Kunst des Vereinigten Königreichs

Das Kunst des Vereinigten Königreichs bezieht sich auf alle Formen der visuellen Kunst oder in Verbindung mit dem Vereinigtes Königreich Seit der Bildung der Königreich Großbritannien im Jahr 1707 und umfasst Englische Kunst, Schottische Kunst, Walisische Kunst und Irische Kunstund bilden Teil von Westliche Kunstgeschichte. Während des 18. Jahrhunderts begann Großbritannien, den führenden Ort zurückzugewinnen, den England zuvor während der europäischen Kunst gespielt hatte Mittelalterbesonders stark in der Porträt und in der Porträt und Landschaftskunst.

Der zu dieser Zeit erhöhte britische Wohlstand führte zu einer stark erhöhten Produktion von beiden Kunst und die dekorative KünsteLetzteres wird oft exportiert. Das Romantisch Die Periode resultierte aus sehr unterschiedlichen Talenten, einschließlich der Maler William Blake, J. M. W. Turner, John Constable und Samuel Palmer. In der viktorianischen Zeit war eine große Vielfalt der Kunst und eine weitaus größere Menge als zuvor. Viel viktorianische Kunst ist nun kritisch, mit Interesse konzentriert sich auf die Vorruheliten und die innovativen Bewegungen Ende des 18. Jahrhunderts.

Die Ausbildung von Künstlern, die seit langem vernachlässigt worden waren, begann sich im 18. Jahrhundert durch private und Regierungsinitiativen zu verbessern, und erweiterte im 19. Jahrhundert stark. Öffentliche Ausstellungen und die spätere Eröffnung der Museen brachten Kunst in ein breiteres Publikum, insbesondere in London. Im 19. Jahrhundert zeigte sich die religiöse Kunst öffentlich nach einer virtuellen Abwesenheit seit dem erneut populär Reformationund wie in anderen Ländern Bewegungen wie die Pre-Raphaelite Brotherhood und die Glasgow School mit etabliertem Akademische Kunst.

Der britische Beitrag zu früh Modernistische Kunst war relativ klein, aber seit dem Zweiten Weltkrieg haben britische Künstler erhebliche Auswirkungen auf Zeitgenössische KunstInsbesondere bei figurativer Arbeiten und Großbritannien bleibt ein Schlüsselzentrum einer zunehmend globalisierten Kunstwelt.

Hintergrund

Unbekannter Künstler, Porträt von Elizabeth i, 1570s

Die älteste überlebende britische Kunst umfasst Stonehenge ab 2600 v. Chr. Und Zinn und Gold Kunstwerke, die von der produziert werden Becher Leute ab ca. 2150 v. Chr. Das La Tène Art von Keltische Kunst erreichte die britischen Inseln ziemlich spät, nicht früher als etwa 400 v. Chr. Und entwickelte einen bestimmten "Insel Celtic" -Stil Battersea -Schildund eine Reihe von Bronzespiegel-Backs, die mit komplizierten Mustern von Kurven, Spiralen und Trompetenform geschmückt sind. Nur auf den britischen Inseln kann der keltische dekorative Stil im gesamten überlebt haben Römerzeit, wie in Objekten wie dem gezeigt Staffordshire Moorlands Pan und das Wiederaufleben von keltischen Motiven, die jetzt mit germanisch gemischt werden Interlace und mediterrane Elemente in Christian Inselkunst. Dies hatte eine kurze, aber spektakuläre Blüte in allen Ländern, die jetzt im 7. und 8. Jahrhundert das Vereinigte Königreich bilden, in Werken wie dem Buch von Kells und Buch von Lindisfarne. Der Inselstil war in ganz Nordeuropa einflussreich und insbesondere in später Angelsächsische Kunst, obwohl dies neue kontinentale Einflüsse erhielt.

Der englische Beitrag zu Romanische Kunst und Gothic Art war beträchtlich, besonders in Beleuchtete Manuskripte und die monumentale Skulptur für Kirchen, obwohl die anderen Länder jetzt im Wesentlichen provinziell waren, und im 15. Jahrhundert hatten Großbritannien Schwierigkeiten, mit den Entwicklungen in der Malerei auf dem Kontinent Schritt zu halten. Einige Beispiele für englische Gemälde von höchster Qualität an Wänden oder Panel von vor 1500 haben überlebt, einschließlich der Westminster Retable, Der Wilton Diptych und einige Überlebende von Gemälden in Westminster Abbey und die Palast von Westminster.[1]

Das Protestantische Reformationen von England und Schottland waren besonders destruktiv für bestehende religiöse Kunst, und die Produktion neuer Arbeiten hörte praktisch auf. Das Künstler des Tudor Court wurden größtenteils aus Europa importiert, was ein Muster festlegte, das bis zum 18. Jahrhundert fortgesetzt wurde. Das Porträt von Elizabeth i Ignorierte zeitgenössische europäische Renaissance -Modelle, um ikonische Bilder zu erstellen, die an begrenzt werden Naive Kunst. Die Porträtisten Hans Holbein und Anthony Van Dyck waren die angesehensten und einflussreichsten einer großen Anzahl von Künstlern, die längere Perioden in Großbritannien verbracht haben, und in der Regel lokale Talente wie Nicolas Hilliard, der Maler von Porträtminiaturen, Robert Peake der Älteste, William Larkin, William Dobson, und John Michael Wright, ein Schotte, der hauptsächlich in London arbeitete.[2]

Die Landschaftsmalerei wurde zum Zeitpunkt der Union in Großbritannien noch wenig entwickelt, aber eine Tradition von Meereskunst war von der festgestellt worden Vater und Sohn Beide nannten Willem van de Velde, der bis sie 1673 mitten im 1673 nach London zogen Dritter Anglo-Tod-Krieg.[3]

Frühes 18. Jahrhundert

William Hogarth, Die Bank, 1758

Die sogenannte Gewerkschaftsakten 1707 kam mitten in der langen Vorherrschaft in London von Sir Godfrey Kneller, ein deutscher Porträtist, der schließlich als Hauptgerichtsmaler der niederländische Sir gelungen war Peter Lely, dessen Stil er für seine enorme und formelhafte Leistung von sehr unterschiedlicher Qualität übernommen hatte, die selbst von einer Armee weniger Maler wiederholt wurde. Sein Gegenstück in Edinburgh, Sir John Baptist Medina, geboren in Brüssel als Sohn spanischer Eltern, war kurz vor der Gewerkschaft gestorben und war einer der letzten schottischen Ritter, die geschaffen wurden. Medina hatte zum ersten Mal in London gearbeitet, aber in der Mitte der Karriere zog er in das weniger wettbewerbsfähige Umfeld von Edinburgh, wo er die Porträt der schottischen Elite dominierte. Nach der Gewerkschaft sollte die Bewegung jedoch in die andere Richtung sein, und die schottischen Aristokraten traten damit zurück, mehr für ihre Porträts in London zu zahlen, auch wenn schottische Maler wie Medinas Schüler William Aikman, der 1723 runtergezogen ist oder Allan Ramsay.[4]

Es gab eine alternative, direktere Tradition in der britischen Porträt von Lely und Kneller, die auf William Dobson und die Deutschen oder Holländer zurückkehrte Gerard Soest, der trainierte John Riley, wem nur wenige Werke fest zugeschrieben werden und wer wiederum geschult ist Jonathan Richardson, ein guter Künstler, der trainierte Thomas Hudson der Joshua Reynolds und Joseph Wright von Derby trainierte. Richardson trainierte auch den bemerkenswertesten irischen Porträtist dieser Zeit, Charles Jervas der trotz seiner klaren Einschränkungen als Künstler den sozialen und finanziellen Erfolg in London genoss.[5]

Eine Ausnahme von der Dominanz des "niedrigere Genres"Malerei war Sir James Thornhill (1675/76–1734), der der erste und letzte bedeutende englische Maler des riesigen Malers war Barock- Allegorische dekorative Programme und der erste einheimische Maler, der zum Ritter geschlagen wurde. Seine bekannteste Arbeit ist bei Greenwich Hospital, Blenheim Palace und die Kuppel von Saint Pauls Kathedrale, London. Seine Zeichnungen zeigen einen Geschmack für stark gezogenes Realismus in die Richtung seines Schwiegersohns William Hogarth war zu verfolgen, aber dies wird in den fertigen Werken weitgehend außer Kraft gesetzt, und für Greenwich hat er seine sorgfältige Liste der "Einwände, die aus der einfachen Darstellung von entstehen, zu Herzen genommen Die Landung des Königs wie es tatsächlich und auf moderne Weise und Kleidung war und eine konventionelle Barock -Verherrlichung malte.[6] Wie Hogarth spielte er die nationalistische Karte, um sich selbst zu fördern, und schlug schließlich schließlich Sebastiano Ricci zu genügend Provisionen, die er und sein Team 1716 nach Frankreich zurückzog, Giovanni Antonio Pellegrini Nachdem er bereits 1713 abgereist ist Antonio Verrio und Louis Laguerre, war 1707 bzw. 1721 gestorben, hatte Thornhill das Feld für sich selbst, obwohl am Ende seines Lebenskommissions für große Programme aus Veränderungen des Geschmacks ausgetrocknet waren.[7]

Ab 1714 das neue Hannoveristische Dynastie leitete einen weitaus weniger prächtigen Hof und zog sich weitgehend von der Schirmherrschaft der Künste ab, außer den notwendigen Porträts. Glücklicherweise konnte die boomende britische Wirtschaft den aristokratischen und Handelsvermögen für das Gericht in London liefern, um das Gericht zu ersetzen.[8]

Das Tor von Calais, eine anti-französische Satire von William Hogarth, 1748

William Hogarth war eine große Präsenz im zweiten Viertel des Jahrhunderts, dessen Kunst erfolgreich einen bestimmten englischen Charakter mit lebendig moralistischen Szenen des zeitgenössischen Lebens, voller Satire und Pathos, auf den Geschmack und die Vorurteile der protestantischen Mittelklasse abgestimmt war , wer kaufte die graviert Versionen seiner Bilder in großer Anzahl. Andere Probanden wurden nur als Drucke ausgestellt, und Hogarth war sowohl der erste bedeutende britische Druckmacher als auch immer noch der bekannteste. Viele Werke waren eine Reihe von vier oder mehr Szenen, von denen die bekanntesten sind: Der Fortschritt eines Harlots und Fortschritt eines Rakes aus den 1730er Jahren und Ehe à-la-Mode Ab Mitte 1740. Tatsächlich gaben er England und seine eigene Propaganda nur kurz auf Alte Meister, sein Hintergrund in Druckgrafik, genauer auf die kontinentale Kunst als die meisten britischen Malerei, und anscheinend seine Fähigkeit, schnell Unterricht von anderen Malern zu absorbieren, bedeutete, dass er sich der kontinentalen Kunst bewusster war und mehr benutzte als die meisten seiner Zeitgenossen.

Wie viele spätere Maler wollte Hogarth vor allem, um Erfolg zu erzielen Geschichtsmalerei in dem Großartige Art, aber seine wenigen Versuche waren nicht erfolgreich und werden nun wenig angesehen. Seine Porträts waren größtenteils aus der Mittelklasse mit einem offensichtlichen Realismus, der sowohl Sympathie als auch Schmeichelei widerspiegelte und einige in die modische Form des Gesprächsstück, kürzlich aus Frankreich eingeführt von Philippe Mercier, was in Großbritannien ein Favorit bleiben sollte, der von Künstlern wie aufgenommen wurde, z. Francis HaymanObwohl normalerweise aufgegeben, sobald ein Künstler gute einzelne Figurenkommissionen bekommen könnte.[9]

Silver Teekanne von Samuel Courtauld, London, 1748–49

Es gab die Anerkennung, dass noch mehr als der Rest Europas angesichts des Mangels an britischen Künstlern die Ausbildung von Künstlern über den Workshop etablierter Meister hinaus erweitert werden musste, und verschiedene Versuche wurden unternommen, um einzurichten Akademienbeginnend mit Kneller im Jahr 1711 mit Hilfe von Pellegrini in der Great Queen Street. Die Akademie wurde 1716 von Thornhill übernommen, scheint aber zu diesem Zeitpunkt inaktiv geworden zu sein John Vanderbank und Louis Chéron Richten Sie 1720 eine eigene Akademie ein. Dies dauerte nicht lange, und 1724/5 versuchte Thornhill in seinem eigenen Haus erneut, mit wenig Erfolg. Hogarth erbte die Ausrüstung dafür und startete es, um das zu starten St. Martin's Lane Academy 1735, was am dauerhaftesten war und schließlich von der absorbiert wurde königliche Akademie 1768. Hogarth half auch dazu bei Foundling Hospital ab 1746.[10]

Der schottische Porträtist Allan Ramsay arbeitete in Edinburgh, bevor er 1739 nach London zog Joshua Reynolds In der britischen Porträts, in Kombination mit sehr sensibler Handhabung in seiner besten Arbeit, die allgemein bereit ist, von weiblichen Sitter gewesen zu sein, eine entspanntere Version von "Grand Toy" bringt. Sein Hauptrivale in London in der Mitte des Jahrhunderts, bis Reynolds seinen Ruf machte, war Reynolds Meister, der müde Thomas Hudson.[11]

John Wootton, aktiv von 1714 bis zu seinem Tod im Jahr 1765, war der führende sportliche Maler seiner Zeit, der in der englischen Hauptstadt ansässig war Pferderennen bei Neuer Marktund produzieren eine große Anzahl von Porträts von Pferden sowie Kampfszenen und Gesprächsteile mit einem Jagd oder Reiteinstellung. Er hatte das Leben als Seite für die Familie der Leben begonnen Herzöge von Beaufort, der in den 1720er Jahren ihn nach Rom schickte, wo er einen klassifizierenden Landschaftsstil erwarb Gaspard Dughet und Claude, die er in einigen reinen Landschaftsgemälden sowie Aussicht auf Landhäuser und Pferdepersonen verwendete. Dies führte eine Alternative zu den verschiedenen niederländischen und flämischen Künstlern ein, die zuvor den vorherrschenden Landschaftsstil in Großbritannien und durch Zwischenkünstler wie z. George LambertDer erste britische Maler, der eine Karriere auf Landschaftsfächern stützt, war, andere britische Künstler wie Gainsborough stark zu beeinflussen.[12] Samuel Scott war das Beste aus den Künstlern für Marine- und Stadtbildkünstler, obwohl er in der letzteren Spezialisierung den Besuch nicht mithalten konnte Canaletto, der ab neun Jahren ab 1746 in England war und deren venezianische Aussicht ein beliebtes Souvenir der große Tour.[13]

Das Antiquar und Graveur George Vertue war eine Figur in der Londoner Kunstszene für den größten Teil des Zeitraums, und seine reichlichen Notizbücher wurden in den 1760er Jahren von adaptiert und veröffentlicht Horace Walpole wie Einige Anekdoten von Malerei in England, was eine Hauptquelle für den Zeitraum bleibt.[14]

Von seiner Ankunft in London im Jahr 1720, dem flämischen Bildhauer John Michael Rysbrack war der Anführer auf seinem Gebiet bis zur Ankunft im Jahr 1730 von Louis-François Roubiliac wer hatte a Rokoko Stil, der in Büsten und kleinen Figuren sehr effektiv war, obwohl er im folgenden Jahrzehnt auch für größere Werke in Auftrag gegeben wurde. Er produzierte auch Modelle für die Chelsea Porzellanfabrik Das 1743 gegründete private Unternehmen gegründet, das mit kontinentalen Fabriken konkurrieren wollte, die größtenteils von den Herrschern festgelegt wurden. Roubiliacs Stil bildete den des führenden einheimischen Bildhauers Sir Henry Cheere, und sein Bruder John Wer sich auf Statuen für Gärten spezialisiert hat.[15]

Das starke London Silversmithing Der Handel wurde von den Nachkommen von dominiert Hugenotten- Flüchtlinge mögen Paul de Lamerie, Paul Crespin, Nicholas Spimont und die COURTAULD FAMILIEsowie Georges Wickes. Die Befehle wurden von den Gerichten Russlands und Portugals eingegangen, obwohl die englischen Stile immer noch von Paris angeführt wurden.[16] Die Herstellung von Seide bei Spitalfelder In London war auch ein traditionelles Hugenottengeschäft, aber ab Ende der 1720er Jahre wurde Seidendesign von der überraschenden Figur von dominiert Anna Maria Garthwaite, eine Tochter eines Pfarrers von Lincolnshire der im Alter von 40 Jahren als Designer von weitgehend floralen Mustern in den Rococo -Stilen auftrat.[17]

Im Gegensatz zu Frankreich und Deutschland war die englische Einführung des Rococo-Stils eher fleckig als von ganzem Herzen, und es gab Widerstand gegen ihn aus nationalistischen Gründen, angeführt von von Richard Boyle, 3. Earl of Burlington und William Kent, der Stile für Innenarchitektur und Möbel förderte, um dem zu entsprechen Palladianismus der Architektur, die sie zusammen produzierten und auch die einflussreiche britische Tradition der Landschaftsgarten,[18] entsprechend Nikolaus Pevsner "Der einflussreichste aller englischen Innovationen in der Kunst".[19] Der in Französisch geborene Graveur Hubert-François Gravelot, in London von 1732 bis 1745, war eine Schlüsselfigur für den Importieren von Rococo -Geschmack in Buchillustrationen und Ornamentendrucken, denen Handwerker folgen konnten.[20]

Ende des 18. Jahrhunderts

In der modernen populären Mind wurde die englische Kunst von etwa 1750 bis 1790 - heute als "klassisches Zeitalter" der englischen Gemälde bezeichnet - von dominiert von Sir Joshua Reynolds (1723–1792), George Stubbs (1724–1806), Thomas Gainsborough (1727–1788) und Joseph Wright von Derby (1734–1797). Zu der Zeit, als Reynolds als dominante Figur angesehen wurde, war Gainsborough sehr hoch renommiert, aber Stubbs wurde als bloßer Maler von Tieren angesehen und betrachtete so weit als weniger bedeutende Figur als viele andere Maler, die heute wenig bekannt oder vergessen sind. In dieser Zeit stieg der weiterhin steigende Wohlstand für Großbritannien und britische Künstler: "In den 1780er Jahren gehörten die englischen Maler zu den reichsten Männern des Landes, ihre Namen, die den Zeitungslesern vertraut waren, ihre Streitigkeiten und Kabals, die von der Stadt gesprochen wurden, ihre Untertänze, die allen von allen bekannt sind die Anzeigen in den Druckscheiben-Fenstern ", gemäß" Gerald Reitlinger.[21]

Reynolds kehrte 1753 von einem langen Besuch in Italien zurück und etablierte sich sehr schnell einen Ruf als modischsten Londoner Porträtist und lange wie eine beeindruckende Figur in der Gesellschaft, der öffentliche Führer der Künste in Großbritannien. Er hatte sowohl klassische als auch moderne italienische Kunst studiert und seine Kompositionen diskret wiederverwenden Modelle auf seinen Reisen. Er konnte eine breite Palette von Stimmungen und Emotionen vermitteln, ob heldenhafte Militärmänner oder sehr junge Frauen und oft den Hintergrund und die Figur dramatisch vereinen.[22]

Das Gesellschaft zur Ermutigung von Künsten, Herstellern und Handel war 1754 gegründet worden, hauptsächlich, um einen Standort für Ausstellungen zu bieten. 1761 war Reynolds führend bei der Gründung des Rivalen Gesellschaft der Künstler Großbritanniens, wo die Künstler mehr Kontrolle hatten. Dies dauerte bis 1791 trotz der Gründung der Royal Academy of Arts 1768, die sofort sowohl zur wichtigsten ausstellenden Organisation als auch zur wichtigsten Schule in London wurde. Reynolds war sein erster Präsident und hielt das Amt bis zu seinem Tod im Jahr 1792. Sein veröffentlichter Diskurse, zuerst an die Schüler geliefert, wurde als erstes großes Schreiben über Kunst in Englisch angesehen und stellt das Bestreben nach einem Stil dar Hohe Renaissance Malerei.[23]

Nachdem die Akademie eingerichtet worden war, wurden Reynolds 'Porträts übermäßig klassifischer und oft weiter entfernter, bis er Ende der 1770er Jahre zu einem intimeren Stil zurückkehrte, vielleicht beeinflusst vom Erfolg von Thomas Gainsborough,[24] der sich erst 1773 in London niederließ, nachdem er in der Arbeit in Ipswich und dann Bad. Während Reynolds 'Praxis von aristokratischen Porträts genau zu seinen Talenten zuscheinend zu sein scheint, könnte Gainsborough, wenn er nicht gezwungen ist, für seine Arbeit den Markt zu folgen, durchaus als reine Landschaftsmaler oder Porträtist im informellen Stil vieler seiner Porträts von entwickelt haben seine Familie. Er malt reine Landschaften weiter, hauptsächlich zum Vergnügen bis zu seinen späteren Jahren; Die volle Anerkennung seiner Landschaften kam erst im 20. Jahrhundert. Seine Haupteinflüsse waren in seinen Porträts und Holländern in seinen Landschaften und nicht in Italienisch Französisch, und er ist berühmt für die brillante leichte Berührung seiner Pinselarbeiten.[25] George Romney wurde auch um 1770 prominent und war bis 1799 aktiv, allerdings mit einem Ausfall in seinen letzten Jahren. Seine Porträts sind größtenteils charakteristische, aber schmeichelhafte Bilder von würdiger Gesellschaftsfiguren, aber er entwickelte eine Besessenheit von den fliegenden Jungen Emma Hamilton Ab 1781 malt sie ungefähr sechzig Mal in extravaganteren Posen.[26] Seine Arbeiten wurden im frühen 20. Jahrhundert besonders von amerikanischen Sammlern gefragt, und viele sind jetzt in amerikanischen Museen.[27] Bis zum Ende der Zeit war diese Generation von jüngeren Porträtisten abgelöst worden, einschließlich John Hoppner, Sir William Beechey und die Jungen Gilbert Stuart, der nur seinen reifen Stil erkannte, nachdem er nach Amerika zurückgekehrt war.[28]

Der walisische Maler Richard Wilson kehrte 1757 aus sieben Jahren in Italien nach London zurück und entwickelte in den nächsten zwei Jahrzehnten einen "erhabenen" Landschaftsstil, der die französisch-italienische Tradition von Claude und Gaspard Dughet an britische Subjekte anpasste. Obwohl sehr bewundert, wie die von Gainsborough, waren seine Landschaften schwer zu verkaufen, und er griff manchmal, wie Reynolds beschwerte Geschichtsgemälde Durch das Hinzufügen einiger kleiner Zahlen, die ihren Preis auf etwa 80 Pfund verdoppelten.[29] Er malt fort Seegebiet und Schottland auf der Suche nach bergigen Aussichten, sowohl für Ölgemälde als auch für Ölgemälde Aquarelle die jetzt ihre lange Popularität in Großbritannien begannen, sowohl mit Fachleuten als auch mit Amateuren. Paul Sandby, Francis Towne, John Warwick Smith, und John Robert Cozens gehörten zu den führenden Spezialisten und dem Geistlichen und Amateurkünstler William Gilpin war ein wichtiger Schriftsteller, der die Popularität der Amateurmalerei des malerisch, während die Werke von Alexander Cozens Empfohlene, zufällige Tintenblots in Landschaftszusammensetzungen zu bilden - sogar Constable versuchte diese Technik.[30]

Geschichtsmalerei In der großartigen Weise war weiterhin die prestigeträchtigste Form der Kunst, obwohl nicht die einfachste zu verkaufen, und Reynolds machte mehrere Versuche, so erfolglos wie Hogarths zu sein. Die unheroische Natur des modernen Kleides wurde als ein großes Hindernis für die Darstellung zeitgenössischer Szenen sowie der schottische Gentleman-Künstler und Kunsthändler angesehen Gavin Hamilton Bevorzugte klassische Szenen und Malerei einige aufgrund seiner östlichen Reisen, auf denen seine europäischen Figuren das Problem durch das Tragen von arabischem Kleid umgebaut haben. Er verbrachte den größten Teil seines Erwachsenenlebens in Rom und hatte mindestens so viel Einfluss darauf Neoklassizismus in Europa wie in Großbritannien. Der Iren James Barry war ein Einfluss auf Blake, hatte aber eine schwierige Karriere und verbrachte Jahre mit seinem Zyklus Der Fortschritt der menschlichen Kultur im großen Raum der Royal Society of Arts. Die erfolgreichsten Geschichtsmaler, die keine Angst vor Knöpfen und Perücken hatten, waren beide Amerikaner in London: Benjamin West und John Singleton Copley, obwohl eines seiner erfolgreichsten Werke Watson und der Hai (1778) konnte sie meistens meiden und zeigten eine Rettung vor dem Ertrinken. Kleinere Probanden aus der Literatur waren ebenfalls beliebt, Pionierarbeit von Francis Hayman, eine der ersten, die Szenen aus malen Shakespeare, und Joseph Highmore, mit einer Serie, die den Roman zeigt Pamela. Am Ende der Zeit die Boydell Shakespeare Gallery war ein ehrgeiziges Projekt für Gemälde und druckte nach ihnen und illustrierte "The Barde", wie er jetzt geworden war, während die Grenzen des zeitgenössischen englischen Geschichtsmalerei enthüllt.[31] Joseph Wright von Derby war hauptsächlich ein Porträtmaler, der auch einer der ersten Künstler war, die das darstellten Industrielle Revolutionund entwickeln sowie eine Kreuzung zwischen den Gesprächsstück und Geschichtsmalerei in Werken wie Ein Experiment an einem Vogel in der Luftpumpe (1768) und Ein Philosoph, der auf dem Orrery teilnimmt (um 1766), die wie viele seiner Werke nur von Kerzenlicht beleuchtet werden und eine starke geben Chiaroscuro Wirkung.[32]

Gemäldeaufzeichnungsszenen aus dem Theater waren ein weiteres Subgenre, das vom Deutschen gemalt wurde Johann Zoffany unter anderen. Zoffany bemalte Porträts und Gesprächsteile, die auch über zwei Jahre in Indien verbracht haben und das Englisch malen Nabobs und lokale Szenen und die Erweiterung Britisches Imperium spielte eine zunehmende Rolle in der britischen Kunst.[33] Das Training in Kunst wurde im Militär für Skizzenkarten und -pläne als nützliche Fähigkeiten angesehen, und viele britische Offiziere machten die ersten westlichen Bilder, oft in Aquarell, von Szenen und Orten auf der ganzen Welt. In Indien die Firmenstil entwickelt als hybride Form zwischen Western und Indische Kunst, produziert von Indianern für einen britischen Markt.

Thomas Rowlandson produzierte Aquarelle und Drucke, die das britische Leben satirisieren, aber größtenteils die Politik vermieden. Der Meister des Politischen Karikatur, individuell von Druckgeschäften verkauft (oft auch als Verlage), entweder handgefertigte oder schlicht, war James Gillray.[34] Die Betonung der Porträtemalle in der britischen Kunst war nicht ausschließlich auf die Eitelkeit der Sitter zurückzuführen. Es gab einen großen Sammlermarkt für Porträtdrucke, hauptsächlich Reproduktionen von Gemälden, die oft in Alben montiert wurden. Ab Mitte des Jahrhunderts gab es ein großes Wachstum der teuren, aber effektiveren Reproduktionen in Mezzotinto, von Porträts und anderen Gemälden, mit besonderen Nachfrage von Sammlern nach frühen Beweisstaaten "vor Buchstaben" (dh bevor die Inschriften hinzugefügt wurden), die die Druckmacher in wachsenden Zahlen verbindlich ausdrucken.[35]

In dieser Zeit markierte eine der Höhepunkte in der britischen dekorativen Künste. Um Mitte des Jahrhunderts viele Porzellan Fabriken eröffnet, einschließlich Verneigung in London und in den Provinzen Lowestoft, Worcester, Royal Crown Derby, Liverpool, und Wedgwood, mit Spode Im Folgenden im Jahr 1767 wurden die meisten als kleine Bedenken begonnen, einige dauerten nur wenige Jahrzehnte, während andere noch heute überleben. Bis zum Ende des Zeitraums wurden britische Porzellandienste von ausländischen Königen in Auftrag gegeben, und die britischen Hersteller waren besonders geschickt darin, den schnell wachsenden internationalen Markt für Mittelklasse zu verfolgen und sich zu entwickeln Knochenchina und Transfer-Druck Waren sowie handbemalte wahre Porzellan.[36]

Die drei führenden Möbelhersteller, Thomas Chippendale (1718–1779), Thomas Sheraton (1751–1806) und George Hepplewhite (1727? –1786) hatten unterschiedliche Stile und haben den dauerhaften Ruhm erlangt, den sie hauptsächlich als Autoren von Musterbüchern haben, die von anderen Herstellern in Großbritannien und im Ausland verwendet wurden. Tatsächlich ist es alles andere als klar, ob die letzten beiden genannten jemals tatsächliche Workshops durchgeführt wurden, obwohl Chippendale in diesem und in dem, was wir jetzt als Innenarchitektur bezeichnen, sicherlich erfolgreich war. Im Gegensatz zu Frankreich, Großbritannien hatte seine aufgegeben Gilde System und Chippendale konnten Spezialisten für alle für die Vervollständigung einer Sanierung erforderlichen Handwerksanbieter einstellen.[37] Während des Zeitraums Rococo und Chinoiserie gab Platz zu Neoklassizismusmit dem schottischen Architekt und Innenarchitekten Robert Adam (1728–1792) Führung des neuen Stils.

19. Jahrhundert und die Romantiker

Samuel Palmer, Selbstporträt, c. 1826

Das späte 18. Jahrhundert und das frühe 19. Jahrhundert, das durch die gekennzeichnet ist Romantische Bewegung In der britischen Kunst beinhaltet Joseph Wright von Derby, James Ward, Samuel Palmer, Richard Parkes Bonington, John Martin und war vielleicht die radikalste Zeit in der britischen Kunst, die auch produzierte William Blake (1757–1827), John Constable (1776–1837) und J.M.W. Turner (1775–1851), wobei die späteren zwei wohl international einflussreicher aller britischen Künstler sind.[38][39] Turners Stil, basierend auf der italienischen Tradition, obwohl er Italien erst in seinen Vierzigern gesehen hatte, durchlief erhebliche Veränderungen vor seinem endgültigen wilden, fast abstrakten Landschaften, die die Auswirkungen des Lichts untersuchten und einen tiefgreifenden Einfluss auf die hatten Impressionisten und andere spätere Bewegungen.[40] Constable hat normalerweise reine Landschaften mit höchstens einigen wenigen Genre-Figuren gemalt, in einem Stil, der auf nordeuropäischen Traditionen basiert.[41] Sie wurden mit Studien und in voller Größe sorgfältig vorbereitet Ölskizzen,[42] Während Turner dafür berüchtigt war, seine Ausstellungsstücke zu beenden, als sie bereits zur Show hängten, und sie frei so anpasste, dass sie die umgebenden Werke in den dicht gepackten Hängen des Tages dominieren.[43]

Blakes visionärer Stil war in seinem Leben ein Minderheitengeschmack, beeinflusste aber die jüngere Gruppe von "Alten"von Samuel Palmer, John Linnell, Edward Calvert und George Richmond, der sich auf dem Land versammelte Shoreham, Kent In den 1820er Jahren produzierte intensive und lyrische pastorale Idylle unter Bedingungen der Armut. Sie fuhren zu konventionelleren künstlerischen Karrieren und Palmers frühe Arbeit wurde bis zum frühen 20. Jahrhundert völlig vergessen.[44] Blake und Palmer wurden zu einem bedeutenden Einfluss auf modernistische Künstler des 20. Jahrhunderts (unter anderem) im Gemälde britischer Künstler wie Dora Carrington,[45] Paul Nash und Graham Sutherland.[46] Blake hatte auch einen enormen Einfluss auf die Dichter schlagen der 1950er Jahre und der Gegenkultur der 1960er Jahre.[47]

Thomas Lawrence war bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts ein führender Porträtist und in der Lage, seinen Porträts der High Society einen romantischen Schuss zu geben, und die Führer Europas versammelten sich am Kongress von Wien nach dem napoleonische Kriege. Henry Raeburn war der bedeutendste Porträtist seit der Gewerkschaft, der während seiner gesamten Karriere in Edinburgh ansässig war, ein Hinweis darauf, den schottischen Wohlstand zu erhöhen.[48] Aber David Wilkie nahm die traditionelle Straße nach Süden und erzielte großen Erfolg mit den Themen des Landlebens und Hybrids Genre und Geschichtsszenen wie Die Chelsea -Rentner lesen den Waterloo -Versand (1822).[49]

John Flaxman war der gründlichste neoklassische englische Künstler. Als Bildhauerin wurde er am besten für seine vielen Ersatz -Umrisszeichnungen klassischer Szenen bekannt, die oft Literatur veranschaulichen, die als Drucke reproduziert wurden. Diese imitierten die Auswirkungen der von ihm ebenfalls produzierten Reliefs im klassischen Stil. Der deutsche Swiss Henry Fuseli Auch produzierte Arbeiten in einem linearen grafischen Stil, aber seine narrativen Szenen, oft aus englischer Literatur, waren intensiv romantisch und sehr dramatisch.[50]

Viktorianische Kunst

Ophelia, durch John Everett Millais, 1851-52

Das Pre-Raphaelite Brotherhood (PRB) erreichte nach seiner Stiftung im Jahr 1848 einen erheblichen Einfluss mit Gemälden, die sich auf religiöse, literarische und konzentrierten Genre Probanden, die in einem farbenfrohen und minutiös detaillierten Stil ausgeführt wurden, lehnten die losen malerischen Pinselarbeit der Tradition ab, die von "Sir Sloschua" Reynolds dargestellt wird. PRB -Künstler eingeschlossen John Everett Millais, William Holman Hunt, Dante Gabriel Rossetti, und Ford Madox Brown (niemals offiziell ein Mitglied) und Zahlen wie Edward Burne-Jones und John William Waterhouse wurden später stark von Aspekten ihrer Ideen beeinflusst, ebenso wie der Designer William Morris. Morris befürwortete eine Rückkehr zur Handwerkskunst in den dekorativen Künsten über die industrielle Herstellung, die schnell auf alle Handwerksanlagen angewendet wurde. Seine Bemühungen, schöne Objekte für alle erschwinglich (oder sogar frei) zu machen, führten zu seinen Tapeten- und Fliesenentwürfen, die die definierten viktorianisch ästhetisch und anstiften die Kunsthandwerksbewegung.

Die Vorraubaeliten wie Turner wurden vom maßgeblichen Kunstkritiker unterstützt John Ruskin, selbst ein guter Amateurkünstler. Bei all ihrer technischen Innovation waren sie sowohl traditionell als auch viktorianisch in ihrer Einhaltung der Geschichtsmalerei als die höchste Form der Kunstund ihr Thema stimmte gründlich im Einklang mit dem viktorianischen Geschmack und in der Tat "alles, was die Verlage von Stahlgravuren begrüßten",[51] Ermöglicht es ihnen, sich in ihren späteren Karrieren leicht in den Mainstream zu verschmelzen.[52]

Während die Vorraubaeliten einen turbulenten und geteilten Empfang hatten, einschließlich der beliebtesten und teursten Maler dieser Zeit eingeschlossen Edwin Landseer, der sich auf sentimentale tierische Themen spezialisiert hat, die Favoriten von waren Königin Victoria und Prinz Albert. Im späteren Teil des Jahrhunderts konnten Künstler große Summen verdienen, wenn sie die Reproduktionsrechte ihrer Gemälde an Druckverlage und BREANS -Werke, insbesondere seine, verkaufen können Monarch des Glen (1851), ein Porträt eines Highland -Hirsches, gehörten zu den beliebtesten. Wie Millais ' Bläschen (1886) Es wurde seit Jahrzehnten für Verpackungen und Anzeigen für Marken von Whisky und Seife verwendet.[53]

Während der späten viktorianischen Ära in Großbritannien die akademischen Gemälde, einige enorm groß, von Lord Leighton und die niederländischen geborenen Lawrence Alma-Tadema waren enorm beliebt, beide häufig mit leicht bekleideten Schönheiten in exotischen oder klassischen Umgebungen, während die Allegorischen Werke von G. F. Watts stimmte dem viktorianischen Sinn für hohen Zweck zu. Die klassischen Damen von Edward Poynter und Albert Moore trug mehr Kleidung und traf einen eher weniger Erfolg. William Powell Frith Sehr detaillierte Szenen des sozialen Lebens gestrichen, in der Regel alle Klassen der Gesellschaft, darunter Comic- und moralische Elemente und eine anerkannte Schulden gegenüber Hogarth, obwohl sie sich von seiner Arbeit unterscheiden.[54]

Für alle solchen Künstler die Sommerausstellung der Royal Academy war eine wesentliche Plattform, die in der Presse mit großer Länge überprüft wurde, die oft lächerlich und extravagantes Lob bei der Diskussion von Werken wechselte. Die ultimative und sehr seltene Auszeichnung war, als eine Schiene vor ein Gemälde gestellt werden musste, um sie vor der eifrigen Menge zu schützen. Bis 1874 war dies nur Wilkie's passiert Chelsea -Rentner, Frith's Der Derby -Tag und Salon d'Or, Homburg und Luke Fildes's Die Gelegenheitsstation (siehe unten).[55] Eine große Anzahl von Künstlern, die Jahr für Jahr in der Hoffnung auf einen Hit gearbeitet haben, der oft in Manieren arbeitet, zu denen ihr Talent nicht wirklich geeignet war, ein Trope, der vom Selbstmord 1846 veranschaulicht wurde Benjamin Haydon, ein Freund von Keats und Dickens und ein besserer Schriftsteller als Maler, der sein Blut über seine unvollendeten bespritzt König Alfred und die erste britische Jury.[56]

John Frederick Lewis, Der Kibab -Laden, eine Szene aus Scutari, 1858

Die britische Geschichte war ein sehr häufiges Thema mit dem Mittelalter, Elizabeth I. Mary, Königin der Schotten und die Englischer Bürgerkrieg Besonders beliebte Quellen für Themen. Viele Maler, die an anderer Stelle erwähnt wurden, haben historische Themen gemalt, einschließlich Millais (Die Kindheit von Raleigh und viele andere), Ford Madox Brown (Cromwell auf seiner Farm), David Wilkie, Watts und Frith und West, Bonington und Turner in früheren Jahrzehnten. Der in London ansässige Irishman Daniel Maclise und Charles West Cope lackierte Szenen für die Neuen Palast von Westminster. Lady Jane Gray war, wie Mary Queen of Scots, eine Frau, deren Leiden viele Maler anzogen Die Hinrichtung von Lady Jane Gray, eines von vielen britischen historischen Themen des Franzosen Paul Delaroche.[57] Maler waren stolz auf die zunehmende Genauigkeit ihrer Periodeneinstellungen in Bezug auf Kostüme und Objekte und untersuchten die Sammlungen des neuen Victoria und Albert Museum und Bücher und verurteilen die luftigen Annäherungen früherer Generationen von Künstlern.[58]

Richard Redgrave, Der letzte Anblick der Auswanderer des Hauses zu Hause, 1858

Das viktorianische Gemälde entwickelte das mit moralisierende Details gefüllte Hogarthian-Sozialfach und die Tradition, Szenen aus der Literatur zu veranschaulichen, in eine Reihe von Arten von Genremalereien, viele mit nur wenigen Figuren, anderen großen und überfüllten Szenen wie Friths bekanntesten Werken. Holman Hunt's Das Erwachensgewissen (1853) und Augustus Ei's set von Vergangenheit und Gegenwart (1858) sind von der ersten Art, beide mit "gefallenen Frauen", einem mehrjährigen viktorianischen Anliegen. Wie Peter Conrad Hinweise darauf, dass dies Gemälde waren, die wie Romane gelesen werden konnten, deren Bedeutung sich entstand, nachdem der Betrachter die Arbeit der Entschlüsselung erledigt hatte.[59] Andere "anekdotische" Szenen waren leichter Stimmung und tendierten dazu Schlagen Cartoons.

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts die Problembild ließ die Details der narrativen Handlung absichtlich mehrdeutig und lud den Betrachter ein, mit den vor ihnen vorgenommenen Beweisen darüber zu spekulieren, lieferte aber keine endgültige Antwort (Künstler lernten, aufzufordern). Dies hat manchmal eine Diskussion über sensible soziale Probleme hervorgerufen, die in der Regel Frauen beteiligt waren, die möglicherweise schwer direkt aufzuheben war. Sie waren enorm beliebt; Zeitungen führten Wettbewerbe für die Leser durch, um die Bedeutung des Gemäldes zu liefern.[60]

Viele Künstler nahmen an der Wiederbelebung der originalen Künstlerin teil Druckgrafik Normalerweise als die bekannt Wiederbelebungobwohl Drucke in vielen anderen Techniken ebenfalls durchgeführt wurden. Dies begann in den 1850er Jahren und dauerte bis zum Folgen der Folgen der 1929 Wall Street Crash brachte einen Zusammenbruch in den sehr hohen Preisen hervor, die die modischsten Künstler erreicht hatten.

britisch Orientalismus, obwohl nicht so häufig wie in Frankreich im gleichen Zeitraum, viele Spezialisten, einschließlich John Frederick Lewis, wer lebte neun Jahre in Kairo, David Roberts, ein Schott Edward Lear, ein ständiger Reisender, der bisher erreichte Ceylon, und Richard Dadd. Holman Hunt reiste ebenfalls zu Palästina um authentische Einstellungen für seine biblischen Bilder zu erhalten. Der Franzose James Tissot, der nach dem Fall des Falls nach London geflohen ist Pariser Gemeinde, spannte seine Zeit zwischen Szenen der gesellschaftlichen Ereignisse in hoher Gesellschaft und einer riesigen Reihe biblischer Illustrationen, die in Aquarell für die reproduktive Veröffentlichung gemacht wurden.[61] Frederick Goodall Spezialisiert auf Szenen des alten Ägyptens.

James McNeill Whistler, Nocturne in Schwarz und Gold: Die fallende Rakete (1874). Eine nahe Abstraktion, 1877 verklagte Whistler die Kunstkritiker John Ruskin für Verleumdung, nachdem der Kritiker sein Gemälde verurteilt hatte Nocturne in Schwarz und Gold - die fallende Rakete. Ruskin beschuldigte Whistler, "zweihundert Guineen zu fragen, dass er einen Farbtopf in das Gesicht der Öffentlichkeit geworfen hat". [62][63]

Größere Gemälde, die sich mit den sozialen Bedingungen der Armen befassten, konzentrierten sich dazu, sich auf ländliche Szenen zu konzentrieren, so dass das Elend der menschlichen Figuren zumindest durch eine Landschaft ausgeglichen wurde. Maler davon eingeschlossen Frederick Walker, Luke Fildes (Obwohl er sich 1874 mit dem Namen machte Bewerber für die Zulassung zu einer Gelegenheitsstation- siehe oben), Frank Holl, George Clausenund der Deutsche Hubert von Herkomer.[64]

William Bell Scott, ein Freund der Rossettis, bemalte historische Szenen und andere Arten von Arbeiten, war aber auch einer der wenigen Künstler, die Szenen aus der schweren Industrie darstellen. Seine Memoiren sind eine nützliche Quelle für den Zeitraum, und er war einer von mehreren Künstlern, die für einen Zeitraum in dem stark erweiterten System der Kunstschulen eingesetzt werden, die vom Administrator angetrieben wurden Henry Cole (der Erfinder der Weihnachtskarte) und beschäftigt Richard Redgrave, Edward Poynter, Richard Burchett, der schottische Designer Christopher Dresser und viele andere. Burchett war Schulleiter der "South Kensington Schools", jetzt die Royal College of Art, das die Royal Academy School nach und nach als führende britische Kunstschule ersetzte, obwohl es um den Beginn des 20. Jahrhunderts die Slade School of Fine Art produzierte viele der zukunftsgerichteten Künstler.[65]

Die Royal Academy war zunächst keineswegs so konservativ und restriktiv wie die Pariser SalonUnd die Prä-Raphaeliten hatten die meisten ihrer Einreichungen für die Ausstellung akzeptiert, obwohl sie sich wie alle anderen über die Positionen beschweren, die ihre Bilder gegeben wurden. Sie wurden besonders begrüßt in der Liverpool Academy of Arts, eine der größten regionalen Ausstellungsorganisationen; das Royal Scottish Academy wurde 1826 gegründet und eröffnete seine Großes neues Gebäude In den 1850er Jahren. Es gab alternative Londoner Orte wie die Britische Institutionund als der Konservatismus der Royal Academy trotz der Bemühungen von allmählich zunahm Lord Leighton Als Präsident wurden neue Räume eröffnet, insbesondere die Grosvenor Gallery in Bond Streetab 1877, die zur Heimat der ästhetischen Bewegung wurde. Das Neuer englischer Kunstclub aus 1885 ausgestellt viele Künstler mit impressionistischen Tendenzen, die zunächst die verwenden Ägyptische Halle, gegenüber der Royal Academy, in der auch viele Ausstellungen ausländischer Kunst ausgerichtet waren. Der amerikanische Porträtmaler John Sänger Sargent (1856–1925) verbrachte den größten Teil seiner beruflichen Karriere in Europa und unterhielt sein Studio in London (wo er starb) von 1886 bis 1907.

Alfred Sisley, der von Geburt an französisch war, aber britische Nationalität hatte, die in Frankreich als einer der Impressionisten; Walter Sickert und Philip Wilson Steer Zu Beginn ihrer Karriere wurden auch stark beeinflusst, aber trotz des Händlers Paul Durand-Ruel Die Bewegung brachte viele Ausstellungen nach London und wirkte sich in England bis Jahrzehnte später wenig aus.[66] Einige Mitglieder der Neulyn School Von Landschaften und Genre-Szenen nahmen eine quasi-impressionistische Technik ein, während andere realistische oder traditionellere Finish-Ebenen einsetzten.

Das Ende des 19. Jahrhunderts sah auch das Dekadente Bewegung in Frankreich und den Briten Ästhetische Bewegung. Der in Großbritannien ansässige amerikanische Maler James Abbott McNeill Whistler, Aubrey Beardsleyund der erstere Vorraubaeliten Dante Gabriel Rossetti, und Edward Burne-Jones sind mit diesen Bewegungen verbunden, wobei spät Burne-Jones und Beardsley im Ausland bewundert werden und den nächsten britischen Ansatz für Europäer darstellen Symbolismus.[67] 1877 verklagte James McNeill Whistler die Kunstkritiker John Ruskin für Verleumdung, nachdem der Kritiker sein Gemälde verurteilt hatte Nocturne in Schwarz und Gold: Die fallende Rakete. Ruskin beschuldigte Whistler, "zweihundert Guineen zu fragen, dass er einen Farbtopf in das Gesicht der Öffentlichkeit geworfen hat".[62][63] Die Jury erlangte ein Urteil zugunsten von Whistler, verlieh ihm jedoch nur einen einzigen Farthing bei nominalen Schäden, und die Gerichtskosten wurden geteilt.[68] Die Kosten für den Fall zusammen mit enormen Schulden durch den Bau seines Wohnsitzes ("das Weiße Haus" in Tite Street, Chelsea, entworfen mit E. W. Godwin, 1877–8), bankrottes Whistler bis Mai 1879,[69] was zu einer Auktion seiner Arbeit, seiner Sammlungen und seines Hauses führt. Stansky[70] stellt die Ironie fest, dass die Fine Art Society of London, die eine Sammlung organisiert hatte, um die Rechtskosten von Ruskin zu bezahlen, unterstützte ihn beim Ätzen "Die Steine ​​von Venedig" (und in der Ausstellung der Serie im Jahr 1883), die dazu beitrugen, die Kosten von Whistler wiederzuerlangen.

Walter Sickert, Der Schauspielmanager oder die Probe: das Ende der Handlung, (Porträt von Helen carte), c. 1885

Die schottische Kunst erlangte nun einen angemessenen Heimmarkt, der es ihm ermöglichte, einen unverwechselbaren Charakter zu entwickeln, von dem das "das"Glasgow Jungs"waren ein Ausdruck, das sich überspannt, Impressionismus in Malerei und Jugendstil, Japonismus und die Keltische Wiederbelebung im Design, mit dem Architekt und Designer Charles Rennie Mackintosh jetzt ihr bekanntes Mitglied. Maler eingeschlossen Thomas Millie Dow, George Henry, Joseph Crawhall und James Guthrie.

Die neue Drucktechnologie brachte eine große Ausweitung der Buchillustration mit Illustrationen für eine große Expansion bei Kinderbuch Bereitstellung eines Großteils der besten erinnerten Arbeiten der Zeit. Spezialisierte Künstler eingeschlossen Randolph Caldecott, Walter Crane, Kate Greenaway und ab 1902, Beatrix Potter.

Die Erfahrung der militärischen, politischen und wirtschaftlichen Macht aus dem Aufstieg der Britisches Imperium, führte zu einem sehr spezifischen Antrieb der künstlerischen Technik, des Geschmacks und der Sensibilität im Vereinigten Königreich.[71] Briten benutzte ihre Kunst, "um ihr Wissen und ihr Gebot über die natürliche Welt zu veranschaulichen", während die ständigen Siedler in Britisch Nordamerika, Australasiaund Südafrika "begann eine Suche nach unverwechselbarem künstlerischem Ausdruck, der für ihr Gefühl der nationalen Identität geeignet ist".[71] Das Reich war "im Zentrum und nicht am Rande der Geschichte der britischen Kunst".[72]

Die enorme Vielfalt und die massive Produktion der verschiedenen Formen der britischen dekorativen Kunst in dieser Zeit sind zu komplex, um leicht zusammenzufassen. Viktorianischer Geschmack, bis zu den verschiedenen Bewegungen der letzten Jahrzehnte, wie z. Kunst und Handwerk, wird heute im Allgemeinen schlecht angesehen, aber viel gute Arbeit wurde produziert und viel Geld verdient. Beide William Burges und Augustus Pugin Wurden Architekten dem verpflichtet Gothic Revival, der sich zum Entwerfen von Möbeln, Metallarbeiten, Fliesen und Objekten in anderen Medien ausdehnte. Es gab einen enormen Boom bei der Wiederaufnahme der Armaturen mittelalterlicher Kirchen und der Ausstattung neuer im Stil, insbesondere mit Buntglas, ein Industrie wurde vom effektiven Aussterben wiederbelebt. Die Wiederbelebung von mit Bildern gemalten Möbeln war ein besonderes Merkmal am oberen Ende des Marktes.[73]

Von seiner Eröffnung im Jahr 1875 das Londoner Kaufhaus Liberty & Co. war besonders mit importierten fernöstlichen dekorativen Gegenständen und britischen Waren in den neuen Stilen des Ende des 19. Jahrhunderts verbunden. Charles Voysey war ein Architekt, der auch viel Designarbeiten in Textilien, Tapetenmöbeln und anderen Medien leistete und das brachte Kunsthandwerksbewegung hinein Jugendstil und darüber hinaus; Er entwürfe bis in die 1920er Jahre.[74] A. H. Mackmurdo war eine ähnliche Figur.

20. Jahrhundert

Graham Sutherland, Die Stadt eine gefallene Liftschacht (1941)

In vielen erneuten Fakten wurde die viktorianische Ära bis zum Ausbruch des Ersten Weltkriegs im Jahr 1914 fortgesetzt, und die Royal Academy wurde zunehmend verknötzt. die unverkennbar spät viktorianische Figur von Frank Dicksee wurde 1924 zum Präsidenten ernannt. In Fotografie Pictorialism zielte darauf ab, künstlerische in der Tat malerische Wirkungen zu erzielen; Der verknüpfte Ring enthielt die führenden Praktizierenden. Die Amerikaner John Sänger Sargent war zu Beginn des 20. Jahrhunderts der erfolgreichste Londoner Porträtist mit John Lavery, Augustus John und William Orpen Steigende Zahlen. Johns Schwester Gwen John lebte in Frankreich, und ihre intimen Porträts wurden bis Jahrzehnte nach ihrem Tod relativ wenig geschätzt. Britische Einstellungen zu moderne Kunst wurden am Ende des 19. Jahrhunderts "polarisiert".[75] Modernist Bewegungen wurden sowohl von Künstlern und Kritikern geschätzt als auch verunglimpft; Impressionismus wurde ursprünglich von "vielen konservativen Kritikern" als "subversiven ausländischen Einfluss" angesehen, wurde aber zu Beginn des 20. Jahrhunderts "vollständig in die britische Kunst assimiliert".[75] Der irische Künstler Jack Butler Yeats (1871–1957), der in Dublin ansässig war, sofort a Romantischer Maler, a Symbolist und ein Expressionist.

Wirbel war ein kurzer Zusammenhang von einer Reihe von Modernist Künstler in den Jahren unmittelbar vor 1914; Mitglieder eingeschlossen Wyndham Lewis, der Bildhauer Sir Jacob Epstein, David Bomberg, Malcolm Arbuthnot, Lawrence Atkinson, der amerikanische Fotograf Alvin Langdon Coburn, Frederick Etchells, der französische Bildhauer Henri Gaudier-Brzeska, Cuthbert Hamilton, Christopher Nevinson, William Roberts, Edward Wadsworth, Jessica Dismorr, Helen Saunders, und Dorothy Shakespear. Das frühe 20. Jahrhundert umfasst auch Die Sitwells künstlerischer Kreis und der Bloomsbury -Gruppe, eine Gruppe hauptsächlich englischer Schriftsteller, Intellektueller, Philosophen und Künstler, einschließlich Maler Dora Carrington, Maler und Kunstkritiker Roger Fry, Kunstkritiker Clive Bell, Maler Vanessa Bell, Maler Duncan Grant unter anderen. Obwohl sie zu dieser Zeit sehr modisch sind, sieht ihre Arbeit in der bildenden Künste heute weniger beeindruckend aus.[76] Die britische Moderne sollte bis nach dem Zweiten Weltkrieg etwas vorläufig bleiben, obwohl Zahlen wie Ben Nicholson mit europäischen Entwicklungen in Kontakt gehalten.

Walter Sickert und die Camden Town Group entwickelte einen englischen Stil des Impressionismus und Post-Impressionismus mit einem starken sozialen Dokumentarfilm, einschließlich Harold Gilman, Spencer Frederick Gore, Charles Ginner, Robert Bevan, Malcolm Drummond und Lucien Pissarro (Der Sohn des französischen impressionistischen Malers Camille Pissarro).[77] Wo ihre Färbung oft notorisch trist ist, die Schottische Farbkolouristen In der Tat meist helles Licht und Farbe verwendet; einige wie Samuel Peploe und John Duncan Fergussonlebten in Frankreich, um geeignete Themen zu finden.[78] Sie wurden anfangs von Sir inspiriert William McTaggart (1835–1910), ein schottischer Landschaftsmaler, der mit Impressionismus verbunden ist.

Die Reaktion auf die Schrecken des Ersten Weltkriegs führte zu einer Rückkehr zu pastoral Paul Nash und Eric Ravilioushauptsächlich Druckmacher. Stanley Spencer gemalt mystische Werke sowie Landschaften und der Bildhauer, Druckmacher und Typografin Eric Gill produzierte elegante einfache Formen in einem Stil im Zusammenhang mit Art Deco. Das Euston Road School war eine Gruppe von "progressiven" Realisten der späten 1930er Jahre, einschließlich des einflussreichen Lehrers William Coldstream. Surrealismus, mit Künstlern, einschließlich John Tunnard und die Birmingham Surrealistenwar in den 1930er Jahren kurz beliebt und beeinflussen Roland Penrose und Henry Moore. Stanley William Hayter war ein Briten Maler und Grafiker assoziiert in den 1930er Jahren mit Surrealismus und ab 1940 mit Abstrakter Expressionismus.[79] 1927 gründete Hayter den legendären Atelier 17 Studio in Paris. Seit seinem Tod im Jahr 1988 ist es als bekannt als Atelier Contepoint. Hayter wurde einer der einflussreichsten Druckmacher des 20. Jahrhunderts.[80] Mode Porträtisten enthalten Meredith Frampton in einem hartgesichtigen Art-Deco-Klassizismus, Augustus Johnund Sir Alfred Munnings Wenn Pferde beteiligt waren. Munnings war Präsident der Royal Academy 1944–1949 und führte zu einer spottenden Feindseligkeit in die Moderne. Zu den Fotografen dieser Zeit gehören Bill Brandt, Angus McBean und der Tagebuch Cecil Beaton.

Henry Moore tauchte danach auf Zweiter Weltkrieg Als britischer führender Bildhauer befördert Victor Pasmore, William Scott und Barbara Hepworth bis zum Festival Großbritanniens. Die "Londoner Schule" der figurativen Maler, einschließlich Francis Bacon, Lucian Freud, Frank Auerbach, Leon Kossoff, und Michael Andrews haben eine weit verbreitete internationale Anerkennung erhalten,[81] während andere Maler wie John Minton und John Craxton sind charakterisiert wie Neoromantik. Graham Sutherlandder romantische Landschaftler John Piper (ein produktiver und beliebter Lithographer), der Bildhauer Elisabeth Frinkund die industriellen Städte von L.S. Lowry auch zur starken figurativen Präsenz in der britischen Kunst nach dem Krieg beigetragen.

Nach William Grimes von Die New York Times "Lucien Freud und seine Zeitgenossen haben im 20. Jahrhundert die Figurmalerei verändert. In Gemälden wie Mädchen mit einem weißen Hund (1951-52) stellte Freud die bildliche Sprache des traditionellen europäischen Gemäldes in den Dienst eines anti-romantischen, konfrontativen Porträtstils, der die soziale Fassade des Sitter entlarvte. Gewöhnliche Menschen-viele von ihnen seine Freunde-starrten mit großen Augen aus der Leinwand, anfällig für die rücksichtslose Inspektion des Künstlers. "[82] 1952 am 26. Biennale von Venedig eine Gruppe junger britischer Bildhauer, einschließlich Kenneth Armitage, Reg Butler, Lynn Chadwick, William Turnbull und Eduardo Paolozzi, zeigte Werke, die Anti-monumentales Expressionismus zeigten.[83] Schottischer Maler Alan Davie In den 1950er Jahren schuf eine große Gruppe abstrakter Gemälde, die sein Interesse an Mythologie und Zen synthetisieren und widerspiegeln.[84] Die abstrakte Kunst wurde in den 1950er Jahren mit mit Ben Nicholson, Terry Frost, Peter Lanyon und Patrick Heron, die Teil der waren St. Ives School in Cornwall.[85] 1958 zusammen mit Kenneth Armitage und William Hayter, William Scott wurde vom British Council für den British Pavilion in der XXIX Venice Biennale ausgewählt.

In den 1950er Jahren hat das Londoner London ansässig Unabhängige Gruppe gebildet; aus denen Pop-Art tauchte 1956 mit der Ausstellung in der Institut für zeitgenössische Künste Das ist morgen, als britische Reaktion auf Abstrakter Expressionismus.[86] Die internationale Gruppe war das Thema einer zweitägigen internationalen Konferenz in der Tate Britain im März 2007. Die unabhängige Gruppe wird als Vorläufer des Vorläufers angesehen Pop-Art Bewegung in Großbritannien und den Vereinigten Staaten.[86][87] Das Das ist morgen Show mit dem schottischen Künstler Eduardo Paolozzi, Richard Hamiltonund Künstler John McHale unter anderem, und die Gruppe beinhaltete den Einfluss Kunstkritiker Lawrence Alloway auch.[88]

In den 1960ern, Sir Anthony Caro wurde eine führende Figur der britischen Skulptur[89] zusammen mit einer jüngeren Generation abstrakter Künstler, einschließlich Isaac Witkin,[90] Phillip King und William G. Tucker.[91] John Hoyland,[92] Howard Hodgkin, John Walker, Ian Stephenson,[93][94] Robyn Denny, John Plumb[95] und William Tillyer[96] waren britische Maler, die zu dieser Zeit auftauchten und den neuen internationalen Stil von widerspiegelten Farbfeldmalerei.[97] In den 1960er Jahren bot eine andere Gruppe britischer Künstler eine radikale Alternative zu konventionelleren Kunstmaking an und beinhaltete Bruce McLean, Barry Flanagan, Richard lang und Gilbert und George. britisch Pop-Art Maler David Hockney, Patrick Caulfield, Derek Boshier, Peter Phillips, Peter Blake (Am bekanntesten für die Cover-Art für Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band), Gerald Laing, der Bildhauer Allen Jones waren Teil der Kunstszene der sechziger Jahre, ebenso wie der in Großbritannien ansässige amerikanische Maler R. B. Kitaj. Fotorealismus in den Händen von Malcolm Morley (Wer wurde mit dem ersten ausgezeichnet Turner -Preis 1984) tauchten sowohl in den 1960er Jahren als auch in der Op-Art von Bridget Riley.[98] Michael Craig-Martin war ein einflussreicher Lehrer einiger der Junge britische Künstler und ist bekannt für die konzeptionelle Arbeit, An Oak Tree (1973).[99]

Zeitgenössische Kunst

Postmodern, zeitgenössische britische Kunst, insbesondere die der Junge britische Künstler, wurde als "durch eine grundlegende Sorge um die materielle Kultur gekennzeichnet ... als postimperiale kulturelle Angst angesehen".[101] Das jährliche Turner -Preis1984 gegründet und von der Tate organisiert, hat sich als hoch bekanntes Schaufenster für zeitgenössische britische Kunst entwickelt. Unter den Begünstigten waren mehrere Mitglieder der Junge britische Künstler (Yba) Bewegung, die schließt Damien Hirst, Rachel WhiteRead, und Tracey Emin, der nach dem anwesend aufstieg Einfrieren Ausstellung von 1988 mit der Unterstützung von Charles Saatchi und erreichte internationale Anerkennung mit ihrer Version von Konzeptkunst. Das ist oft vorgestellt Installationeninsbesondere Hirst's Vitrine mit einem erhaltenen Hai enthält. Die Tate Gallery und schließlich gab ihnen auch die Royal Academy auf. Der Einfluss von Saatchis großzügiger und weitreichender Schirmherrschaft war, eine Frage einer Kontroverse zu werden, ebenso wie der von Jay Jopling, der einflussreichste London Gallerist.

Das Sensation Ausstellung von Werken aus der Saatchi -Sammlung war in Großbritannien und den USA umstritten, wenn auch auf unterschiedliche Weise. Bei der Royal Academy Press erzeugte Kontroverse konzentrierte sich auf Myra, ein sehr großes Bild des Mörders Myra Hindley durch Marcus Harvey, aber als die Show nach New York City reiste und am Eröffnung der eröffnet wurde Brooklyn Museum Ende 1999 wurde intensiv protestiert Die heilige Jungfrau Maria durch Chris Ofili, was diese Reaktion in London nicht provoziert hatte. Während die Presse berichtete, dass das Stück mit Elefantenmist verschmiert wurde, zeigte Offilis Arbeit tatsächlich einen sorgfältig gerenderten Schwarz Madonna Dekoriert mit einem Harz bedeckten Klumpen Elefantenmist. Die Figur ist auch von klein umgeben Collage Bilder weiblicher Genitalien aus pornografischen Magazinen; Diese schienen aus der Ferne die traditionellen zu sein Cherubim. Unter anderem der Bürgermeister von New York Rudolph Giuliani, der die Arbeit im Katalog gesehen hatte, aber nicht in der Show, nannte sie "krankes Zeug" und drohte, den jährlichen 7 -Millionen -Dollar -Rathaus von der Rathauses zurückzuziehen Brooklyn Museum Hosting der Show, weil "Sie kein Recht auf staatliche Subventionen haben, die Religion eines anderen zu entweihen."[102]

Im Jahr 1999 die Stecken geblieben figurative Malgruppe, die schließt Billy Childish und Charles Thomson wurde als Reaktion auf die YBAs gegründet.[103] Im Jahr 2004 die Walker Art Gallery inszeniert Die steckigen Punk Viktorianer, die erste Ausstellung des Nationalen Museums der Stecken geblieben Kunstbewegung.[104] Das Föderation der britischen Künstler Gastgeber zeigen traditionelles figuratives Malerei.[105] Jack Vettriano und Beryl Cook haben weit verbreitete Popularität, aber keine Anerkennung für die Errichtung.[106][107][108] Banksy machte einen Ruf mit der Straße Graffiti und ist jetzt ein hoch geschätzter Mainstream -Künstler.[109]

Antony Gormley Erzeugt Skulpturen, hauptsächlich in Metall und basiert auf der menschlichen Figur, die die 20 Meter (66 ft) hoch umfasst Engel des Nordens nahe Gateshead, einer der ersten einer Reihe sehr großer öffentlicher Skulpturen, die in den 2000er Jahren produziert wurden, Ein anderer Ort, und Ereignishorizont. Der in Indien geborene Bildhauer Anish Kapoor hat öffentliche Arbeiten auf der ganzen Welt, einschließlich Wolkentor in Chicago und Himmelspiegel an verschiedenen Orten; Wie ein Großteil seiner Arbeiten verwenden diese gebogenen spiegelähnlichen Stahlflächen. Das Umweltskulpturen von Briten Earth Works Artist Andy Goldsworthy wurden an vielen Orten auf der ganzen Welt geschaffen. Mit natürlichen Materialien sind sie oft sehr kurzlebig und werden in Fotografien aufgezeichnet, von denen mehrere Sammlungen in Buchform veröffentlicht wurden.[110] Grayson Perry Arbeitet in verschiedenen Medien, einschließlich Keramik. Während der führenden Druckmacher enthalten Norman Ackroyd, Elizabeth Blackadder, Barbara Rae und Richard Ersatz.

Siehe auch

Verweise

  1. ^ Strong (1999), 9–120, oder sehen Sie die Referenzen in den verknüpften Artikeln an
  2. ^ Waterhouse, Kapitel 1-6
  3. ^ Waterhouse, 152
  4. ^ Waterhouse, 138–139; 151; 163
  5. ^ Waterhouse, 135–138; 147–150
  6. ^ Waterhouse, 131–133. Zu den "Einwänden" gehörte, dass es eine dunkle Nacht war, das Boot war klein, der König, der nicht schlau gekleidet war, und viele der Adligen, die ihn begleiteten, waren bis dahin nicht von Gunsten.
  7. ^ Waterhouse, 132–133; Pevsner, 29–30
  8. ^ Strong (1999), 358-361
  9. ^ Waterhouse, 165; 168–179
  10. ^ Waterhouse, 164–165
  11. ^ Waterhouse, 200-210
  12. ^ Waterhouse, 155–156
  13. ^ Waterhouse, 153–154, 157–160
  14. ^ Waterhouse, 163–164
  15. ^ Snowdin, 278-287, und siehe Index.
  16. ^ Snodin, 100–106
  17. ^ Snodin, 214-215
  18. ^ Strong (1999), Kapitel 24
  19. ^ Pevsner, 172
  20. ^ Snodin, 15–17; 29–31 und überall.
  21. ^ Reitlinger, 58 (Zitat), 59-75
  22. ^ Waterhouse, 217-230
  23. ^ Waterhouse, 164–165, 225–227, und siehe Index.
  24. ^ Waterhouse, 227-230
  25. ^ Waterhouse, Kapitel 18; Piper, 54-56; Mellon, 82
  26. ^ Waterhouse, 306-311
  27. ^ Piper, 84; Reitlinger, 434-437 mit den bemerkenswerten Zahlen
  28. ^ Waterhouse, 311-316
  29. ^ Reitlinger, 74-75; Waterhouse, 232-241
  30. ^ Pevsner, 159
  31. ^ Strong (1999), 478-479; Waterhouse, Kapitel 20
  32. ^ Egerton, 332-342; Waterhouse, 285-289
  33. ^ Waterhouse, 315-322
  34. ^ Waterhouse, 327-329
  35. ^ Griffiths, 49, Kapitel 6
  36. ^ Snowdin, 236–242
  37. ^ Snodin, 154–157
  38. ^ Stephen Adams, The Telegraph, 22. September 2009, JMW Turners Fehde mit John Constable in Tate Großbritannien enthüllt Abgerufen am 9. Dezember 2010 abgerufen
  39. ^ Jack Malvern, The Sunday Times, 22. September 2009, Tate Britain Exhibition belebt Turner und die alte Rivalität von Constable wieder Abgerufen am 9. Dezember 2010 abgerufen
  40. ^ "J.M.W. Turner, der ursprüngliche Künstler-Kurator-schauen Sie genauer aus". Tate.
  41. ^ Die großen Landschaften von Constable: Die sechs Fuß hohen Gemälde, National Gallery of Art, Washington, DC Abgerufen am 9. Dezember 2010 abgerufen
  42. ^ Pevsner, 161–164; Mellon, 134; Tate 2006 Constable Ausstellung Tate Britain Feature.
  43. ^ Piper, 116
  44. ^ Piper, 127–129
  45. ^ Wörterbuch der Künstlerinnen Abgerufen am 8. Dezember 2010 abgerufen
  46. ^ Shirley Dent und Jason Whittaker. Radical Blake: Einfluss und Leben nach dem Tod von 1827. Houndmills: Palgrave, 2002.
  47. ^ Neil Spencer, The Guardian, Oktober 2000, In den Mystiker, eine Hommage an die schriftliche Arbeit von William Blake. Abgerufen am 8. Dezember 2010 abgerufen
  48. ^ Piper, 96-98; Waterhouse, 330
  49. ^ Piper, 135
  50. ^ Piper, 84
  51. ^ Reitlinger, 97
  52. ^ Piper, 139–146; Wilson, 79–81
  53. ^ Piper, 149; Strong (1999), 540–541; Reitlinger, 97–99, 148–151 und anderswo; Er hat durchgehend Details über die Rechte der Fortpflanzung.
  54. ^ Wilson, 85; Rechnungen, Mark, Frith und der Einfluss von Hogarth, in William Powell Frith: Malen das viktorianische Alter, von Mark Bills & Vivien Knight, Yale University Press, 2006, ISBN0-300-12190-3, ISBN978-0-300-12190-2
  55. ^ Reitlinger, 157; Wilson, 85; Frith's Salon d'Or, Homburg (1871), jetzt Vorsehung, Rhode Islandist Friths letztes großes Panorama des Glücksspiels bei Homburg [1].
  56. ^ Piper, 131
  57. ^ Stark (1978), durchgehend. In Anhang I finden Sie eine enthüllende vollständige Auflistung von Bildern,
  58. ^ Strong (1978), 47-73
  59. ^ Conrad, Peter. Das viktorianische Schatzhause
  60. ^ Fletcher, durchgehend
  61. ^ Piper, 148–151
  62. ^ a b Whistler gegen Ruskin, Princeton Edu. Archiviert 16. Juni 2010 bei der Wayback -Maschine Abgerufen am 13. Juni 2010 abgerufen
  63. ^ a b [2] Archiviert 12. Januar 2012 bei der Wayback -Maschine, von dem Tate, abgerufen am 12. April 2009
  64. ^ Wilson, 89-91; Rosenthal, 144, 160–162; Reitlinger, 156–157
  65. ^ Frayling, 12-64
  66. ^ Hamilton, 57-62; Wilson, 97-99
  67. ^ Hamilton, 146–148
  68. ^ Peters, Lisa N., James McNeil Whistler, S. 51-52, ISBN1-880908-70-0.
  69. ^ "Siehe die Korrespondenz von James McNeill Whistler". Archiviert von das Original am 20. September 2008.
  70. ^ Peter Stanskys Rezension von Linda Merill's Ein Topf Farbe: Ästhetik vor Gericht in Whistler v. Ruskin in dem Zeitschrift für interdisziplinäre Geschichte, Vol. 24, Nr. 3 (Winter, 1994), S. 536-537 [3]
  71. ^ a b McKenzie, John, Kunst und Imperium, Britishempire.co.uk, abgerufen 24. Oktober 2008
  72. ^ Barringer et al. 2007, p. 3.
  73. ^ Gothic Revival Feature aus dem Victoria und Albert Museum
  74. ^ Voysey Wallpaper, V & A Museum
  75. ^ a b Jenkins et al. 2005, p. 5.
  76. ^ Wilson, 127–129; Mellon, 182–186
  77. ^ Camden Town Group, Tate Abgerufen am 7. Dezember 2010 abgerufen
  78. ^ Schottische Farbkolouristen, Tate Abgerufen am 14. Dezember 2010 abgerufen
  79. ^ "Stanley William Hayter (1901 - 1989)". Kunstsammlung. Britischer Rat. Archiviert von das Original am 15. Juli 2010. Abgerufen 5. Oktober 2010.
  80. ^ Brenson, Michael (6. Mai 1988). "Stanley William Hayter, 86, stirbt; Maler lehrte Miró und Pollock". Die New York Times. Abgerufen 18. Oktober 2008.
  81. ^ Walker, 219-225
  82. ^ "Lucian Freud, figurativer Maler, der die Porträts neu definiert hat, ist tot mit 88". Die New York Times. 21. Juli 2011.
  83. ^ "Die Bronzezeit Archiviert 5. Januar 2012 bei der UK Government Web Archive". Tate Magazine, Ausgabe 6, 2008. Abgerufen am 9. Dezember 2010.
  84. ^ Alan Davie, Tate Abgerufen am 15. Dezember 2010 abgerufen
  85. ^ Walker, 211-217
  86. ^ a b Livingstone, M. (1990), Pop Art: Eine fortlaufende Geschichte, New York: Harry N. Abrams, Inc.
  87. ^ Arnason, H., Geschichte der modernen Kunst: Malerei, Skulptur, Architektur, New York: Harry N. Abrams, Inc. 1968.
  88. ^ Dies ist morgen 1956 Katalog Archiviert 10. Juli 2010 bei der Wayback -Maschine Abgerufen am 9. Dezember 2010 abgerufen
  89. ^ Anthony Caro Ausstellung 2005, Tate Großbritannien Abgerufen am 9. Dezember 2010 abgerufen
  90. ^ Mai 2006, Nachruf am Sonntag Times Abgerufen am 9. Dezember 2010 abgerufen
  91. ^ Isc Lebensdauer Errungenschaften Preis in Skulptur Abgerufen am 9. Dezember 2010 abgerufen
  92. ^ tate.org.uk Archiviert 11. Januar 2012 bei der Wayback -Maschine Abgerufen am 9. Dezember 2010 abgerufen
  93. ^ Ian Stephenson Biographie Neues Kunstzentrum wurde am 9. Dezember 2010 abgerufen
  94. ^ Ian Stephenson 1934 - 2000 Die Tate -Website wurde am 9. Dezember 2010 abgerufen
  95. ^ Tate Collection abgerufen am 9. Dezember 2010
  96. ^ William Tillyer Abgerufen am 15. Januar 2018]
  97. ^ "Colorscope: Abstract Painting 1960–1979". Santa Barbara Museum of Art. 2010. archiviert von das Original am 3. Juli 2010. Abgerufen 9. Dezember 2010.
  98. ^ Tate -Biographie Abgerufen im Dezember 2010
  99. ^ Irish Museum of Modern Art Website Archiviert 21. Mai 2009 bei der Wayback -Maschine Abgerufen am 9. Dezember 2010 abgerufen
  100. ^ Gough, Paul (2010). Eine schreckliche Schönheit: Britische Künstler im Ersten Weltkrieg. S. 127–164.
  101. ^ Barringer et al. 2007, p. 17.
  102. ^ "Sensation Sparks New York Storm", BBC, 23. September 1999. Abgerufen am 17. Oktober 2008.
  103. ^ Cassidy, Sarah. "Stuckisten, Geißel von Britart, setzen ihre eigene Ausstellung auf", Der Unabhängige, 23. August 2006. Abgerufen am 6. Juli 2008.
  104. ^ Moos, Richard. "Stuckists Punk Victorian Gatecrashes Walkers Biennale, Culture24, 17. September 2004. Abgerufen am 3. Dezember 2009.
  105. ^ "Major New £ 25.000 ThreadNeedle Art Prize wurde angekündigt, um den Turner Prize zu konkurrieren", 24 Stunden Museum, 5. September 2007. Abgerufen am 7. Juli 2008.
  106. ^ Smith, David. "Er ist unser Lieblingskünstler. Warum hassen ihn die Galerien so sehr?", Der Beobachter, 11. Januar 2004. Abgerufen am 7. Juli 2008.
  107. ^ Campbell, Duncan. "Beryl Cook, Künstler, der mit einem Lächeln gemalt hat, stirbt", Der Wächter, 29. Mai 2008. Abgerufen am 7. Juli 2008.
  108. ^ "Maler Beryl Cook stirbt im Alter von 81 Jahren" BBC, 28. Mai 2008. Abgerufen am 7. Juli 2008.
  109. ^ Reynolds, Nigel. "Die Graffiti -Kunst von Banksy verkauft eine halbe Million", Der Daily Telegraph, 25. Oktober 2007. Abgerufen am 7. Juli 2008.
  110. ^ Adams, Tim (11. März 2007). "Das Interview: Andy Goldsworthy" - via www.theguardian.com.

Quellen

  • Barringer, T. J.; Quilley, Geoff; Fordham, Douglas (2007), Kunst und das britische Empire, Manchester University Press, ISBN 978-0-7190-7392-2
  • Egerton, Judy, National Gallery -Kataloge (neue Serie): Die britische Schule, 1998, ISBN1-85709-170-1
  • Fletcher, Pamela, Erzählung Moderne: Das britische Problembild, 1895–1914, Ashgate, 2003
  • Frayling, Christopher, Das Royal College of Art, einhundertfünfzig Jahre Kunst und Design, 1987, Barrie & Jenkins, London, ISBN0-7126-1820-1
  • Griffiths, Antony (ed), Sehenswürdigkeiten im Drucksammeln: Kenner und Spender im British Museum seit 1753, 1996, British Museum Press, ISBN0-7141-2609-8
  • Hamilton, George gehört, Malerei und Skulptur in Europa, 1880-1940 (Pelican History of Art), Yale University Press, überarbeitet 3. Aufl. 1983 ISBN0-14-056129-3
  • Hughes, Henry Meyric und Gijs van Tuyl (Hrsg.), Explosion zum Einfrieren: Britische Kunst im 20. Jahrhundert, 2003, Hatje Canz, ISBN3-7757-1248-8
  • Jenkins, Adrian; Marshall, Franziskus; Winde, Dinah; Morris, David (2005). Kreative Spannung: Britische Kunst 1900-1950.Paul Holberton. ISBN 978-1-903470-28-2.
  • "Mellon": Warner, Malcolm und Alexander, Julia Marciari, Dieses andere Eden, britische Gemälde aus der Paul Mellon -Sammlung in Yale, Yale Center für britische Kunst/Kunstausstellungen Australien, 1998
  • Parkinson, Ronald, Victoria und Albert Museum, Katalog der britischen Ölgemälde, 1820–1860, 1990, HMSO, ISBN0-11-290463-7
  • Pevsner, Nikolaus. Die Engländer der englischen Kunst, Penguin, 1964 edn.
  • Piper, David, Malerei in England, 1500–1880, Penguin, 1965 edn.
  • Reitlinger, Gerald; The Economics of Taste, Vol I: Der Anstieg und Fall der Bildpreise 1760-1960, Barrie und Rockliffe, London, 1961
  • Rosenthal, Michael, Britische Landschaftsmalerei, 1982, Phaidon Press, London
  • Snodin, Michael (ed). Rokoko; Kunst und Design in Hogarths England, 1984, Trefoil Books/Victoria und Albert Museum, ISBN0-86294-046-x
  • "Strong (1978)": Stark, Roy: Und wann hast du deinen Vater zuletzt gesehen?Der viktorianische Maler und die britische Geschichte, 1978, Themse und Hudson, ISBN0-500-27132-1 (Die Vergangenheit nachbauen .... in uns; Malen Sie die Vergangenheit ... In der Ausgabe 2004)
  • "Strong (1999)": Stark, Roy: Der Geist Großbritanniens, 1999, Hutchison, London, ISBN1-85681-534-x
  • Waterhouse, Ellis, Malerei in Großbritannien, 1530–1790, 4. Edn, 1978, Penguin Books (Now Yale History of Art Series), ISBN0-300-05319-3
  • Wilson, Simon; Tate Gallery, ein illustrierter Begleiter, 1990, Tate Gallery, ISBN9781854370587
  • Andrew Wilton & Anne Lyles, Das große Alter der britischen Aquarelle, 1750–1880, 1993, Prestel, ISBN3-7913-1254-5

Externe Links