch als erfolglos.^[21]

Der Film Patent Wars des frühen 20. Jahrhunderts trug dazu bei, die Verbreitung von Filmunternehmen in anderen Teilen der USA außerhalb von New York zu erleichtern. Viele Filmemacher arbeiteten mit Ausrüstung, für die sie die Rechte zu verwenden hatten. Daher könnte die Dreharbeiten in New York gefährlich sein, da es in der Nähe von Edisons Firmenhauptquartier und in der Nähe der Agenten, die das Unternehmen vorgenommen hatte, um Kameras zu beschlagnahmen. Bis 1912 hatten die meisten großen Filmunternehmen Produktionseinrichtungen in eingerichtet Süd-Kalifornien in der Nähe oder in Los Angeles Wegen des günstigen Jahres des ganzen Jahres.^[22]

Aufstieg von Hollywood

Laurel und Hardy mit Lupe Vélez in Hollywood Party (1934)

Die 1908 Selig Polyscope Company Produktion von Der Graf von Monte Cristo unter der Regie von Francis Boggs und Hauptrolle Hobart Bosworth wurde als erster beansprucht, der in gedreht wurde Los Angeles, im Jahr 1907, wobei eine Plakette 1957 von der Stadt enthüllt wurde Dearden's Flaggschiff an der Ecke von Hauptstraße und 7th Street, um die Dreharbeiten auf dem Gelände zu markieren, als es eine chinesische Wäsche war.^[23] Bosworths Witwe schlug vor, dass die Stadt das Datum und den Ort falsch verstanden hatte und dass der Film tatsächlich in der Nähe gedreht wurde Venedig, was zu dieser Zeit eine unabhängige Stadt war.^[24] Boggs ' In der Kraft des SultansAuch mit Bosworth gilt der erste Film, der ausschließlich in Los Angeles gedreht wurde und 1909 in der 7. und in Olive Street gedreht wurde.^[25][24]

Anfang 1910 der Regisseur D. W. Griffith wurde von der gesendet Biografgesellschaft an die Westküste mit seiner schauspielerischen Truppe, bestehend aus Schauspielern Blanche süß, Lillian Gish, Mary Pickford, Lionel Barrymore und andere. Sie begannen auf einem freien Grundstück in der Nähe der Georgia Street in der Innenstadt von Los Angeles zu filmen. Während seiner Zeit beschloss das Unternehmen, neue Gebiete zu erkunden und mehrere Meilen nach Norden nach Hollywood zu reisen, einem kleinen Dorf, das freundlich war und die Filmfirma dort filmte. Griffith filmte dann den ersten Film, der jemals in Hollywood gedreht wurde. Im alten Kalifornien, ein Biograf -Melodrama über Kalifornien im 19. Jahrhundert, als es zu Mexiko gehörte. Griffith blieb monatelang dort und machte mehrere Filme, bevor er nach New York zurückkehrte. Ebenfalls 1910 gründete Selig Polyscope aus Chicago das erste Filmstudio in der Region Los Angeles in Edendale.^[23] Nachdem sie 1913 von Griffiths Erfolg in Hollywood gehört hatten, fuhren viele Filmemacher nach Westen, um die Gebühren zu vermeiden Thomas Edison, wer hatte Patente über den Filmemachenprozess.^[26] Nestor Studios von Bayonne, New Jerseybaute 1911 das erste Studio im Viertel Hollywood.^[27] Nestor Studios, im Besitz von David und William Horsley, fusionierte später mit Universal Studios; Und William Horesys anderes Unternehmen, Hollywood Film Laboratory, ist heute das älteste bestehende Unternehmen in Hollywood, das jetzt das Hollywood Digital Laboratory genannt wird. KalifornienDas gastfreundlichere und kostengünstigere Klima führte dazu Westküste In den 1930er Jahren. Damals, Thomas Edison Fast alle Patente, die für Filmproduktion und Filmproduzenten an der Ostküste relevant waren, wurden von Edison und seinen Agenten häufig verklagt oder aufgefordert, während die an der Westküsten arbeitenden Filmemacher unabhängig von Edisons Kontrolle arbeiten konnten.^[28]

Das Hollywood Walk of Fame an Hollywood Boulevard

In Los Angeles, die Studios Und Hollywood wuchs. Vor Erster WeltkriegEs wurden Filme in mehreren amerikanischen Städten gedreht, aber die Filmemacher neigten dazu, sich zu interessieren Süd-Kalifornien wie sich die Branche entwickelte. Sie wurden von dem warmen Klima und zuverlässigem Sonnenlicht angezogen, was es ermöglichte, ihre Filme das ganze Jahr über im Freien und durch die abwechslungsreiche Landschaft zu filmen. Kriegsschaden trug zum Niedergang der damals dominanten europäischen Filmindustrie zugunsten der Vereinigten Staaten bei, in denen die Infrastruktur noch intakt war.^[29] Die stärkere Reaktion der frühen öffentlichen Gesundheit auf die 1918 Grippe Epidemie von Los Angeles^[30] Im Vergleich zu anderen amerikanischen Städten reduzierte die Anzahl der Fälle dort und führte zu einer schnelleren Erholung, was zur zunehmenden Dominanz von Hollywood über New York City beitrug.^[29] Während der Pandemie schloss Beamte des öffentlichen Gesundheitswesens in einigen Gerichtsbarkeiten vorübergehend die Kinos, große Studios setzten die Produktion für Wochen ein, und einige Schauspieler kamen mit der Grippe. Dies führte zu erheblichen finanziellen Verlusten und schwerwiegenden Schwierigkeiten für kleine Studios, aber die Branche als Ganzes mehr als erholt während der Wilde Zwanziger.^[31]

Es gibt mehrere Ausgangspunkte für Kino (insbesondere amerikanisches Kino), aber es war Griffiths umstrittenes Epos von 1915 Die Geburt einer Nation Das war der weltweite Drehvokabular, der bis heute das Celluloid dominiert.

In dem frühen 20. Jahrhundert, als das Medium neu war, fanden viele jüdische Einwanderer eine Beschäftigung in der US -Filmindustrie. Sie konnten sich in einem brandneuen Geschäft einen Namen machen: die Ausstellung von Kurzfilmen in den Storefront Theatern Calling Nickelodeonsnach ihrem Eintrittspreis von a Nickel (fünf Cent). Innerhalb weniger Jahre mögen ehrgeizige Männer Samuel Goldwyn, William Fox, Carl Laemmle, Adolph Zukor, Louis B. Mayer, und die Warner Brothers (Harry, Albert, Samuel und Jack) hatten auf die Produktionsseite des Geschäfts gewechselt. Bald waren sie die Köpfe einer neuen Art von Unternehmen: die Filmstudio. Die USA hatten in diesen frühen Jahren mindestens zwei Direktoren, Produzenten und Studio -Köpfe weiblicher Direktoren: Studio -Köpfe: Lois Weber und französisch geboren Alice Guy-Blaché. Sie setzen auch die Bühne für den Internationalismus der Branche. Die Branche wird oft wegen vorgeworfen Amerozentrisch Provinzialismus.

Andere Moviemaker kamen nach dem Ersten Weltkrieg aus Europa an: Regisseure mögen die Regisseure Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang und Jean Renoir; und Schauspieler mögen Rudolph Valentino, Marlene Dietrich, Ronald Colman, und Charles Boyer. Sie schlossen sich einer einheimischen Versorgung mit Schauspielern an - nach der Einführung von Tonfilmen nach Westen von der New Yorker Bühne -, um eine der bemerkenswertesten Wachstumsindustrien des 20. Jahrhunderts zu bilden. Auf der Höhe der Popularität von Motion Pictures Mitte der 1940er Jahre brachten die Studios insgesamt etwa 400 Filme pro Jahr aus, die von einem Publikum von 90 Millionen Amerikanern pro Woche gesehen wurden.^[32]

Sound wurde in Hollywood Ende der 1920er Jahre auch weit verbreitet.^[33] Nach Der JazzsängerDer erste Film mit synchronisierten Voices wurde 1927 als Vitaphon -Talkie veröffentlicht. Hollywood -Filmunternehmen reagierten auf Warner Bros. und begannen, Vitaphone Sound zu verwenden - den Warner Bros. bis 1928 besaß - in zukünftigen Filmen. Bis Mai 1928 erhielt Electrical Research Product Incorporated (ERPI), eine Tochtergesellschaft der Western Electric Company, ein Monopol über die Verteilung der Filmklasse.^[32]

Ein Nebeneffekt der "Talkies" war, dass viele Schauspieler, die ihre Karriere in Stummfilmen gemacht hatten, plötzlich arbeitslos waren, da sie oft schlechte Stimmen hatten oder sich nicht an ihre Linien erinnern konnten. In der Zwischenzeit 1922 US -Politiker Will H. Hays verließ die Politik und gründete die Organisation des Filmstudio -Chefs, die als Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA) bekannt ist.^[34] Die Organisation wurde die Organisation Motion Picture Association of America Nachdem Hays 1945 in den Ruhestand ging.

In den frühen Zeiten von Talkies, American Studios stellten fest, dass ihre Soundproduktionen in ausländischen Märkten und sogar unter Rednern anderer Englischdialekte abgelehnt wurden. Das Synchronisation Technologie war immer noch zu primitiv für Synchronisation. Eine der Lösungen bestand darin, parallele fremdsprachige Versionen von Hollywood-Filmen zu schaffen. Um 1930 die amerikanischen Unternehmen^[die?] eröffnete ein Studio in Joinville-le-pont, Frankreich, wo die gleichen Sets, Kleiderschrank- und sogar Massenszenen für verschiedene verwendet wurden Zeitteilung Besatzungen.

Außerdem wurden ausländische arbeitslose Schauspieler, Dramatiker und Gewinner von Photogenia-Wettbewerben ausgewählt und nach Hollywood gebracht, wo sie parallele Versionen der englischsprachigen Filme drehten. Diese parallele Versionen hatten ein niedrigeres Budget, wurden nachts erschossen und wurden von amerikanischen Direktoren der zweiten Linie geleitet, die die Fremdsprache nicht sprachen. Zu den spanischsprachigen Besatzungen gehörten Leute wie Luis Buñuel, Enrique Jardiel Poncela, Xavier Cugat, und Edgar Neville. Die Produktionen waren aus folgenden Gründen in ihren beabsichtigten Märkten nicht sehr erfolgreich:

Brown Derby, eine Ikone, die zum Synonym für das goldene Zeitalter von Hollywood wurde.

• Die niedrigeren Budgets waren offensichtlich.
• Viele Theaterschauspieler hatten keine frühere Erfahrung im Kino.
• Die Originalfilme waren oft selbst zweitklassifiziert, da die Studios erwarteten, dass sich die Top-Produktionen selbst verkaufen würden.
• Die Mischung aus ausländischen Akzenten (kastilisch, mexikanisch und chilenisch zum Beispiel im spanischen Fall) war für das Publikum seltsam.
• In einigen Märkten fehlten die kundig ausgestatteten Theater.

Trotzdem wie einige Produktionen wie die spanische Version von Dracula Vergleichen Sie sie günstig mit dem Original. Mitte der 1930er Jahre hatte sich die Synchronisation so weit fortgeschritten, dass sie gewohnt sind, gewöhnlich zu werden.

Klassisches Hollywood -Kino und das Goldene Zeitalter von Hollywood (1913–1969)

Sterne der Klassisches Hollywood -Kino Ära (c.1913–1969). Obere Reihe, L-R: Greta Garbo, Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Clark Gable, Katharine Hepburn, Fred Astaire, Ginger Rogers, Marlon Brando, das Marx Brüder, Joan Crawford. Zweite Reihe, L-R: John Wayne, James Stewart, Buster Keaton, Claudette Colbert, Gene Kelly, Burt Lancaster, Judy Garland, Gregory Peck, Elizabeth Taylor, Kirk Douglas. Dritte Reihe, L-R: Bette Davis, Audrey Hepburn, Jean Harlow, Alfred Hitchcock, John Ford, Howard Hawks, Grace Kelly, Laurence Olivier, Marlene Dietrich, James Cagney. Vierte Reihe, L-R: Ava Gardner, Cary Grant, Ingrid Bergman, Henry Fonda, Marilyn Monroe, James Dean, Orson Welles, Mae West, William Holden, Sophia Loren. Untere Reihe, L-R: Vivien Leigh, Joan Fontaine und Gary Cooper, Spencer Tracy, Barbara Stanwyck, Lillian Gish, Tyrone -Kraft, Shirley Temple, Janet Leigh mit Charlton Heston, Rita Hayworth, Mary Pickford.

Das klassische Hollywood -Kino oder das Goldene Zeitalter von Hollywood ist definiert als ein technisches und narratives Stilcharakteristik des amerikanischen Kinos von 1913 bis 1969, bei dem Tausende von Filmen aus den Hollywood -Studios ausgegeben wurden. Der klassische Stil begann 1913 zu entstehen, wurde 1917 nach dem Eintritt der USA beschleunigt Erster Weltkrieg, und endgültig festigte, als der Film Der Jazzsänger wurde 1927 veröffentlicht, beendete die Stummfilm-Ära und erhöhte die Kassengewinne für die Filmindustrie durch Einführung von Sound in Spielfilme.

Die meisten Hollywood -Bilder hielten eng an eine Formel - Western, Slapstick-Komödie, Musical, Animierter Cartoon, Biografischer Film (Biografisches Bild) - und dieselben Kreativteams arbeiteten oft an Filmen desselben Studios. Zum Beispiel, Cedric Gibbons und Herbert Stothart arbeitete immer an Mgm Filme, Alfred Newman arbeitete bei 20. Jahrhundert Fuchs seit zwanzig Jahren, Cecil B. de MilleDie Filme wurden fast alle gemacht Paramountund Direktor Henry KingDie Filme wurden hauptsächlich für 20. Jahrhundert Fuchs.

Gleichzeitig konnte man normalerweise erraten, welches Studio welchen Film vor allem wegen der darin erschienenen Schauspieler gedreht wurde. MgmZum Beispiel behauptete es, es habe sich "mehr Sterne als es im Himmel" beauftragt. Jedes Studio hatte seinen eigenen Stil und seine charakteristischen Details, die es ermöglichten, dies zu wissen - ein Merkmal, das heute selten existiert.

Zum Beispiel, Haben und nicht haben (1944) ist nicht nur für die erste Paarung von Schauspielern bemerkenswert Humphrey Bogart (1899–1957) und Lauren Bacall (1924–2014), aber weil es von zwei zukünftigen Gewinnern der geschrieben wurde Nobelpreis in Literatur: Ernest Hemingway (1899–1961), der Autor des Romans, auf dem das Drehbuch nominell basiert und William Faulkner (1897–1962), der an der Bildschirmanpassung arbeitete.

Nach Der Jazzsänger wurde 1927 veröffentlicht, Warner Bros. Erhielt große Erfolge und konnten ihre eigene Kino -Kino -Kinos erwerben, nachdem sie Stanley -Theater gekauft hatten und Erster national Produktionen im Jahr 1928. Mgm hatte auch das besessen Loews Theater Seit der Gründung im Jahr 1924 besaß die Fox Film Corporation die Fox Theatre auch. Rko (eine Fusion zwischen 1928 zwischen Keith-Orpheum-Theater und die Radio Corporation of America^[35]) reagierte auch auf das Western Electric/ERPI -Monopol über Sound in Filmen und entwickelte ihre eigene Methode, bekannt als Photophon, um Klang in Filme zu bringen.^[32]

Paramount, der 1926 Balaban und Katz erwarb Detroit, Michigan.^[36] In den 1930er Jahren befanden sich fast alle ersten Metropolen in den Vereinigten Staaten im Besitz der Big Five Studios- Mgm, Paramount Pictures, Rko, Warner Bros., und 20. Jahrhundert Fuchs.^[37]

Das Studiosystem

Hollywood Movie Studios, 1922

Motionbildunternehmen, die unter dem betrieben werden Studiosystem. Die großen Studios hielten Tausende von Menschen im Gehalt - Schauspieler, Produzenten, Direktoren, Schriftsteller, Stuntmänner, Handwerker und Techniker. Sie besaßen oder vermietet Filmranches im ländlichen Südkalifornien für Ortsaufnahmen von Western und andere groß angelegte Genre-Filme und die großen Studios besaßen Hunderte von Theatern in Städten und Städten im ganzen Land im Jahr 1920 Filmkinos, die ihre Filme zeigten und immer frisches Material brauchten.

Spencer Tracy war der erste Schauspieler, der gewann Bester Schauspieler über zwei aufeinanderfolgende Jahre für seine Rolle in der Rollen vergeben Kapitäne mutig (1937) und Jungenstadt (1938) (und erhielt sieben weitere Nominierungen).

1930 schuf der MPPDA -Präsident Will Hays die Hays (Produktion) Code, nach der Zensurrichtlinien und trat in Kraft, nachdem die staatliche Bedrohung durch Zensur 1930 erweitert wurde.^[38] Der Kodex wurde jedoch erst 1934 nach der katholischen Wachhundorganisation durchgesetzt Die Legion des Anstands - entsetzt über einige der provokativen Filme und die grelle Werbung der Zeit später klassifiziert Pre-Code Hollywood- Drohte einen Boykott von Kinobildern, wenn es nicht in Kraft trat.^[39] Die Filme, die keine Genehmigungssiegel der Produktionscode -Administration erhielten, mussten eine Geldstrafe von 25.000 US -Dollar zahlen und konnten in den Theatern nicht profitieren, da die MPPDA jedes Theater im Land in den Big Five Studios kontrollierte.

In den 1930er Jahren sowie den größten Teil des goldenen Zeitalters,, Mgm dominierte den Filmbildschirm und hatte die Top -Stars in Hollywood, und sie wurden auch für das Erstellen der Schaffung zugeschrieben Hollywood -Sternensystem insgesamt.^[40] Etwas Mgm Zu den Sternen gehörten "King of Hollywood" Clark Gable, Lionel Barrymore, Jean Harlow, Norma Shearer, Greta Garbo, Joan Crawford, Jeanette MacDonald, Gene Raymond, Spencer Tracy, Judy Garland, und Gene Kelly.^[40] Aber MGM stand nicht alleine.

Eine weitere großartige Leistung des US -Kinos in dieser Zeit kam durch Walt Disney's Animationsfirma. Im Jahr 1937 kreierte Disney den erfolgreichsten Film seiner Zeit, Schneewittchen und die sieben Zwerge.^[41] Diese Unterscheidung wurde 1939 umgehend übertroffen, als Selznick International das, was noch in der Inflation angepasst wurde Vom Winde verweht.^[42]

Viele Filmhistoriker haben die vielen großartigen Werke des Kinos aus dieser Zeit mit stark regulierten Filmemachen bemerkt. Ein Grund, warum dies möglich war, ist, dass bei so vielen Filmen nicht jeder ein großer Hit sein musste. Ein Studio könnte mit einem guten Skript und relativ unbekannten Schauspielern auf ein Mittel-Budget-Feature spielen: Citizen Kane, unter der Regie von Orson Welles (1915–1985) und oft als die angesehen Größter Film aller Zeitenpasst zu dieser Beschreibung. In anderen Fällen mögen stark willenende Regisseure Howard Hawks (1896–1977), Alfred Hitchcock (1899–1980) und Frank Capra (1897–1991) kämpften gegen die Studios, um ihre künstlerischen Visionen zu erreichen.

Der Apogee des Studiosystems war möglicherweise das Jahr 1939, in dem solche Klassiker veröffentlichen Der Zauberer von Oz, Vom Winde verweht, Postkutsche, Mr. Smith geht nach Washington, Wuthering Heights, Nur Engel haben Flügel, Ninotchka und Mitternacht. Unter den anderen Filmen aus der goldenen Alterszeit, die jetzt als Klassiker angesehen werden: Casablanca, Es ist ein wunderschönes Leben, Es passierte eines Nachts, das Original King Kong, Meuterei auf der Bounty, Top -Hut, Lichter der Stadt, Red River, Die Dame aus Shanghai, Heckscheibe, An der Uferpromenade, Rebellieren ohne ein grund, Manche mögen es heiß, und Der Mandschurische Kandidat.

Niedergang des Studiosystems (Ende der 1940er Jahre)

Prozentsatz der US -Bevölkerung, die durchschnittlich, wöchentlich ins Kino ging, 1930–2000

Walt Disney führt jedes der sieben Zwerge in einer Szene aus dem Original von 1937 ein Schneewittchen Film Trailer.

Das Studiosystem und das goldene Zeitalter von Hollywood erlag zwei Kräfte, die sich Ende der 1940er Jahre entwickelten:

• a Bundeskartellaktionen das trennte die Produktion von Filmen von ihrer Ausstellung; und
• das Aufkommen von Fernsehen.

1938 Walt Disney's Schneewittchen und die sieben Zwerge wurde während eines Laufs von glanzlosen Filmen aus den großen Studios veröffentlicht und wurde schnell zum höchsten Einflussfilm, der bis dahin veröffentlicht wurde. Für die Studios peinlich war es ein unabhängig produzierter Animationsfilm, in dem keine Studio-Arbeitsstars enthielten.^[43] Dies begann bereits weit verbreitete Frustration über die Praxis von Blockbooking, in denen Studios nur einen Film Zeitplan für Filme nach dem anderen in die Kinos verkaufen und die verwenden würden einschließen Deckung für Veröffentlichungen mittelmäßiger Qualität.

Stellvertretender Generalstaatsanwalt Thurman Arnold- Ein notiertes "Vertrauen Sie Buster"Von der Roosevelt -Verwaltung - nutzte diese Gelegenheit, um im Juli 1938 ein Verfahren gegen die acht größten Hollywood -Studios wegen Verstößen gegen die Sherman Antitrust Act.^[44][45] Die Bundesklage führte zu fünf der acht Studios (den "Big Five": Warner Bros., Mgm, Fuchs, Rko und Paramount) Erreichen eines Kompromisses mit Arnold im Oktober 1940 und signiert a Einverständniserklärung Einverstanden, innerhalb von drei Jahren:

• Beseitigen Sie das Blockbooking von Kurzfilmfächern in einem als "One Shot" oder "Full Force" -Blockbuch bezeichneten Arrangement.
• Beseitigen Sie das Blockbuch von mehr als fünf Funktionen in ihren Theatern.
• Sich nicht mehr mit Blind kaufen (oder der Kauf von Filmen durch Theaterviertel, ohne im vorherigen Filme Filme zu sehen) und stattdessen haben Handelsschlucken, in denen alle 31 Theaterbezirke in den USA alle zwei Wochen Filme sehen würden, bevor sie Filme in den Kinos zeigten.
• Richten Sie in jedem Theaterviertel ein Verwaltungsrat ein, um diese Anforderungen durchzusetzen.^[44]

Die "kleinen drei" (Universal Studios, Vereinigte Künstler, und Columbia Bilder), der keine Theater besaß, weigerte sich, am Einverständniserklärung teilzunehmen.^[44][45] Eine Reihe unabhängiger Filmproduzenten war auch unzufrieden mit dem Kompromiss und bildete eine Gewerkschaft, die als Society of Independent Motion Picture Produzenten bekannt war und Paramount für das Monopol verklagte, das sie noch über die Detroit -Theater hatten - da Paramount auch durch Schauspieler wie Bob Hope dominierte , Paulette Goddard, Veronica Lake, Betty Hutton, Crooner Bing Crosby, Alan Ladd und langjähriger Schauspieler für Studio Gary Cooper Auch 1942. Die Big Five Studios erfüllten die Anforderungen der Zustimmung des Dekrets während des Zweiten Weltkriegs nicht ohne wesentliche Folge, aber nach dem Ende des Krieges traten sie als Angeklagte im Hollywood-Antitrust-Fall an Paramount bei, ebenso wie die Little Three Studios.^[46]

Der Oberste Gerichtshof entschied schließlich, dass die wichtigsten Studios -Besitz Sherman Antitrust Act. Infolgedessen begannen die Studios, Schauspieler und technische Mitarbeiter aus ihren Verträgen mit den Studios zu veröffentlichen. Dies veränderte das Paradigma des Films der Major Hollywood Studios, da jeder ein völlig anderes Besetzung und ein Kreativteam haben könnte.

Die Entscheidung führte zu dem allmählichen Verlust der Merkmale, die Metro-Goldwyn-May, Paramount Pictures, Universal Studios, Columbia Pictures, RKO Pictures und 20th Century Fox-Filme sofort identifizierbar waren. Bestimmte Filmleute, wie z. Cecil B. DeMilleEntweder blieben Vertragskünstler bis zum Ende ihrer Karriere oder verwendeten dieselben Kreativteams in ihren Filmen, so dass ein DeMille -Film immer noch wie einer aussah, unabhängig davon, ob er 1932 oder 1956 gedreht wurde.

Marlon Brando mit Eva Marie Saint im Anhänger für An der Uferpromenade (1954)

Neues Hollywood- und Post-Klassisches Kino (1960er bis 1990er Jahre)

Regisseur und Produzent Steven Spielberg, Mitbegründer von Dreamworks Studios.

Postklassisches Kino ist die sich ändernden Methoden des Geschichtenerzählens im neuen Hollywood. Es wurde argumentiert, dass neue Ansätze für Drama und Charakterisierung, die auf die in der klassischen Zeit erworbenen Publikumserwartungen gespielt wurden: Chronologie kann durcheinander gebracht werden, Handlungsstränge können möglicherweise auftreten. "Twist -Endungen", und Linien zwischen den Gegner und Protagonist kann verschwommen sein. Die Wurzeln des postklassischen Geschichtenerzählens können in gesehen werden Film Noir, in Rebellieren ohne ein grund (1955) und in Hitchcocks Storyline-Shattering Psycho.

Das Neues Hollywood ist die Entstehung einer neuen Generation von Direktoren für Filmschulschulen, die die in den 1960er Jahren in Europa entwickelten Techniken nach der französischen neuen Welle nach der amerikanischen Revolution aufgenommen hatten? Der Film von 1967 Bonnie und Clyde Auch der Beginn des amerikanischen Kinos raste, da eine neue Generation von Filmen später auch in den Boxbüros Erfolg erzielen würde.^[47] Filmemacher mögen Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas, Brian de Palma, Stanley Kubrick, Martin Scorsese, Roman Polanski, und William Friedkin kam, um Tarif zu produzieren, die die Geschichte des Films huldigten und nach bestehenden Genres und Techniken entwickelten. Eröffnet durch die Veröffentlichung von 1969 von Andy Warhol's Blauer Filmdas Phänomen von Erotische Filme für Erwachsene öffentlich von Prominenten besprochen werden (wie Johnny Carson und Bob Hope),^[48] und von Kritikern ernst genommen (wie Roger Ebert),^[49][50] eine Entwicklung, auf die Ralph Blumenthal von genannt wird Die New York Times, wie "Porno Chic", und später bekannt als die Goldenes Zeitalter des Pornosbegann zum ersten Mal in der modernen amerikanischen Kultur.^[48][51][52] Nach Angaben des preisgekrönten Autors Toni Bentley, Radley Metzger's 1976 Film Die Eröffnung von Misty Beethovenen, basierend auf dem Stück Pygmalion durch George Bernard Shaw (und sein Derivat, Meine schöne Frau) und aufgrund des Erreichens eines Mainstream -Niveaus in Storyline and Sets,^[53] wird als "Kronjuwel" davon angesehen "Goldenes Zeitalter'.^[54][55]

Auf dem Höhepunkt seines Ruhmes in den frühen 1970er Jahren, Charles Bronson war die weltweit Nr. 1 -Kassenattraktion, die 1 Million US -Dollar pro Film befehligte.^[56] In den 1970er Jahren waren die Filme der neuen Hollywood -Filmemacher oft sowohl kritisch gefeiert als auch kommerziell erfolgreich. Während die frühen neuen Hollywood -Filme mögen Bonnie und Clyde und Easy Rider war relativ niedrige Budget-Angelegenheiten mit amoralischen Helden und verstärkte Sexualität und Gewalt gewesen, der enorme Erfolg von Friedkin mit Der Exorzist, Spielberg mit Kiefer, Coppola mit Der Pate und Apokalypse jetzt, Scorsese mit Taxifahrer, Kubrick mit 2001: Ein Weltraum -Odyssey, Polanski mit Chinatownund Lucas mit Amerikanische Graffiti und Krieg der Sternehalf jeweils, die Moderne hervorzurufen "Blockbuster", und induzierten Studios, sich immer stärker auf den Versuch zu konzentrieren, enorme Hits zu erzielen.^[57]

Der zunehmende Genuss dieser jungen Direktoren half nicht. Oft gingen sie nach Überplanung und überbudget, so dass sie sich selbst oder das Studio bankrotten. Die drei bemerkenswertesten Beispiele hierfür sind Coppola's Apokalypse jetzt und Einer aus dem Herzen und besonders Michael Cimino's Himmelstor, was im Alleingang bankrott gemacht hat Vereinigte Künstler. Jedoch, Apokalypse jetzt verdiente schließlich sein Geld zurück und erhielt weit verbreitete Anerkennung als Meisterwerk, gewann die Palme d'Or Cannes.^[58]

Schauspieler Tom Hanks.

Film Die Hersteller von 1990 hatten Zugang zu technologischen, politischen und wirtschaftlichen Innovationen, die in den vergangenen Jahrzehnten nicht verfügbar waren. Dick Tracy (1990) wurde die erste 35 mm Spielfilm mit a Digital Soundtrack. Batman kehrt zurück (1992) war der erste Film, der die nutzte Dolby Digital Sechs-Kanal-Stereo-Sound, der seitdem zum Industriestandard geworden ist. Computergenerierte Bilder wurden stark erleichtert, als es möglich wurde, Filmbilder in einen Computer zu übertragen und digital zu manipulieren. Die Möglichkeiten wurden im Regisseur deutlich James Cameron's Terminator 2: Jugendtag (1991) in Bildern des formveränderenden Charakters T-1000. Computergrafik oder CG bis zu einem Punkt, an dem Jurassic Park (1993) konnte die Techniken verwenden, um realistisch aussehende Tiere zu schaffen. Jackpot (2001) wurde der erste Film, der vollständig in digital gedreht wurde.^[59] Im Film Titanic, Cameron wollte die Grenze der Spezialeffekte mit seinem Film überschreiten und eingetragen Digitale Domäne und Pazifische Datenbilder Um die Entwicklungen in der digitalen Technologie fortzusetzen, an der der Regisseur während der Arbeit bei der Arbeit war Der Abgrund und Terminator 2: Jugendtag. Viele frühere Filme über die RMS Titanic Schusswasser hinein Zeitlupe, was nicht ganz überzeugend aussah.^[60] Cameron ermutigte seine Crew, ihre 45 Fuß lange (14 m) zu schießen. Miniatur des Schiffes, als ob "wir einen Werbespot für die White Star -Linie machen".

Eben Das Blair Witch -Projekt (1999), ein Low-Budget-Indie Horrorfilm durch Eduardo Sanchez und Daniel Myrickwar ein großer finanzieller Erfolg. Der Film wurde mit einem Budget von nur 35.000 US -Dollar gedreht, ohne große Sterne oder Spezialeffekte und brachte 248 Millionen US -Dollar unter Verwendung moderner Marketingtechniken und Online -Werbung ein. Obwohl nicht auf der Skala von George Lucas's $ 1 Milliarde Prequel an die Star Wars -Trilogie, Das Blair Witch -Projekt erwarb den Unterschied, der profitabelste Film aller Zeiten in Bezug auf prozentuale Brutto zu sein.^[59]

Der Erfolg von Blair Hexe Als Indie -Projekt bleibt jedoch zu den wenigen Ausnahmen und Kontrolle von Die Big Five Studios über Film Die Herstellung stieg in den neunziger Jahren weiter. Die Big Six -Unternehmen hatten alle in den neunziger Jahren eine Expansionszeit. Sie entwickelten jeweils unterschiedliche Wege, um sich an steigende Kosten in der Filmindustrie anzupassen, insbesondere die steigenden Gehälter von Filmstars, die von mächtigen Agenten angetrieben werden. Die größten Stars mögen Sylvester Stallone, Russell Crowe, Tom Cruise, Nicole Kidman, Sandra Bullock, Arnold Schwarzenegger, Mel Gibson und Julia Roberts erhielt zwischen 15 und 20 Millionen US-Dollar pro Film und erhielt in einigen Fällen sogar einen Anteil der Gewinne des Films.^[59]

Drehbuchautoren Andererseits wurden in der Regel weniger als die Top -Akteure oder Direktoren bezahlt, normalerweise unter 1 Million US -Dollar pro Film. Der größte Faktor, den die steigenden Kosten fördern, waren jedoch Spezialeffekte. Bis 1999 die durchschnittlichen Kosten von a Blockbuster -Film war 60 Millionen US -Dollar vor Marketing und Werbung, was weitere 80 Millionen US -Dollar kostete.^[59]

Frühes 21. Jahrhundert

Hollywood Boulevard aus dem Dolby Theatrevor 2006

Seit dem frühen 21. Jahrhundert wurde der Theatralmarktplatz von der dominiert Superheld Genre. Das Jahrzehnt, in dem viele bedeutende Entwicklungen in der Filmindustrie auf der ganzen Welt beteiligt waren, insbesondere in der verwendeten Technologie. Aufbau auf Entwicklungen in den 1990er Jahren, Computers wurden verwendet, um Effekte zu erzielen, die bisher teurer gewesen wären, aus der subtilen Löschung der umliegenden Inseln in Wegwerfen (Verlassen Tom Hanks'Charakter, das ohne andere Land in Sicht ist) zu den riesigen Kampfszenen wie denen in Die Matrix Fortsetzungen und 300.

In den 2000er Jahren wurden mehrere Genres wieder aufgenommen. Fantasie-Film Franchise -Unternehmen dominierten die Abendkasse mit Der Herr der Ringe, Harry Potter, Piraten der Karibik, das Krieg der Sterne Prequel -Trilogie (ab 1999),, Die Chroniken von Narnia, etc. Comic Superheldenfilme wurde ein Mainstream -Blockbuster -Genre nach den Veröffentlichungen von X-Men, Unzerbrechlich, und Spider Man. Gladiator ähnlich löste die Wiederbelebung von aus Epische Filme, während Bollywood-inspiriert Moulin Rouge! tat dasselbe für Musikfilme. Computeranimation ersetzt Traditionelle Animation als dominantes Medium für animierte Spielfilme im amerikanischen Kino. Obwohl Hollywood immer noch einige Filme für das Familienpublikum produziert, insbesondere Animationen, sind die überwiegenden Mehrheitsfilme hauptsächlich für den Fall junger Erwachsener Publikum.

Zeitgenössisches Kino

Das Dolby Theatre

Ab 2020 der Fantasy -Film 2019 Frozen II sollte ursprünglich veröffentlicht werden Disney+ am 26. Juni 2020, bevor es auf den 15. März aufgestiegen war. Disney -CEO Bob Chapek erklärte, dass dies auf die "mächtigen Themen der Ausdauer und die Bedeutung der Familie, die unglaublich relevanten Botschaften" lag.^[62][63] Am 16. März 2020 kündigte Universal das an Der unsichtbare Mann, Die Jagd, und Emma - Alle Filme in den Kinos zu dieser Zeit - wären durch verfügbar Premium -Video auf Demand Bereits am 20. März zu einem empfohlenen Preis von US $ 19.99 jeder.^[64] Nachdem er seit seiner Veröffentlichung zu Beginn des Märzs eine schlechte Abendkasse erlitten hat, Weiter wurde am 21. März digital erwerben und am 3. April zu Disney+ hinzugefügt.^[65] Paramount am 20. März angekündigt, Sonic the Hedgehog plant auch am 31. März eine frühzeitige Veröffentlichung für Video on Demand.^[66][67] Am 16. März kündigte Warner Bros. das an Raubvögel Würde am 24. März frühzeitig zum Video on Demand veröffentlicht werden.^[68] Am 3. April kündigte Disney das an Artemis -Geflügel, eine Filmadaption des 2001 Buchen Gleicher Name würde am 12. Juni direkt zu Disney+ wechseln und vollständig eine Theaterfreigabe überspringen.^[69][70]

Während das Virus die Kinos weiterhin geschlossen hielt, haben Studios, die verschiedene Filme produziert haben, wie Schwarze Witwe, F9, Tod am Nil und West Side Story wurden gezwungen, ihre Veröffentlichungen nach 2020 auf zu verschieben oder zu verzögern.^[71]

Das Elf Ozean Gießen: Brad Pitt, George Clooney, Matt Damon, Andy García, Julia Roberts, und Steven Soderbergh.^[72][73]

Verschiedene Studios haben auf die Krise mit kontroversen Entscheidungen auf die Krise reagiert verzichten auf das Theaterfenster und geben Sie ihre Filme Tages- und Datumsveröffentlichungen. Nbcuniversal veröffentlicht Trolle World Tour direkt zu Video auf Nachfrage Vermietung am 10. April,^[64] Während gleichzeitig begrenzte heimische Theatervorführungen über Drive-in-Kinos erhalten;^[74] Vorsitzender Jeff Shell Behauptungen, dass der Film innerhalb der ersten drei Wochen einen Umsatz von fast 100 Millionen US -Dollar erzielt hatte.^[75][76] Die Entscheidung wurde abgelehnt von AMC Theater, was dann ankündigte, dass seine Filmvorführungen von Universal Pictures-Filmen sofort aufhören würden, obwohl die beiden Unternehmen schließlich einem 2-wöchigen Kinofenster zustimmen würden.^{[77][78][79][80][81]} Bis Dezember 2020, Warner Bros. Bilder kündigte ihre Entscheidung an, gleichzeitig seine Slate von 2021 Filmen in den Kinos und seine Streaming -Site zu veröffentlichen HBO Max für einen Zeitraum von einem Monat, um die Zuschauerschaft zu maximieren.^[82] Der Schritt wurde vehement von verschiedenen Industriezahlen kritisiert, von denen viele Berichten zufolge vor der Ankündigung von der Entscheidung nicht informiert waren und sich vom Studio getäuscht fühlten.^[83]

Branchenkommentatoren haben die zunehmende Behandlung von Filmen als "festgestellt"Inhalt"Von Unternehmen, die mit dem Aufstieg von Streaming -Plattformen korrelieren, wie z. Netflix, Disney+, Paramount+, und Apple TV+.^[84][85] Dies beinhaltet die Verwischung von Grenzen zwischen Filmen, Fernsehen und anderen Medienformen, da mehr Menschen sie auf verschiedene Weise zusammen konsumieren, wobei einzelne Filme eher durch ihre Markenidentität und ihr kommerzielles Potenzial als ihre Medien, Geschichten und Kunst definiert werden.^[85][86] Kritiker Matt Zoller Seitz hat die Freisetzung von beschrieben Avengers: Endgame Im Jahr 2019 als "darstellen Sie die entscheidende Niederlage von" Kino "durch" Inhalt "aufgrund seines großartigen Erfolgs als" Unterhaltungsstück ", definiert von der Marvel -Marke, die eine Reihe von Blockbuster -Filmen gipfelt, die Merkmale des seriellen Fernsehens haben .^[85] Die Filme Space Jam: Ein neues Erbe und Rote Kündigung wurden als Beispiele für diese Behandlung zitiert, wobei erstere von vielen Kritikern als "langwierige Infomercial für HBO Max" beschrieben wurden, die Szenen und Charaktere enthält, die sich an verschiedene Warner Bros. -Eigenschaften erinnern, wie z. B. Casablanca, Die Matrix und Austin Powers,^{[87][88][89][90]} Letzterer ist zwar ein 200 -Millionen -Dollar -Überfallfilm von Netflix, den Kritiker "einen Film, der sich von einer Maschine [...] eher verarbeitet fühlt, anstatt sich etwas näherer künstlerischer Absicht oder sogar den ehrlichen Wunsch zu unterhalten".^[91][92][93] Einige haben das zum Ausdruck gebracht Space Jam zeigt die zunehmend zynische Behandlung von Filmen durch die Branche als bloß geistiges Eigentum (IP) Ausgenutzt zu werden, ein Ansatz, den Kritiker Scott Mendelson als "IP für IP" bezeichnete.^{[88][94][95][89]}

Hollywood und Politik

81. Oscar-Verleihung Präsentationen, Dolby Theatre, Hollywood, 2009

In den 1930er Jahren sahen die Demokraten und die Republikaner in Hollywood Geld. Präsident Franklin D. Roosevelt sah eine große Partnerschaft mit Hollywood. Er nutzte das erste wirkliche Potenzial von Hollywoods Stars in einer nationalen Kampagne. Melvyn Douglas 1939 tourte Washington und traf die wichtigsten neuen Händler.

Politische Vermerke

Vermerkebriefe von führenden Schauspielern wurden signiert, Radioauftritte und gedruckte Werbung wurden gemacht. Filmstars wurden verwendet, um ein großes Publikum in die politische Sicht der Partei zu ziehen. In den 1960er Jahren, John F. Kennedy war ein neues junges Gesicht für Washington und seine starke Freundschaft mit Frank Sinatra veranschaulicht diese neue Ära des Glamour. Die letzten Moguls von Hollywood waren verschwunden, neuere Führungskräfte und Produzenten begannen mehr zu treiben Liberale Ideen.

Prominente und Geld zogen Politiker in den hochklassigen, glitzernden Hollywood-Lebensstil. Wie Ron Brownstein schrieb in seinem Buch Die Kraft und der Glitzer, Fernsehen in den 1970er und 1980er Jahren war eine enorm wichtige neue Medien in der Politik, und Hollywood half bei den Medien, bei denen Schauspieler Reden über ihre politischen Überzeugungen hielten, wie Jane Fonda gegen den Vietnamkrieg.^[96] Trotz der meisten Prominenten und Produzenten, die links gereizt und tendieren, um die zu unterstützen demokratische Partei,^[97][98] Diese Ära produzierte einige Republikaner Schauspieler und Produzenten. Ehemaliger Schauspieler Ronald Reagan wurde Gouverneur von Kalifornien und wurde anschließend der 40. President der vereinigten Staaten. Es ging weiter mit Arnold Schwarzenegger als kalifornischer Gouverneur in 2003.

Politische Spenden

Academy Museum of Motion Pictures

Heute helfen Spenden von Hollywood bei der Finanzierung der Bundespolitik.^[99] Am 20. Februar 2007 zum Beispiel demokratischen damaligen Präsidentschaftskandidaten Barack Obama Hatte eine Hollywood-Gala von 2.300 US-Dollar, die von veranstaltet wurde von Traumworks Gründer David Geffen, Jeffrey Katzenberg, und Steven Spielberg im Beverly Hilton.^[99]

Zensur

Hollywood -Produzenten versuchen im Allgemeinen, dem einzuhalten Chinesische RegierungZensuranforderungen In einem Angebot, auf den eingeschränkten und lukrativen Kinomarkt des Landes zuzugreifen,^[100] Mit der zweitgrößten Abendkasse der Welt ab 2016. Dies beinhaltet priorisierende sympathische Darstellungen chinesischer Charaktere in Filmen, wie z. B. die Veränderung der Bösewichte in Red Dawn Von Chinesen nach Nordkoreanern.^[100] Aufgrund vieler Themen, die in China verboten sind, wie Dalai Lama und Winnie Puuh an der beteiligt sein Süd Park's Episode "Band in China", South Park war nach der Sendung der Episode in China völlig verboten.^[101] Der Film 2018 Christopher RobinDem neuen Film von Winnie-the-Pooh wurde eine chinesische Veröffentlichung verweigert.^[101]

Obwohl Tibet war zuvor a Ursache Célèbre in Hollywood, mit Filmen einschließlich Kundun und Sieben Jahre in TibetIm 21. Jahrhundert ist dies nicht mehr der Fall.^[102] Im Jahr 2016, Marvel Entertainment Kritik angezogen, weil er Tilda Swinton als "die alte One" in der Filmadaption besetzt hatte Doktor Strangemit einer weißen Frau, um einen traditionell tibetischen Charakter zu spielen.^[103] Schauspieler und hochkarätiger Tibet-Unterstützer Richard Gere erklärte, er sei nicht mehr herzlich willkommen, an Mainstream -Hollywood -Filmen teilzunehmen, nachdem er die chinesische Regierung kritisiert und einen Boykott der gefordert hatte 2008 Sommerspiele in Beijing.^[102][104]

Globales Hollywood

Das Chinesisches Theater vor 2007

Das El Capitan Theatre

Ägyptisches Theater Haupteingang

Die politische Ökonomie von Kommunikationsforschern hat sich lange auf die internationale oder globale Präsenz, Macht, Rentabilität und Popularität von Hollywood -Filmen konzentriert. Bücher über Global Hollywood von Toby Miller und Richard Maxwell,^[105] Janet Wasko und Mary Erickson,^[106] Kerry Segrave,^[107] John Trumpbur^[108] und Tanner Mirrlees^[109] Untersuchen Sie die internationale politische Ökonomie von Hollywoods Macht.

Laut Tanner Mirrlees stützt sich Hollywood auf vier kapitalistische Strategien, um nicht-US-Filmproduzenten, Aussteller und Publikum in sein Ambit: Eigentum, grenzüberschreitende Produktionen mit untergeordneten Dienstanbietern, Content-Lizenzverträgen mit Ausstellern und Blockbustern zu gewinnen, und Blockbuster, die entworfen wurden Reisen Sie um die Welt. "^[110]

1912 wurden amerikanische Filmunternehmen weitgehend in den Wettbewerb um den Inlandsmarkt eingetaucht. Es war schwierig, die enorme Nachfrage nach Filmen zu befriedigen, die von der entstanden sind Nickelodeon Boom. Film Patents Firma Mitglieder wie Edison Studiosversuchte auch, den Wettbewerb durch französische, italienische und andere importierte Filme einzuschränken. Das Exportieren von Filmen wurde dann für diese Unternehmen lukrativ. Vitagraph Studios war das erste amerikanische Unternehmen, das seine eigenen Vertriebsbüros in Europa eröffnete und 1906 eine Niederlassung in London und kurz danach eine zweite Zweigstelle in Paris einrichtete.^[111]

Andere amerikanische Unternehmen zogen ebenfalls auf ausländische Märkte, und die amerikanische Vertrieb im Ausland wuchs bis Mitte der 1920er Jahre weiter. Ursprünglich verkaufte eine Mehrheit der Unternehmen ihre Filme indirekt. Da sie jedoch im Handel in Übersee unerfahren waren, verkauften sie einfach die ausländischen Rechte an ihre Filme an ausländische Vertriebsunternehmen oder Exportagenten. Allmählich wurde London zu einem Zentrum für die internationale Verbreitung von US -Filmen.^[111]

Viele britische Unternehmen erzielten einen Gewinn, indem sie als Agenten für dieses Geschäft fungierten, und schwächten auf diese Weise die britische Produktion, indem sie einen großen Anteil des britischen Marktes an amerikanische Filme übertragen. Bis 1911 waren ungefähr 60 bis 70 Prozent der in Großbritannien importierten Filme Amerikaner. Die Vereinigten Staaten haben sich auch in Deutschland, Australien und Neuseeland gut abschneiden.^[111]

In jüngerer Zeit, als sich die Globalisierung intensivierte und die Regierung der Vereinigten Staaten aktiv die Agenda des Freihandels und Handel mit kulturellen Produkten fördert, ist Hollywood zu einer weltweiten kulturellen Quelle geworden. Der Erfolg auf den Hollywood-Exportmärkten kann nicht nur aus dem Boom der amerikanischen multinationalen Medienunternehmen auf der ganzen Welt bekannt sein, sondern auch aus der einzigartigen Fähigkeit, Big-Budget-Filme zu machen, die in vielen verschiedenen Kulturen einen kraftvollen Geschmack ansprechen.^[112]

Hollywood hat sich tiefer in die chinesischen Märkte bewegt, obwohl er von Chinas Zensur beeinflusst wird. In China gedrehte Filme sind zensiert und vermeiden Themen wie "Geister, Gewalt, Mord, Horror und Dämonen". Solche Handlungselemente riskieren, gekürzt zu werden. Hollywood musste "genehmigte" Filme drehen, die den offiziellen chinesischen Standards entsprechen, aber mit ästhetischen Standards, die den Kassengewinnen geopfert wurden. Sogar das chinesische Publikum fand es langweilig, auf die Veröffentlichung großartiger amerikanischer Filme in ihrer Muttersprache zu warten.^[113]

Rolle von Frauen

Meryl Streep wird als eine der einflussreichsten Frauen in Hollywood und als eine der einflussreichsten Frauen zitiert Katharine Hepburn erhielt vier Oscar -Verleihung für die beste Schauspielerin - einen Rekord für jeden Künstler.

Die Repräsentation der Frauen im Film wurde fast so lange angesehen, wie der Film eine Branche war. Die Darstellungen von Frauen wurden als abhängig von anderen Charakteren, mütterlichen und häuslichen Persönlichkeiten kritisiert, die zu Hause bleiben, zu übertrieben und im Vergleich zu unternehmungslustigen und ehrgeizigen männlichen Charakteren auf Jobs mit niedrigem Status beschränkt sind. Damit sind Frauen unterrepräsentiert und kontinuierlich in geschlechtsspezifischen Stereotypen gegossen.

Frauen sind statistisch in kreativen Positionen im Zentrum der US -amerikanischen Filmindustrie Hollywood unterrepräsentiert. Diese Unterrepräsentation wurde als "als" bezeichnet "Zelluloiddecke", eine Variante auf der Beschäftigungsdiskriminierung Begriff "Glasdach". 2013 haben die" erstklassigen Schauspieler ... gemacht ... gemacht 2+1⁄2 mal so viel Geld wie die erstklassigen Schauspielerinnen. "^[114] "[O] lne [männliche] Schauspieler verdienen mehr als ihre Frau gleich" im Alter ", wobei" weibliche Filmstars das meiste Geld pro Film im Alter von 34 Jahren das meiste Geld verdienen, während männliche Stars mit 51 am meisten verdienen. "^[115]

Der vom Zentrum für die Studie von Frauen in Fernsehen und Film durchgeführte Celluloid -Deckenbericht 2013 unter San Diego State University sammelte eine Liste von Statistiken, die aus "2.813 Personen, die bei den 250 Top -Inlands -Bruttofilmen von 2012 beschäftigt sind", gesammelt wurden.^[116]

Frauen repräsentierten 2018 nur 36 Prozent der wichtigsten Filmfiguren im Film - ein Rückgang von einem Prozent gegenüber den 37 Prozent im Jahr 2017. Im Jahr 2019 stieg dieser Prozentsatz auf 40 Prozent. Frauen machen 51 Prozent der Kinogänger aus. Wenn es jedoch um wichtige Jobs wie Regisseur und Kameramann geht, dominieren Männer weiterhin. Für die Oscar -Nominierungen wurden nur fünf Frauen zum besten Regisseur nominiert, aber in den letzten 92 Jahren hat niemand in dieser Kategorie jemals gewonnen. Während sich die weibliche Darstellung verbessert hat, gibt es noch Arbeit in Bezug auf die Vielfalt dieser Frauen. Der Prozentsatz der schwarzen weiblichen Charaktere stieg von 16 Prozent im Jahr 2017 auf 21 Prozent im Jahr 2018. Die Darstellung von Latina -Schauspielerinnen ging jedoch im vergangenen Jahr auf vier Prozent zurück, wobei drei Prozentpunkte niedriger als die im Jahr 2017 erreichten sieben Prozent.

Frauen berücksichtigten:

• "18% aller Direktoren, ausführenden Produzenten, Produzenten, Schriftsteller, Kameramänner und Herausgeber. Dies spiegelte keine Veränderung gegenüber 2011 und nur einen Anstieg von 1% gegenüber 1998 wider."^[116]
• "9% aller Direktoren."^[116]
• "15% der Schriftsteller."^[116]
• "25% aller Produzenten."^[116]
• "20% aller Herausgeber."^[116]
• "2% aller Kameramänner."^[116]
• "38% der Filme waren 0 oder 1 Frau in den berücksichtigten Rollen, 23% waren 2 Frauen, 28% 3 bis 5 Frauen und 10% 6 bis 9 Frauen."^[116]

A New York Times In Artikel stellte sich fest, dass nur 15% der Top -Filme im Jahr 2013 Frauen für eine leitende Schauspielrolle hatten.^[117] Die Autorin der Studie stellte fest, dass "der Prozentsatz der weiblichen Sprechrollen seit den 1940er Jahren nicht wesentlich zugenommen hat, als sie rund 25 bis 28 Prozent verlagern". "Seit 1998 ist die Vertretung von Frauen in anderen Rollen hinter den Kulissen als Regisseur nur 1 Prozent gestiegen." Frauen "leiteten 2012 den gleichen Prozentsatz der 250 Top-Greating-Filme (9 Prozent) wie 1998."^[114]

Rasse und ethnische Zugehörigkeit

Michael Peña war Meister der Zeremonien bei der Induktion der Farmarbeiterbewegung in die Labour Hall of Fame und Widmung des Cesar E. Chavez Memorial Auditorium an der US -Arbeitsministerium im März 2012. Während der Zeit, in der er für die besetzt wurde Cesar Chavez Film.

Am 10. Mai 2021 kündigte NBC an, die 79. Golden Globe Awards im Jahr 2022 nicht zu übertragen, um einen Boykott des HFPA durch mehrere Medienunternehmen zu unterstützen Mangel an Diversity Repräsentation innerhalb der Mitgliedschaft in der Verbindung mit Person der Farbe, aber dass es offen wäre, die Zeremonie im Jahr 2023 im Fernsehen zu übertragen, wenn die HFPA bei ihren Bemühungen zur Reform erfolgreich wäre.^[118]

Seit den späten Tagen der Filmindustrie sind zelluloide Darstellungen irischer Amerikaner reichlich vorhanden. Filme mit irisch-amerikanischen Themen umfassen soziale Dramen wie Little Nellie Kelly und Der Kardinal, Labour -Epen mögen An der Uferpromenadeund Gangsterfilme wie Engel mit schmutzigen Gesichtern, Die Freunde von Eddie Coyle, und Die Verstorbenen. Obwohl die klassische Ära des amerikanischen Kinos überwiegend von dominiert wird kaukasisch Menschen vor und hinter der Kamera, Minderheiten und Farbigen haben es geschafft, ihre eigenen Wege zu schnitzen, um ihre Filme auf den Bildschirm zu bringen.

Das amerikanische Kino hat sich oft widerspiegelt und vermehrt Negative Stereotypen gegenüber Ausländern und ethnischen Minderheiten.^[119] Zum Beispiel, Russen und Russische Amerikaner werden normalerweise als brutale Mobster, rücksichtslose Agenten und Bösewichte dargestellt.^{[120][121][122]} Laut russisch -amerikanischen Professor Nina L. Chruschtscheva"Sie können den Fernseher nicht einmal einschalten und ohne Bezug auf Russen ins Kino gehen."^[123] Italiener und Italienische Amerikaner sind normalerweise mit organisiertem Verbrechen verbunden und die Mafia.^{[124][125][126]} Hispanische und lateinamerikanische Amerikaner werden größtenteils als sexualisierte Figuren wie der Latino dargestellt Macho oder die Latina Füchsin, Gang Mitglieder (illegal) Einwanderer, oder Entertainer.^[127] Die Darstellung in Hollywood hat sich jedoch in letzteren Zeiten verbessert, zu denen sie in den neunziger Jahren merklich an Dynamik gewonnen hat, und betont nicht Unterdrückung, Ausbeutung oder Widerstand als zentrale Themen. Laut Ramírez Berg betonen die dritten Wellenfilme "nicht akzentuieren Chicano Unterdrückung oder Widerstand; Die ethnische Zugehörigkeit in diesen Filmen besteht als eine Tatsache mehrerer, die das Leben der Charaktere prägen und ihre Persönlichkeiten stampfen. "^[128] Filmemacher mögen Edward James Olmos und Robert Rodriguez konnten die repräsentieren Hispanische und lateinamerikanische Amerikaner Erfahrung wie keiner auf dem Bildschirm und Schauspieler mögen Hilary Swank, Jordana Brewster, Jessica Alba, Camilla Belle, Al Madrigal, Alexis Bledel, Alexa Penavega, Ana de Armas und Rachel Zegler erfolgreich geworden. Im letzten Jahrzehnt mögen Minderheitenfilmer die Filmemacher Chris Weitz, Alfonso Gomez-Rejon und Patricia Riggen wurden Applier -Erzählungen erhalten. Eine frühzeitige Darstellung in Filmen von ihnen umfasst La Bamba (1987), Selena (1997),, Die Maske von Zorro (1998),, Ziel II (2007), Über Bord (2018), Vater der Braut (2022) und Josefina López's Echte Frauen haben Kurven, ursprünglich ein Spiel das 1990 uraufgeführt wurde und später 2002 als Film veröffentlicht wurde.^[128]

Afroamerikanische Darstellung in Hollywood Verbesserte sich gegen Ende des 20. Jahrhunderts nach dem Fall des Studiosystems drastisch, wie Filmemacher mögen Spike Lee und John Singleton konnten die afroamerikanische Erfahrung repräsentieren, wie es keiner zuvor auf dem Bildschirm hatte, während Schauspieler mögen Halle Berry und Will Smith wurde massiv erfolgreiche Abendkassen. In den letzten Jahrzehnten mögen Minderheitenfilmer die Filmemacher Ryan Coogler, Ava Duvernay und F Gary Gray haben die kreativen Regentinnen für wichtige Tentpole -Produktionen erhalten. In Old Hollywood, als rassistische Vorurteile sozial akzeptabel waren, war es nicht ungewöhnlich für Weiße Schauspieler, um schwarzes Gesicht zu tragen.^[129] Im MondlichtDie Männlichkeit wird als starr und aggressiv dargestellt, unter dem Verhalten junger schwarzer Männer in Chirons Teenage Peer Group.^[130] Die Expression von Hypermännlichkeit unter schwarzen Männern wurde mit der Akzeptanz und Gemeinschaft in Zusammenhang mit Gleichaltrigen in Verbindung gebracht.^[131] Sein homosexuell In der schwarzen Gemeinschaft wurde andererseits mit sozialer Entfremdung und homophobem Urteilsvermögen von Gleichaltrigen verbunden, weil schwarze schwule Männer als schwach oder weiblich angesehen werden. Im Film wird Chiron als schwarzer schwuler Mann in diese Kluft gebracht und verändert seine Darstellung der Männlichkeit als Strategie zur Vermeidung von Lächerlichkeiten, da Homosexualität mit schwarzen männlichen Erwartungen als unvereinbar angesehen wird. Als junge Kinder versteckt Kevin seine Sexualität, um nicht wie Chiron herausgegriffen zu werden. Wenn Chiron älter wird, erkennt er die Notwendigkeit, sich einem heteronormativen Ideal der schwarzen Männlichkeit anzupassen, um Missbrauch und Homophobie zu vermeiden. Als Erwachsener entscheidet sich Chiron dafür, die stereotype schwarze männliche Geschlechtsleistung aufzunehmen, indem er muskulös und ein Drogenhändler wird.^[130]

Kreuzung der Welt

Laut koreanisch-amerikanischer Schauspieler Daniel dae Kim, Asiatisch und asiatisch amerikanisch Männer "wurden als unergründliche Bösewichte und asexualisierte Art von Eunuchen dargestellt."^[126] Als außerordentlich höflich und sumbissiv angesehen. Das Media Action Network für asiatische Amerikaner beschuldigte den Direktor und das Studio von Weihung Die Besetzung des Films Alohaund Crowe entschuldigte sich Emma Stone Als Charakter, der von einem Viertel chinesischen und einem Viertel hawaiianischen Abstammung fehlgeführt wird, fehlbekämpft zu sein.^{[132][133][134]} Während des gesamten 20. Jahrhunderts waren die Schauspielrollen relativ gering und viele verfügbare Rollen waren enge Charaktere. In jüngerer Zeit haben junge asiatische amerikanische Comedians und Filmemacher einen Outlet gefunden Youtube Erlaubt ihnen, eine starke und loyale Fangemeinde unter ihren asiatischen Mitamerikanern zu gewinnen.^[135] Obwohl in jüngerer Zeit der Film Verrückte reiche Asiaten Der Film wurde in den USA für eine überwiegend asiatische Besetzung gelobt.^[136] Es wurde an anderer Stelle wegen Casting kritisiert biracial und nichtchinesische Schauspieler als ethnisch chinesische Charaktere. Ein weiterer Film Sei immer mein vielleicht Wer kürzlich gelobt wurde Verrottete Tomaten^[137]

Vor dem 11. September, Araber und Arabische Amerikaner wurden oft als dargestellt als Terroristen.^[126] Die Entscheidung zur Einstellung Naomi Scott, in dem Aladdin Film, die Tochter eines Englisch Vater und a Gujarati Ugandan-Indianer Mutter, um die Führung von zu spielen Prinzessin JasmineKritik und Anschuldigungen von auch kritisiert Colorismus, wie einige Kommentatoren erwarteten, dass die Rolle einer Schauspielerin aus arabischer oder nsamer Osten von Ursprung gehen würde.^[138] Im Januar 2018 wurde berichtet, dass weiße Extras während der Dreharbeiten braune Make-up angewendet wurden, um "einzuschließen", was einen Aufschrei und eine Verurteilung unter Fans und Kritikern verursachte und die Praxis als "Beleidigung für die gesamte Branche" bezeichnete. Während er den Produzenten beschuldigte, Menschen nicht mit dem Nahen Osten oder dem nordafrikanischen Erbe zu rekrutieren. Disney antwortete auf die Kontroverse: "Die Vielfalt unserer Besetzungs- und Hintergrundkünstler war eine Voraussetzung und nur in einer Handvoll Fällen, in denen es darum ging, Spezialfähigkeiten, Sicherheit und Kontrolle (Spezialeffekte, Stuntkünstler und Tiere zu handeln) waren Crew machte sich zusammen, um sich zu mischen. "^[139][140] Das Feld der amerikanischen Komödie umfasst viele Juden. Das Erbe umfasst auch Songwriter und Autoren, zum Beispiel den Autor des Songs "Viva Las Vegas" Doc Pomus oder Billy, der Kid Composer Aaron Copland. Viele Juden waren an der Spitze der Frauenfragen.

Im 20. Jahrhundert werden frühe Darstellungen von amerikanischen Ureinwohnern in Filme und Fernsehen Die Rollen wurden erstmals von europäischen Amerikanern gespielt, die in motiv traditioneller Kleidung gekleidet waren. Beispiele enthalten Der letzte der Mohikaner (1920), Hawkeye und der letzte Mohikaner (1957) und F Truppe (1965–67). In späteren Jahrzehnten sind die amerikanischen amerikanischen Ureinwohner wie wie Jay Silverheels in Der Lone Ranger Die Fernsehserie (1949–57) wurde bekannt. Die Rollen der amerikanischen Ureinwohner waren begrenzt und widerspiegeln nicht die Kultur der amerikanischen Ureinwohner. In den 1970er Jahren zeigten einige Filmrollen der amerikanischen Ureinwohner mehr Komplexität, wie sie in Kleiner großer Mann (1970), Billy Jack (1971) und Die verbotene Josey Wales (1976), die amerikanische Ureinwohner in kleinen unterstützenden Rollen darstellten.

Arbeitsbedingungen

Hollywoods Arbeitsfluss ist einzigartig, dass ein Großteil seiner Belegschaft nicht jeden Tag derselben Fabrik berichtet und nicht von Tag zu Tag derselben Routine folgt, sondern Filme an entfernten Orten auf der ganzen Welt, wobei ein Zeitplan von den Szenen diktiert wird. gefilmt und nicht das, was für die Produktivität am sinnvollsten ist. Zum Beispiel würde ein urbaner Film, der nachts ausschließlich vor Ort gedreht wurde Arbeitsplan. Western werden oft an Wüstenstandorten geschossen, die weit von den Häusern der Besatzung in Gebieten mit begrenzten Hotels entfernt sind, die vor und nach einem Schießtag lange Fahrten erforderlich machen, die so viele Stunden Sonnenlicht nutzen und letztendlich die Arbeitnehmer angeben müssen, um 16 oder 17 zu setzen Stunden am Tag ab dem Zeitpunkt, an dem sie ihr Zuhause verlassen, bis zu der Zeit, in der sie zurückkehren.^[141][142]

Während die Rolle der Arbeit in Amerika in vielen Teilen des Landes nachgelassen hat, ist die Gewerkschaften haben seit ihrem Start während ihres Beginns einen festen Griff in Hollywood beibehalten Weltwirtschaftskrise Wenn die Arbeiter außerhalb der blühenden Filmstudios auf der Suche nach dem einzigen Job in der Stadt suchten. Schreckliche Bedingungen erwarteten diese Arbeiter, als die Studios die eifrige Belegschaft mit magerer Bezahlung und der allzu gegenwärtigen Bedrohung durch die Hunderte von anderen ausnutzten, die direkt vor den Toren warteten, um ihren Platz einzunehmen, wenn sie Beschwerden aussprechen.^[143]

Aufgrund der zwanglos Art der Beschäftigung in Hollywood, es ist nur durch Tarifverhandlungen Können einzelne Arbeitnehmer ihre Rechte auf Mindestlohngarantien und Zugang zu Pensions- und Gesundheitsplänen ausdrücken, die von Film zu Film- oder TV -Serie über die TV -Serie übertragen werden, und bieten den Studios Zugang zu einer ausgebildeten Belegschaft, die am ersten Tag mit einem Set mit dem ersten Schritt wenden kann Das Wissen und die Erfahrung, um die hochtechnischen Geräte zu bewältigen, für die sie gefragt werden.^[144]

Die Mehrheit der Arbeiter in Hollywood wird durch mehrere Gewerkschaften und Gilden vertreten. Das 150.000 Mitglied stark Internationale Allianz der Mitarbeiter der Theaterstufe (Iatse) repräsentiert den größten Teil der Kunsthandwerkwie die Griffe, Elektriker und Kamera sowie Redakteure, Soundingenieure und Haar- und Maskenbildner. Das Bildschirm Schauspieler Gilde (SAG) ist die nächstgrößte Gruppe, die rund 130.000 Schauspieler und Darsteller repräsentiert, die Direktoren Gilde von Amerika (DGA) repräsentiert die Direktoren und Produktionsmanager, die Autoren Gilde von Amerika (WGA), die Schriftsteller repräsentieren, und die Internationale Bruderschaft von Teamstern (IBT) repräsentiert die Treiber.^[145]

Die Gewerkschaften und Gilden dienen als die als die Tarifverhandlungen Einheit für ihre Mitgliedschaft, Verhandlung über regelmäßige Intervalle (am meisten in 3 -Jahres -Verträgen) mit dem Allianz der Film- und Fernsehproduzenten (AMPTP), eine Handelsallianz, die die Filmstudios und Fernsehsender vertritt, die die Crews zum Erstellen ihrer Inhalte einstellen.

Während die Beziehung zwischen Arbeit und Management im Laufe der Jahre im Allgemeinen einvernehmlich war, arbeitete sie mit dem Staat zusammen, um sichere Protokolle zu entwickeln, um während der Arbeit weiter zu arbeiten Covid-19 und zusammenzusetzen, um zugunsten von steuerliche AnreizeVertragsverhandlungen sind bekanntermaßen umstritten über Veränderungen in der Branche und als Reaktion auf Erhöhen Einkommensungleichheit. Die Beziehung drehte sich sogar um blutig 1945 verwandelte sich ein sechsmonatiger Streik von Set -Dekoratoren an einem schwülen Oktobertag zwischen Streikenden, Krusten, StrikeBreakers und Studiosicherheit in einen blutigen Nahkampf.^{[146][147][148][149]}

Siehe auch

• Kategorie: Dokumentarfilmfilme über Hollywood, Los Angeles
• Kategorie: Dokumentarfilmfilme über das Kino der Vereinigten Staaten
• Kategorie: Filme über Hollywood, Los Angeles
• Afroamerikanische Frauen in der Stummfilm -Ära
• Amerikanische Comedy -Filme
• American Film Institute
• Geschichte der Animation in den Vereinigten Staaten
• Geschichte des Films
• Liste der Filme in den USA öffentlich zugänglich
• Filmbewertungssystem
• Nationales Filmregister
• Rassismus im frühen amerikanischen Film

Allgemein

• Liste des Kinos der Welt
• Fotografie in den Vereinigten Staaten von Amerika
  • Kino von Nordamerika

Verweise

Anmerkungen

• Earley, Steven C. (1978). Eine Einführung in amerikanische Filme. Neue amerikanische Bibliothek.
• Fraser, George McDonald (1988). Die Hollywood -Geschichte der Welt, aus einer Million Jahren v. zu 'Apokalypse jetzt'. London: M. Joseph; "First US Ed.", New York: Buche Tree Books. Beide EDS. Sammeln Sie so: xix, 268 p., reichlich krank. (B & W Fotos). ISBN0-7181-2997-0 (Großbritannien ed.), 0-688-07520-7 (US Ed.).
• Gabler, Neal (1988). Ein eigenes Reich: Wie die Juden Hollywood erfanden. Krone. ISBN 0-385-26557-3.
• Scott, A. J. (2000). Die kulturelle Wirtschaft von Städten. London: Sage Publications. ISBN 0-7619-5455-4.

Weitere Lektüre

• Hallett, Hilary A. Gehen Sie nach Westen, junge Frauen! Der Aufstieg des frühen Hollywoods. Berkeley, CA: University of California Press, 2013.
• Ragan, David. Who is Who in Hollywood, 1900–1976. New Rochelle, NY: Arlington House, 1976. Ich dachte daran

Externe Links