Baroque music

Malen von Evaristo Basschenis von Barockinstrumente, einschließlich eines Kittern, ärgerte Fünf- oder Sechs-Saiten-Cello, Geige und zwei Lutes

Baroque music (Vereinigtes Königreich: /bəˈrɒk/ oder UNS: /bəˈroʊk/) ist eine Periode oder einen Stil von Westliche klassische Musik von ungefähr 1600 bis 1750 entstanden von Westeuropa.[1] Diese Ära folgte der Renaissance -Musik -Äraund wurde wiederum von der verfolgt Klassische Ära, mit dem Galantstil Markieren Sie den Übergang zwischen Barock und klassischen Epochen. Die Barockzeit ist in drei Hauptphasen unterteilt: früh, mittlere und spät. Sie überlappen sich rechtzeitig und sind herkömmlich von 1580 bis 1650, von 1630 bis 1700 und von 1680 bis 1750 datiert. Barockmusik bildet einen Großteil des ""klassische Musik" Kanonund ist jetzt weit verbreitet, aufgeführt und gehört. Der Begriff "Barock"Kommt aus dem portugiesischen Wort Barroco, Bedeutung "Fremde Perle".[2] Die Werke von George Frideric Händel und Johann Sebastian Bach werden als der Höhepunkt der Barockzeit angesehen. Zu den wichtigsten Komponisten der Barockzeit gehören,. Claudio Monteverdi, Domenico Scarlatti, Alessandro Scarlatti, Antonio Vivaldi, Henry Purcell, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau, Marc-Antoine Charpentier, Arcangelo Corelli, François Couperin, Heinrich Schüttz, Dieterich Buxtehude, und andere.

Die Barockzeit sah die Schaffung von Gang und gäbe sein Tonalität, ein Ansatz zum Schreiben von Musik, in der ein Lied oder ein Stück in einem bestimmten geschrieben ist Schlüssel; diese Art von Harmonie wurde weiterhin ausführlich im westlichen Klassiker verwendet und Populärmusik. Während der Barockzeit wurde erwartet, dass professionelle Musiker erreicht werden Improvisatoren von beiden Solo -melodischen Linien und Begleitung Teile. Barockkonzerte wurden in der Regel von a begleitet Basso Continuo Gruppe (bestehende Akkord-Spiele-Instrumentalisten wie z. Cembaloschemantisten und Laute Spieler improvisieren Akkorde von a Figurer Bass Teil) während eine Gruppe von Bassinstrumenten -Brat, Cello, Kontrabass- spielte die Basslinie. Eine charakteristische Barockform war die Tanzsuite. Während die Stücke in einer Tanzsuite von tatsächlichen Tanzmusik inspiriert waren, wurden Tanz Suiten nur zum Zuhören und nicht für begleitende Tänzer konzipiert.

Während des Zeitraums experimentierten Komponisten damit, für jeden instrumentellen Teil einen volleren Klang zu finden (so das Orchester erzeugt).[2] Veränderungen in der musikalischen Notation vorgenommen (die Entwicklung von figurem Bass als schnelle Möglichkeit, das zu notieren Akkordprogression eines Liedes oder Stücks) und entwickelte neue instrumentelle Spieltechniken. Barockmusik erweiterte die Größe, Reichweite und Komplexität der instrumentellen Leistung und etablierte auch die gemischten Vokal-/Instrumentalformen von Oper, Kantate und Oratorium und die instrumentellen Formen des Solos Konzert und Sonate als musikalische Genres. Dicht, komplex polyphon Musik, in der mehrere unabhängige Melodielinien gleichzeitig aufgeführt wurden (ein beliebtes Beispiel hierfür ist das Fuge), war ein wichtiger Bestandteil vieler Barockchor- und Instrumentalwerke. Insgesamt war Barockmusik ein Werkzeug für Ausdruck und Kommunikation.[1]

Etymologie und Definition

Johann Sebastian Bach, 1748

Die Etymologie von Barock ist wahrscheinlich über Französisch Barock (was ursprünglich eine Perle unregelmäßiger Form bedeutete) und aus Portugiesisch Barroco ("Unregelmäßige Perle"); auch im Zusammenhang mit Spanisch Barueco und Italienisch Barocco. Der Begriff ist unsicher ultimativer Ursprung, aber möglicherweise von Latein Verrūca ("Warzen") oder möglicherweise von Baroco, ein technischer Begriff aus der schulischen Logik.[3]

Der Begriff "Barock" wird im Allgemeinen von Musikhistorikern verwendet, um eine breite Palette von Stilen aus einer breiten geografischen Region, hauptsächlich in Europa, zu beschreiben, die über einen Zeitraum von ungefähr 150 Jahren komponiert wurde.[1] Obwohl lange gedacht wurde, dass das Wort als kritischer Begriff erstmals für die Architektur angewendet wurde, erscheint es tatsächlich früher in Bezug auf Musik, in einer anonymen, satirischen Rezension der Première im Oktober 1733 von Ramaus Hippolyte et aricie, gedruckt in der Mercure de France Im Mai 1734. Der Kritiker implizierte, dass die Neuheit in dieser Oper "Du Barocque" war und sich beschwerte, dass der Musik eine kohärente Melodie fehlte, mit unablässigen Dissonanzen gefüllt war, den Schlüssel und Messgerät ständig veränderte und schnell jedes Kompositionsgerät durchlief.[4]

Jean-Jacques Rousseau, der Musiker und Komponist sowie Philosoph war, schrieb 1768 in der Enzyklopédie: "Barockmusik ist das, in dem die Harmonie verwirrt und mit Modulationen und Dissonanzen beladen ist. Der Gesang ist hart und unnatürlich, die Intonation schwierig und die Bewegung begrenzt. Es scheint, dass der Begriff aus dem Wort 'Baroco' von Logics verwendet wird . "[5] Rousseau bezog sich auf den philosophischen Begriff Baroco, in der Verwendung seit dem 13. Jahrhundert, um eine Art von Auskünften zu beschreiben und für einige unnötig komplizierte akademische Argumente.[6][7]

Die systematische Anwendung durch Historiker des Begriffs "Barock" auf die Musik dieser Zeit ist eine relativ jüngste Entwicklung. Im Jahr 1919, Curt Sachs wurde der erste, der die fünf Merkmale von anwand Heinrich WölfflinDie Theorie des Barocks systematisch zur Musik.[8] Kritiker stellten schnell den Versuch in Frage, Wölfflins Kategorien in Musik zu transponieren, und im zweiten Quartal des 20. Jahrhunderts wurden unabhängige Versuche von unabhängigen Versuchen gemacht Manfred Bukofzer (in Deutschland und nach seiner Einwanderung, in Amerika) und von Suzanne Clercx-Lejeune (in Belgien), um autonome, technische Analysen und nicht vergleichende Abstraktionen zu verwenden, um die Anpassung von Theorien basierend auf dem zu vermeiden Plastische Künste und Literatur zu Musik. All diese Bemühungen führten zu einer nennenswerten Meinungsverschiedenheit über Zeitgrenzen dieser Zeit, insbesondere zu Beginn. Auf Englisch erwarb der Begriff die Währung erst in den 1940er Jahren, in den Schriften von Bukofzer und Paul Henry Lang.[1]

Noch 1960 gab es in akademischen Kreisen, insbesondere in Frankreich und Großbritannien, immer noch erheblicher Streit, ob es sinnvoll war, Musik so vielfältig zusammenzubringen Jacopo Peri, Domenico Scarlatti, und Johann Sebastian Bach unter einer einzigen Rubrik. Trotzdem ist der Begriff für diese breite Musikpalette weit verbreitet und akzeptiert.[1] Es kann hilfreich sein, das Barock von beiden vorherzusagen (vorab zu unterscheiden (Renaissance) und folgt (Klassisch) Perioden der Musikgeschichte.

Geschichte

Während der gesamten Barock -Ära entstanden neue Entwicklungen in der Musik in Italien. Danach dauerte es bis zu 20 Jahre, bis sie im Rest der weitgehend übernommen wurden Westliche klassische Musik trainieren. Zum Beispiel wechselten italienische Komponisten auf die Galantstil um 1730, während deutsche Komponisten wie Johann Sebastian Bach weitgehend weitergeschrieben im Barockstil bis 1750.[9][10]

Phasen der Barockmusik[9][10]
Subperiode Zeit In Italien Anderswo
Frühes Barock 1580–1650
Mittlerer Barock 1630–1700
Spät Barock 1680–1750

Frühe Barockmusik (1580–1650)

Weitere Informationen: Übergang von Renaissance zu Barock in Instrumentalmusik
Claudio Monteverdi 1640

Das Florentiner Camerata war eine Gruppe von Humanisten, Musikern, Dichtern und Intellektuellen in der späten Renaissance Florenz, die sich unter der Schirmherrschaft des Grafen versammelten Giovanni de 'Bardi Diskussionen und Leitfaden Trends in den Künsten, insbesondere Musik und Theater. In Bezug auf Musik stützten sie ihre Ideale auf die Wahrnehmung von Klassik (besonders Altgriechisch) Musical Drama, das Diskurs und Rede schätzte.[11] Dementsprechend lehnten sie den Gebrauch der Zeitgenossen ab Polyfonie (mehrere, unabhängige melodische Linien) und instrumentelle Musik und diskutierten so alte griechische Musikgeräte wie Monodie, was aus einem Solo -Gesang bestand, begleitet von a Kithara (ein altes Strahlinstrument).[12] Die frühen Erkenntnisse dieser Ideen, einschließlich Jacopo Peri's Dafne und L'Eridice, markierte den Beginn der Oper,[13] Das war ein Katalysator für Barockmusik.[14]

In Bezug auf die Musiktheorie, die weiter verbreitete Verwendung von Figurer Bass (auch bekannt als gründlicher Bass) repräsentiert die sich entwickelnde Bedeutung von Harmonie als lineare Grundlagen der Polyphonie.[15] Harmonie ist das Endergebnis von Kontrapunktund figurer Bass ist eine visuelle Darstellung dieser Harmonien, die üblicherweise in der musikalischen Leistung eingesetzt werden. Mit fundiertem Bass wurden Zahlen, Unfall- oder Symbole über dem platziert Basslinie das wurde von gelesen von Tastaturinstrument Spieler wie Cembalo Spieler oder Pfeifenorganisten (oder lutenists). Die Zahlen, Unfallungen oder Symbole, die dem Tastaturspieler angegeben sind, welche Intervalle sind über jeder Bassnote gespielt. Der Tastaturspieler würde improvisieren a Akkordstimmung Für jeden Bassnotiz.[16] Komponisten begannen sich mit sich mit Harmonische Fortschritte,[17] und beschäftigte auch die Tritone, als instabiles Intervall wahrgenommen,[18] Dissonanz erzeugen (es wurde in der verwendet dominant siebten Akkord und die verminderter Akkord). Ein Interesse an Harmonie hatte auch unter bestimmten Komponisten in der Renaissance existiert, insbesondere bei der Renaissance Carlo Geesualdo;[19] Die Verwendung von Harmonie, die auf Tonalität gerichtet ist (ein Fokus auf ein Musical Schlüssel Das wird eher zum "Heimnotiz" eines Stücks) und nicht zur "Heimnote" Modalitätmarkiert die Verschiebung von der Renaissance in die Barockzeit.[20] Dies führte zu der Idee, dass bestimmte Sequenzen von Akkorden und nicht nur Notizen ein Gefühl geben könnten Schließung am Ende eines Stücks- Einer der grundlegenden Ideen, die als bekannt wurden als Tonalität.

Durch Einbeziehung dieser neuen Aspekte der Komposition, Claudio Monteverdi Förderte den Übergang vom Musikstil der Renaissance zu dem der Barockzeit. Er entwickelte zwei individuelle Kompositionsstile - das Erbe der Renaissance -Polyphonie (Prima PRATICA) und die neuen Basso Continuo Technik des Barocks (Seconda Pratica). Mit Basso Continuo würde eine kleine Gruppe von Musikern das spielen Basslinie und die Akkorde, die die Begleitung für a bildeten Melodie. Die Basso Continuo -Gruppe würde normalerweise einen oder mehrere Tastaturspieler und a verwenden Laute Spieler, der die Basslinie spielen und die Akkorde und mehrere Bassistinstrumente improvisieren (z. B. Bassviola, Cello, Kontrabass) das würde die Basslinie spielen. Mit dem Schreiben von die Opern L'orfeo und L'Ecoronazione di poppea Monteverdi hat dieses neue Genre beträchtlich beachtet.[21] Dieser venezianische Stil wurde von Deutschland von Handy von Deutschland gebracht Heinrich Schüttz, dessen vielfältiger Stil sich auch in die nachfolgende Periode entwickelte.

Idiomatische instrumentelle Texturen wurden immer deutlicher. Insbesondere die Stil Luthé- Die unregelmäßige und unvorhersehbare Ausbreitung von Akkordfortschrittenungen im Gegensatz zu der regelmäßigen Strukturierung gebrochener Akkorde - als seit dem frühen 20. Jahrhundert als Stil Briséwurde als konsequente Textur in der französischen Musik von etabliert von Robert Ballard,[22][23] in seinen Lautenbüchern von 1611 und 1614 und von Ennemond Gaultier.[24] Diese idiomatische Laute -Figuration wurde später in das Cembalo übertragen, zum Beispiel in der Tastaturmusik von Louis Couperin und Jean-Henri d'Anusbertund war im 18. und frühen 19. Jahrhundert weiterhin ein wichtiger Einfluss auf die Tastaturmusik (zum Beispiel in der Musik von Johann Sebastian Bach und Frederic Chopin).[23]

Middle Barockmusik (1630–1700)

Der Aufstieg des zentralisierten Gerichts ist eines der wirtschaftlichen und politischen Merkmale dessen, was oft als als bezeichnet wird Alter des Absolutismus, personifiziert von Ludwig XIV von Frankreich. Der Stil des Palastes und das Gerichtssystem der Manieren und Künste, die er förderte, wurde zum Modell für den Rest Europas. Die Realitäten der steigenden Kirchen- und Staatsprüfung schuf die Forderung nach organisierter öffentlicher Musik, da die zunehmende Verfügbarkeit von Instrumenten die Nachfrage nach Schaffung hat Kammermusik, die Musik für ein kleines Ensemble von Instrumentalisten ist.[25]

Jean-Baptiste Lully durch Paul Mignard

Ein herausragendes Beispiel für einen Komponisten im Gerichtsstil ist Jean-Baptiste Lully. Er kaufte Patente aus der Monarchie als alleiniger Komponist der Opern für den französischen König und verhindern, dass andere Opern inszeniert haben. Er absolvierte 15 lyrische Tragödien und ließ unvollendet Achille et Polyxène.[26] Lully war ein frühes Beispiel für a Dirigent; Er würde die Zeit mit einem großen Personal schlagen, um seine Ensembles zusammenzuhalten.

Musikalisch stellte er die von der italienischen Oper und charakteristisch geerbte Streichnorm für Orchester nicht fest, die von der italienischen Oper geerbt wurde Französische fünfteilige Disposition (Violinen, Bratschen-in Haues-Contres, Rückenträgern und Quintesgrößen-und Bass Violinen) war aus der Zeit von Louis XIII. Im Ballett verwendet worden. Er stellte dieses Ensemble jedoch in das Lyric Theatre vor, wobei die oberen Teile oft durch Rekorder, Flöten und Oboes und den Bass von Bassos verdoppelt wurden. Trompeten und Kettledrums wurden häufig für Heldenszenen hinzugefügt.[26]

Die mittlere Barockzeit in Italien wird durch die Entstehung der Stimmstile von definiert Kantate, Oratorium, und Oper In den 1630er Jahren und ein neues Konzept der Melodie und Harmonie, das den Status der Musik zu einer Gleichheit mit den Worten erhöhte, die früher als herausragend angesehen worden waren. Die Florid -Coloratura -Monodie des frühen Barocks wich einem einfacheren, polierten melodischen Stil. Diese Melodien wurden aus kurzen, cadentiell abgrenzten Ideen gebaut, die häufig auf stilisierten Tanzmustern basierten, die aus dem stammen Sarabande oder der Courante. Auch die Harmonien könnten einfacher sein als in der frühen Barockmonodie, um den Ausdruck auf längeren Noten auf leichtere Weise auf String und Crescendos und Diminuendos zu zeigen. Die dazugehörigen Basslinien wurden stärker in die Melodie integriert und erzeugten eine kontrapunktische Äquivalenz der Teile, die später zum Gerät einer anfänglichen Bass -Erwartung der Aria -Melodie führten. Diese harmonische Vereinfachung führte auch zu einem neuen formalen Gerät der Differenzierung von Rezitativ (ein gesprochener Teil der Oper) und Arie (Ein Teil der Oper, in dem gesungene Melodien verwendet wurden). Die wichtigsten Innovatoren dieses Stils waren die Römer Luigi Rossi und Giacomo Carissimi, die in erster Linie Komponisten von Kantaten bzw. Oratorien bzw. der Venezianer waren Francesco Cavalli, der hauptsächlich ein Opernkomponist war. Spätere wichtige Praktizierende dieses Stils umfassen Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi, und Alessandro Stradella.[27]

Arcangelo Corelli wird als einflussreich für seine Leistungen auf der anderen Seite der Musiktechnik - als Geigerin, die Geigentechnik und Pädagogik organisiert - und in rein instrumentaler Musik, insbesondere seiner Anwaltschaft und Entwicklung des Konzert Grosso.[28] Während Lully vor Gericht verankert war, war Corelli einer der ersten Komponisten, die weit verbreitet waren und seine Musik in ganz Europa auftreten ließ. Wie bei Lullys Stilisierung und Organisation der Opera basiert das Konzert Grosso auf starken Kontrasten - Abteilungen zwischen denen, die vom vollständigen Orchester gespielt werden, und denen, die von einer kleineren Gruppe gespielt werden. Schnelle Abschnitte und langsame Abschnitte wurden gegenseitig gegenübergestellt. Unter seinen Schülern nummeriert ist Antonio Vivaldi, der später Hunderte von Werken komponierte, die auf den Prinzipien in Corelli's basieren Trio -Sonaten und Konzerti.[28]

Im Gegensatz zu diesen Komponisten,, Dieterich Buxtehude war keine Kreatur des Hofes, sondern war Kirchenmusiker, der die Posten des Organisten und Werkmeister im Marienkirche in Lübeck hielt. Seine Aufgaben als Werkmeister betrafen als Sekretär, Schatzmeister und Geschäftsführer der Kirche, während seine Position als Organist das Spielen für alle Hauptdienste beinhaltete, manchmal in Zusammenarbeit mit anderen Instrumentalisten oder Sänger, die ebenfalls von der Kirche bezahlt wurden. Außerhalb seiner offiziellen Kirchenaufgaben organisierte er eine Konzertreihe als die Abendmusken, einschließlich Auftritten heiliger dramatischer Werke, die von seinen Zeitgenossen als Äquivalent zu Opern angesehen wurden.[29]

Frankreich:

Späte Barockmusik (1680–1750)

George Frideric Händel

Die Arbeit von George Frideric Händel, Johann Sebastian Bach und ihre Zeitgenossen, einschließlich Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann und andere haben die Barock-Ära in ihren Höhepunkt vorangetrieben.[34]

  • a.k.a. High Barock

Beginn

Italien:

Marc-Antoine Charpentier
Marc-Antoine Charpentier

Frankreich:

Breitere Akzeptanz

Italien:

Proliferation:

Frankreich:

Zentraleuropa:

Übergang zur klassischen Ära

Galant Musik:

Bachs ältere Söhne und Schüler:

Mannheim -Schule:


Zeitleiste der Komponisten

Siehe auch: Liste der Barockkomponisten
Giovanni Battista Pergolesi Baldassare Galuppi Carlos Seixas Johann Adolf Hasse Riccardo Broschi Johann Joachim Quantz Pietro Locatelli Giuseppe Tartini Leonardo Vinci Johann Friedrich Fasch Francesco Geminiani Nicola Porpora Silvius Leopold Weiss George Frideric Handel Domenico Scarlatti Johann Sebastian Bach Johann Gottfried Walther Jean-Philippe Rameau Johann David Heinichen Georg Philipp Telemann Jan Dismas Zelenka Antonio Vivaldi Tomaso Albinoni Johann Caspar Ferdinand Fischer Antonio Caldara Francois Couperin Alessandro Scarlatti Henry Purcell Marin Marais Arcangelo Corelli Johann Pachelbel Heinrich Ignaz Biber Dieterich Buxtehude Marc Antoine Charpentier Jean-Baptiste Lully Jean-Henri d'Anglebert Johann Heinrich Schmelzer Barbara Strozzi Johann Jakob Froberger Giacomo Carissimi Antonio Bertali William Lawes Francesco Cavalli Samuel Scheidt Heinrich Schütz Girolamo Frescobaldi Gregorio Allegri Claudio Monteverdi Jan Pieterszoon Sweelinck Jacopo Peri

Instrumente

Hauptartikel: Barockinstrumente
Siehe auch: Liste der Zeitinstrumente

Saiten

Doppel-Manual-Cembalo Von Vital Julian Frey nach Jean-Claude Goujon (1749)
Einzelne Noten für eine Harfe des 17. Jahrhunderts.[36]

Holzbläser

Messing

Tastaturen

Schlagzeug

Stile und Formen

Tanzsuite

Siehe auch: Suite (Musik) § Tanzsuite
Eine große Instrumental -Ensemble -Leistung in verschwenderisch Teatro Argentina, wie abgebildet von Panini (1747)

Ein Merkmal der Barockform war die Tanzsuite. Etwas Tanzsuiten von Bach werden genannt PartitasObwohl dieser Begriff auch für andere Stückesammlungen verwendet wird. Während die Stücke in einer Tanzsuite von tatsächlichen Tanzmusik inspiriert waren, wurden Tanz Suiten für das Zuhören konzipiert und nicht für begleitende Tänzer. Komponisten verwendeten in ihren Tanzsuiten eine Vielzahl verschiedener Tanzbewegungen. Eine Tanzsuite besteht oft aus den folgenden Bewegungen:

  • Ouvertüre- Die Barocksuite begann oft mit einer französischen Ouvertüre ("Ouverture" auf Französisch), einer langsamen Bewegung, auf die eine Reihe von Tänzen verschiedener Typen gefolgt wurde, hauptsächlich die folgenden vier:
  • Allemande- Oft der erste Tanz eines Instrumentals SuiteDer Allemande war ein sehr beliebter Tanz, der seinen Ursprung im Deutschen hatte Renaissance Epoche. Der Allemande wurde mit moderatem gespielt Tempo und konnte mit jedem Schlag der Bar beginnen.[37]
  • Courante- Der zweite Tanz ist der Courante, ein lebhafter französischer Tanz in dreifacher Meter. Die italienische Version heißt Corrente.
  • Sarabande- Die Sarabande, ein spanischer Tanz, ist das dritte der vier Grundtänze und einer der langsamsten der Barocktänze. Es befindet sich auch in dreifachem Meter und kann mit jedem Takt der Bar beginnen, obwohl der Schwerpunkt auf dem zweiten Schlag liegt und das charakteristische "Stiel" oder den iambischen Rhythmus der Sarabande entsteht.[37]
  • Gigue- Die Gigue ist ein optimistischer und lebhafter Barocktanz in zusammengesetzten Messgerät, typischerweise die abschließende Bewegung einer Instrumentalsuite und das vierte seiner grundlegenden Tanztypen. Die Gigue kann mit jedem Takt der Bar beginnen und ist leicht durch ihr rhythmisches Gefühl zu erkennen. Der Gigue entstand in der britische Inseln. Sein Gegenstück in Volksmusik ist der Jig.[37]

Diese vier Tanztypen (Allemande, Courante, Sarabande und Gigue) machen die Mehrheit der Suiten des 17. Jahrhunderts aus; Spätere Suiten interpolieren einen oder mehrere zusätzliche Tänze zwischen Sarabande und Gigue:

  • Gavotte- Der Gavotte kann durch eine Vielzahl von Merkmalen identifiziert werden. es ist in 4
    4     Zeit und immer mit dem dritten Beat der Bar beginnt, obwohl dies in einigen Fällen wie der erste Beat klingt, da die ersten und dritten Beats die starken Beats in Vierfachzeit sind. Der Gavotte wird in einem moderaten Tempo gespielt, obwohl es in einigen Fällen schneller gespielt werden kann.
  • Bourrée- Die Bourrée ähnelt dem Gavotte wie in 2
    2     Die Zeit, obwohl es in der zweiten Hälfte des letzten Beats der Bar beginnt und ein anderes Gefühl als Tanz schafft. Der Bourrée wird üblicherweise in einem gemäßigten Tempo gespielt, obwohl es für einige Komponisten wie Händel in einem viel schnelleren Tempo eingenommen werden kann.[2]
  • Menuett-Das Minuet ist vielleicht das bekannteste der Barocktänze in dreifachem Meter. Es hat keine Anakrusie. In einigen Suiten kann es ein Minuet I und II geben, der nacheinander gespielt wird, wobei das Minuet, das ich wiederholte, aber ohne die inneren Wiederholungen.
  • Passespied- The Passepied ist ein schneller Tanz in binärer Form und dreifacher Meter, der als Hof -Tanz in entstanden ist Bretagne.[38] Beispiele finden Sie in späteren Suiten wie denen von Bach und Händel.
  • Rigaudon- Der Rigaudon ist ein lebhafter französischer Tanz im Duple -Messgerät, ähnlich dem Bourrée, aber rhythmisch einfacher. Es entstand als eine Familie eng verwandter südfranzösischer Volkstänze, die traditionell mit den Provinzen Vavarais verbunden sind, Languedoc, Dauphiné, und Provence.[39]

Darüber hinaus gibt es zahlreiche andere Tanzformen sowie andere Stücke, die in einer Suite enthalten sein könnten, wie z. Polonäse, Loure, Scherzo, Luft, etc.

Andere Eigenschaften

  • Auftakt- Eine Suite könnte von einem Auftakt gestartet werden, ein langsames Stück in einem improvisatorischen Stil. Einige Barock -Präludes wurden nicht vollständig ausgeschrieben; Stattdessen wurde eine Sequenz von Akkorden angegeben, mit der Erwartung, dass der Instrumentalist einen melodischen Teil unter Verwendung des angegebenen harmonischen Rahmens improvisieren kann. Der Auftakt basierte nicht auf einer Art Tanz.
  • Hauptgericht- Manchmal wird ein Vorspeisen als Teil einer Suite komponiert; Aber da ist es rein instrumentaler Musik und es wird kein Tanz aufgeführt. Es ist eine Einführung, ein März-ähnliches Stück, das während des Eingangs einer Tanzgruppe gespielt oder vor einem Ballett gespielt wird. Normalerweise in 4
    4     Zeit. Es hängt mit dem italienischen 'Intrada' zusammen.
  • Basso Continuo- Eine Art kontinuierlicher Begleitung, die mit einem neuen Musiknotationssystem notiert ist, Figurer Bass, normalerweise für eine oder mehrere anhaltende Bassinstrumente (z. B.,, Cello) und ein oder mehrere Akkordspielinstrumente (z. B. Tastaturinstrumente wie z. Cembalo, Orgel oder Laute)
  • Das Konzert (ein Solo -Stück mit Orchester -Begleitung) und Konzert Grosso
  • Monodie- Ein Auswachsen des Liedes
  • Homophonie- Musik mit einer melodischen Stimme und rhythmisch ähnlichem (und untergeordneter) Chordal -Begleitung (diese und Monody stehen im Gegensatz zu der typischen Renaissance Textur, Polyfonie)[40]
  • Dramatische musikalische Formen wie Oper, Dramma pro Musica[41]
  • Kombinierte instrumental-vokale Formen, wie die Oratorium und Kantate,[41] Beide verwendeten Sänger und Orchester
  • Neue Instrumentaltechniken wie Tremolo und Pizzicato[41]
  • Das Da Capo Aria "Genossen übersät".
  • Das Ritornello ARIA - wiederholte kurze instrumentelle Unterbrechungen von Gesangspassagen.[42]
  • Das Konzertato Stil - Kontrast im Klang zwischen Gruppen von Instrumenten.[43]
  • Umfangreich Ornamentik,[44] was typischerweise von Sängern und Instrumentalisten improvisiert wurde (z. B.,, Trills, Mordente, etc.)

Genres

Vokal

Instrumental

Anmerkungen

  1. ^ a b c d e Palisca 2001.
  2. ^ a b c Mackay und Romuma 2007.
  3. ^ "Barock - wiktionär". en.wiktionary.org. Abgerufen 13. September 2021.
  4. ^ Palisca 1989, S. 7–8.
  5. ^ Enzyklopädie; Lettre sur la musique francaise Unter der Leitung von Denis Diderot
  6. ^ Antoine Arnauld, Pierre Nicole, La logique ou l'art de penser, Teil drei, Kapitel VI (1662) (in Französisch)
  7. ^ "Barock: Etymologie de Barock". www.cnrtl.fr. Abgerufen 4. Januar 2019.
  8. ^ Sachs 1919, S. 7–15.
  9. ^ a b Bukofzer 1947, S. 17ff.
  10. ^ a b Bukofzer 2013, "Die Phasen der Barockmusik" S. 26–29.
  11. ^ Nuti 2007, p. 14.
  12. ^ Wallechinsky 2007, p. 445.
  13. ^ Chua 2001, p. 26.
  14. ^ Wainwright und Holman 2005, p. 4.
  15. ^ Clarke 1898, S. 147–48.
  16. ^ Haagmans 1916, p. vi.
  17. ^ York 1909, p. 109.
  18. ^ Donington 1974, p. 156.
  19. ^ Watkins 1991, p. 103.
  20. ^ Norton 1984, p. 24.
  21. ^ Carter und Chew 2013.
  22. ^ Rollin & Ledbetter 2001.
  23. ^ a b Ledbetter 2001.
  24. ^ Rollin 2001a.
  25. ^ Sadie 2013.
  26. ^ a b La Gorce 2001.
  27. ^ Bukofzer 1947, S. 118–21.
  28. ^ a b Talbot 2001a.
  29. ^ Snyder 2001.
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  31. ^ Ledbetter & Harris 2014.
  32. ^ Fuller 2001.
  33. ^ Fuller & Gustafson 2001.
  34. ^ Sadie 2002.
  35. ^ Dürr 1954.
  36. ^ "Muziek Voor Barokharp". lib.ugent.be. Abgerufen 27. August 2020.
  37. ^ a b c Estrella 2012.
  38. ^ Little 2001a.
  39. ^ Little 2001b.
  40. ^ Hyer 2013.
  41. ^ a b c Shotwell 2002.
  42. ^ Talbot 2001b.
  43. ^ Carver 2013.
  44. ^ Roseman 1975.

Verweise

Weitere Lektüre

  • Christensen, Thomas Street und Peter Dejans. Auf Tonalität Aspekte der Barockmusiktheorie. Leuven: Leuven University Press, 2007. ISBN978-90-5867-587-3
  • Cyr, Mary. Essays zur Aufführung der Barockmusikoper und der Kammermusik in Frankreich und England. Variorum gesammelte Studienreihen, 899. Aldershot, Hants, England: Ashgate, 2008. ISBN978-0-7546-5926-6
  • Foreman, Edward. Eine Bel Canto -Methode oder wie man italienische Barockmusik korrekt auf der Grundlage der primären Quellen singt. 20. Jahrhundert Masterworks on Singing, v. 12. Minneapolis, Minn: Pro Musica Press, 2006. ISBN978-1-887117-18-0
  • Hebson, Audrey (2012). "Tanz und seine Bedeutung in Bachs Suites für Solo -Cello", Musikalische Angebote: Vol. 1: Nr. 2, Artikel 2. Verfügbar bei http://digitalcommons.cedarville.edu/musicsoFferings/vol1/iss2/2.
  • Hoffer, Brandi (2012). "Heilige deutsche Musik im dreißigjährigen Krieg", Musikangebote: Vol. 3: Nr. 1, Artikel 1. verfügbar bei http://digitalcommons.cedarville.edu/musicsoFferings/vol3/iss1/1.
  • Schubert, Peter und Christoph Neidhöfer. Barock -Kontrapunkt. Upper Saddle River, NJ: Pearson Prentice Hall, 2006. ISBN978-0-13-183442-2
  • Schulenberg, David. Musik des Barocks. New York: Oxford Up, 2001. ISBN978-0-19-512232-9
  • Stauffer, George B. Die Welt der Barockmusik Neue Perspektiven. Bloomington: Indiana University Press, 2006. ISBN978-0-253-34798-5
  • Strunk, Oliver. Quellenlesungen in der Musikgeschichte. Von der klassischen Antike bis zur romantischen Ära. London: Faber & Faber, 1952.

Externe Links