Kino von Deutschland

Kino von Deutschland
Germany film clapperboard.svg
Nein. von Bildschirme 4,803 (2017)[1]
• pro Kopf 6,2 pro 100.000 (2011)[2]
Hauptverteiler Warner (19,5%)
Walt Disney (11,5%)
Sony Pictures (11,1%)[3]
Produzierte Spielfilme (2011)[4]
Fiktiv 128 (60,4%)
Animiert 5 (2,4%)
Dokumentarfilm 79 (37,3%)
Anzahl der Zulassungen (2017)[1]
Gesamt 122.305.182
• pro Kopf 1.48 (2017)
Nationale Filme 28.300.000 (23,1%)
Bruttokasse (2017)[1]
Gesamt 1,06 Milliarden €

Das Filmindustrie In Deutschland kann bis ins späte 19. Jahrhundert zurückgeführt werden. Deutsches Kino machte wichtige technische und künstlerische Beiträge zu frühen Film-, Rundfunk- und Fernsehtechnologien. Babelsberg wurde zu einem Haushaltssynonym für die Filmindustrie des frühen 20. Jahrhunderts in Europa, ähnlich wie Hollywood.

Deutschland verzeichnete im 20. und 21. Jahrhundert große Veränderungen seiner Identität. Diese Veränderungen bestimmten die Periodisierung des nationalen Kinos zu einer Reihe unterschiedlicher Epochen und Bewegungen.[5]

Geschichte

1895–1918 Deutsches Reich

Das Berlin Wintergarten TheatreHier im Jahr 1940 war der Ort der ersten Kino -Vorführung aller Skladanowsky Brothers am 1. November 1895

Die Geschichte des Kinos in Deutschland kann kurz nach der Geburt des Mediums auf die Jahre zurückgeführt werden. Am 1. November 1895, Max Skladanowsky und sein Bruder Emil demonstrierte ihr selbst erfunden Filmprojektor, das Bioskop, Bei der Wintergarten Musikhalle in Berlin. Es wurde eine 15-minütige Serie von acht Kurzfilmen gezeigt-die erste Vorführung von Filmen zu einem bezahlten Publikum.[6] Diese Leistung hat die erste zahlende öffentliche Anzeige der vorgegeben Lumière Brüder' Kinematographie In Paris am 28. Dezember desselben Jahres war eine Aufführung, an der Max Skladanowsky teilnahm, und an dem er feststellen konnte, dass die Kameramatte seinem Bioskop technisch überlegen war. Andere deutsche Filmpioniere umfassten die Berliner Oskar Messter und Max Gliewe, zwei von mehreren Personen, die 1896 unabhängig voneinander a verwendeten Genf Drive (Dadurch kann der Film in einem Projektor und der zeitweise ein Rahmen auf einmal erweitert werden) und der Kameramann Guido Seeber.

In seinen frühesten Tagen wurde der Kinematographen als Anziehungskraft für das Publikum der Oberschicht wahrgenommen, aber die Neuheit der bewegenden Bilder dauerte nicht lange. Bald wurden triviale Kurzfilme als Messegelände gezeigt, die sich an die Arbeiterklasse und die untere Mitte der Klasse richten. Die Stände, in denen diese Filme gezeigt wurden Kintops. Filmemacher mit einer künstlerischen Bent, die versuchte, dieser Ansicht des Kinos mit längeren Filmen zu entgegenzuwirken, die auf literarischen Modellen basieren, und die ersten deutschen "künstlerischen" Filme wurden aus dem Jahr 1910 produziert, wobei ein Beispiel das war Edgar Allan Poe Anpassung Der Student von Prag (1913), der von Co-gerichtet wurde von Paul Wengener und Stellan Rye, fotografiert von Guido Seeber und Hauptrolle von Schauspielern von Max ReinhardtUnternehmen.

Das Babelsberg Studio nahe Berlin war das erste groß angelegte Filmstudio der Welt (gegründet 1912) und der Vorläufer zu Hollywood. Es produziert immer noch jedes Jahr globale Blockbuster.

Frühe Filmtheoretiker in Deutschland begannen über die Bedeutung von zu schreiben Schaulust, oder "visuelles Vergnügen" für das Publikum, einschließlich der Dada Bewegungsschreiber Walter Senderer: "Wenn man dorthin schaut, wo das Kino seine ultimative Kraft erhält, in diese seltsam flackernden Augen, die weit zurück in die Geschichte der Menschheit hinweisen, steht es plötzlich in all seiner Massivität: visuelles Vergnügen."[7] Visuell auffällige Sets und Make -up waren der Schlüssel zum Stil der Expressionist Filme, die kurz nach dem Ersten Weltkrieg produziert wurden.

Die Kinos selbst begannen in den Jahren unmittelbar vor dem Ersten Weltkrieg, vor diesem Wesen, mit ihren Werken zu touren und reisten mit ihren Werken und reisten vom Fairground auf Fairground. Die frühesten laufenden Kinos wurden von Eigentümern in Cafés und Pubs eingerichtet, die einen Weg sahen, mehr Kunden anzuziehen. Das Storefront -Kino wurde a genannt KientoppUnd hier wurden Filme größtenteils angesehen, bevor der Erste Weltkrieg ausbrach.[8] Das erste eigenständige, engagierte Kino in Deutschland wurde eröffnet in Mannheim Im Jahr 1906 und 1910 waren in Deutschland über 1000 Kinos teilgenommen.[8] Henny Porten und Asta Nielsen (Letztere aus Dänemark) waren die ersten großen Filmstars in Deutschland.[9]

Vor 1914 wurden jedoch viele ausländische Filme importiert. In der Ära der Stummfilm Es gab keine Sprachgrenzen und dänisch und Italienische Filme waren in Deutschland besonders beliebt. Der Wunsch der Öffentlichkeit, mehr Filme mit bestimmten Schauspielern zu sehen, führten zur Entwicklung in Deutschland wie anderswo des Phänomens des Filmstars; die Schauspielerin Henny Porten war einer der frühesten deutschen Stars. Der öffentliche Wunsch, populäre Filmgeschichten weiter zu sehen, fördert die Produktion von Filmserienbesonders im Genre von Mystery -Filme, wo der Regisseur Fritz Lang begann seine berühmte Karriere.

Der Ausbruch von Erster Weltkrieg und der anschließende Boykott zum Beispiel, zum Beispiel, Französische Filme hinterließ eine merkliche Marktlücke. Bis 1916 gab es bereits 2000 feste Veranstaltungsorte für Filmdarstellungen, und zunächst wurden Filmvorführungen ergänzt oder sogar durch Abwechslung ersetzt. 1917 begann ein Konzentrationsverfahren und eine teilweise Verstaatlichung der deutschen Filmindustrie mit der Gründung von Universum Film Ag (UFA), was teilweise eine Reaktion auf die sehr effektive Verwendung war, die die alliierten Mächte für das neue Medium für den Zweck der Propaganda gefunden hatten. Unter der Ägis des Militärs so genannt Vaterland Es wurden Filme produziert, die den Filmen der Alliierten in Bezug auf Propaganda und Herabsetzung des Feindes entsprachen. Das Publikum war jedoch nicht wichtig, das patriotische Medizin ohne den zugegliederten Zucker der Licht-Unterhaltungsfilme zu schlucken, die infolgedessen ebenfalls gefördert wurden. Die deutsche Filmindustrie wurde bald die größte in Europa.

1918–1933 Weimar Republic

UFA Studios in Berlin-Tempelhof, 1920

Die deutsche Filmindustrie, die während des Krieges durch das Verbot ausländischer Filme import geschützt wurde, wurde am Ende des Krieges der internationalen Filmindustrie ausgesetzt, während er sich einem Embargo stellen musste, diesmal in ihren eigenen Filmen. Viele Länder verboten die Import deutscher Filme und Publikum selbst gegen alles, was "deutsch" war.[10] Das Verbot der deutschen Filme beinhaltete jedoch auch kommerzielle Überlegungen - als amerikanischer Präsident einer der Filmunternehmen wurde zitiert. " Für die amerikanischen Produzenten wäre es absolut unmöglich, mit den deutschen Produzenten zu konkurrieren. "[11] Zu Hause konfrontierte die deutsche Filmindustrie mit einer instabilen wirtschaftlichen Situation, und die Abwertung der Währung erschwerte es den kleineren Produktionsunternehmen, zu funktionieren. Die Finanzierung der Filmindustrie war ein fragiles Geschäft und teure Produktionen führte gelegentlich zu Insolvenz. 1925 war UFA selbst gezwungen, in eine nachteilige Partnerschaft zu gehen, die genannt wurde Parufamet mit den amerikanischen Studios Paramount und Mgm, bevor er von der übernommen wird Nationalist Industrieller und Zeitungsbesitzer Alfred Hugenberg 1927.[12]

1927 Metropole durch Fritz Lang war der erste Feature Länge Science -Fiction -Film in der Geschichte.[13] Es wurde bei produziert bei Studio Babelsberg, Deutschland.

Trotzdem hatte die deutsche Filmindustrie eine beispiellose Entwicklung-in den 14 Jahren, in denen die Weimarer Zeit umfasst, wurden durchschnittlich 250 Filme pro Jahr produziert, insgesamt 3.500 Filme mit Vollförderung.[10] Abgesehen von UFA waren allein in Berlin etwa 230 Filmunternehmen aktiv. Diese Branche zog Produzenten und Regisseure aus ganz Europa an. Die Tatsache, dass die Filme still und Sprache waren Asta Nielsen oder der Amerikaner Louise Brooks, auch für führende Rollen eingestellt werden. Diese Periode ist auch für neue technologische Entwicklungen bei der Herstellung und Experimente in der Set -Design und -beleuchtung, angeführt von UFA, bekannt. Babelsberg Studio, die in UFA aufgenommen wurde, massiv erweitert und der deutschen Filmindustrie eine hoch entwickelte Infrastruktur verleiht. Babelsberg blieb viele Jahre im Zentrum des deutschen Filmemachens, wurde zum größten Filmstudio Europas und produzierte die meisten Filme in dieser "goldenen Ära" des deutschen Kinos.[12] Im Wesentlichen war es "das deutsche Äquivalent zu Hollywood".[14]

Aufgrund des instabilen wirtschaftlichen Zustands und in dem Versuch, mit bescheidenen Produktionsbudgets umzugehen, versuchten die Filmemacher, das größtmögliche Publikum zu erreichen, um ihre Einnahmen zu maximieren. Dies führte dazu, dass Filme in einer Vielzahl von Genres und Stilen gedreht wurden.[10]

Das Kabinett von Dr. Caligari (1920), inszeniert von Robert Wiene.

Einer der Hauptfilmgenres, die mit dem Weimar Republic Cinema verbunden sind, ist Deutscher Expressionismus das wurde von der inspiriert Expressionist Kunstbewegung. Expressionistische Filme stützten sich stark auf Symbolismus und künstlerisch Bilder eher als stark Realismus ihre Geschichten erzählen. Angesichts der düsteren Stimmung in Post-Ersten WeltkriegEs war nicht verwunderlich, dass sich diese Filme stark auf Kriminalität und Horror konzentrierten. Der Film wurde normalerweise von der Popularität von zugeschrieben Expressionismus ist Robert Wiene's Das Kabinett von Dr. Caligari (1920), produziert von Erich Pommer. Der Film erzählt die Geschichte eines dementierten Hypnotiseur Wer benutzt einen Schlafwandler, um eine Reihe von Morden durchzuführen. Der Film zeigte einen dunklen und verdrehten visuellen Stil - das Set war unrealistisch mit geometrischen Bildern auf dem Boden und Formen in Licht- und Schattenguss an Wänden, das Schauspiel war übertrieben und die Kostüme bizarr. Diese stilistischen Elemente wurden zu Marken dieser filmischen Bewegung. Andere bemerkenswerte Werke des Expressionismus sind Friedrich Wilhelm Murnau's Nosferatu (1922), ein klassischer periodischer Horrorfilm, der die erste Filmadaption von Spielfilms von bleibt Bram Stokers Dracula, Carl Boese und Paul Wengener's Der Golem: Wie er in die Welt kam (1920), eine gotische Nacherzählung des jüdischen Folktale und Metropole (1927) ein legendärer Science-Fiction epic unterrichtet von Fritz Lang. Das Expressionistische Bewegung begann Mitte der 1920er Jahre zu schwinden, aber vielleicht die Tatsache, dass seine Hauptschöpfer zu bewegten Hollywood, Kalifornien, ließ diesen Stil in den kommenden Jahren einflussreich im Weltkino bleiben, insbesondere in Amerikaner Horrorfilme und Film Noir und in den Werken europäischer Direktoren wie z. Jean Cocteau und Ingmar Bergman.[15]

Trotz seiner Bedeutung war das expressionistische Kino nicht das dominierende Genre dieser Zeit.[15] Viele andere Genres wie Zeitdramen, Melodramen, romantische Komödien und Filme der sozialen und politischen Natur waren viel häufiger und definitiv populärer.

Der "Meister" der Periodendramen war zweifellos Ernst Lubitsch. Seine bemerkenswertesten Filme dieses Genres waren Madame DuBarry (1919), die die darstellten Französische Revolution Mit den Augen des Königs der Frankreichs Herrin und des Films Anna Boleyn (1920) am tragischen Ende von König Heinrich VIII'S zweite Frau. In diesen Filmen präsentierte Lubitsch prominente historische Persönlichkeiten, die von ihren Schwächen und kleinen Drängen gefangen sind und somit ironischerweise für enorme historische Ereignisse verantwortlich werden. Trotz bescheidener Budgets umfassten seine Filme extravagante Szenen, die ein breites Publikum ansprechen und eine breite internationale Verteilung versichern sollten.

Als das Genre des Expressionismus zu verringern begann, das Genre des Genres Neue Objektivität (Die Neue Sachlichkeit) nahm seinen Platz ein. Es wurde von neuen Themen beeinflusst, die die Öffentlichkeit in diesen Jahren besetzten, da die grassierende Inflation eine Verschlechterung des wirtschaftlichen Status der Mittelklasse verursachte. Diese Filme, oft als "Straßenfilme" oder "Asphaltfilme" bezeichnet, versuchten, die Realität in all ihrer Komplexität und Hässlichkeit widerzuspiegeln. Sie konzentrierten sich auf Objekte, die die Charaktere umgeben, und symbolisierten zynisch die Verzweiflung des deutschen Volkes, deren Leben nach dem Krieg zerbrochen wurde. Der bekannteste Filmemacher, der mit diesem Genre in Verbindung gebracht wird, ist Georg Wilhelm Pabst In seinen Filmen wie: Joylose Straße (1925), Büchse der Pandora (1929) und Die Liebe von Jeanne Ney (1927). Pabst wird auch Innovationen bei der Bearbeitung von Film zugeschrieben, z.[12]

Pabst wird auch mit einem anderen Genre identifiziert, das sich von der neuen Objektivität verzweigt hat - der sozialen und politischen Filme. Diese Filmemacher wagten es, sensible und kontroverse soziale Probleme zu konfrontieren, die die Öffentlichkeit in jenen Tagen engagierten. wie zum Beispiel AntisemitismusProstitution und Homosexualität. Das Weimar -Kino spielte weitgehend eine lebendige und wichtige Rolle, indem er die öffentliche Debatte über diese Themen leitete.[16] Pabst, in seinem Film Tagebuch eines verlorenen Mädchens (1929) erzählt die Geschichte einer jungen Frau, die ein Kind außerhalb der Ehe hat, von ihrer Familie auf die Straße geworfen und muss auf die Prostitution zurückgreifen, um zu überleben. Bereits 1919, Richard OswaldFilm Anders als die anderen porträtierte einen Mann zwischen seinen homosexuellen Tendenzen und den moralischen und sozialen Konventionen. Es wird als erster deutscher Film angesehen, der sich mit Homosexualität befasst, und einige Forscher glauben sogar, dass es der erste auf der Welt ist, der dieses Thema explizit untersucht.[17] Im selben Jahr der Film Ritualmord (1919) vom jüdischen Filmproduzenten Max Nivelli kam auf den Bildschirm. Dieser Film war der erste, der die deutsche Öffentlichkeit auf die Folgen des Antisemitismus aufmerksam machte und Fremdenfeindlichkeit. Es darstellte eine ""Pogrom"Das wird gegen die jüdischen Bewohner eines Dorfes in der Zaristin Russland. Im Hintergrund entwickelt sich eine Liebesgeschichte auch zwischen einem jungen russischen Studenten und der Tochter des Führers der jüdischen Gemeinde, etwas, das als als betrachtet wurde Tabu damals. Später konfrontierte Oswald, um die schnell wachsende antisemitische Atmosphäre zu reflektieren, das gleiche Problem mit seinem Film Dreyfus (1930), in dem der politische Skandal von 1894 der "darstellte"Dreyfus -Affäre", was bis heute eines der auffälligsten Beispiele für Fehlgeburt und offensichtlicher Antisemitismus bleibt.

Die polarisierte Politik der Weimarer Zeit wurden auch in einigen seiner Filme reflektiert. Eine Reihe patriotischer Filme über Preußisch Geschichte, Hauptrolle Otto Gebahrr wie Frederick der Große wurden in den 1920er Jahren produziert und waren bei dem nationalistischen Rechtsflügel beliebt, der die Dekadenz der "Asphalt" -Filme nachdrücklich kritisierte. Ein weiteres dunkles Kapitel der Weimarerperiode spiegelte sich in Joseph DelmontFilm Die Menschheit entfesselt (1920). Der Film war eine Adaption eines gleichnamigen Romans, geschrieben von von Max Glas und veröffentlicht 1919. Der Roman beschrieb eine dunkle Welt, die von Krankheit und Krieg konsumiert wurde. Die Filmemacher beschlossen, die Geschichte in einen zeitgenössischen Kontext zu bringen, indem sie die wachsende Angst unter der deutschen Öffentlichkeit der politischen Radikalisierung. Sie produzierten das, was der erste fiktive Bericht über die Ereignisse von Januar 1919 in Berlin, dem sogenannten, "werden sollte"Spartacist Aufstand"Dieser Film gilt auch als einer der Anti-AntiBolschewikik Filme dieser Zeit.[18]

Ein weiteres wichtiges Filmgenre der Weimarer Jahre war die Kammerspiel oder "Kammerdrama", das aus dem Theater ausgeliehen und vom Bühnendirektor entwickelt wurde, der später selbst Filmproduzent und Regisseur wurde. Max Reinhardt. Dieser Stil war in vielerlei Hinsicht eine Reaktion gegen das Spektakel des Expressionismus und drehte sich somit um gewöhnliche Menschen aus der unteren Mittelklasse. Filme dieses Genres wurden oft als "Instinkter" -Filme bezeichnet, weil sie die Impulse und die intime Psychologie der Charaktere betonten. Die Sets wurden auf ein Minimum gehalten, und es gab reichlich Einsatz von Kamerabewegungen, um den eher intimen und einfachen Räumen Komplexität zu verleihen. Mit diesem speziellen Stil verbunden ist auch Drehbuchautor Carl Mayer und Filme wie Murnau's Letzte Lachen (1924).

Naturfilme, ein Genre, das als bezeichnet wird Bergfilm, wurde auch populär. Am bekanntesten in dieser Kategorie sind die Filme von Regisseur Arnold Fanck, in denen Individuen gegen die Natur in den Bergen kämpften. Animatoren und Regisseure von Versuchsfilme wie zum Beispiel; Lotte Reiniger, Oskar Fischinger und Walter Ruttmannwaren in Deutschland auch in den 1920er Jahren sehr aktiv. Ruttmans experimenteller Dokumentarfilm Berlin: Symphonie einer Metropole (1927) verkörperte die Energie von Berlin der 1920er Jahre.

Die Ankunft des Klangs am Ende der 1920er Jahre produzierte vor dem Zusammenbruch der Weimar Republic im Jahr 1933 einen endgültigen künstlerischen Film des deutschen Films. Bereits 1918 kamen drei Erfinder auf die Dreigon Sound-on-Film System und versuchte es zwischen 1922 und 1926 in die Branche vorzustellen. UFA zeigte Interesse, aber möglicherweise aufgrund finanzieller Schwierigkeiten nie einen soliden Film.[19] In den späten 1920er Jahren begannen die Geräuschproduktion und -verteilung von der deutschen Filmindustrie zu übernehmen, und 1932 hatte Deutschland 3.800 Kinos, die für Soundfilme gespielt wurden. Die ersten Filmemacher, die mit der neuen Technologie experimentierten, haben den Film in mehreren Versionen oft gedreht, wobei mehrere Soundtracks in verschiedenen Sprachen verwendet wurden. Der Film Der blaue Engel (1930), Regie des Österreichers Josef von Sternberg und produziert von Erich Pommer, wurde auch in zwei Versionen gedreht - deutsch und englisch, mit einer anderen unterstützenden Besetzung in jeder Version. Es wird als erster Deutschlands angesehen "Talkie"Und wird immer als der Film in Erinnerung bleiben, der einen internationalen Superstar seiner Hauptdarstellerin machte Marlene Dietrich. Andere bemerkenswerte frühe Soundfilme, alle aus dem Jahr 1931, umfassen Jutzis Anpassung an Alfred Döblins Roman Berlin Alexanderplatz, Pabst's Bertolt Brecht Anpassung Die Dreikoper und Langs M, ebenso gut wie Hochbaum Überfall in St. Pauli (1932). Brecht war auch einer der Schöpfer des expliziten Kommunist Film KUHLE WAMPE (1932), das kurz nach seiner Veröffentlichung verboten wurde.

Zusätzlich zu den Entwicklungen in der Branche selbst wurde in der Weimarer Zeit die Geburt von Filmkritik Als ernsthafte Disziplin, deren Praktiker eingeschlossen haben Rudolf Arnheim in Die Weltbühne und in Film Als Kunst (1932), Béla Balázs in Der Sichtbare Mensch (1924), Siegfried Kracauer in dem Frankfurter Zeitung, und Lotte H. Eisner in dem Filmkurier.

Siehe auch: Liste der deutschen Filme 1919–1933

1933–1945 Nazi -Deutschland

Die unsichere wirtschaftliche und politische Situation in Weimar Deutschland hatte bereits dazu geführt, dass eine Reihe von Filmemachern und Darstellern das Land verließen, hauptsächlich für die Vereinigten Staaten. Ernst Lubitsch zog bereits 1923 nach Hollywood, dem Ungarn geboren Michael Curtiz 1926. rund 1.500 Regisseure, Produzenten, Schauspieler und andere Filmprofis ausgewandert in den Jahren nach der Nazis an die Macht kam. Unter ihnen waren wie der Produzent wichtige Zahlen wie der Produzent Erich Pommer, der Studiokopf von UFA, spielt Marlene Dietrich und Peter Lorreund Direktor Fritz Lang. Langs Exodus nach Amerika ist legendär; es wurde gesagt, dass Metropole So sehr beeindruckt Joseph Goebbels dass er Lang bat, der Leiter seiner Propaganda -Filmeinheit zu werden. Lang floh stattdessen nach Amerika, wo er eine lange und wohlhabende Karriere hatte. Viele aufstrebende deutsche Regisseure flohen ebenfalls in die USA und hatten dadurch einen großen Einfluss auf den amerikanischen Film. Eine Reihe von der Universeller Horror Die Filme der 1930er Jahre wurden von deutschen Emigren inszeniert, einschließlich Karl Freund, Joe May und Robert Siodmak. Regisseure Edgar Ulmer und Douglas Sirk und der in Österreich geborene Drehbuchautor (und späterer Regisseur) Billy Wilder Auch aus dem Nazi -Deutschland zum Erfolg von Hollywood ausgewandert. Nicht alle in der Filmindustrie, die vom Nazi -Regime bedroht waren, konnten entkommen; der Schauspieler und Direktor Kurt Gerronzum Beispiel umgekommen in a Konzentrationslager.

Das Titania-Palast in Berlin-Steglitz, ein Art Deco Style Kino wurde 1928 eröffnet

Innerhalb von Wochen nach MachtergreifungAlfred Hugenberg hatte UFA effektiv an die Enden der Nazis übertragen, ausgenommen Juden von der Beschäftigung in der Firma im März 1933, einige Monate vor der Stiftung im Juni der Stiftung Reichsfilmkammer (Reichskammer des Films), der Körper des nationalsozialistischen Staates, der mit der Kontrolle der Filmindustrie beauftragt wurde, die den offiziellen Ausschluss von Juden und Ausländern aus der Beschäftigung in der deutschen Filmindustrie markierte. Als Teil des Prozesses von Geilschaltung Die gesamte Filmproduktion in Deutschland war dem untergeordnet Reichsfilmkammer, was direkt für Goebbels verantwortlich war Propagandaministeriumund alle in der Branche beschäftigte Mitglieder der Reichsfachs -Schmale. "Nonyan" Filmprofis und diejenigen, deren Politik oder persönliches Leben für die Nazis inakzeptabel waren, wurden von der ausgeschlossen Reichsfachschaft und verweigerte so die Beschäftigung in der Branche. Rund 3.000 Personen waren von diesem Beschäftigungsverbot betroffen. Da Journalisten auch als Teilung des Propaganda -Ministeriums organisiert wurden, konnte Goebbels 1936 die Filmkritik abschaffen und sie ersetzen Filmbeobachtung (Filmbeobachtung); Journalisten konnten nur über den Inhalt eines Films berichten und nicht ein Urteil über seinen künstlerischen oder anderen Wert geben.

Mit der deutschen Filmindustrie jetzt effektiv ein Arm der totalitär Staat, es konnten keine Filme gemacht werden, die nicht gemäß den Ansichten des herrschenden Regimes entsprachen. Trotz der Existenz antisemitischer Propaganda-Werke wie z. der ewige Jude (1940)-was ein Kassenflop war-und der anspruchsvollere, aber ebenso antisemitische JUD Süß (1940), das zu Hause und anderswo in Europa kommerziellen Erfolg erzielte, war die Mehrheit der deutschen Filme aus der nationalen sozialistischen Zeit hauptsächlich als Unterhaltungswerke gedacht. Der Import ausländischer Filme wurde nach 1936 und der deutschen Industrie rechtlich eingeschränkt, was effektiv war verstaatlicht Im Jahr 1937 musste die vermissten ausländischen Filme (über allen amerikanischen Produktionen) wieder wettmachen. Unterhaltung wurde auch in den späteren Jahren von immer wichtiger Zweiter Weltkrieg Als das Kino eine Ablenkung von alliierten Bombenangriffe und eine Reihe deutscher Niederlagen lieferte. Sowohl 1943 als auch 1944 überstieg die Kino -Zulassung in Deutschland eine Milliarde,[20] Und die größten Kassenschläge der Kriegsjahre waren Die Große LIEBE (1942) und Wunschkonzert (1941), die beide Elemente der kombinieren Musical, Kriegsromantik und patriotische Propaganda, Frauen Sind Doch Bessere Diplomaten (1941), ein Comic -Musical, das einer der frühesten deutschen Filme in Farbe war, und Wiener Blut (1942) die Anpassung von a Johann Strauß Comic -Operette. Titanic (1943) war ein weiteres Big-Budget-Epos, das wohl andere Filme über den unglücklichen Ozeanliner inspirierte.[21] Die Bedeutung des Kinos als Werkzeug des Staates, sowohl für seinen Propagandawert als auch für seine Fähigkeit, die Bevölkerung zu unterhalten, ist in der Drehgeschichte von zu sehen Veit Harlan's Kolberg (1945), der teuerste Film der Nazi -Ära, für die die Dreharbeiten Zehntausende von Soldaten aus ihren militärischen Positionen umgeleitet wurden, um als Extras zu erscheinen.

Trotz der Auswanderung vieler Filmemacher und der politischen Beschränkungen war die Zeit nicht ohne technische und ästhetische Innovationen, die Einführung von Agfacolor Filmproduktion ist ein bemerkenswertes Beispiel. Technische und ästhetische Leistungen könnten auch auf die spezifischen Ziele des nationalsozialistischen Zustands zugewandt werden, am spektakulärsten in der Arbeit von Leni Riefenstahl. Riefenstahls Triumph des Willens (1935), Dokumentation der 1934 Nürnberg Rallye, und Olympia (1938) dokumentieren die 1936 Sommerspiele, Pionierarbeitstechniken der Kamerabewegung und -bearbeitung, die viele spätere Filme beeinflusst haben. Beide Filme, besonders Triumph des Willens, bleiben sehr kontrovers, da ihr ästhetisches Verdienst untrennbar mit ihrer Propagandisierung der Nazisistiale untrennbar ist.

Siehe auch: Nationalsozialismus und Kino und Liste der deutschen Filme 1933–1945

1945–1989 Ostdeutschland

Das ostdeutsche Kino profitierte zunächst von der Tatsache, dass ein Großteil der Filminfrastruktur des Landes, insbesondere die ehemaligen UFA -Studios, in der Sowjetische Besatzungszone Dies ermöglichte es, die Filmproduktion schneller als in den westlichen Sektoren auf den Boden zu bringen.[22] Die Behörden in der sowjetischen Zone wollten die Filmindustrie in ihrem Sektor wiederherstellen, und im Mai 1945 wurde ein Befehl in Berlin innerhalb von drei Wochen nach der deutschen Kapitulation erteilt.[23] Die Filmproduktionsfirma Defa wurde am 17. Mai 1946 gegründet und übernahm die Kontrolle über die Filmproduktionseinrichtungen in der sowjetischen Zone, die auf Befehl des Vertrags beschlagnahmt worden war Sowjetische Militärverwaltung in Deutschland im Oktober 1945.[24] A Joint-STOCK-Firma Auf dem Papier wurde das Mehrheitsinteresse an DEFA tatsächlich von der gehalten Sozialistische Einheitspartei Deutschlands (SED), die zur regierenden Partei der wurde Deutsche Demokratische Republik .[25] Eine Schwester "Firma", Fortschrittsfilm, war auch als ähnliches Monopol für die Verteilung des Inlandsfilms eingerichtet worden, wobei sein Haupt -"-Wettbewerb" sovexportFilm war und die Verteilung sowjetischer Filme übernahm.[26]

Insgesamt produzierte Defa während seiner Existenz rund 900 Spielfilme sowie rund 800 Animationsfilme und über 3000 Dokumentarfilme und Kurzfilme.[22][27] In den frühen Jahren war die Produktion aufgrund strenger Kontrollen begrenzt, die von den Behörden auferlegt wurden, die das Thema von Filmen auf Themen beschränkten, die direkt zum kommunistischen Projekt des Staates beitrugen. Ohne Nachrichtenblatt und Bildungsfilme wurden zwischen 1948 und 1953 nur 50 Filme produziert. In späteren Jahren wurden jedoch zahlreiche Filme auf verschiedenen Themen produziert. Defa hatte besondere Stärken in Kinderfilme, vor allem Märchen Anpassungen wie Drei Haselnüsse für Aschenbrödel (Drei Haselnüsse für Aschenputtel) (1973),[28] aber es versuchte auch andere Genrewerke: zum Beispiel Science-Fiction Der Schweigende Stern (Der stille Stern) (1960),[29] eine Anpassung von a Stanisław Lem Roman oder "Rote Western" wie zum Beispiel Die Söhne der großen Mutterbär (1966)[30] Im Gegensatz zu dem typischen amerikanischen Western waren die Helden tendenziell amerikanische Ureinwohner. Viele dieser Genrefilme waren Co-Produktionen mit anderen Warschauer Pakt Länder.

Bemerkenswerte Nichtgenre-Filme, die von DEFA produziert werden, umfassen Wolfgang Staudtes Adaption von Heinrich Mann's Der UNERTAN (1951); Konrad Wolf's Der Geteilte Himmel (Geteilter Himmel) (1964), eine Anpassung von Christa Wolf'S Roman; Frank BeyerAnpassung von Jurek Becker's Jacob der Lügner (1975), der einzige ostdeutsche Film, der für eine nominiert wurde Oscar;[31] Die Legende von Paul und Paula (1973), inszeniert von Heiner Carow aus Ulrich Plenzdorf'S Roman; und Solo Sunny (1980), wieder die Arbeit von Konrad Wolf.

Das Filmemachen im DDR war jedoch immer von der politischen Situation im Land zu einem bestimmten Zeitpunkt eingeschränkt und orientiert. Ernst ThälmannDer kommunistische Führer in der Weimarer Zeit war Gegenstand mehrerer Hagiographisch Filme in den 1950er Jahren (Ernst Thälmann, 1954), und obwohl das ostdeutsche Filmemachen von diesem offen weggezogen ist Stalinist Ansatz in den 1960er Jahren,[32] Die Filmemacher unterliegen immer noch den sich verändernden politischen Positionen und tatsächlich den Launen der SED -Führung. Zum Beispiel wurde DeFas vollständige Tafel zeitgenössischer Filme aus dem Jahr 1966 die Verbreitung verweigert, darunter Frank Beyer's Spuren von Steinen (1966), der nach drei Tagen aus der Verteilung gezogen wurde, nicht weil es gegen kommunistische Prinzipien antipathisch war, sondern weil es zeigte, dass solche Prinzipien, die sie förderten, in Ostdeutschland nicht zu jeder Zeit in die Praxis umgesetzt wurden.[33] Der riesige Kassenschläge Die Legende von Paul und Paula wurde zunächst aufgrund seiner satirischen Elemente mit einem Vertriebsverbot bedroht und erlaubte angeblich nur eine Freilassung über den Sachvertretungsminister des Generalsekretärs der Partei Erich Honecker.

In den späten 1970er Jahren verließen zahlreiche Filmemacher die DDR für den Westen, weil sie ihre Arbeit beschränken, darunter der Regisseur Egon Günther und Schauspieler Angelica Domröse, Eva-Maria Hagen, Katharina Thalbach, Hilmar Thate, Manfred Krug und Armin Müller-Stahl. Viele waren Unterzeichner einer 1976er Petition, die sich gegen die entgegensetzte Ausbürgerung des sozial kritischen Singer-Songwriters Wolf Biermann und hatte ihre Fähigkeit, dadurch eingeschränkt zu arbeiten, gehabt.[34]

In den letzten Jahren der DDR reduzierte die Verfügbarkeit von Fernsehen und die Programme und Filme in Fernsehsendungen, die über die unkontrollierbaren Luftwellen in die DDR gelangt, den Einfluss von DEFA -Produktionen, obwohl die anhaltende Rolle bei der Produktion von Shows für den ostdeutschen Fernsehkanal blieb. Folgt dem Wende, Defa hatte die Produktion insgesamt eingestellt, und seine Studios und Ausrüstung wurden von der verkauft Treuhand im Jahr 1992, aber es Rechte an geistigem Eigentum wurden dem gemeinnützigen Defa-Stiftung (DEFA Foundation), das diese Rechte in Verbindung mit einer Reihe privater Unternehmen ausnutzt, insbesondere mit dem schnell privatisierten Fortschrittsfilm GmbH, der seit Mitte der neunziger Jahre mehrere ostdeutsche Filme mit englischen Untertiteln veröffentlicht hat.[24][26]

Siehe auch: Liste der ostdeutschen Filme

1945–1989 Westdeutschland

1945–1960 Rekonstruktion

Die Besetzung und Rekonstruktion Deutschlands durch die Vier Mächte in der Zeit unmittelbar nach dem Ende von Zweiter Weltkrieg brachte eine große und langlebige Veränderung in die wirtschaftlichen Bedingungen, unter denen die Industrie in Deutschland zuvor betrieben hatte. Die Bestände an UFA wurden von den Alliierten beschlagnahmt und im Rahmen des Prozesses von Dekartelisierung, Lizenzen für die Produktion von Filmen wurden zwischen einer Reihe viel kleinerer Unternehmen geteilt. zusätzlich Berufsgesetz von 1949, die dem neu geschaffenen teilweise Unabhängigkeit gewährte Bundesrepublik Deutschland, insbesondere die Auferlegung von Importquoten zum Schutz der deutschen Filmproduktion vor dem ausländischen Wettbewerb, das Ergebnis der Lobbyarbeit durch die amerikanische Industrie, wie durch die vertreten MPAA.

Inmitten der Verwüstung der Stunde Null Das Jahr 1945 war der Kino-Besucher nicht überraschend bis zu einem Bruchteil seiner Kriegshöhen, aber bereits Ende des Jahrzehnts hatte es einen Niveau erreicht, der die Zeit vor dem Krieg überschritt.[20] Zum ersten Mal seit vielen Jahren hatte das deutsche Publikum freien Zugang zum Kino aus der ganzen Welt und in dieser Zeit die Filme von Charlie Chaplin blieb so beliebt, wie es waren Melodramen von den Vereinigten Staaten. Dennoch blieb der Anteil des Filmmarktes für deutsche Filme in dieser Zeit und in den 1950er Jahren relativ groß und nahm rund 40 Prozent des Gesamtmarktes ein. Amerikanische Filme nahmen rund 30 Prozent des Marktes auf, obwohl es im gleichen Zeitraum etwa doppelt so viele Filme in der Vertriebsindustrie wie die deutsche Industrie hatte.[35]

Viele der deutschen Filme der unmittelbaren Nachkriegszeit können als das Genre des Genres charakterisiert werden Trümmerfilm (buchstäblich "Trümmerfilm"). Diese Filme zeigen starke Affinitäten mit der Arbeit von Italienische Neorealisten, nicht zuletzt Roberto RosselliniDie neorealistische Trilogie, die enthielt Deutschland Jahr Null (1948) und befassen sich hauptsächlich mit dem täglichen Leben im zerstörten Deutschland und einer anfänglichen Reaktion auf die Ereignisse der Nazisperiode (der vollständige Horror wurde erstmals von vielen in Dokumentarfilmmaterial aus befreiten Konzentrationslagern erlebt). Solche Filme umfassen Wolfgang Staudte's Stirb mörder Sind Einer uS (Die Mörder sind unter uns) (1946), der erste Film in Deutschland nach dem Krieg (im Sowjetsektor produziert) und Wolfgang Liebenerer's LIEBE 47 (Liebe 47) (1949) eine Anpassung von Wolfgang Borchert's Spiel Draußen vor der Tür.

Trotz des Aufkommens eines regulären Fernsehdienstes in der Bundesrepublik im Jahr 1952 wuchsen die Kinobesetzungen weiter in den 1950er Jahren und erreichten 1956 einen Höhepunkt von 817,5 Millionen Besuchen.[20] Die Mehrheit der Filme dieser Zeit meldete sich nicht mehr als das Publikum zu unterhalten und hatte nur wenige Ansprüche für Kunst oder aktive Auseinandersetzung mit sozialen Themen. Das entscheidende Genre dieser Zeit war wohl das Heimatfilm ("Homeland Film"), in dem moralisch simpistische Geschichten von Liebe und Familie in einem ländlichen Umfeld gespielt wurden, oft in den Bergen von Bayern, Österreich oder Schweiz. In ihrer Zeit Heimatfilms waren für wissenschaftlichere Filmkritiker von geringem Interesse, aber in den letzten Jahren waren sie in den Jahren der Jahre das Thema Studie in Bezug auf das, was sie über die Kultur Westdeutschlands sagen Wirbelstoffe. Andere für diesen Zeitraum typische Filmgenres waren Anpassungen von Operettas, Krankenhaus Melodramen, Komödien und Musicals. Viele Filme waren Remakes von früheren UFA -Produktionen.

Wiederbewaffnung und die Gründung der Bundeswehr 1955 brachte sie eine Welle von Kriegsfilmen mit sich, die dazu neigte, die gewöhnlichen deutschen Soldaten des Zweiten Weltkriegs als mutig und unpolitisch darzustellen.[36] Der israelische Historiker Omer Bartov schrieb, dass deutsche Filme der 1950er Jahre den durchschnittlichen deutschen Soldaten als heldenhaftes Opfer zeigten: edler, hart, mutig, ehrenwert und patriotisch, während er hart in einem sinnlosen Krieg um ein Regime kämpfte, das er nicht interessierte.[37] Das 08/15 Die Filmtrilogie von 1954 bis 1955 betrifft einen sensiblen jungen deutschen Soldaten, der lieber Klavier als Kampf spielen möchte und der an der Ostfront kämpft, ohne zu verstehen, warum; Die genozidalen Aspekte des deutschen Kriegskrieges im Osten werden jedoch nicht erwähnt.[36] Der letzte der 08/15 Filme enden mit Deutschland, die von einer Bande amerikanischer Soldaten besetzt ist, die als Blasengummi-Kau, Sackguss und unkultivierte Läden dargestellt werden, in jeder Hinsicht völlig unterlegen gegenüber den heldenhaften deutschen Soldaten, die in der gezeigt sind 08/15 Filme.[36] Die einzige Ausnahme ist der jüdisch-amerikanische Offizier, der sowohl als hyperintelligent als auch sehr skrupellosen dargestellt wird, was Bartov feststellte, dass die wirkliche Tragödie des Zweiten Weltkriegs die Nazis nicht hatte, alle Juden auszurotten, um alle Juden auszurotten, die jetzt mit der Niederlage Deutschlands zurückgekehrt sind, um das deutsche Volk erneut auszunutzen.[36]

Im Der Doktor von Stalingrad (1958) Mit deutschen Kriegsgefangenen in der Sowjetunion werden Deutsche als zivilisierter, human und intelligenter als die Sowjets dargestellt, die größtenteils als mongolische Wilde gezeigt werden, die die deutschen Kriegsgefangenen brutalisierten.[38] Eine der deutschen Kriegsgefangenen verführt erfolgreich den schönen und harten Kapitän der Roten Armee Alexandra Kasalniskaya (Eva Bartok) die ihn dem sadistischen Lagerkommandant bevorzugt, was, wie Bartov kommentiert, auch zeigen soll, dass deutsche Männer selbst bei Niederlage sexuell männlicher und starker waren als ihre russischen Kollegen.[38] Im Hunde, Wollt Ihr Ewig LeBen? (Hunde, willst du für immer leben?) von 1959, der sich mit dem befasst Schlacht von StalingradDer Fokus liegt auf der Feier des Heldentums des deutschen Soldaten in diesem Kampf, der sich als tapfer gegen überwältigende Gewinnchancen auswirkt, ohne dass überhaupt nicht erwähnt wird, wofür diese Soldaten kämpften, nämlich die nationale sozialistische Ideologie oder den Holocaust.[39] In dieser Zeit wurde auch eine Reihe von Filmen, die das Militär darstellten Widerstand gegen Hitler. Im Des Teufels General (Der General des Teufels) von 1954 ein Luftwaffe -General namens Harras lose modelliert Ernst Udet, erscheint zunächst als zynischer Narr, stellt sich jedoch für einen Anti-Nazi heraus, der die deutschen Kriegsanstrengungen heimlich sabotiert, indem sie fehlerhafte Flugzeuge entwerfen.[40] Bartov kommentierte, dass in diesem Film das deutsche Offizier Corps als Gruppe grundsätzlich edler und zivilisierter Männer gezeigt wird, die zufällig ein böses Regime dienten Das Officer Corps und betrachtet die deutsche Gesellschaft.[41] Bartov schrieb, dass kein deutscher Film der 1950er Jahre das tiefe Engagement vieler deutscher Soldaten für den Nationalsozialismus, die völlige rücksichtslose Art und Weise, wie die deutsche Armee den Krieg und die sinnlose Nihilist -Brutalität der späteren Wehrmacht geprägt hatte.[42] Bartov schrieb, dass die deutschen Filmemacher gern den Heldenlast der 6. Armee in Stalingrad zeigten, aber keine hat die massive Kooperation der 6. Armee mit dem bisher gezeigt Einsatzgruppen bei der Ermordung sowjetischer Juden im Jahr 1941.[43]

Obwohl es unzählige gibt Filmanpassungen von Edgar Wallace Romane weltweit, die Kriminalitätsfilme produziert von der deutschen Firma Rialto -Film Zwischen 1959 und 1972 sind die bekanntesten, sofern sie ihre eigenen bilden Subgenre bekannt als Krimis (Abkürzung für den deutschen Begriff "Kriminalfilm" (oder "Kriminalroman"). Andere Edgar Wallace -Anpassungen in einem ähnlichen Stil wurden von den Deutschen vorgenommen Artur Brauner und Kurt Ulrichund der britische Produzent Harry Alan Towers.

Die internationale Bedeutung der Westdeutsch Die Filmindustrie der 1950er Jahre konnte nicht mehr an Frankreich, Italien oder Japan messen. Deutsche Filme wurden nur selten international verteilt, da sie als Provinz wahrgenommen wurden. Internationale Koproduktionen der Art, die in Frankreich und Italien immer gemeinsam von deutschen Produzenten abgelehnt wurden (Schneider 1990: 43). Einige deutsche Filme und Filmemacher haben zu dieser Zeit jedoch internationale Anerkennung erreicht, darunter Bernhard Wicki's Oscar-nominiert Sterben Brücke (Die Brücke) (1959) und die Schauspielerinnen Hildegard KNEF und Romy Schneider.

1960–1970 Kino in Krise

Klaus Kinski

In den späten 1950er Jahren stagnierte sich das Wachstum der Kino -Besucherzahlen des vorhergehenden Jahrzehnts und ging dann in den 1960er Jahren in den freien Fall. Bis 1969 betrug der westdeutsche Kino bei 172,2 Millionen Besuchen pro Jahr weniger als ein Viertel seines 1956er Nachkriegsgipfels.[20] Infolgedessen gingen zahlreiche deutsche Produktions- und Vertriebsunternehmen in den 1950er und 1960er Jahren aus dem Geschäft, und Kinos in der Bundesrepublik schlossen ihre Türen. Die Anzahl der Bildschirme in Westdeutschland halbierte sich fast zwischen Anfang und Ende des Jahrzehnts.

Zunächst wurde die Krise als ein Problem der Überproduktion wahrgenommen. Infolgedessen reduzierte die deutsche Filmindustrie die Produktion zurück. 123 deutsche Filme wurden 1955 produziert, nur 65 im Jahr 1965. Viele deutsche Filmunternehmen folgten jedoch den Trends der 1960er Jahre von Internationale Koproduktionen mit Italien und Spanien in Genres wie Spaghetti Western und Eurospy Filme mit Filmen, die in diesen Nationen oder in Jugoslawien gedreht wurden, in denen deutsche Schauspieler in den Casts zu sehen waren.

Die Wurzeln des Problems lagen tiefer in den wirtschaftlichen und sozialen Umständen. Das durchschnittliche Einkommen in der Bundesrepublik stieg stark und dies eröffnete alternative Freizeitaktivitäten, um mit Kinos zu konkurrieren. Auch zu dieser Zeit entwickelte sich das Fernsehen zu einem Massenmedium, das mit dem Kino konkurrieren konnte. 1953 gab es in Westdeutschland nur 1.000.000 Sätze; Bis 1962 gab es 7 Millionen (Connor 1990: 49) (Hoffman 1990: 69).

Die Mehrheit der in der Bundesrepublik in den 1960er Jahren produzierten Filme waren Genrewerke: Western, insbesondere die Reihe von Filmen, die angepasst wurden Karl MaiDie beliebten Genre -Romane, die die Hauptrolle spielten Pierre Brice als die Apache Winnetou und Lex Barker Wie sein weißer Blut Bruder Altes Shatterhand; Thriller und Kriminalitätsfilme, insbesondere eine Reihe von Edgar Wallace -Filme aus Rialto -Film in welchem Klaus Kinski, Heinz Drache, Karin Dor und Joachim Fuchsberger waren unter den regulären Spielern. Die traditionellen Krimi -Filme wurden in Serien erweitert, die auf deutschen Pulp -Fiction -Helden wie z. Jerry Cotton gespielt von George Nader und Kommissar x gespielt von Tony Kendall und Brad Harris. Westdeutschland machte auch mehrere Horrorfilme, darunter auch die Stars Christopher Lee. Die beiden Genres wurden bei der Rückkehr von kombiniert Doktor Mabuse In einer Reihe mehrerer Filme der frühen 1960er Jahre.

Ende der 1960er Jahre Softcore Sexfilme, beide relativ ernst Aufklärsfilme (Aufklärungsunterricht Filme) von Oswalt Kolle und derartige Ausbeutungsfilme wie Schulmädchen-Report (Schulmädchenbericht) (1970) und seine Nachfolger wurden in den 1970er Jahren produziert. Solche Filme waren kommerziell erfolgreich und erlebten oft internationale Vertrieb, erhielten jedoch wenig Anerkennung von Kritikern.

1960–1980 Neues deutsches Kino

Weitere Informationen: Neues deutsches Kino

In den 1960er Jahren gingen mehr als drei Viertel des regulären Kinos als Folge der steigenden Popularität von Fernsehsets zu Hause verloren. Als Reaktion auf die künstlerische und wirtschaftliche Stagnation des deutschen Kinos gab eine Gruppe junger Filmemacher die heraus Oberhausen Manifest am 28. Februar 1962. Dieser Aufruf zu Arms, der enthielt Alexander Kluge, Edgar Reitz, Peter Schamoni und Franz-Josef Spieker unter seinen Unterzeichnern provokativ erklärt "Der Alte -Film ist Tot. Wirglauben an den Neuen" ("Das alte Kino ist tot. Wir glauben an das neue Kino"). Andere aufstrebende Filmemacher verbündeten sich mit dieser Oberhausen-Gruppe, darunter Rainer Werner Fassbinder, Volker Schlöndorff, Werner Herzog, Jean-Marie Straub, Wim Wenders, Werner Schroeter und Hans-Jürgen Syberberg in ihrer Ablehnung der bestehenden deutschen Filmindustrie und ihrer Entschlossenheit, ein neues Kino aufzubauen, das eher auf künstlerischen und sozialen Maßnahmen als auf kommerziellen Erfolg beruht. Die meisten dieser Regisseure organisierten sich in der Filmproduktions- und Vertriebsunternehmen oder teilweise zusammen mit dem Unternehmen zusammen mit Filmverlag der Autoren Gegründet 1971, das in den 1970er Jahren eine Reihe von kritisch anerkannten Filmen hervorbrachte. Rosa von Praunheim, der die deutsche lesbische und schwule Bewegung mit seinem Film gründete Es ist nicht das Homosexuelle, das pervers ist, sondern die Gesellschaft, in der er lebt (1971) spielt auch eine wichtige Rolle.[44]

Trotz der Grundlage der Kuratorium junger Deutscher Film (Junger deutscher Filmkomitee) im Jahr 1965, eingerichtet unter der Schirmherrschaft des Bundesministerium des Innenraums Um neue deutsche Filme finanziell zu unterstützen, sind die Regisseure davon Neues deutsches Kino wurden folglich oft vom Geld aus dem Fernsehen abhängig. Junge Filmemacher hatten die Gelegenheit, ihre Morte in Programmen wie das eigenständige Drama- und Dokumentarfilmserie zu testen Das Kleine Fernsehspiel (The Little TV Play) oder die Fernsehfilme der Verbrechensreihe Tatort. Die Sender suchten jedoch auf Fernsehpremieren für die Filme, die sie finanziell unterstützt hatten, wobei die Theatervorstellungen erst später auftraten. Infolgedessen waren solche Filme an der Abendkasse tendenziell erfolglos.

Diese Situation änderte sich nach 1974, als die Film-fernseh-Abkommen (Film- und Fernsehabkommen) wurde zwischen den Hauptrundrundern der Bundesrepublik vereinbart. ARD und ZDFund das deutsche Bundesfilm Board (eine Regierungsbehörde, die 1968 zur Unterstützung von Filmemachen in Deutschland gegründet wurde).[45] Dieses Abkommen, das wiederholt bis heute erweitert wurde, sieht die Fernsehunternehmen vor, um eine jährliche Summe zur Unterstützung der Produktion von Filmen zur Verfügung zu stellen, die sowohl für die Theaterverteilung als auch für die Fernsehpräsentation geeignet sind. (Der Geldbetrag, der von den öffentlichen Rundfunkveranstaltern bereitgestellt wurde, variierte zwischen 4,5 und 12,94 Millionen Euro pro Jahr. Nach den Bedingungen des Abkommens können Filme, die mit diesen Mitteln produziert werden Video oder DVD nicht früher als sechs Monate nach der Veröffentlichung des Kinos. Dennoch fand es das neue deutsche Kino schwierig, ein großes inländisches oder internationales Publikum anzuziehen.

Die sozial kritischen Filme des neuen deutschen Kinos streben sich an, sich von dem abzugrenzen, was zuvor gegangen war und die Werke von Auteur Filmemacher wie Kluge und Fassbinder sind Beispiele dafür, obwohl Fassbinder in seiner Verwendung von Stars aus der deutschen Kinogeschichte auch eine Versöhnung zwischen dem neuen Kino und dem Alten suchte. Darüber hinaus wird manchmal zwischen dem "jungen deutschen Kino" der 1960er Jahre und dem zugänglicheren "neuen deutschen Kino" der 1970er Jahre unterschieden. Für ihre Einflüsse schaute die neue Generation von Filmemachern nach Italienischer Neorealismus, die Franzosen Nouvelle vage und die Britische neue Welle aber kombiniert dies eklektisch mit Verweisen auf die gut etablierten Genres des Hollywood-Kinos. Das neue deutsche Kino befasste sich direkt mit zeitgenössischen deutschen sozialen Problemen. die Nazis Vergangenheit, die Notlage der Gastarbeiter ("Gastarbeiter") und moderne soziale Entwicklungen waren alle Fächer in neuen deutschen Kinofilmen.[46]

Filme wie Kluge's Abschied von Gestern (1966), Herzogs Aguirre, der Zorn Gottes (1972), Fassbinder's Angst isst die Seele (1974) und Die Ehe von Maria Braun (1979) und Wenders ' Paris, Texas (1984) fanden eine kritische Genehmigung. Oft wurde die Arbeit dieser Autoren erstmals im Ausland als in Deutschland selbst anerkannt. Die Arbeit der führenden Romanautoren nach Kriegskriegskriegskriegskriegszeiten Heinrich Böll und Günter Gras Bereitstellung von Quellmaterial für die Anpassungen Die verlorene Ehre von Katharina Blum (1975) (von Schlöndorff und Margarethe von Trotta) und Die Blechtrommel (1979) (allein von Schlöndorff), je letzterer der erste deutsche Film, der die gewann Academy Award für den besten Fremdsprachenfilm. Das neue deutsche Kino ermöglichte es auch weibliche Direktoren, in den Vordergrund und die Entwicklung eines feministischen Kinos zu kommen, das die Werke von Direktoren wie z. B. umfasste Margarethe von Trotta, Helma Sanders-Brahms, Jutta Bruckner, Helke Sander und Cristina Perincioli.

Deutsche Produktionsfirmen waren häufig an teuren französischen und italienischen Produktionen aus beteiligt Spaghetti Western zu französischen Comic -Anpassungen.

1980–1989 Populäre Produktionen

Bernd Eichinger "Star" am Boulevard of Stars in Berlin.

Nachdem das neue deutsche Kino einige ihrer Ziele erreicht hatte, unter ihnen die Einrichtung der staatlichen Finanzierung für die Filmindustrie und die erneute internationale Anerkennung für deutsche Filme individueller Erfolg.

Unter den kommerziellen Erfolgen für deutsche Filme der 1980er Jahre waren die Otto Filmreihe beginnt 1985 mit Comedian Otto Waalkes, Wolfgang PetersenAnpassung von Die unendliche Geschichte (1984) und die international erfolgreichen Das Boot (1981), das für die meisten immer noch den Rekord hält Oscar Nominierungen für einen deutschen Film (sechs). Andere bemerkenswerte Filmemacher, die in den 1980er Jahren bekannt sind Bernd Eichinger und Regisseure Doris Dörrie, Uli Edel, und Loriot.

Weg vom Mainstream, die Spritzfilm Direktor Jörg Buttgereit kam in den 1980er Jahren zu bekannt. Die Entwicklung von Arthouse Cinemas (Programmkinos) ab den 1970er Jahren bot einen Veranstaltungsort für die Werke weniger Mainstream-Filmemacher wie Herbert Achternbusch, Hark Bohm, Dominik Graf, Oliver Herbrich, Rosa von Praunheim oder Christoph Schlingensief.

Ab Mitte der 1980er Jahre die Ausbreitung von Videokassettenrekorder und die Ankunft privater Fernsehsender wie z. RTL -Fernseher bot einen neuen Wettbewerb um den Verbreitung von Theaterfilmen. Die Besucherzahlen der Kino, die sich Ende der 1970er Jahre nach einem Allzeit-Tief von 115,1 Millionen Besuchen im Jahr 1976 leicht versammelt hatten, sank seit Mitte der 1980er Jahre wieder stark auf nur 101,6 Millionen Besuche 1989.[20] Die Verfügbarkeit eines Back -Katalogs von Filmen auf Video ermöglichte jedoch auch eine andere Beziehung zwischen dem Betrachter und einem einzelnen Film, während private Fernsehsender neues Geld in die Filmindustrie einbrachten und einen Startpad lieferten, aus dem neue Talente später einsteigen konnten Film.

1990 - Modern Deutschland

John Rabe (2009), inszeniert von Florian Gallenberger, Dreharbeiten vor Ort im Hafen von Shanghai.

Zu den größten deutschen Produktionsstudios von heute gehören Babelsberg Studio, Bayernfilm, Konstantin -Film und UFA. Filmveröffentlichungen wie z. Lola rennen durch Tom Tykwer, Tschüss Lenin! durch Wolfgang Becker, Frontal durch Fatih ähnlich, Parfüm durch Tom Tykwer und Das Leben der Anderen durch Florian Henckel von Donersmarck, haben wohl geschafft, eine provokative und innovative Natur zurückzugewinnen. Filme mögen Der Baader Meinhof -Komplex produziert von Bernd Eichinger erzielte einen beliebten Erfolg.

Bemerkenswerte Direktoren, die derzeit in Deutsch arbeiten, umfassen derzeit Sönke Wortmann, Caroline Link (Gewinner eines Oscar), Romuald Karmakar, Dani Levy, Hans-Christian Schmid, Andreas Dresen, Dennis Gansel und Uli Edel sowie Comedy -Regisseure Michael Herbig und Bis Schweiger.

International deutsche Filmemacher wie Roland Emmerich oder Wolfgang Petersen baute erfolgreiche Karrieren als Direktoren und Produzenten. Hans Zimmer, ein Filmkomponist, ist zu einem der am meisten gefeierten Produzenten der weltweiten Filmzahlen geworden. Michael Ballhaus wurde ein renommierter Kameramann.

Deutschland hat eine lange Tradition der Zusammenarbeit mit der europäischen Filmindustrie, die bereits in den 1960er Jahren begann. Seit 1990 ist die Anzahl der von deutschen Filmemachern finanzierten und co-produzierten internationalen Projekte erweitert.

Das neue Jahrtausend seit 2000 hat eine allgemeine Wiederbelebung der deutschen Filmindustrie mit höherer Leistung und verbesserten Renditen an der deutschen Abendkasse verzeichnet.

Der Zusammenbruch der DDR hatte einen großen Einfluss auf die deutsche Kinoindustrie. Die Anzahl der Zuschauer erhöhte sich mit dem Zugang der neuen Bevölkerung zu westlichen Filmen. Die in den Vereinigten Staaten produzierten Filme waren am beliebtesten, da der Markt von ihnen dominiert wurde und die Produktion fortgeschrittener war als die Deutschlands. Einige andere Genres, die beliebt waren, bestanden aus romantischen Komödien und sozialen Kommentaren. Wolfgang Petersen und Roland Emmerich haben beide internationalen Erfolg festgelegt.

International sind deutsche Produktionen jedoch weithin unbekannt und erfolglos. Selbst im Inland haben die deutschen Filme nur einen Marktanteil von etwa 20–25%. Die Filmkultur ist als unterfinanziert, problemlos und eher nach innen aussehend. Seit ihrem goldenen Zeitalter in den 1920er Jahren hat die deutsche Filmindustrie nie die technische Exzellenz, das Sternensystem oder die beliebten Erzählungen für ein deutsches, europäisches oder globales Publikum gewonnen.[47]

Deutsche Filmakademie

Das Deutsche Filmakademie wurde 2003 in 2003 in gegründet Berlin und zielt darauf ab, einheimische Filmemacher ein Diskussionsforum zu bieten und den Ruf des deutschen Kinos durch Veröffentlichungen, Präsentationen, Diskussionen und regelmäßige Förderung des Faches in den Schulen zu fördern.

Auszeichnungen

Seit 2005 die Gewinner der Deutscher Filmpreis, auch bekannt als die Lolas werden von den Mitgliedern der Deutschen Filmakademie gewählt. Mit einem Geldpreis von drei Millionen Euro ist es der am stärksten ausgestattete deutsche Kulturpreis.

Jahr Englischer Titel Originaler Titel Direktor (en)
2005 Geh nach Zucker Alles auf Zucker! Dani Levy
2006 Das Leben der Anderen Das LeBen der Anderen Florian Henckel von Donersmarck
2007 Vier Minuten Vier Minuten Chris Kraus
2008 Der Rand des Himmels Auf der Anderen Site Fatih akın
2009 John Rabe John Rabe Florian Gallenberger
2010 Das weiße Band Das Weiße Band Michael Haneke
2011 Vincent will See See Vincent wird Meer Ralf Huettner
2012 Auf der Strecke angehalten Halten Sie bis Freier Strecke an Andreas Dresen
2013 Oh Junge! Oh Junge Jan-Ole Gerster
2014 Zuhause von zu Hause Die Andere Heimat Edgar Reitz
2015 Victoria Victoria Sebastian Schipper
2016 Die Menschen gegen Fritz Bauer Der Staat Gegen Fritz Bauer Lars Kaume

Festivals

Das Berlin International Film Festivalauch als Berlinale bekannt.

Das Berlin International Film Festival, auch genannt Berlinale, ist eines der weltweit führenden Filmfestivals und angesehensten Medienveranstaltungen.[48] Es wird in festgehalten Berlin, Deutschland.[49] Gegründet in Westberlin 1951 wurde das Festival seit 1978 jährlich im Februar gefeiert. Mit 274.000 verkauften Tickets und 487.000 Zulassungen gilt es als das größte öffentlich besuchte Filmfestival weltweit.[50][51] In mehreren Abschnitten werden bis zu 400 Filme gezeigt, die eine umfassende Auswahl der filmischen Welt darstellen. Rund zwanzig Filme kämpfen um die Preise, die als Golden und Silberbären bezeichnet werden. Seit 2001 ist der Direktor des Festivals Dieter Kosslick.[52][53]

Das Festival, das EFM und andere Satellitenveranstaltungen werden von rund 20.000 Fachleuten aus über 130 Ländern besucht.[54] Mehr als 4200 Journalisten sind in über 110 Ländern für die Medienbekämpfung verantwortlich.[55] Bei hochkarätigen Spielfilmpremieren sind Filmstars und Prominente in der anwesend roter Teppich.[56]

Filmfinanzierung

Der Hauptanreiz für die Produktion von Regierungsbehörden ist der Deutscher Filmfönfonds (DFFF) (DFFF). Der DFFF ist ein Zuschuss des deutschen Bundeskommissars für Kultur und Medien. Um den Zuschuss zu erhalten, muss ein Produzent unterschiedliche Anforderungen erfüllen, einschließlich eines kulturellen Zulassungstests. Der Fonds bietet Filmproduzenten und oder Co-Produzenten 60 Millionen Euro pro Jahr an. Mindestens 25% Die Produktionskosten müssen in Deutschland oder nur 20% ausgegeben werden, wenn die Produktionskosten über 20 Millionen Euro liegen. Der DFFF wurde 2007 gegründet und unterstützte Projekte in allen Kategorien und Genres.

Im Jahr 2015 startete das Bundesministerium für Wirtschaftsangelegenheiten und Energie (Bundesministerium für Wirtwirtschaft und Energie) ein neues Film- und TV -Finanzierungsprogramm mit dem Titel "Deutscher Filmfonds". Zum ersten Mal in Deutschland werden innovative Serienformate und digitales Filmemachen auf der gleichen Weise wie Spielfilme auf Bundesebene finanziert.[57]

Filmschulen

Universität für Fernsehen und Film München

Mehrere Institutionen, sowohl von der Regierung als auch privat, bieten formelle Bildung in verschiedenen Aspekten des Filmemachens.

Persönlichkeiten

Siehe auch: Liste der deutschen Filmregisseure

Siehe auch

Verweise

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Weitere Lektüre

  • Bergfelder, Tim et al. eds. Das deutsche Kinobuch (2008)
  • Blaney, Martin. Symbiose oder Konfrontation? (Bonn, 1992)
  • Brockman, Stephen. Eine kritische Geschichte des deutschen Films (2011)
  • Feinstein, Joshua. Triumph des Gewöhnlichen: Darstellungen des täglichen Lebens im ostdeutschen Kino, 1949–1989 (Chapel Hill, 2002)
  • Garncarz, Joseph und Annemone Ligena, Hrsg. Das Kino Deutschlands (Wallflower Press, verteilt von Columbia University Press; 2012) 264 Seiten; Analysen von 24 Werken von Stummfilmen bis hin zu zeitgenössischen Filmen wie "Good Turning, Lenin!"
  • Hake, Sabine. Deutsches Nationalkino (2002; 2. Aufl. 2008)
  • Heiduschke, Sebastian. Ostdeutsches Kino: Defa und Filmgeschichte (2013)
  • Hoffman, Kay 1990 AM ENDE VIDEO - VIDEO AM ENDE? Berlin
  • Kapczynski, Jennifer M. und Michael D. Richardson, Hrsg. (2012) Eine neue Geschichte des deutschen Kinos (Rochester Camden House, 2012) 673 PP. Online -Bewertung
  • Kracauer, Siegfried. (2004) Von Caligari bis Hitler: Eine psychologische Geschichte des deutschen Films. Princeton: Univ. von Princeton Press. ISBN0-691-11519-2
  • Schneider, Irmela 1990 Film, Fernsehden & Co. Heidelberg.
  • Stielke, Sebastian. 100 Fakten über Babelsberg - Cradle of Film und Modern Media City (Deutsch Englisch). Bebra-Verlag (Verlag), Berlin 2021, 240 Seiten, ISBN978-3-86124-746-3
  • Fay, Jennifer. 2008. Besatzungskinos: Hollywood und die Aufbau von Nachkriegszeit Deutschland. Minneapolis: Univ. von Minnesota Press. ISBN978-0-8166-4745-3

Externe Links