Barock-

Der Barock

Oben: Venus und Adonis durch Peter Paul Rubens (1635–40); Center: Die Ekstase von Saint Teresa durch Bernini (1651); Unten: die Schloss von Versailles in Frankreich (c.1660-1715)
aktive Jahre	17. bis 18. Jahrhundert

Das Barock- (Vereinigtes Königreich: /bəˈrɒk/, UNS: /bəˈroʊk/; Französisch:[Baʁɔk]) ist ein Stil von die Architektur, Musik, tanzen, Malerei, Skulptur, Poesie und andere Künste, die vom frühen 17. Jahrhundert bis in die 1740er Jahre in Europa blühten. In den Territorien der spanischen und portugiesischen Reiche, einschließlich der iberischen Halbinsel, ging es zusammen mit neuen Stilen bis zum ersten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts fort. Es folgte Renaissance -Kunst und Manierismus und ging dem voraus Rokoko (in der Vergangenheit oft als "spät Barock" bezeichnet) und Neoklassizistisch Stile. Es wurde von der ermutigt katholische Kirche als Mittel, um der Einfachheit und Sparsamkeit von entgegenzuwirken evangelisch Architektur, Kunst und Musik Lutherische Barockkunst Auch in Teilen Europas entwickelt.^[1]

Der Barockstil verwendete Kontrast, Bewegung, ausgelassenes Detail, tiefe Farbe, Größe und Überraschung, um ein Gefühl der Ehrfurcht zu erlangen. Der Stil begann zu Beginn des 17. Jahrhunderts in Rom und breitete sich dann schnell nach Frankreich, Norditalien, Spanien und Portugal, dann nach Österreich, Süddeutschland und Russland aus. In den 1730er Jahren hatte es sich zu einem noch extravaganteren Stil entwickelt, genannt Rocaille oder Rokoko, die bis Mitte bis Ende des 18. Jahrhunderts in Frankreich und Mitteleuropa erschien.

In dem dekorative KünsteDer Stil verwendet reichlich und kompliziertes Ornament. Die Abreise vom Renaissance -Klassizismus hat in jedem Land seine eigenen Wege. Ein allgemeines Merkmal ist jedoch, dass überall der Ausgangspunkt die von der eingeführten Zierelemente sind Renaissance. Das klassische Repertoire ist überfüllt, dicht, überlappend, geladen, um Schockeffekte zu provozieren. Neue Motive, die von Barock eingeführt werden, sind: die Kartusche, Trophäen und Waffen, Körbe von Früchten oder Blumen und andere, gemacht in Einlegearbeit, Stuck, oder geschnitzt.^[2]

Ursprung des Wortes

Das englische Wort Barock kommt direkt aus dem Französisch. Einige Gelehrte geben an, dass das französische Wort aus dem portugiesischen Begriff stammt Barroco ("eine fehlerhafte Perle"), die auf zeigen^{[Klarstellung erforderlich]} der Latein Verruca,^[3] ("Wart") oder zu einem Wort mit dem Suffix -ǒccu (häufig in vor-römischer Iberia).^[4][5][6] Andere Quellen schlagen a vor Mittelalterliches Latein Begriff in Logik, Baroco, als die wahrscheinlichste Quelle.^[7]

Im 16. Jahrhundert das mittelalterliche lateinische Wort Baroco bewegte sich über die schulische Logik hinaus und wurde in die Nutzung, um alles zu charakterisieren, was absurd komplex zu sein schien. Der französische Philosoph Michel de Montaigne (1533–1592) mit dem Begriff verbunden Baroco mit "bizarr und nutzlos kompliziert".^[8] Andere frühe Quellen assoziieren Baroco mit Magie, Komplexität, Verwirrung und Überschuss.^[7]

Das Wort Barock war auch vor dem 18. Jahrhundert mit unregelmäßigen Perlen verbunden. Die Franzosen Barock und Portugiesisch Barroco wurden oft mit Schmuck verbunden. Ein Beispiel aus 1531 verwendet den Begriff, um Perlen in einem Inventar von zu beschreiben Charles V von FrankreichSchätze.^[9] Später erscheint das Wort in einer Ausgabe von 1694 von 1694 von Le Dictionnaire de l'Académie Française, was beschreibt Barock als "nur für Perlen verwendet, die unvollkommen rund sind".^[10] Ein portugiesisches Wörterbuch von 1728 beschreibt ähnlich Barroco in Bezug auf eine "grobe und ungleiche Perle".^[11]

Eine alternative Ableitung des Wortes Barock zeigt auf den Namen des italienischen Malers Federico Barocci (1528–1612).^[12]

Im 18. Jahrhundert wurde der Begriff verwendet, um Musik zu beschreiben, und nicht auf schmeichelhafte Weise. In einer anonymen satirischen Rezension der Première von Jean-Philippe Rameau's Hippolyte et aricie im Oktober 1733, das in der gedruckt wurde Mercure de France Im Mai 1734 schrieb der Kritiker, dass die Neuheit in dieser Oper "Du Barocque" sei und sich beschwerte, dass der Musik eine kohärente Melodie fehlt, mit Dissonanzen nicht angemessen war, den Schlüssel und Messgerät ständig veränderte und jedes Kompositionsvermögen schnell durchlief.^[13]

1762 Le Dictionnaire de l'Académie Française aufgezeichnet, dass der Begriff im übertragenen Sinne etwas "unregelmäßig, bizarr oder ungleich" beschreiben könnte.^[14]

Jean-Jacques Rousseau, der Musiker und Komponist sowie ein Philosoph war, schrieb 1768 in der Enzyklopédie: "Barockmusik ist das, in dem die Harmonie verwirrt und mit Modulationen und Dissonanzen beladen ist. Der Gesang ist hart und unnatürlich, die Intonation schwierig und die Bewegung begrenzt. Es scheint, dass der Begriff aus dem Wort 'Baroco' von Logics verwendet wird . "^[8][15]

1788 Quatremère de Quincy definierte den Begriff in der Enzyklopédie Méthodique als "ein architektonischer Stil, der sehr geschmückt und gequält ist".^[16]

Die französischen Begriffe Stil Barock und Musique Barock erschien in Le Dictionnaire de l'Académie Française 1835.^[17] Bis Mitte des 19. Jahrhunderts hatten Kunstkritiker und Historiker den Begriff "Barock" übernommen, um die Kunst nach der Renaissance zu verspotten. Dies war das Gefühl des Wortes, wie es 1855 vom führenden Kunsthistoriker verwendet wurde Jacob Burckhardt, wer schrieb, dass Barockkünstler "verachtete und missbraucht" details verachteten, weil ihnen "Respekt vor der Tradition" fehlte.^[18]

1888 der Kunsthistoriker Heinrich Wölfflin veröffentlichte die erste ernsthafte akademische Arbeit über den Stil, Renaissance und Barock, was die Unterschiede zwischen Gemälde, Skulptur und Architektur der Renaissance und dem Barock beschrieb.^[19]

Architektur: Ursprünge und Eigenschaften

Der Barockstil der Architektur war das Ergebnis von Lehren, die von der übernommen wurden katholische Kirche Bei der Rat von Trent 1545–63 als Reaktion auf die Protestantische Reformation. Die erste Phase der Gegenreformation hatte religiöse Architektur einen schweren, akademischen Stil auferlegt, der Intellektuelle, jedoch nicht an die Messe der Kirchgänger, angesprochen hatte. Der Rat von Trent beschloss stattdessen, ein populäreres Publikum anzusprechen, und erklärte, dass die Künste religiöse Themen mit direkter und emotionaler Beteiligung kommunizieren sollten.^[21][22] In ähnlicher Weise entwickelte sich die lutherische Barockkunst als konfessionelle Identitätsmarker als Reaktion auf die Tolles Iconoklasma von Calvinisten.^[23]

Barockkirchen wurden mit einem großen zentralen Raum entworfen, in dem die Anbeter in der Nähe des Altars liegen konnten, mit einer Kuppel- oder Kuppel- oder Kuppelhoch -Überhead, sodass Licht die Kirche darunter beleuchtet. Die Kuppel war eines der zentralen symbolischen Merkmale der Barockarchitektur, die die Vereinigung zwischen Himmel und Erde veranschaulicht. Das Innere der Kuppel wurde reichlich mit Gemälden von Engeln und Heiligen und mit Stuckstatuetten von Engeln verziert, was den folgenden den Eindruck gab nach dem Himmel aufschauen.^[24] Ein weiteres Merkmal von Barockkirchen sind die Quadratura; Trompe-l'i Gemälde an der Decke in Stucksrahmen, entweder real oder gemalt, überfüllt mit Gemälden von Heiligen und Engeln und durch architektonische Details mit den Balustraden und Konsolen verbunden. Quadratura Gemälde von Atlantes Unter den Gesimsen scheinen die Decke der Kirche zu unterstützen. Im Gegensatz zu den bemalten Decken von Michelangelo in der Sixtinische Kapelle, die verschiedene Szenen mit jeweils einer eigenen Perspektive kombinierte, um einzeln betrachtet zu werden waren real.

Die Innenräume von Barockkirchen wurden im hohen Barock immer verzierter und konzentrierten sich auf den Altar, der normalerweise unter die Kuppel platziert wurde. Die berühmtesten barock dekorativen Werke des hohen Barock sind die Vorsitzender des Heiligen Peter (1647–1653) und die Baldachino von St. Peter (1623–1634), beide durch Gian Lorenzo Bernini, in St. Peter Basilika in Rom. Der Baldequin des heiligen Petrus ist ein Beispiel für das Gleichgewicht der Gegensätze in Barockkunst; die gigantischen Anteile des Stücks mit der scheinbaren Leichtigkeit des Baldachins; und der Kontrast zwischen den festen verdrehten Säulen, Bronze, Gold und Marmor des Stücks mit den fließenden Vorhängen der Engel auf dem Baldachin.^[25] Das DRESDEN FAUENKIRCHE dient als herausragendes Beispiel für die lutherische Barockkunst, die 1743 abgeschlossen wurde, nachdem er vom lutherischen Stadtrat von Dresden in Auftrag gegeben wurde und "von Beobachtern des 18. Jahrhunderts mit St. Peter in Rom verglichen wurde".^[1]

Die verdrehte Säule im Inneren der Kirchen ist eines der charakteristischen Merkmale des Barocks. Es gibt sowohl ein Gefühl der Bewegung als auch eine dramatische neue Art der Reflexion von Licht. Das Kartusche war ein weiteres charakteristisches Merkmal der Barockdekoration. Es handelte sich um große Plaques aus Marmor oder Stein, normalerweise oval und mit einer abgerundeten Oberfläche, die Bilder oder Text in vergoldeten Buchstaben trug und als Innenausstattung oder über den Türen der Gebäude platziert wurden und Nachrichten an die unten lieferten. Sie zeigten eine Vielzahl von Erfindungen und wurden in allen Arten von Gebäuden gefunden, von Kathedralen und Palästen bis zu kleinen Kapellen.^[26]

Barockarchitekten manchmal verwendet erzwungene Perspektive Illusionen erschaffen. Für die Palazzo Spada In Rom verwendete Borromini Säulen mit abnehmender Größe, einem verengten Boden und einer Miniaturstatue im Garten jenseits, um die Illusion zu erzeugen, dass ein Durchgang dreißig Meter lang war, wenn er tatsächlich nur sieben Meter lang war. Eine Statue am Ende der Passage scheint lebensgroß zu sein, obwohl sie nur sechzig Zentimeter hoch ist. Borromini entwarf die Illusion mit Hilfe eines Mathematikers.

Italian Baroque

Das erste Gebäude in Rom, das eine Barockfassade hat, war die Kirche der Gesù 1584; Es war nach späteren Barockstandards klar, markierte aber einen Bruch mit den traditionellen Renaissance -Fassaden, die ihm vorausgingen. Das Innere dieser Kirche blieb bis zum hohen Barock sehr streng, als sie verschwenderisch verziert war.

In Rom im Jahr 1605, Paul v wurde die erste Reihe von Serien von Päpste Wer Basilicas und Kirchengebäude in Auftrag gegeben hat, um Emotionen und Ehrfurcht durch eine Verbreitung von Formen sowie einen Farbenreichtum und dramatische Effekte zu bewirken.^[28] Zu den einflussreichsten Denkmälern des frühen Barocks gehörten die Fassade von St. Peter Basilika (1606–1619) und das neue Kirchenschiff und die neue Loggia, die die Fassade mit Michelangelos Kuppel in der früheren Kirche verbanden. Das neue Design schuf einen dramatischen Kontrast zwischen der hochfliegenden Kuppel und der unverhältnismäßig breiten Fassade und dem Kontrast an der Fassade selbst zwischen den dorischen Säulen und der großen Masse des Portikus.^[29]

Mitte bis Ende des 17. Jahrhunderts erreichte der Stil seinen Höhepunkt, später als hoher Barock. Viele monumentale Werke wurden von Päpsten in Auftrag gegeben Urban VIII und Alexander VII. Der Bildhauer und Architekten Gian Lorenzo Bernini entwarf eine neue Vierfachkolonnade um den St. Peter's Square (1656 bis 1667). Die drei Galerien von Säulen in einer riesigen Ellipse balancieren die übergroße Kuppel und geben der Kirche eine Einheit und das Gefühl eines riesigen Theaters.^[30]

Ein weiterer großer Innovator des italienischen High Barock war Francesco Borromini, dessen Hauptwerk die Kirche von war San Carlo Alle Quattro Fontane oder Saint Charles der vier Brunnen (1634–46). Das Gefühl der Bewegung wird nicht durch die Dekoration gegeben, sondern durch die Wände selbst, die sich und konkave und konvexe Elemente, einschließlich eines ovalen Turms und eines Balkons, in eine konkave Traverse eingeführt. Das Innenraum war gleichermaßen revolutionär; Der Hauptraum der Kirche war oval unter einer ovalen Kuppel.^[30]

Bemalten Decken, überfüllt mit Engeln und Heiligen und Trompe-l'i Architektonische Effekte waren ein wichtiges Merkmal des italienischen High Barock. Hauptwerke enthalten Der Eintritt von Saint Ignatius in das Paradies durch Andrea Pozzo (1685–1695) in der Kirche des Heiligen Ignatius in Rom und Der Triumph des Namens Jesu durch Giovanni Battista Gaulli in dem Kirche der Gesù in Rom (1669–1683), in dem Figuren aus dem Bilderrahmen und dramatischen schrägen Beleuchtung und helldunkelnden Kontrasten enthielten.^[31] Der Stil breitete sich schnell von Rom zu anderen Regionen Italiens aus: Er erschien in Venedig in der Kirche von Santa Maria Della Salute (1631–1687) von Baldassare Longhena, eine hoch originelle achteckige Form, die mit einer riesigen Kuppel gekrönt ist. Es erschien auch in Turin, insbesondere in der Kapelle des Heiligen Leichentuchs (1668–1694) von Guarino Guarini. Der Stil begann auch in Palästen zu verwenden; Guarini entwarf die Palazzo Carignano in Turin, während Longhena das entwarf Ca 'Rezzonico auf der Grandkanal, (1657), beendet von Giorgio Massari mit dekoriert mit Gemälden von Giovanni Battista Tiepolo.^[32] Eine Reihe massiver Erdbeben in Sizilien erforderte den Wiederaufbau der meisten von ihnen und mehrere wurden im ausgelassenen späten Barock- oder Rococo -Stil gebaut.

• 

  Santa Maria Della Salute (Venedig), 1631–1687, von Baldassare Longhena^[33]

• 

  San Carlo Alle Quattro Fontane (Rom), 1638–1677, von Francesco Borromini^[34]

• 

  Fontana dei Quattro Fiumi (Rom), 1648–1651, von Gian Lorenzo Bernini^[35]

• 

  St. Peter Square (Rom), 1656–1667, von Gian Lorenzo Bernini^[27]

• 

  Santa Maria Della Tempo (Rom), 1656–1667, von Pietro da Cortona^[36]

Spanischer Barock

Die katholische Kirche in Spanien und insbesondere die Jesuiten waren die treibende Kraft der spanischen Barockarchitektur. Die erste große Arbeit in diesem Stil war die San Isidro -Kapelle in Madrid, begonnen 1643 von Pedro de la Torre. Es kontrastierte einen extremen Ornamentsreichtum im Außenbereich mit Einfachheit im Innenraum, unterteilt in mehrere Räume und verwendete die Auswirkungen von Licht, um ein Gefühl des Geheimnisses zu erzeugen.^[37] Die Kathedrale in Santiago de Compostela wurde modernisiert mit einer Reihe von Barock -Ergänzungen, beginnend Ende des 17. Jahrhundert Obradorio, hinzugefügt zwischen 1738 und 1750 von Fernando de Casas Novoa. Ein weiteres Wahrzeichen des spanischen Barocks ist der Kapellenturm der Palast von San Telmo in Sevilla durch Leonardo de Figueroa.^[38]

Granada war erst im 15. Jahrhundert aus den Mooren erobert und hatte eine eigene Auswahl an Barock. Der Maler, Bildhauer und Architekt Alonso Cano entwarf das Barockinnere von Granada Kathedrale Zwischen 1652 und seinem Tod im Jahr 1657. Es verfügt über dramatische Kontraste der massiven weißen Säulen und des Golddekors.

Die dekorativste und verschwenderischsten Architektur des spanischen Barocks heißt Churrigueresque Stil, benannt nach den Brüdern Churriguera, der hauptsächlich in Salamanca und Madrid arbeitete. Zu ihren Werken gehören die Gebäude auf dem Hauptplatz der Stadt, die Bürgermeister von Salamanca (1729).^[38] Dieser stark dekorative Barockstil hatte in vielen Kirchen und Kathedralen, die von den Spanier in Amerika errichtet wurden, einflussreich.

Andere bemerkenswerte spanische Barockarchitekten des verstorbenen Barocks umfassen Pedro de Ribera, ein Schüler von Churriguera, der das Royal Hospice von San Fernando in Madrid entworfen hat, und Narciso Tomé, der die gefeierten entworfen hat El transparente Altarbild bei Toledo Kathedrale (1729–32), der die Illusion in einem bestimmten Licht nach oben schwimmt.^[38]

Die Architekten des spanischen Barocks hatten weit über Spanien hinaus; Ihre Arbeit war in den in den spanischen Kolonien in Lateinamerika und den Philippinen gebauten Kirchen sehr einflussreich. Die von der erbaute Kirche durch die Jesuiten für ein College in TepotzotlánMit seiner verzierten Barockfassade und dem Turm ist ein gutes Beispiel.^[39]

• 

  Palacio de San Telmo (Sevilla, Spanien), 1682–1796, von Leonardo de Figueroa

• 

  Sakristei der Granada Charterhouse (Granada, Spanien), 1727–1764, von Narciso Tomé^[40]

• 

  Fassade der Kathedrale von Santiago de Compostela (Spanien), 1738, von Fernando de Casas Novoa^[41]

Zentraleuropa

Von 1680 bis 1750, viele hochkunstvolle Kathedralen, Abteien und Pilgerkirchen wurden in Mitteleuropa, in Bayern, Österreich, Böhmen und Südwestpolen gebaut. Einige waren in Rokoko Stil, ein ausgeprägter, extravaganterer und asymmetrischerer Stil, der aus dem Barock hervorging, ersetzte ihn in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Mitteleuropa, bis er wiederum durch den Klassizismus ersetzt wurde.^[43]

Die Prinzen der Vielzahl von Zuständen in dieser Region wählten auch Barock oder Rococo für ihre Paläste und Residenzen und verwendeten häufig italienische Architekten, um sie zu konstruieren.^[44] Zu den bemerkenswerten Architekten gehörten Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt und Dominikus Zimmermann in Bayern, Balthasar Neumann in Bruhl, und Matthäus Daniel Pöppelmann in Dresden. In Preußen, Frederick II. Von Preußen wurde von der inspiriert Grand Trianon des Schloss von Versaillesund benutzte es als Modell für seine Sommerresidenz, Ohne Sorge, in Potsdam, für ihn entwickelt von Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745–1747). Ein weiteres Werk der Barock -Palastarchitektur ist die Zwinger in Dresden, die frühere Orangerie des Palastes der Herzöge von Sachsen Im 18. Jahrhundert.

Eines der besten Beispiele einer Rococo -Kirche ist der Basilika Vierzehnheiligen, oder Basilika der vierzehn heiligen Helfer, eine Pilgerkirche in der Nähe der Stadt von Schlechtes Staffelstein in der Nähe von Bamberg, in Bayern, Süddeutschland. Die Basilika wurde von entworfen von Balthasar Neumann und wurde zwischen 1743 und 1772 gebaut, ihr Plan eine Reihe von ineinandergreifenden Kreisen um ein zentrales Oval mit dem Altar in der genauen Mitte der Kirche. Das Innere dieser Kirche zeigt den Gipfel der Rococo -Dekoration.^[45]Ein weiteres bemerkenswertes Beispiel für den Stil ist die Pilgerkirche der Wies (Deutsch: Wieskirche). Es wurde von den Brüdern entworfen J. B. und Dominikus Zimmermann. Es befindet sich in den Ausläufern der Alpenin der Gemeinde von Steingaden in dem Weilheim-Schongau Bezirk, Bayern, Deutschland. Die Konstruktion fand zwischen 1745 und 1754 statt, und das Innenraum wurde mit Fresken und Stuccowork in der Tradition der Tradition dekoriert Wessobrunner School. Es ist jetzt ein UNESCO Weltkulturerbe.

Ein weiteres bemerkenswertes Beispiel ist das St. Nicholas Church (Malá Strana) in Prag (1704–55), gebaut von Christoph Dientzenhofer und sein Sohn Kilian Ignaz Dientzenhofer. Die Dekoration deckt alle Wände des Innenraums der Kirche ab. Der Altar befindet sich in das Kirchenschiff unter der zentralen Kuppel und von Kapellen umgeben, kommt Licht von der Kuppel über und aus den umgebenden Kapellen herunter. Der Altar ist vollständig von Bögen, Säulen, gekrümmten Balustraden und Pilastern aus farbigem Stein umgeben, die reich mit Statuen dekoriert sind und eine absichtliche Verwirrung zwischen der realen Architektur und der Dekoration verursachen. Die Architektur wird in ein Theater aus Licht, Farbe und Bewegung verwandelt.^[25]

In Polen hat der Italiener inspiriert Polnischer Barock dauerte vom frühen 17. bis Mitte des 18. Jahrhunderts und betonte den Detail- und Farbreichtum. Das erste Barockgebäude im heutigen Polen und wahrscheinlich eines der bekanntesten ist das Kirche von St. Peter und Paulus in Kraków, entworfen von Giovanni Battista Trevano. Sigismunds Kolumne in Warschau1644 errichtete er das erste weltweite barocke Denkmal der Welt, das in Form einer Säule gebaut wurde.^[46] Der palastische Wohnsitzstil wurde durch die veranschaulicht Wilanów Palast, gebaut zwischen 1677 und 1696.^[47] Der bekannteste Barockarchitekt, der in Polen aktiv war, war Holländer Tylman van Gameren Zu seinen bemerkenswerten Werken gehört Warschau's St. Kazimierz Kirche und Krasiński -Palast, St. Anne in Kraków und Branicki -Palast in Bialystok.^[48] Das berühmteste Werk polnischer Barock ist jedoch die Fara Church in Posen, mit Details von Pompeo Ferrari.

• 

  Poznań Fara (Posen, Polen) 1651–1732, von Bartłomiej Nataniel Wąsowski, Giovanni Catenazzi, Pompeo Ferrari

• 

  Pestsäule (Wien, Österreich), 1682 und 1694, von Matthias Rauchmiller und Johann Bernhard Fischer von Erlach^[49]

• 

  Kirche der Heiligen Nicholas (Prag, Tschechische Republik), 1703–1711, von Christoph Dientzenhofer^[50]

• 

  Upper Belvedere (Wien), 1717–1723, von Johann Lukas von Hildebrandt^[51]

• 

  Rogalin Palast (Rogalin, Polen), 1768–1774^[52]

Französischer Barock

Barock in Frankreich entwickelte sich ganz anders als die kunstvollen und dramatischen lokalen Versionen von Barock aus Italien, Spanien und dem Rest Europas. Es erscheint schwerwiegend, distanzierter und zurückhaltend durch Vergleich, Vorhilfe Neoklassizismus und die Architektur der Aufklärung. Im Gegensatz zu italienischen Gebäuden haben französische Barockgebäude keine zerbrochenen Trittpedimente oder krummlinige Fassaden. Sogar religiöse Gebäude vermieden das intensive räumliche Drama, das man in der Arbeit von findet Borromini. Der Stil ist eng mit den Arbeiten verbunden Ludwig XIV (Reign 1643–1715), und aus diesem Grund ist es auch als die bekannt Louis XIV Style. Louis XIV lud den Meister von Barock, Bernini, ein, ein Design für den neuen Flügel des Louvre einzureichen, lehnte ihn jedoch zugunsten eines klassischeren Designs von ab Claude Perrault und Louis le Vau.^[53][54]

Die Hauptarchitekten des Stils enthalten François Mansart (1598–1666), Pierre le Muet (Kirche von Val-de-Grace, 1645–1665) und Louis le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661). Mansart war der erste Architekt, der ein Barockstyling einführte, hauptsächlich die häufige Verwendung eines angewandten bestellen und schwer Rostikationsanwaltin das französische architektonische Vokabular. Das Mansarddach wurde nicht von Mansart erfunden, aber es ist mit ihm in Verbindung gebracht, da er es häufig benutzte.^[55]

Das große königliche Projekt dieser Zeit war die Erweiterung von Schloss von Versailles, begonnen 1661 von Le Vau mit Dekoration durch den Maler Charles Le Brun. Die Gärten wurden von entworfen von André Le Nôtre Speziell, um die Architektur zu ergänzen und zu verstärken. Die Galerie des Glaces (Hall of Mirrors), das Herzstück des Château mit Gemälden von Le Brun, wurde zwischen 1678 und 1686 gebaut. Mansart absolvierte den Grand Trianon 1687. Die von De Cotte entworfene Kapelle wurde 1710 fertiggestellt. Nach dem Tod von Louis XIV fügte Louis XV die intimere hinzu Petit Trianon und das hochkunstvolle Theater. Die Brunnen in den Gärten waren so konzipiert, dass sie aus dem Innenraum aus gesehen und den dramatischen Effekt beitragen. Der Palast wurde insbesondere von anderen Monarchen Europas bewundert und kopiert Peter der Große von Russland, der zu Beginn der Regierungszeit von Louis XV Versailles besuchte und seine eigene Version bei baute Peterhof Palast In der Nähe von Saint Petersburg, zwischen 1705 und 1725.^[56]

• 

  Château de Maisons (Frankreich), von François Mansart, 1630–1651^[57]

• 

  Ostfront des Louvre (Paris), 1665–1680, von Claude Perrault und Louis le Vau^[58]

• 

  Kapelle des Palastes von Versailles (VersaillesFrankreich), 1696–1710^[59]

• 

  Porte Saint-Denis (Paris), 1672, von François Blondel^[60]

• 

  Dôme des Invalides (Paris), 1677–1706, von Jules Hardouin-Mansart^[61]

• 

  Hall of Mirrors des Palastes von Versailles, 1678-1684^[62]

• 

  Gartenfassade des Versailles-Palastes, 1678–1688, von Jules Hardouin-Mansart^[63]

• 

  Der Marmorgericht des Palastes von Versailles, 1680^[64]

• 

  Platz Vendôme (Paris), 1699–1706, von Jules Hardouin-Mansart^[65]

• 

  Hôtel de Rothelin-charolais (Paris), 1700–1704, von Pierre Cailleteau^[66]

Portugiesisch Barock

Die Barockarchitektur in Portugal dauerte ungefähr zwei Jahrhunderte (das späte 17. Jahrhundert und das 18. Jahrhundert). Die Herrschaft von John v und Joseph i Hatte in einer Zeit, in der der königliche Absolutismus namens Royal Absolutismus namens Royal Absolutismus, erhöht war, was es dem portugiesischen Barock ermöglichte.

Die Barockarchitektur in Portugal genießt eine besondere Situation und eine andere Zeitleiste als der Rest Europas.

Es ist durch mehrere politische, künstlerische und wirtschaftliche Faktoren konditioniert, die verschiedene Phasen und verschiedene Arten von externen Einflüssen stammen, was zu einer einzigartigen Mischung führt.^[67] Oft missverstanden von denen, die nach italienischer Kunst suchen, finden stattdessen bestimmte Formen und Charaktere, die ihm eine einzigartig portugiesische Vielfalt verleihen. Ein weiterer Schlüsselfaktor ist die Existenz der jesuitischen Architektur, auch als "einfacher Stil" bezeichnet (Estilo Chão oder Estilo Plano)^[68] Was wie der Name hervorruft, ist klarer und erscheint etwas strenger.

Die Gebäude sind Einzelzimmer-Basilikas, tiefe Hauptkapelle, seitliche Kapellen (mit kleinen Türen für die Kommunikation), ohne Innen- und Außendekoration, einfaches Portal und Fenster. Es ist ein praktisches Gebäude, das es im gesamten Imperium mit geringfügigen Anpassungen errichtet und darauf vorbereitet ist, später oder wenn wirtschaftliche Ressourcen verfügbar sind.

Tatsächlich fehlt dem ersten portugiesischen Barock nicht im Gebäude, da durch Dekoration (Malerei, Fliesen usw.) leicht zu verwandeln ist und leere Bereiche in pompöse, aufwändige Barockszenarien verwandelt. Gleiches kann auf die Außenseite angewendet werden. Anschließend ist es einfach, das Gebäude an den Geschmack von Zeit und Ort anzupassen und neue Funktionen und Details hinzuzufügen. Praktisch und wirtschaftlich.

Mit mehr Bewohnern und besseren wirtschaftlichen Ressourcen, im Norden, insbesondere der Gebiete von Porto und Braga,^[69][70][71] Zeuge einer architektonischen Erneuerung, die in der großen Liste der Kirchen, Klöster und Paläste, die von der Aristokratie errichtet wurden, sichtbar war.

Porto ist die Stadt Barock in Portugal. Sein historisches Zentrum ist Teil von UNESCO Weltkulturerbe.^[72]

Viele der Barockwerke im historischen Gebiet der Stadt und darüber hinaus gehören zu Nicolau Nasoni Ein italienischer Architekt, der in Portugal lebt und Originalgebäude mit szenografischer Einlagen wie das zeichnet Kirche und Turm von Clérigos,^[73] die Logia der Porto -Kathedrale, die Kirche von Misericórdia, die Palast von São João Novo,^[74] das Palast von Freixo,^[75] das Bischofspalast (Portugiesisch: Paço Episcopal do Porto)^[76] zusammen mit vielen anderen.

• 

  Universitätsbibliothek (Universität von Coimbra, Coimbra, Portugal), 1716-1728, von Gaspar Ferreira^[77]

• 

  Palast von Mafra (Mafra, Portugal), 1717-1755, von João Frederico Ludovice^[78]

• 

  Grand Treppe der Pilgerkirche von Bom Jesus Do Monte (Braga, Portugal), c.1784 von Carlos Luís Ferreira Amarante und anderen^[79]

Russisch Barock

Das Debüt von russischem Barock, oder Petrine Barock, folgte einem langen Besuch von Peter der Große nach Westeuropa 1697–1698, wo er die Chateaux von Fontainebleau und Versailles sowie andere architektonische Denkmäler besuchte. Er beschloss bei seiner Rückkehr nach Russland, ähnliche Denkmäler in zu bauen St. Petersburg, die 1712 zur neuen Hauptstadt Russlands wurde Peter und Paul Kathedrale und Menshikov -Palast.

Während der Regierungszeit von Kaiserin Anna und Elizaveta Petrovna, Russische Architektur wurde vom luxuriösen Barockstil des in Italiens geborenen Stils dominiert Bartolomeo Rastrellisich zu Elizabethaner Barock. Rastrellis charakteristische Gebäude umfassen die Winterpalast, das Catherine Palace und die Smolny -Kathedrale. Andere charakteristische Denkmäler der elisabethanischen Barock sind der Glockenturm der Troitse-Sergiyeva Lavra und die Roter Tor.^[80]

Im Moskau, Naryshkin Barock wurde weit verbreitet, besonders in der Architektur von Ostorthodoxe Kirchen im späten 17. Jahrhundert. Es war eine Kombination aus westeuropäischem Barock mit traditionellem Russisch Volksstile.

• 

  Peterhof Gardens (Sankt Petersburg, Russland), 1746–1758^[81]

• 

  Smolny Convent (Saint Petersburg), 1748, von Francesco Bartolomeo Rastrelli^[82]

• 

  Tsarskoe Selo (Puschin, Russland), 1749–1756, von Francesco Bartolomeo Rastrelli^[83]

Barock im spanischen und portugiesischen Kolonialamerikaner

Aufgrund der Kolonialisierung Amerikas durch europäische Länder bewegte sich der Barock natürlich in die Neue Welt, die besonders günstige Grundstücke in den von Spanien und Portugal dominierten Regionen finden, wobei beide Länder zentralisierte und irreduzibel katholische Monarchien sind, soweit sie dem Rom und den Anhängern des Barocks unterliegen Gegenreformist am typischsten. Europäische Künstler wanderten nach Amerika aus und machten die Schule und zusammen mit der weit verbreiteten Penetration von Katholische MissionareViele von ihnen waren erfahrene Künstler, schufen einen multiformen Barock, der oft vom populären Geschmack beeinflusst wurde. Das Criollo und einheimisch Handwerker haben viel dazu beigetragen, diese Barock -einzigartigen Funktionen zu geben. Die Hauptzentren des amerikanischen Barockanbaus, die noch stehen, sind (in dieser Reihenfolge) Mexiko, Peru, Brasilien, Ecuador, Kuba, Kolumbien, Bolivien, Guatemala, Panama und Puerto Rico.

Besonders hervorzuheben ist der sogenannte "Missionar Baroqu Missionare, um sie in den christlichen Glauben umzuwandeln und sie im westlichen Leben zu akkultieren und eine hybride Barock zu bilden, die von der einheimischen Kultur beeinflusst wird, in der florierte Criollos und viele indigene Handwerker und Musiker, sogar gebildete, einige von großer Fähigkeiten und Talent. Die Berichte der Missionare wiederholen oft, dass die westliche Kunst, insbesondere die Musik, hypnotische Auswirkungen auf die Forstcher hatte, und die Bilder von Heiligen wurden als Großmächte angesehen. Viele Eingeborene wurden konvertiert, und es wurde eine neue Form der Hingabe von leidenschaftlicher Intensität geschaffen, die mit Mystik, Aberglauben und Theatralik beladen war, die sich über festliche Massen, heilige Konzerte und Geheimnisse erfreut.^[88][89]

Die koloniale Barockarchitektur im spanischen Amerika ist durch eine starke Dekoration gekennzeichnet (Portal von La Profesa Church, Mexiko Stadt; Fassaden bedeckt mit Puebla-Stil Azulejoswie in der Kirche von San Francisco Acatepec in San Andrés Cholula und Klosterkirche von San Francisco von Puebla), die in der sogenannten Verschärfung verschärft werden Churrigueresque -Stil (Fassade der Stiftshütte des Mexiko -Stadt -Kathedralevon Lorenzo Rodríguez; Kirche von San Francisco Javier, Tepotzotlán; Kirche von Santa Prisca von Taxco). Im Peru, die Konstruktionen, die größtenteils in den Städten von entwickelt wurden Lima, Cusco, Arequipa und TrujilloSeit 1650 zeigen Originalmerkmale, die sogar in den europäischen Barock vorgegangen sind, wie bei der Verwendung von gepolsterte Wände und Solomonische Spalten (Kirche von La Compañía de Jesús, Cusco; Basilika und Kloster von San Francisco, Lima).^[90] Andere Länder sind: die Metropolenkathedrale von Sucre in Bolivien; Kathedrale Basilika von Esquipulas in Guatemala; Tegucigalpa -Kathedrale in Honduras; León Kathedrale in Nicaragua; das Kirche von La Compañía de Jesús in Quito, Ecuador; Die Kirche von San Ignacio in Bogotá, Kolumbien; das Caracas Cathedral in Venezuela; das Kabildo von Buenos Aires in Argentinien; das Kirche von Santo Domingo in Santiago, Chile; und Havanna -Kathedrale in Kuba. Es lohnt sich auch, sich an die Qualität der Kirchen der Kirchen zu erinnern Spanische Jesuitenmissionen in Bolivien, Spanische Jesuitenmissionen in Paraguay, das Spanische Missionen in Mexiko und die Spanische Franziskanermissionen in Kalifornien.^[91]

Im Brasilienwie in der Metropole, Portugal, die Architektur hat eine gewisse Italienischer Einfluss, normalerweise von a Borrominesque Typ, wie in der zu sehen ist Co-Kathedrale von Recife (1784) und Kirche von Nossa Senhora da Glória Outeiro in Rio de Janeiro (1739). In der Region von Minas Gerais, hervorgehoben die Arbeit von ALEIJADINHO, Autor einer Gruppe von Kirchen, die sich für ihre gekrümmte Planimetrie, Fassaden mit konkavkonvexen dynamischen Effekten und einer plastischen Behandlung aller architektonischen Elemente hervorheben (Kirche von São Francisco de Assis in Ouro Preto, 1765–1788).

• 

  Cusco -Kathedrale (Cusco, Peru), 1559–1654^[92]

• 

  Kirche von San Francisco Acatepec (San Andrés Cholula, Mexiko), 17. bis 18. Jahrhundert

• 

  Kirche von San Lorenzo de Carangas (Potosí, Bolivien), Mitte des 16. Jahrhunderts-c.1744^[93][94]

• 

  Santo Domingo Church (Santiago, Chile), 1747–1808^[95]

• 

  Kirche von Santa Prisca de Taxco (Taxco, Mexiko), 1751–1758, von Diego Durán und Cayetano Sigüenza^[96]

Barock im spanischen und portugiesischen Kolonialasien

In den portugiesischen Kolonien von Indien (Goa, Daman und Diu) Ein architektonischer Stil von Barockformen, gemischt mit hinduistischen Elementen, die aufblühten, wie die Goa -Kathedrale und die Basilika von Bom Jesus von Goa, in dem das Grab von untergebracht ist St. Francis Xavier. Der Satz von Kirchen und Klöster von Goa wurde erklärt a Weltkulturerbe 1986.

In dem Philippinen, das war für lange Zeit Teil des spanischen Reiches, eine große Anzahl von Barockkonstruktionen, einschließlich der Barockkirchen der Philippinen das vier davon und die barocken und neoklassische Stadt von Vigan, sind beide UNESCO Weltkulturerbe. Es war auch sehr bemerkenswert die Ummauerte Stadt Manila (Intramuros). Eine andere Stadt mit bemerkenswerter Barock aus der spanischen Ära ist Tayabas.

• 

  São Paulo (Macau, China), 1601^[97]

• 

  São Paulo (Diu, Indien), 1601^[98]

• 

  Heilige Augustinuskirche (Paoay, Luzon, Philippinen), begonnen 1694^[99]

• 

  Kanzel (Basilika von Bom Jesus, Goa, Indien), 18. Jahrhundert^[100]

Malerei

Barockmaler arbeiteten absichtlich daran, sich von den Malern der Renaissance und der danach der Manierismus abzuheben. In ihrer Palette verwendeten sie intensive und warme Farben und benutzten besonders die Primärfarben Rot, Blau und Gelb, häufig alle drei in unmittelbarer Nähe.^[102] Sie vermieden die gleichmäßige Beleuchtung der Renaissance -Malerei und verwendeten starke Kontraste von Licht und Dunkelheit in bestimmten Teilen des Bildes, um auf die zentralen Handlungen oder Figuren aufmerksam zu machen. In ihrer Komposition vermieden sie die ruhigen Szenen von Renaissance -Gemälden und wählten die Momente der größten Bewegung und Drama. Im Gegensatz zu den ruhigen Gesichtern von Renaissance -Gemälden drückten die Gesichter in Barockmalereien deutlich ihre Gefühle aus. Sie verwendeten oft Asymmetrie, wobei die Wirkung von der Bildmitte entfernt war, und erstellten Achsen, die weder vertikal noch horizontal waren, sondern nach links oder rechts, was ein Gefühl von Instabilität und Bewegung ergab. Sie verbesserten diesen Eindruck von Bewegung, indem sie die Kostüme der vom Wind geblasenen Persönlichkeiten oder von ihren eigenen Gesten bewegten. Die Gesamteindrücke waren Bewegung, Emotion und Drama.^[103] Ein weiteres wesentliches Element der Barockmalerei war Allegorie; Jedes Gemälde erzählte eine Geschichte und hatte eine Botschaft, die oft in Symbolen und allegorischen Charakteren verschlüsselt wurde, von denen ein gebildeter Betrachter erwartet wurde, um es zu wissen und zu lesen.^[104]

Frühe Beweise für italienische Barockideen in der Malerei traten in Bologna auf, wo Annibale Carracci, Agostino carracci und LUDOVICO CARRACCI versuchte, die bildenden Künste in den geordneten Klassizismus der Renaissance zurückzugeben. Ihre Kunst beinhaltete jedoch auch Ideen, die die Gegenreformation zentral; Dazu gehörten intensive Emotionen und religiöse Bilder, die mehr zum Herzen als zum Intellekt appellierten.^[105]

Ein weiterer einflussreicher Maler der Barockzeit war Michelangelo Merisi da Caravaggio. Seine realistische Herangehensweise an die menschliche Figur, die direkt aus dem Leben gemalt und dramatisch vor einem dunklen Hintergrund locker war, schockierte seine Zeitgenossen und eröffnete ein neues Kapitel in der Geschichte der Malerei. Andere große Maler, die eng mit dem Barockstil verbunden sind Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Giovanna Garzoni, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo, und Paolo de Matteis in Italien; Francisco de Zurbarán und Diego Velázquez in Spanien; Adam Elsheimer in Deutschland; und Nicolas Poussin und Georges de la Tour in Frankreich (obwohl Poussin den größten Teil seines Arbeitslebens in Italien verbrachte). Poussin und La Tour nahmen einen "klassischen" Barockstil mit weniger Fokus auf Emotionen und mehr Aufmerksamkeit für die Linie der Figuren des Gemäldes als auf die Farbe.

Peter Paul Rubens war der wichtigste Maler der Flämisch Barock Stil. Rubens 'hoch aufgeladene Kompositionen verweisen auf gelehrte Aspekte der klassischen und christlichen Geschichte. Sein einzigartiger und immens beliebter Barockstil betonte Bewegung, Farbe und Sinnlichkeit, die dem unmittelbaren, dramatischen künstlerischen Stil folgte, der in der gefördert wurde Gegenreformation. Rubens spezialisiert auf Altarpiees, Porträts, Landschaften und Geschichtsgemälde von mythologischen und allegorischen Themen.

Eine wichtige Domäne des Barockmalerei war Quadratura, oder Gemälde in Trompe-l'i, was buchstäblich das Auge "täuschte". Diese wurden normalerweise auf dem Stuck von Decken oder oberen Wänden und Balustraden gestrichen und vermittelten den auf dem Boden nachgedehnen den Eindruck, dass sie den Himmel sahen, der mit Menschenmengen, Heiligen und anderen himmlischen Figuren besiedelt war, gegen gestrichene Himmel und gegen gemalten Himmel und festgelegte imaginäre Architektur.^[43]

In Italien arbeiteten Künstler oft mit Architekten an der Innenausstattung zusammen. Pietro da Cortona war einer der Maler des 17. Jahrhunderts, die diese illusionistische Art des Malerei einsetzten. Zu seinen wichtigsten Provisionen gehörten die Fresken, die er für die gemalt hatte Palast der Familie Barberini (1633–39), um die Regierungszeit von zu verherrlichen Papst Urban VIII. Die Kompositionen von Pietro da Cortona waren die größten dekorativen Fresken in Rom seit der Arbeit von Michelangelo am Werk Sixtinische Kapelle.^[106]

François Boucher war eine wichtige Figur im empfindlicheren französischen Rococo -Stil, der während der späten Barockzeit erschien. Er entwarf Wandteppiche, Teppiche und Theaterdekoration sowie Malerei. Seine Arbeit war sehr beliebt bei Madame Pompadour, die Geliebte des Königs Louis XV. Seine Bilder zeigten mythologische romantische und leicht erotische Themen.^[107]

• 

  Auferstehung Christi; durch Annibale Carracci; 1593; Öl auf Leinwand; 217 x 160 cm; Louvre^[108]

• 

  Triumph von Bacchus und Adriane (Teil von Die Liebe der Götter); durch Annibale Carracci; c.1597–1600; Fresko; Länge (Galerie): 20,2 m; Palazzo Farnese (Rom)^[109]

• 

  Die Berufung von St. Matthew; durch Caravaggio; c.1602–1604; Öl auf Leinwand; 3 x 2 m; San Luigi dei Francesi (Rom)^[110]

• 

  Selbstporträt mit Isabella Brant; durch Peter Paul Rubens; c.1609-1610; Öl auf Leinwand; 1,78 x 1,37 m; Alte Pinakothek (München, Deutschland)^[111]

• 

  Die vier Kontinente; durch Peter Paul Rubens; c.1615; Öl auf Leinwand; 209 x 284 cm; Kunsthistorische Museum (Wien, Österreich)

• 

  Die Vergewaltigung der Sabine -Frauen; durch Nicolas Poussin; 1634–1635; Öl auf Leinwand; 1,55 × 2,1 m; Metropolitan Museum of Art (New York City)^[112]

• 

  Die Nachtuhr; durch Rembrandt; 1642; Öl auf Leinwand; 3,63 × 4,37 m; Rijksmuseum (Amsterdam, Niederlande)^[113]

• 

  Die Einschiffung der Königin von Sheba; durch Claude Lorrain; 1648; Öl auf Leinwand; 149,1 × 196,7 cm; Nationalgallerie (London)

• 

  Der Triumph des Bacchus; durch Michaelina Wautier; vor 1659; Öl auf Leinwand; 270 x 354 cm; Kunsthistorische Museum^[114]

• 

  Vanitas Stillleben; durch Maria van Oosterwijck; 1668; Öl auf Leinwand; 73 x 88,5 cm; Kunsthistorische Museum^[115]

Hispanic Americas

In den hispanischen Amerika stammten die ersten Einflüsse aus Sevillan Tenebrismus, hauptsächlich von Zurbarán - Einige, von deren Werke noch in erhalten bleiben Mexiko und Peru- Wie in den Arbeiten der Mexikaner José Juárez und Sebastián López de Artaga und des bolivianischen Melchor Pérez de Holguín zu sehen ist. Das Cusco School of Malerei entstand nach der Ankunft des italienischen Malers Bernardo Bitti 1583, der vorgestellt wurde Manierismus Auf Amerika. Es hob die Arbeit von Luis de Riaño, dem Schüler des italienischen Angelino Medoro, dem Autor der Wandmalereien der Kirche San Pedro von, hervor. Andahuaylillas. Es hat auch den Inder hervorgehoben (Quechua) Maler Diego Quispe Tito und Basilio Santa Cruz Pumacallao, ebenso gut wie Marcos Zapata, Autor der fünfzig großen Leinwände, die die hohen Bögen der abdecken Kathedrale von Cusco. Im Ecuador, das Quito School wurde gebildet, hauptsächlich durch die dargestellt Mestize Miguel de Santiago und die Criollo Nicolás Javier de Goríbar.

Im 18. Jahrhundert wurden skulpturale Altarpieces durch Gemälde ersetzt und entwickelte sich insbesondere das Barockmalerei in Amerika. In ähnlicher Weise wuchs die Forderung nach bürgerlichen Arbeiten, hauptsächlich Porträts der aristokratischen Klassen und der kirchlichen Hierarchie. Der Haupteinfluss war der Murillesqueund in einigen Fällen - wie in der Criollo Cristóbal de Villalpando - das von Valdés Leal. Das Gemälde dieser Zeit hat einen sentimentalen Ton mit süßen und weicheren Formen. Es hebt hervor Gregorio Vásquez de Arce in Kolumbien, und Juan Rodríguez Juárez und Miguel Cabrera in Mexiko.

Skulptur

Die dominante Figur in der Barockskulptur war Gian Lorenzo Bernini. Unter der Schirmherrschaft von Papst Urban VIIIEr machte eine bemerkenswerte Reihe monumentaler Statuen von Heiligen und Figuren, deren Gesichter und Gesten ihre Emotionen lebendig ausdrückten, sowie Porträtbüsten mit außergewöhnlichem Realismus und hochdekorativ Vorsitzender von St. Peter unter der Kuppel in St. Peter Basilika. Darüber hinaus entwarf er Brunnen mit monumentalen Skulpturengruppen, um die Hauptquadrate Roms zu dekorieren.^[116]

Die Barockskulptur wurde von der alten römischen Statuen inspiriert, insbesondere von der berühmten Statue des ersten Jahrhunderts von Laocoön, der 1506 entdeckt und in der Galerie des Vatikanischen Vatikanischen ausgestellt wurde. Als er 1665 Paris besuchte, sprach Bernini die Studenten der Akademie für Malerei und Skulptur an. Er riet den Schülern, aus klassischen Modellen und nicht aus der Natur zu arbeiten. Er sagte den Schülern: "Als ich Probleme mit meiner ersten Statue hatte, konsultierte ich die Antinous wie ein Orakel. "^[117] Dass Antinous Statue ist heute als die bekannt Hermes vom Museo Pio-Clementino.

Bemerkenswerte späte französische Barockbildhauer inklusive Étienne Maurice Falconet und Jean Baptiste Pigalle. Pigalle wurde von beauftragt von Frederick der Große Statuen für Fredericks eigene Version von Versailles zu machen Ohne Sorge in Potsdam, Deutschland. Falconet erhielt auch eine wichtige ausländische Kommission und schuf die berühmte Statue von Peter der Große zu Pferd gefunden in St. Petersburg.

In Spanien der Bildhauer Francisco Salzillo arbeitete ausschließlich an religiösen Themen und mit polychromiertem Holz. Einige der besten barocken skulpturalen Handwerkskunst wurden in den vergoldeten Stuckaltären der Kirchen der spanischen Kolonien der neuen Welt gefunden, die von lokalen Handwerkern hergestellt wurden. Beispiele sind die Rosenkranzkapelle der Kirche von Santo Domingo in Oaxaca (Mexiko), 1724–1731.

• 

  Saint Veronica; durch Francesco Mochi; 1629–1639; Carrara Marmor; Höhe: 5 m; St. Peter Basilika (Vatikanstadt))

• 

  Ekstase von Saint Teresa; durch Gian Lorenzo Bernini; 1647–1652; Marmor; Höhe: 3,5 m; Santa Maria Della Vittoria (Rom)^[118]

• 

  Der Rühmungs -Pegasus des Königs; durch Antoine Coysevox; 1698-1702; Carrara Marmor; Höhe: 3,15 m; Louvre^[119]

• 

  Venus gibt Aeneas Waffen; durch Jean Cornu; 1704; Terrakotta und bemaltes Holz; Höhe: 108 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

• 

  Der Tod Adonis; durch Giuseppe Mazzuoli; 1710er; Marmor; Höhe: 193 cm; Hermitage Museum (Sankt Petersburg, Russland))

Möbel

Die verwendeten Hauptmotive sind: Hörner der Fülle, Fächer, Baby Engel, Löwenköpfe, die einen Metallring im Mund halten, weiblich Gesichter umgeben von Girlanden, oval Kartusche, Acanthus geht, klassisch Säulen, Caryatids, Pedimenteund andere Elemente von Klassische Architektur auf einigen Teilen von Möbelstücken geformt,^[120] Körbe mit Früchten oder Blumen, Muscheln, Rüstung und Trophäen, Köpfe von Apollo oder Bacchusund C-förmig Volutes.^[121]

In der ersten Periode der Regierungszeit von Louis XIV folgte Möbel dem vorherigen Stil von Louis XIII. Und war massiv und mit Skulptur und Vergoldung ausführlich dekoriert. Nach 1680 bedankt sich zum großen Teil dem Möbeldesigner André Charles Boulle, ein origineller und empfindlicherer Stil erschien, manchmal als bekannt als als Boulle -Arbeit. Es basierte auf dem Einbruch von Ebenholz und andere seltene Wälder, eine Technik, die erstmals im 15. Jahrhundert in Florenz eingesetzt wurde und von Boulle und anderen für Louis XIV entwickelt und entwickelt wurde. Möbel wurden mit Plaques aus Ebenholz, Kupfer und exotischen Wäldern verschiedener Farben eingelegt.^[122]

Neue und oft dauerhafte Arten von Möbeln erschienen; das Kommodeersetzt das alte mit zwei bis vier Schubladen Coffre, oder Brust. Das Canapéoder Sofa erschien in Form einer Kombination von zwei oder drei Sesseln. Es erschienen neue Arten von Sesseln, einschließlich der Fauuteuil en Confessionale oder "konfessioneller Sessel", das auf beiden Seiten des Stuhls gepolsterte Kissen Ionen hatte. Die Konsolentabelle trat ebenfalls zum ersten Mal auf; Es wurde so konzipiert, dass es gegen eine Wand platziert werden sollte. Eine weitere neue Art von Möbeln war die Tabelle à Gibier, ein marmorter Tisch zum Halten von Geschirr. Frühe Sorten des Schreibtischs erschienen; das Mazarin Desk hatte einen zentralen Abschnitt zurückgezogen, der zwischen zwei Schubladensäulen mit vier Fuß auf jeder Säule platziert war.^[122]

• 

  Vierjägerbett aus dem Château d'Effiat; c.1650; Natural Walnuss, gemeißelte Genua -Seidenleiden und gestickte Seiden; 295 cm; Louvre^[123]

• 

  Piertisch; 1685–1690; geschnitzt, Gessoedund vergoldetes Holz mit einem Marmoroberteil; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Kunstinstitut von Chicago (UNS)^[124]

• 

  Schrank; durch André Charles Boulle; c.1700; Ebony und Amaranth -Furnier, polychrome Wälder, Messing, Zinn, Hülle und Horn Einlegearbeit auf einem Eichenrahmen vergoldete Bronze; 255,5 x 157,5 cm; Louvre^[125]

• 

  Kommode; Von André Charles Boulle; c.1710-1732; Walnuss mit Ebony und Ebony und Einlegearbeit von graviertem Messing und Schildhäuschen, vergoldeten Bronze-Reittieren, antikes Marmoroberteil; 87,6 x 128,3 x 62,9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)^[126]

• 

  Deutscher Neigungstisch; von Heinrich Ludwig Rohde oder Ferdinand Plitzner; c.1715–1725; Marquetry mit Maple, Amaranth, Mahagoni und Walnuss an Fichte und Eiche; 90 × 84 × 44,5 cm; Kunstinstitut von Chicago^[127]

Musik

Der Begriff Barock- wird auch verwendet, um den Musikstil zu bezeichnen, der während einer Zeit komponiert wird, die sich mit dem der Barockkunst überschneidet. Die ersten Verwendungen des Begriffs "Barock" für Musik waren Kritikpunkte. In einer anonymen, satirischen Rezension der Première im Oktober 1733 von Ramaus Hippolyte et aricie, gedruckt in der Mercure de France Im Mai 1734 implizierte der Kritiker, dass die Neuheit dieser Oper "Du Barocque" war und sich beschwerte, dass der Musik eine kohärente Melodie fehlte, mit unablässigen Dissonanzen gefüllt war, ständig Schlüssel und Messgerät veränderte und schnell durch jedes Kompositionsgerät führte.^[128] Jean-Jacques Rousseau, der Musiker und einen bekannten Komponisten sowie Philosoph war, machte 1768 im berühmten eine sehr ähnliche Beobachtung Enzyklopédie von Denis Diderot: "Barockmusik ist das, in dem die Harmonie verwirrt und mit Modulationen und Dissonanzen beladen ist. Der Gesang ist hart und unnatürlich, die Intonation schwierig und die Bewegung begrenzt. Es scheint, dass der Begriff aus dem Wort 'Baroco' von Logics verwendet wird . "^[15]

Gemeinsame Verwendung des Begriffs für die Musik der Zeit, die erst 1919 begann, von Curt Sachs,^[129] und erst 1940 wurde es zum ersten Mal in englischer Sprache in einem Artikel verwendet, der von veröffentlicht wurde Manfred Bukofzer.^[128]

Der Barock war eine Zeit musikalischer Experimente und Innovation. Neue Formen wurden erfunden, einschließlich der Konzert und Sinfonie. Oper wurde Ende des 16. Jahrhunderts in Italien geboren (mit Jacopo PeriEs ist meistens verloren Dafne, produziert in Florenz 1598) und sich bald durch den Rest Europas ausbreitete: Louis XIV schuf die erste Royal Academy of Music, 1669, den Dichter, den Dichter Pierre Perrin eröffnete eine Akademie der Oper in Paris, dem ersten Opera -Theater in Frankreich, das für die Öffentlichkeit zugänglich ist, und uraufgeführt Pomone, die erste Grand Opera auf Französisch, mit Musik von Robert Cambertmit fünf Akten, ausführlichen Bühnenmaschinen und einem Ballett.^[130] Heinrich Schüttz in Deutschland, Jean-Baptiste Lully in Frankreich und Henry Purcell In England half alle dazu, ihre nationalen Traditionen im 17. Jahrhundert zu etablieren.

Mehrere neue Instrumente, einschließlich der Klavierwurden in dieser Zeit eingeführt. Die Erfindung des Klaviers wird zugeschrieben Bartolomeo Cristofori (1655–1731) von PaduaItalien, der bei beschäftigt war Ferdinando de 'Medici, Großer Prinz der Toskana, wie der Bewahrer der Instrumente.^[131][132] Cristofori nannte das Instrument Uncimbalo di Cipresso di Piano e Forte ("Eine Tastatur von Zypresse mit weich und laut "), abgekürzt im Laufe der Zeit als Pianoforte, Fortpianound später einfach Klavier.^[133]

Komponisten und Beispiele

• Giovanni Gabrieli (c. 1554/1557–1612) Sonata Pian 'e Forte (1597), In ecclesiis (aus Symphoniae Sacrae Buch 2, 1615)
• Giovanni Girolamo Kapsperger (c. 1580–1651) Libro primo di villanelle, 20 (1610)
• Claudio Monteverdi (1567–1643), L'Orfeo, Favola in Musica (1610)
• Heinrich Schüttz (1585–1672), Musikalische Exequien (1629, 1647, 1650)
• Francesco Cavalli (1602–1676), L'Egisto (1643), Ercole Amante (1662), Scipione Affricano (1664)
  

  JS Bach (1685–1750)
• Jean-Baptiste Lully (1632–1687), Armide (1686)
• Marc-Antoine Charpentier (1643–1704), Te Deum (1688–1698)
• Heinrich Ignaz Franz Biber (1644–1704), Mystery Sonaten (1681)
• John Blow (1649–1708), Venus und Adonis (1680–1687)
• Johann Pachelbel (1653–1706), Canon in d (1680)
• Arcangelo Corelli (1653–1713), 12 Konzerte Grossi, op. 6 (1714)
• Marin Marais (1656–1728), Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723)
• Henry Purcell (1659–1695), Dido und Aeneas (1688)
• Alessandro Scarlatti (1660–1725), L'Urtà vernachlässigte Amori (1680), Il Pompeo (1683), Mitridat Eupatore (1707)
• François Couperin (1668–1733), Les Barricades Mystérieuses (1717)
• Tomaso Albinoni (1671–1751), Didone Abbandonata (1724)
• Antonio Vivaldi (1678–1741), Die vier Jahreszeiten (1725)
• Jan Dismas Zelenka (1679–1745), Il Serpente di Bronzo (1730), Missa Sanctissimae Trinitatis (1736)
• Georg Philipp Telemann (1681–1767), Der Tag des Gerichts (1762)
• Johann David Heinichen (1683–1729)
• Jean-Philippe Rameau (1683–1764), Dardanus (1739)
• George Frideric Händel (1685–1759), Wassermusik (1717), Messias (1741)
• Domenico Scarlatti (1685–1757), Sonaten für Cembalo
• Johann Sebastian Bach (1685–1750), Toccata und Fuge in d Minor (1703–1707), Brandenburg Konzerte (1721), St. Matthew Passion (1727)
• Nicola Porpora (1686–1768), Semiramid Riconosciuta (1729)
• Giovanni Battista Perglolesi (1710–1736), Stabat mater (1736)

Tanzen

Das klassische Ballett entstand auch in der Barockzeit. Der Stil des Hoftanzes wurde von nach Frankreich gebracht Marie de Mediciund am Anfang waren die Mitglieder des Gerichts selbst die Tänzer. Ludwig XIV selbst trat in mehreren Balletten in der Öffentlichkeit auf. Im März 1662 die Académie Royale de Danse, wurde vom König gegründet. Es war die erste professionelle Tanzschule und Gesellschaft und festlegte die Standards und den Wortschatz für Ballett in ganz Europa in dieser Zeit.^[130]

Theater

Die Barockzeit war ein goldenes Zeitalter für Theater in Frankreich und Spanien; Dramatiker enthalten Corneille, Racine und Molière in Frankreich; und Lope de Vega und Pedro Calderón de la Barca in Spanien.

Während der Barockzeit entwickelte sich die Kunst und der Stil des Theaters neben der Entwicklung der Oper und des Balletts schnell. Das Design neuer und größerer Theater, die Erfindung der Verwendung von aufwändigeren Maschinen, die breitere Verwendung der Proscenium Arch, die die Bühne umrahmte und die Maschinerie des Publikums versteckte, ermutigte mehr landschaftliche Effekte und Spektakel.^[134]

Der Barock hatte in Spanien einen katholischen und konservativen Charakter, der einem italienischen literarischen Modell während der Renaissance folgte.^[135] Das hispanische Barocktheater zielte auf einen öffentlichen Inhalt mit einer idealen Realität ab, die grundlegende drei Gefühle zeigte: katholische Religion, monarchistische und nationale Stolz und Ehre, die aus der ritterlichen, ritterlichen Welt stammen.^[136]

Zwei Perioden sind im spanischen Theater Barock bekannt, wobei die Division 1630 stattfindet. Die erste Periode wird haupt Lope de Vega, aber auch von Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente oder Juan Pérez de Montalbán. Die zweite Periode wird durch dargestellt Pedro Calderón de la Barca und andere Dramatiker Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto, und Francisco Bances Candamo.^[137] Diese Klassifizierungen sind locker, weil jeder Autor seinen eigenen Weg hatte und sich gelegentlich an die von Lope festgelegte Formel halten konnte. Es kann sogar sein, dass Lopes "Art" liberaler und strukturierter war als die von Calderón.^[138]

Lope de Vega wurde durch seine vorgestellt Arte Nuevo de Hacer Comedias en este tiempo (1609) die Neukomödie. Er gründete eine neue dramatische Formel, die die drei brach Aristoteles Einheiten der italienischen Schule für Poesie (Aktion, Zeit und Ort) und eine vierte Einheit von Aristoteles, bei der es um Stil, Mischung tragischer und komischer Elemente geht, die verschiedene Arten von Versen und Strophen auf dem darstellen, was dargestellt wird.^[139] Obwohl Lope große Kenntnisse der Kunststoffkünste hat, hat er sie während des größten Teils seiner Karriere oder im Theater oder in der Szenografie nicht verwendet. Die Komödie des Lope gewährte den visuellen Aspekten der theatralischen Darstellung eine zweite Rolle.^[140]

Tirso de Molina, Lope de Vega und Calderón waren die wichtigsten Spielschreiber in der Goldenen Ära Spanien. Ihre Werke, die für ihre subtile Intelligenz und ihr tiefes Verständnis der Menschlichkeit einer Person bekannt sind, könnten als Brücke zwischen Lopes primitiver Komödie und der aufwändigeren Komödie von Calderón angesehen werden. Tirso de Molina ist am besten für zwei Werke bekannt, Der verurteilte Verdacht und Der Trickster von Sevilla, eine der ersten Versionen der Don Juan Mythos.^[141]

Bei seiner Ankunft in Madrid, Cosimo Lotti Zum spanischen Hof die fortschrittlichsten Theatertechniken Europas gebracht. Seine Techniken und sein mechanisches Wissen wurden in Palastausstellungen genannt "Fiestas" und in verschwenderischen Ausstellungen von Flüssen oder künstlichen Brunnen namens "Naumaquias" angewendet. Er war verantwortlich für die Styling der Gärten von Buen Retiro, von Zarzuela, und von Aranjuez und der Bau des Theatergebäudes von Coliseo del Buen Retiro.^[142] Lopes Formeln beginnen mit einem Vers, den die Palace Theatre Foundation und die Geburt neuer Konzepte, die die Karriere einiger Spielautoren wie Calderón de la Barca begannen, nicht angemessen sind. Calderóns Stil markierte die Hauptinnovationen der neuen lopesischen Komödie und markierte viele Unterschiede mit viel konstruktiver Sorgfalt und Aufmerksamkeit für seine interne Struktur. Calderóns Arbeit ist in formaler Perfektion und eine sehr lyrische und symbolische Sprache. Freiheit, Vitalität und Offenheit von Lope gaben Calderóns intellektueller Reflexion und formaler Präzision einen Schritt. In seiner Komödie widerspiegelte es seine ideologischen und Doktrinabsichten über der Leidenschaft und der Handlung, die Arbeit von Autos Sacramentales hohe Ränge erreicht.^[143] Das Genre der Comedia ist politisch, multi-künstlerisch und in gewissem Sinne Hybrid. Der poetische Text, der sich mit Medien und Ressourcen befasste, die aus Architektur, Musik und Malerei stammen, die die Täuschung in der lopesischen Komödie befreien, bestand aus dem Mangel an Landschaften und dem Einbinden des Aktionsdialogs.^[144]

Der bekannteste deutsche Dramatiker war Andreas Gryphius, wer benutzte die Jesuit Modell der Niederländisch Joost van den Vondel und Pierre Corneille. Da war auch Johannes Velten wer kombinierte die Traditionen der englischen Komiker und die commedia dell'arte mit dem klassischen Theater von Corneille und Molière. Seine Reisefirma war vielleicht die bedeutendste und wichtigste des 17. Jahrhunderts.

Der führende italienische Barock -Tragödie war Federico della Valle. Seine literarische Aktivität wird durch die vier Stücke zusammengefasst, die er für das höfische Theater geschrieben hat: die Tragikomödie Adelonda di Frigia (1595) und insbesondere seine drei Tragödien, Judith (1627), Esther (1627) und La Reina di Scotia (1628). Della Valle hatte viele Nachahmer und Anhänger, die in ihren Werken barocker Geschmack und die didaktischen Ziele der Jesuiten (Pallavicino, Graziani, etc.)

Spanische Kolonialamerikaner

Nach der aus Spanien gekennzeichneten Entwicklung am Ende des 16. Jahrhunderts begannen die Unternehmen der Komiker, im Wesentlichen transhumant, professionalisiert. Mit der Professionalisierung kam Regulierung und Zensur: Wie in Europa schwankte das Theater zwischen Toleranz und sogar staatlicher Schutz und Ablehnung (mit Ausnahmen) oder Verfolgung der Kirche. Das Theater war für die Behörden als Instrument nützlich, um das gewünschte Verhalten und die gewünschten Modelle, den Respekt für die soziale Ordnung und die Monarchie, die Schule des religiösen Dogmas, zu verbreiten.^[145]

Das Korrales wurden zum Nutzen von Krankenhäusern verwaltet, die die Vorteile der Zusicherungen teilten. Die Wanderunternehmen (oder "der Liga"), wer das Theater in improvisierten Open-Air-Phasen von den Regionen trug, in denen keine festgelegten Einheimischen waren, erforderten eine Viceregal-Lizenz zur Arbeit, deren Preis oder Pinción war dazu bestimmt, Almosen und Arbeiten fromm.^[145] Für Unternehmen, die stabil in den Hauptstädten und Großstädten arbeiteten, war eine ihrer Haupteinnahmequellen die Teilnahme an der Feierlichkeiten des Corpus Christi, was ihnen nicht nur wirtschaftliche Vorteile, sondern auch Anerkennung und soziales Prestige versorgte. Die Darstellungen im Viceregal-Palast und die Villen der Aristokratie, in denen sie sowohl die Komödien ihres Repertoires als auch spezielle Produktionen mit großartigen Beleuchtungseffekten, Landschaften und Bühne darstellten, waren auch eine wichtige Quelle für gut bezahlte und prestigeträchtige Arbeit.^[145]

Geboren in der Vizekönigie von Neues Spanien^[146] aber später in Spanien niedergelassen, Juan Ruiz de Alarcón ist die bekannteste Figur im Barock Theatre of New Spanien. Trotz seiner Unterkunft zu Lope de Vega'S neue Komödie, sein "ausgeprägter Säkularismus", seine Diskretion und Zurückhaltung und eine scharfe Fähigkeit zur "psychologischen Penetration" als unverwechselbare Merkmale von Alarcón gegen seine spanischen Zeitgenossen wurden festgestellt. Bemerkenswert unter seinen Werken La Verdad Sospechosa, eine Komödie von Charakteren, die seinen ständigen Moralisierungszweck widerspiegelte.^[145] Die dramatische Produktion von Sor Juana Inés de la Cruz Stellen Sie sie als zweite Figur des spanisch-amerikanischen Barockheaters. Es ist erwähnenswert unter ihren Werken, die die Auto -Sakrament El Divino Narciso und die Komödie Los empeños de una casa.

Gardens

Das Barockgarten, auch bekannt als die Jardin à la Française oder Französischer formeller Garten, erschien zuerst im 16. Jahrhundert in Rom und dann im 17. Jahrhundert in Frankreich in den Gärten von Vaux le Vicomte und die Schloss von Versailles. Barockgärten wurden von Königen und Fürsten in Deutschland, den Niederlanden, Österreichs, Spanien, Polen, Italien und Russlands bis Mitte des 18. Jahrhunderts gebaut Englischer Landschaftsgarten.

Der Zweck des Barockgartens bestand darin, die Kraft des Menschen über die Natur zu veranschaulichen, und die Herrlichkeit seines Baumeisters, Barockgärten, wurden in geometrischen Mustern wie den Räumen eines Hauses angelegt. Sie waren normalerweise am besten von außen gesehen und schauten nach unten, entweder aus einem Schloss oder einer Terrasse. Die Elemente eines Barockgartens enthalten Parterres von Blumenbeeten oder niedrigen Hecken, die in kunstvolle Barock -Designs und geraden Gassen und Gassen aus Kies, die den Garten teilten, geteilt und gekreuzt wurden. Terrassen, Rampen, Treppen und Kaskaden wurden dort platziert, wo es Unterschiede in der Höhe gab, und lieferten Besichtigungspunkte. Kreisförmige oder rechteckige Teiche oder Wasserbecken waren die Einstellungen für Brunnen und Statuen. Bosquette oder sorgfältig beschnittene Hals oder Linien identischer Bäume, gaben das Aussehen von Wänden aus Grün und waren Hintergründe für Statuen. An den Rändern hatten die Gärten normalerweise Pavillons, Orangerien und andere Strukturen, in denen Besucher Schutz vor Sonne oder Regen schützen konnten.^[147]

Barockgärten erforderten eine enorme Anzahl von Gärtnern, kontinuierliches Trimmen und reichlich vorhandenes Wasser. Im späteren Teil der Barockzeit wurden die formalen Elemente durch natürlichere Merkmale ersetzt, einschließlich Wicklungswege, Haine verschiedener Bäume, die nicht geschnitten wurden. rustikale Architektur und malerische Strukturen wie römische Tempel oder chinesische Pagoden sowie "geheime Gärten" an den Rändern des Hauptgartens, gefüllt mit Grün, in denen Besucher ruhige Gespräche lesen oder führen konnten. Mitte des 18. Jahrhunderts wurden die meisten Barockgärten teilweise oder vollständig in Variationen der Englischer Landschaftsgarten.^[147]

Neben Versailles und Vaux-le-Vicomte behalten gefeierte Barockgärten immer noch einen Großteil ihres ursprünglichen Aussehens bei Königlicher Palast von Caserta in der Nähe von Neapel; Nymphenburg Palast und Augustusburg und Falkenlust Palaces, Brühl in Deutschland; Het Loo PalaceNiederlande; das Belvedere Palace in Wien; Königlicher Palast von La Granja de San Ildefonso, Spanien; und Peterhof Palast in St. Petersburg, Russland.^[147]

• 

  Gärten bei Vaux-le-Vicomte (Frankreich), 1657-1661, von André Le Nôtre^[148]

• 

  Gardens of Versailles, begonnen 1661 von André Le Nôtre^[149]

• 

  Gärten der Het Loo Palace, Niederlande, 1689^[150]

• 

  Garten des Tessin -Palast (Stockholm, Schweden), 1692-1700, von Nikodemus Tessin der Jüngere^[151]

Unterschiede zwischen Rococo und Barock

Im Folgenden sind Eigenschaften, die Rococo und Barock nicht haben: nicht:^{[Klarstellung erforderlich]}

• Die teilweise Verlassenheit der Symmetrie, alles aus anmutigen Linien und Kurven, ähnlich dem Jugendstil Einsen
• Die riesige Menge an asymmetrischen Kurven und C-förmigen Volutes
• Die sehr breite Verwendung von Blumen in Ornamentierung, ein Beispiel Wesen Fächer aus Blumen gemacht
• Chinesische und japanische Motive
• Warme Pastellfarben^[152] (weißlich-gelbe, cremefarbene, Perlengrautöne, sehr helles Blau)^[153]

Ende des Stils, Verurteilungen und akademischer Wiederentwicklung

Madame de Pompadour, die Geliebte von Louis XV, trug zum Niedergang des Barock- und Rococo -Stils bei. 1750 schickte sie ihren Neffen, Abel-François Poisson de Vandières, auf eine zweijährige Mission, künstlerische und archäologische Entwicklungen in Italien zu studieren. Er wurde von mehreren Künstlern begleitet, darunter der Graveur Nicolas Cochin und der Architekt Soufflot. Sie kehrten mit einer Leidenschaft für klassische Kunst nach Paris zurück. Vandiéres wurde der Marquis von Marigny und wurde 1754 zum königlichen Direktor für Gebäude ernannt. Cochin wurde ein wichtiger Kunstkritiker; er verurteilte das Petit -Stil von Boucher und forderte einen großen Stil mit einem neuen Schwerpunkt auf Antike und Adel in den Akademien der Architekturmalerei.^[154]

Der pionier deutsche Kunsthistoriker und Archäologe Johann Joachim Winckelmann verurteilte auch den Barockstil und lobte die überlegenen Werte der klassischen Kunst und Architektur. Bis zum 19. Jahrhundert war Barock ein Ziel für Lächerlichkeit und Kritik. Der neoklassische Kritiker Francesco Milizia schrieb: "Borrominini in Architektur, Bernini in Skulptur, Pietro da Cortona in Maler ... sind eine Pest für guten Geschmack, die eine große Anzahl von Künstlern infizierte."^[155] Im 19. Jahrhundert ging Kritik noch weiter; der britische Kritiker John Ruskin erklärte, dass die Barockskulptur nicht nur schlecht, sondern auch moralisch korrupt war.^[155]

Der in Schweizer geborene Kunsthistoriker Heinrich Wölfflin (1864–1945) begann die Rehabilitation des Wortes Barock in seinem Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identifizierte das Barock als "Bewegung, die in die Masse importiert wurden", eine Kunst, die der Renaissance -Kunst entspricht. Er machte nicht die Unterscheidung zwischen Manierismus und Barock, die moderne Schriftsteller tun, und ignorierte die spätere Phase, die akademische Barock, die bis ins 18. Jahrhundert dauerte. Barockkunst und Architektur wurden in der Mode in der Zwischenkriegszeitund ist größtenteils zu kritischem Gefallen geblieben. Der Begriff "Barock" kann immer noch verwendet werden, in der Regel abwertend und beschreibt Kunst-, Handwerkswerke oder -design, von denen angenommen wird, dass sie eine übermäßige Verzierung oder Komplexität der Linie haben.

Siehe auch

Anmerkungen

Quellen

Weitere Lektüre

Externe Links

• Die Barock- und Rocco -Kultur
• Webmuseum paris
• Barocke in Val di Noto - Sizilien
• Barock in der "Geschichte der Kunst"
• Der Barockstil und der Luis XIV Einfluss
• Melvyn Braggs BBC Radio 4 -Programm In unserer Zeit: Der Barock
• "Barockstil Guide". Britische Galerien. Victoria und Albert Museum. Archiviert Aus dem Original am 19. August 2007. Abgerufen 16. Juli 2007.