Kunst

Im Uhrzeigersinn von oben links: ein 1887 Selbstporträt durch Vincent van Gogh; eine weibliche Vorfahrfigur von a Chokwe Künstler; Detail von Die Geburt der Venus (c. 1484–1486) von Sandro Botticelli; und ein Okinawan Shisa Löwe

Kunst ist eine vielfältige Palette von Menschliche Aktivitätund resultierendes Produkt, das kreativ oder kreativ oder fantasievoll Talent Ausdruck technischer Kenntnisse, Schönheit, emotionale Kraft, oder konzeptionell Ideen.^[1][2][3]

Es gibt keine allgemein vereinbarte Definition dessen, was Kunst ausmacht.^[4][5][6] und seine Interpretation hat sich im Laufe der Geschichte und in den Kulturen stark unterschiedlich gemacht. Die drei klassischen Zweige von Visuelle Kunst sind Malerei, Skulptur, und die Architektur.^[7] Theater, tanzen, und andere darstellende Künste, ebenso gut wie Literatur, Musik, Film und andere Medien wie z. interaktive Medien, sind in einer breiteren Definition von enthalten Die Künste.^[1][8] Bis zum 17. Jahrhundert, Kunst bezogen auf Fähigkeiten oder Beherrschung und war nicht unterschieden von Kunsthandwerk oder Wissenschaften. In der modernen Verwendung nach dem 17. Jahrhundert, wo ästhetische Überlegungen von größter Bedeutung sind, die Bildende Kunst werden getrennt und von erworbenen Fähigkeiten im Allgemeinen unterschieden, wie die dekorativ oder angewandte Künste.

Die Natur der Kunst und verwandte Konzepte wie Kreativität und Deutung, werden in einem Zweig der Philosophie untersucht, bekannt als als Ästhetik.^[9] Das resultierende Kunstwerke werden in den professionellen Bereichen von untersucht Kunstkritik und die Kunstgeschichte.

Überblick

Panorama eines Teils von Tausend Li von Bergen und Flüssen, ein Gemälde des 12. Jahrhunderts von Song Dynasty Artist Wang Ximeng.

In der Perspektive der Kunstgeschichte,,^[10] Künstlerische Werke existierten fast so lange wie die Menschheit: von früh Prä-Historische Kunst zu zeitgenössische Kunst; Einige Theoretiker glauben jedoch, dass das typische Konzept der "künstlerischen Werke" nicht gut außerhalb der modernen westlichen Gesellschaften passt.^[11] Ein frühes Gefühl der Definition von Kunst ist eng mit der älteren lateinischen Bedeutung verwandt, die grob in "Fähigkeiten" oder "Handwerk" übersetzt, wie sie mit Wörtern wie "Handwerker" verbunden sind. Aus dieser Bedeutung abgeleitete englische Wörter sind eingeschlossen Artefakt, künstlich, künstlich, medizinische Künste, und Militärkünste. Es gibt jedoch viele andere umgangssprachliche Verwendungen des Wortes, alle mit einiger Beziehung zu seiner Etymologie.

Flasche des 20. Jahrhunderts, Twa Völker, Ruanda, künstlerische Werke können zusätzlich zu ihrem dekorativen Wert praktische Funktionen erfüllen.

Im Laufe der Zeit mögen Philosophen Plato, Aristoteles, Sokrates und Kantunter anderem die Bedeutung der Kunst in Frage stellte.^{[12][Vollständiges Zitat benötigt]} Mehrere Dialoge in Platon stellen Fragen zu Kunst an: Sokrates sagt, dass die Poesie von der inspiriert ist Musen, und ist nicht rational. Er spricht zustimmend von diesem und anderen Formen des göttlichen Wahnsinns (Trunkenheit, Erotik und Träume) in der Phaedrus (265a - C) und doch in der Republik will Homers große poetische Kunst und Lachen auch verbieten. Im Ion, Sokrates gibt keinen Hinweis auf die Missbilligung von Homer, die er in der ausdrückt Republik. Der Dialog Ion schlägt vor, dass Homer's Ilias Funktioniert in der alten griechischen Welt wie die Bibel heute in der modernen christlichen Welt: Als göttlich inspirierte literarische Kunst, die moralische Führung bieten kann, wenn sie nur richtig interpretiert werden kann.^{[13][Vollständiges Zitat benötigt]}

Angesicht epische Dichtung, Tragödie, Komödie, Dithyrambic Poesie und Musik zu sein mimetisch oder nachahmende Kunst, die jeweils in der Nachahmung nach Medium, Objekt und Art variieren.^{[14][Vollständiges Zitat benötigt]} Zum Beispiel imitiert Musik mit den Medien des Rhythmus und der Harmonie, während Tanz allein mit Rhythmus und Gedichten mit Sprache imitiert. Die Formen unterscheiden sich auch in ihrem Nachahmungsobjekt. Die Komödie zum Beispiel ist eine dramatische Nachahmung von Männern, die schlimmer als der Durchschnitt sind; Während die Tragödie Männer etwas besser als der Durchschnitt nachahmt. Schließlich unterscheiden sich die Formen in ihrer Art der Nachahmung - durch Erzählung oder Charakter, durch Veränderung oder keine Veränderung und durch Drama oder kein Drama.^[15] Aristoteles glaubte, dass die Nachahmung für die Menschheit natürlich ist und einen der Vorteile der Menschheit gegenüber Tieren darstellt.^{[16][Vollständiges Zitat benötigt]}

Das neuere und spezifische Gefühl des Wortes Kunst als Abkürzung für kreativ kunst oder Kunst tauchte im frühen 17. Jahrhundert auf.^[17] Kunst bezieht sich auf eine Fähigkeit, die zur Ausdruck der Kreativität des Künstlers oder zur Einbeziehung der ästhetischen Sensibilität des Publikums oder um das Publikum zur Berücksichtigung von raffinierteren oder zu beantragen feiner Kunstwerk.

In diesem letzteren Sinne das Wort Kunst Kann sich auf verschiedene Dinge beziehen: (i) ein Studium einer kreativen Fähigkeit, (ii) einen Prozess der Verwendung der kreativen Fähigkeiten, (iii) ein Produkt der kreativen Fähigkeit oder (iv) die Erfahrung des Publikums mit der kreativen Fähigkeit. Die kreativen Künste (Kunst als Disziplin) sind eine Sammlung von Disziplinen, die produzieren Kunstwerke (Kunst als Objekte), die von einem persönlichen Antrieb (Kunst als Aktivität) gezwungen werden und eine Botschaft, Stimmung oder Symbolik für den Wahrnehmenden vermitteln (Kunst als Erfahrung). Kunst stimuliert die Gedanken, Emotionen, Überzeugungen oder Ideen eines Individuums durch die Sinne. Kunstwerke können für diesen Zweck explizit hergestellt oder auf der Grundlage von Bildern oder Objekten interpretiert werden. Für einige Gelehrte, wie z. KantDie Wissenschaften und die Künste konnten unterschieden werden, indem die Wissenschaft als dargestellt wird, die den Bereich des Wissens und der Künste als den Bereich der Freiheit des künstlerischen Ausdrucks darzustellen.^{[18][Vollständiges Zitat benötigt]}

Wenn die Fähigkeit auf gemeinsame oder praktische Weise verwendet wird, werden die Menschen es oft als Handwerk anstelle von Kunst betrachten. Ebenso kann es berücksichtigt werden, wenn die Fähigkeit kommerziell oder industriell eingesetzt wird Werbegrafik statt bildender Kunst. Andererseits werden Handwerk und Design manchmal berücksichtigt angewandte Kunst. Einige Kunstanhänger haben argumentiert, dass der Unterschied zwischen Kunst und angewandter Kunst mehr mit Werturteilen über die Kunst zu tun hat als mit einem klaren Definitionsunterschied.^[19] Selbst bildende Kunst hat jedoch oft Ziele, die außerhalb der reinen Kreativität und Selbstausdruck hinausgehen. Der Zweck von Kunstwerken kann darin bestehen, Ideen zu kommunizieren, z. B. in politisch, geistiger oder philosophisch motivierter Kunst; ein Gefühl der Schönheit schaffen (siehe Ästhetik); die Natur der Wahrnehmung zu erforschen; zum Vergnügen; oder um stark zu erzeugen Emotionen. Der Zweck kann auch scheinbar nicht vorhanden sein.

Die Natur der Kunst wurde vom Philosophen beschrieben Richard Wollheim als "eines der schwer fassbarsten der traditionellen Probleme der menschlichen Kultur".^[20] Kunst wurde als Mittel für den Ausdruck oder die Kommunikation von Emotionen und Ideen definiert, ein Mittel zum Erkunden und Wertschätzung formelle Elemente für sich selbst willen und als Mimesis oder Darstellung. Kunst als Mimesis hat tiefe Wurzeln in der Philosophie von Aristoteles.^[21] Leo Tolstoi identifizierte Kunst als Verwendung indirekter Mittel zur Kommunikation von einer Person zur anderen.^[21] Benedetto Croce und R. G. Collingwood Fortgeschrittene die Idealist Ansicht, dass Kunst Emotionen ausdrückt und dass das Kunstwerk im Wesentlichen im Geist des Schöpfers existiert.^[22][23] Die Kunsttheorie als Form hat ihre Wurzeln in der Philosophie von Kantund wurde im frühen 20. Jahrhundert von entwickelt von Roger Fry und Clive Bell. In jüngerer Zeit haben Denker von beeinflusst von Martin Heidegger haben Kunst als das Mittel interpretiert, mit dem sich eine Gemeinschaft für sich selbst ein Medium für die Selbstdarstellung und Interpretation entwickelt.^[24] George Dickie hat eine angeboten Institutionelle Kunsttheorie Das definiert ein Kunstwerk als jedes Artefakt, auf dem eine qualifizierte Person oder Person im Namen der sozialen Institution handelt, die allgemein als "das als" das bezeichnet wird Kunstwelt"hat den Status des Kandidaten für Wertschätzung verliehen".^[25] Larry Shiner hat bildende Kunst als "keine Essenz oder ein Schicksal, aber etwas, das wir gemacht haben. Kunst, wie wir allgemein verstanden haben, dass es sich um eine europäische Erfindung handelt, kaum zweihundert Jahre alt".^[26]

Kunst kann in Bezug auf angegeben werden Mimesis (seine Repräsentation der Realität), Erzählung (Geschichtenerzählen), Ausdruck, Kommunikation von Emotionen oder andere Eigenschaften. Während der Romantische Periode, Kunst wurde als "eine besondere Fakultät des menschlichen Geistes als mit Religion und Wissenschaft klassifiziert" angesehen.^[27]

Geschichte

Venus von Willendorf, zirka 24.000–22.000Bp

Rücken eines ovalen Renaissance -Beckens oder einer Schüssel in der Metropolitan Museum of Art

Eine Muschel eingraviert von Homo erectus wurde als zwischen 430.000 und 540.000 Jahren entschieden.^[28] Ein Set von acht 130.000 Jahren alten Eagle-Krallen mit Weißwedeln tragen geschnittene Markierungen und Abrieb, die auf Manipulation durch Neandertaler hinweisen, möglicherweise für die Verwendung als Schmuck.^[29] Eine Reihe von winzigen, gebohrten Schneckenschalen, die ungefähr 75.000 Jahre alt sind, wurde in einer südafrikanischen Höhle entdeckt.^[30] Behälter, die möglicherweise zum Halten von Farben verwendet wurden, wurden bis zu 100.000 Jahre zurückgegeben.^[31]

Skulpturen, Höhlenmalereien, Felsgemälde und Petroglyphen von dem Oberer Paläolithikum Datierung von vor ungefähr 40.000 Jahren wurden gefunden,^[32] Aber die genaue Bedeutung einer solchen Kunst wird oft umstritten, weil über die Kulturen, die sie hervorgebracht haben, so wenig bekannt ist.

Höhlenmalerei eines Pferdes aus dem Lascaux Höhlen, zirka 16.000 bp

Viele große Traditionen in der Kunst haben eine Grundlage in der Kunst einer der großen alten Zivilisationen: Antikes Ägypten, Mesopotamien, Persien, Indien, China, altes Griechenland, Rom sowie Inka, Maya, und Olmec. Jedes dieser Zentren der frühen Zivilisation entwickelte einen einzigartigen und charakteristischen Stil in seiner Kunst. Aufgrund der Größe und Dauer dieser Zivilisationen sind mehr von ihren Kunstwerken überlebt und mehr von ihrem Einfluss wurden an andere Kulturen und spätere Zeiten übertragen. Einige haben auch die ersten Aufzeichnungen darüber geliefert, wie Künstler gearbeitet haben. Zum Beispiel sah in dieser Zeit der griechischen Kunst eine Verehrung der menschlichen physischen Form und die Entwicklung gleichwertiger Fähigkeiten, um Muskulatur, Haltung, Schönheit und anatomisch korrekte Proportionen zu zeigen.^[33]

Im Byzantinisch und Mittelalterliche Kunst des westlichen Mittelalters, viel Kunst, der sich auf den Ausdruck von Themen über die biblische und religiöse Kultur konzentriert und verwendete Stile, die die höhere Herrlichkeit einer himmlischen Welt zeigten, wie die Verwendung von Gold im Hintergrund von Gemälden oder Glas in Mosaiken oder Fenster, die auch Figuren in idealisierten, gemusterten (flachen) Formen präsentierten. Trotzdem blieb eine klassische realistische Tradition in kleinen byzantinischen Werken bestehen, und Realismus wuchs stetig in der Kunst von Katholisches Europa.^[34]

Renaissance -Kunst hatte eine stark verstärkte Betonung der realistischen Darstellung der materiellen Welt und dem Ort des Menschen darin, der sich in der Körperlichkeit des menschlichen Körpers und der Entwicklung einer systematischen Methode widerspiegelte Grafische Perspektive Rezession in einem dreidimensionalen Bildraum darstellen.^[35]

Die stilisierte Signatur von Sultan Mahmud II des Osmanisches Reich wurde geschrieben Islamische Kalligraphie. Es lautet "Mahmud Khan Sohn von Abdulhamid ist für immer siegreich".

Das Große Moschee von Kairouan In Tunesien, auch die Moschee von UQBA genannt, ist eines der besten, bedeutendsten und am besten erhaltenen künstlerischen und architektonischen Beispiele für frühe große Moscheen. Aus dem 9. Jahrhundert datiert er in seinem gegenwärtigen Zustand und ist der Vorfahr und Modell aller Moscheen in den westlichen islamischen Ländern.^[36]

Im Osten, Islamische KunstAblehnung von Ikonographie führte zur Betonung auf Geometrische Muster, Kalligraphie, und die Architektur.^[37] Weiter östlich dominierte Religion auch künstlerische Stile und Formen. Indien und Tibet konzentrierten sich auf gemaltes Skulpturen und Tanz, während das religiöse Gemälde viele Konventionen aus der Skulptur entlehnte und zu hellen Farben mit Schwerpunkt auf Umrissen tendierte. China sah viele Kunstformen auf: Jade -Schnitzerei, Bronzearbeit, Töpferei (einschließlich der atemberaubenden Terracotta Armee von Kaiser Qin^[38]), Poesie, Kalligraphie, Musik, Malerei, Drama, Fiktion usw. Die chinesischen Stile variieren stark von Ära zu Ära und jeder wird traditionell nach der herrschenden Dynastie benannt. Also zum Beispiel, Tang-Dynastie Gemälde sind monochromatisch und spärlich und betonen idealisierte Landschaften, aber aber Ming-Dynastie Gemälde sind beschäftigt und farbenfroh und konzentrieren sich darauf, Geschichten über Einstellung und Komposition zu erzählen.^[39] Japan nennt auch seine Stile nach kaiserlichen Dynastien und sah auch viel Zusammenspiel zwischen den Stilen der Kalligraphie und der Malerei. Holzblockdruck wurde nach dem 17. Jahrhundert in Japan wichtig.^[40]

Malen von Lied Dynastie Künstler Ma Lin, zirka 1250. 24,8 × 25,2 cm

Der Westen Zeitalter der Erleuchtung Im 18. Jahrhundert sahen künstlerische Darstellungen von physischen und rationalen Gewissheiten des Uhrwerksuniversums sowie politisch revolutionäre Visionen einer postmonarchistischen Welt wie z. BlakeDarstellung von Newton als göttliches Geometer,^[41] oder DavidPropagandistische Gemälde. Dies führte zu Romantisch Ablehnungen davon zugunsten von Bildern der emotionalen Seite und Individualität des Menschen, beispielhaft in den Romanen von Goethe. Das Ende des 19. Jahrhunderts sah dann eine Vielzahl von künstlerischen Bewegungen, wie z. Akademische Kunst, Symbolismus, Impressionismus und Fauvismus unter anderen.^[42][43]

Die Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts ist eine Erzählung von endlosen Möglichkeiten und die Suche nach neuen Standards, die jeweils vom nächsten nacheinander abgerissen werden. Somit die Parameter von Impressionismus, Expressionismus, Fauvismus, Kubismus, Dadaismus, Surrealismususw. kann nicht weit über die Zeit ihrer Erfindung hinaus gehalten werden. Zunehmen global Die Interaktion in dieser Zeit hatte einen gleichwertigen Einfluss anderer Kulturen auf die westliche Kunst. So hatten japanische Holzblockabdrücke (selbst beeinflusst von westlicher Renaissance -Entwürfe) einen immensen Einfluss auf den Impressionismus und die anschließende Entwicklung. Später, Afrikanische Skulpturen wurden von Picasso aufgenommen und in gewissem Maße von Matisse. In ähnlicher Weise hatte der Westen im 19. und 20. Jahrhundert große Auswirkungen auf die östliche Kunst mit ursprünglich westlichen Ideen wie Kommunismus und Postmodernismus einen starken Einfluss ausüben.^[44]

ModernismusDie idealistische Suche nach der Wahrheit gab der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts der Verwirklichung seiner Unerdbarkeit nach. Theodor W. Adorno 1970 sagte: "Es wird nun selbst selbstverständlich angesehen, dass nichts, was sich um Kunst befasst, als selbstverständlich angesehen werden kann: weder Kunst selbst noch Kunst in Bezug auf das Ganze noch das Kunstrecht zu existieren."^[45] Relativismus wurde als unvermeidliche Wahrheit angenommen, was zur Zeit von führte zeitgenössische Kunst und Postmoderne Kritik, wo Kulturen der Welt und der Geschichte als sich verändernde Formen angesehen werden, die nur mit geschätzt und gezogen werden können Skepsis und Ironie. Darüber hinaus wird die Trennung von Kulturen zunehmend verschwommen, und einige argumentieren, dass es jetzt angemessener ist, an einer globalen Kultur und nicht an regionalen Kultur zu denken.^[46]

Im Der Ursprung des KunstwerksMartin Heidegger, ein deutscher Philosoph und ein wegweisender Denker, beschreibt die Essenz der Kunst in Bezug auf die Konzepte des Seins und der Wahrheit. Er argumentiert, dass Kunst nicht nur ein Weg ist, das Element der Wahrheit in einer Kultur auszudrücken, sondern auch das Mittel, um sie zu schaffen und ein Sprungbrett bereitzustellen, aus dem "das, was" enthüllt werden kann. Kunstwerke sind nicht nur Darstellungen der Art und Weise, wie Dinge sind, sondern produzieren tatsächlich das gemeinsame Verständnis einer Gemeinschaft. Jedes Mal, wenn ein neues Kunstwerk in jeder Kultur hinzugefügt wird, wird die Bedeutung dessen, was es existieren soll, von Natur aus verändert.

Historisch gesehen wurden Kunst und künstlerische Fähigkeiten und Ideen oft durch den Handel verbreitet. Ein Beispiel dafür ist das Seidenstraße, wo hellenistische, iranische, indische und chinesische Einflüsse sich mischen konnten. Die griechisch -buddhistische Kunst ist eines der lebendigsten Beispiele für diese Interaktion. Das Treffen verschiedener Kulturen und Weltanschauungen beeinflusste auch die künstlerische Schöpfung. Ein Beispiel hierfür ist die multikulturelle Hafenmetropole von Triest Zu Beginn des 20. Jahrhunderts, wo James Joyce Schriftsteller aus Mitteleuropa und die künstlerische Entwicklung von traf New York City Als kultureller Schmelztiegel.^[47][48][49]

Formen, Genres, Medien und Stile

Napoleon I auf seinem kaiserlichen Thron durch Ingres (Französisch, 1806), Öl auf Leinwand

Die kreativen Künste werden oft in spezifischere Kategorien unterteilt, typischerweise entsprechend unterscheidbaren Kategorien wie z. Medien, Genre, Stileund Form.^[50] Kunstform bezieht sich auf Kunstelemente das sind unabhängig von seiner Interpretation oder Bedeutung. Es deckt die Methoden ab, die vom Künstler und dem physischen angewendet wurden Komposition des Kunstwerks, in erster Linie nicht-semantische Aspekte des Werkes (d. H., Figur),^[51] wie zum Beispiel Farbe, Kontur, Abmessungen, Mittel, Melodie, Platz, Textur und Wert. Form kann auch umfassen Prinzipien des visuellen Designswie Arrangement, Gleichgewicht, Kontrast, Hervorhebung, Harmonie, Anteil, Näheund Rhythmus.^[52]

Im Allgemeinen gibt es drei Philosophieschulen in Bezug auf Kunst, die sich jeweils auf Form, Inhalt und Kontext konzentrieren.^[52] Extrem Formalismus ist die Ansicht, dass alle ästhetischen Eigenschaften der Kunst formal sind (dh Teil der Kunstform). Philosophen lehnen diese Ansicht fast allgemein ab und sind der Ansicht, dass sich die Eigenschaften und die Ästhetik der Kunst über Material, Techniken und Form hinaus erstrecken.^[53] Leider besteht ein wenig Konsens über die Terminologie für diese informellen Eigenschaften. Einige Autoren beziehen sich auf Themen und Inhalte - d. H., Bezeichnungen und Konnotationen - während andere Begriffe mögen wie Bedeutung und Bedeutung.^[52]

Extremer Absicht ist das, dass dies der Fall ist Autorenabsicht spielt eine entscheidende Rolle bei der Bedeutung eines Kunstwerks, das den Inhalt oder die wesentliche Hauptidee vermittelt, während alle anderen Interpretationen verworfen werden können.^[54] Es definiert das Thema als die Personen oder Idee, die dargestellt werden,^[55] und der Inhalt als die Erfahrung des Künstlers mit diesem Thema.^[56] Zum Beispiel die Zusammensetzung von Napoleon I auf seinem kaiserlichen Thron wird teilweise von der ausgeliehen Zeus -Statue bei Olympia. Wie der Titel zeigt, ist das Thema Napoleonund der Inhalt ist Ingres'S Darstellung von Napoleon als "Kaisergott jenseits von Zeit und Raum".^[52] Ähnlich wie bei extremem Formalismus lehnen Philosophen typischerweise extremen Absicht ab, da Kunst mehrere mehrdeutige Bedeutungen haben kann und die Autorentsicht möglicherweise nicht erkennbar und somit irrelevant sein kann. Seine restriktive Interpretation ist "sozial ungesund, philosophisch unwirklich und politisch unklug".^[52]

Schließlich die sich entwickelnde Theorie von Poststrukturalismus Untersucht die Bedeutung der Kunst in einem kulturellen Kontext, wie die Ideen, Emotionen und Reaktionen, die durch ein Werk ausgelöst werden.^[57] Der kulturelle Kontext reduziert sich häufig auf die Techniken und Absichten des Künstlers. In diesem Fall geht die Analyse nach dem Formalismus und Absichtserlebnis aus. In anderen Fällen können jedoch historische und materielle Bedingungen vorherrschen, wie religiöse und philosophische Überzeugungen, soziopolitische und wirtschaftliche Strukturen oder sogar Klima und Geographie. Kunstkritik wächst und entwickelt sich neben Kunst weiter.^[52]

Geschick und Handwerk

Die Schaffung von Adam, Detail von MichelangeloFresko in der Sixtinische Kapelle (1511)

Kunst kann ein Gefühl der geschulten Fähigkeiten oder Beherrschung von a beinhalten Mittel. Kunst kann sich auch einfach auf die entwickelte und effiziente Verwendung von a beziehen Sprache Bedeutung mit Unmittelbarkeit oder Tiefe vermitteln. Kunst kann als ein Akt des Ausdrucks von Gefühlen, Gedanken und Beobachtungen definiert werden.^[58]

Es gibt ein Verständnis, das mit dem Material infolge des Umgangs mit ihm erreicht wird, was den eigenen Denkprozessen erleichtert. Eine gemeinsame Ansicht ist, dass das Beinamen "Kunst", insbesondere im erhöhten Sinne, durch den Künstler ein gewisses Maß an kreativem Fachwissen erfordert, ob dies eine Demonstration technischer Fähigkeiten, eine Originalität im stilistischen Ansatz oder eine Kombination dieser beiden ist. Traditionell wurde die Fähigkeit zur Ausführung als Qualität, die mit der Kunst untrennbar untrennbar untrennbar ist, für ihren Erfolg notwendig angesehen. zum Leonardo da Vinci, Kunst, weder mehr noch weniger als seine anderen Bemühungen, war eine Manifestation von Geschicklichkeit.^[59] RembrandtDas Werk, das jetzt für seine kurzlebigen Tugenden gelobt wurde, wurde von seinen Zeitgenossen für seine Virtuosität am meisten bewundert.^[60] Um die Wende des 20. Jahrhunderts John Sänger Sargent wurden abwechselnd bewundert und mit Skepsis für ihre manuelle Fließfähigkeit betrachtet,^[61] Trotzdem werden der Künstler, der zum bekanntesten und peripatetischen Ikonoklasten der Ära werden, doch, aber Pablo Picasso, absolvierte eine traditionelle akademische Ausbildung, bei der er sich hervorragte.^[62][63]

Detail von Leonardo da Vinci's Mona Lisa, c. 1503–1506, zeigt die Maltechnik von sfumato

Eine gemeinsame zeitgenössische Kritik an einigen moderne Kunst tritt nach dem offensichtlichen Mangel an Fähigkeiten oder Fähigkeiten, die bei der Produktion des künstlerischen Objekts erforderlich sind, auf. In konzeptioneller Kunst, Marcel Duchamp's "Brunnen"gehört zu den ersten Beispielen für Stücke, bei denen der Künstler Objekte (" fertig ") verwendet und keine traditionell anerkannten Fähigkeiten ausübte.^[64] Tracey Emin's Mein Bett, oder Damien Hirst's Die physische Unmöglichkeit des Todes im Geist eines Menschen lebt Folgen Sie diesem Beispiel und manipulieren Sie auch die Massenmedien. Emin schlief (und beschäftigte sich mit anderen Aktivitäten) in ihrem Bett, bevor er das Ergebnis in einer Galerie als Kunstwerk legte. Hirst hat das konzeptionelle Design für das Kunstwerk entwickelt, hat aber den größten Teil der letztendlichen Schaffung vieler Werke angestellte Handwerker überlassen. Hirsts Berühmtheit basiert ausschließlich auf seiner Fähigkeit, schockierende Konzepte zu produzieren.^[65] Die tatsächliche Produktion in vielen konzeptionellen und zeitgenössischen Kunstwerken ist eine Frage der Versammlung gefundener Objekte. Es gibt jedoch viele modernistische und zeitgenössische Künstler, die sich weiterhin in den Fähigkeiten des Zeichnens und Males und der Schaffung hervorheben praktisch Kunstwerke.^[66]

Zweck

A Navajo Teppich gemacht zirka 1880

Mozarabic Schlag uns Miniatur. Spanien, Ende des 10. Jahrhunderts

Kunst hat in ihrer gesamten Geschichte eine große Anzahl verschiedener Funktionen gehabt und es schwierig gemacht, ihren Zweck zu abstrakt oder zu einem einzigen Konzept zu quantifizieren. Dies bedeutet nicht, dass der Zweck der Kunst "vage" ist, sondern dass es viele einzigartige, unterschiedliche Gründe für die Erstellung hatte. Einige dieser Kunstfunktionen sind im folgenden Umriss bereitgestellt. Die unterschiedlichen Kunstzwecke können nach nicht motivierten und motivierten Personen gruppiert werden (Lévi-Strauss).^[67]

Nicht motivierte Funktionen

Die nicht motivierten Kunstzwecke sind diejenigen, die ein wesentlicher Bestandteil des Menschen sind, das Individuum überschreiten oder keinen bestimmten externen Zweck erfüllen. In diesem Sinne ist Kunst als Kreativität etwas, das Menschen von Natur aus tun muss (d. H. Keine andere Art schafft Kunst) und ist daher jenseits der Nützlichkeit.^[67]

1. Grundlegender menschlicher Instinkt für Harmonie, Gleichgewicht, Rhythmus. Kunst auf dieser Ebene ist keine Handlung oder ein Objekt, sondern eine interne Wertschätzung von Gleichgewicht und Harmonie (Schönheit) und damit ein Aspekt des Menschen, der über Nützlichkeit hinausgeht.

   Nachahmung ist also ein Instinkt unserer Natur. Als nächstes gibt es den Instinkt für "Harmonie" und Rhythmus, Meter sind offensichtlich Abschnitte des Rhythmus. Personen beginnend mit diesem natürlichen Geschenk, das ihre besonderen Fähigkeiten nach und nach entwickelt hat, bis ihre unhöflichen Improvisationen Gedichte hervorbrachten. - Aristoteles^[68]

2. Erfahrung des Geheimnisses. Kunst bietet eine Möglichkeit, sich in Bezug auf das Universum selbst zu erleben. Diese Erfahrung kann oft unmotiviert sein, da man Kunst, Musik oder Poesie schätzt.

   Das Schönste, was wir erleben können, ist das Geheimnisvolle. Es ist die Quelle aller wahren Kunst und Wissenschaft. - Albert Einstein^[69]

3. Ausdruck der Vorstellungskraft. Kunst bietet ein Mittel, um die Vorstellungskraft auf nicht-grammatische Weise auszudrücken, die nicht mit der Formalität der gesprochenen oder schriftlichen Sprache verbunden sind. Im Gegensatz zu Wörtern, die in Sequenzen erhältlich sind und von denen jede eine bestimmte Bedeutung hat, bietet Kunst eine Reihe von Formen, Symbolen und Ideen mit gemeldeten Bedeutungen.

   Jupiters Adler [als Beispiel für Kunst] ist nicht wie logische (ästhetische) Eigenschaften eines Objekts das Konzept der Erhabenheit und Majestät der Schöpfung, sondern etwas anderes - etwas, das der Phantasie einen Anreiz gibt, seinen Flug über einen zu verbreiten Ganze Vielzahl von verwandten Darstellungen, die mehr Gedanken als ein Ausdruck in einem von Wörtern bestimmten Konzept hervorrufen. Sie liefern eine ästhetische Idee, die die oben genannte rationale Idee als Ersatz für die logische Präsentation dient, jedoch mit der richtigen Funktion, den Geist zu beleben, indem sie sich für eine Aussicht in ein Feld verwandter Darstellungen, die sich über seinen Ken erstrecken, öffnen. - Immanuel Kant^[70]

4. Rituelle und symbolische Funktionen. In vielen Kulturen wird Kunst in Ritualen, Aufführungen und Tänzen als Dekoration oder Symbol verwendet. Obwohl diese oft keinen spezifischen utilitaristischen (motivierten) Zweck haben, wissen Anthropologen, dass sie häufig einem Sinn der Bedeutung innerhalb einer bestimmten Kultur erfüllen. Diese Bedeutung wird von keinem Einzelnen geliefert, sondern ist oft das Ergebnis vieler Generationen des Wandels und einer kosmologischen Beziehung innerhalb der Kultur.

   Die meisten Wissenschaftler, die sich mit Felsgemälden oder Objekten befassen, die aus prähistorischen Kontexten geborgen wurden und nicht in nützlichen Begriffen erklärt werden und somit als dekorativ, rituell oder symbolisch eingestuft werden, sind sich der Falle des Begriffs „Kunst“ bewusst. - Silva Tomaskova^[71]

Motivierte Funktionen

Motivierte Kunstzwecke beziehen sich auf absichtliche, bewusste Handlungen der Künstler oder des Schöpfers. Dies kann darin bestehen, politische Veränderungen herbeizuführen, einen Aspekt der Gesellschaft zu kommentieren, eine bestimmte Emotion oder Stimmung zu vermitteln, die persönliche Psychologie anzugehen, eine andere Disziplin zu veranschaulichen, (mit kommerziellen Künsten) ein Produkt zu verkaufen oder einfach nur als Form der Kommunikation.^[67][72]

1. Kommunikation. Kunst im einfachsten ist eine Form der Kommunikation. Da die meisten Kommunikationsformen eine Absicht oder Ziel haben, die sich gegen eine andere Person richtet, ist dies ein motivierter Zweck. Illustrative Kunst wie wissenschaftliche Illustration sind eine Kunstform als Kommunikation. Karten sind ein weiteres Beispiel. Der Inhalt muss jedoch nicht wissenschaftlich sein. Emotionen, Stimmungen und Gefühle werden ebenfalls durch Kunst kommuniziert.

   [Kunst ist eine Reihe von Artefakten oder Bildern mit symbolischen Bedeutungen als Kommunikationsmittel. - Steve Mithen^[73]

2. Kunst als Unterhaltung. Kunst kann versuchen, eine bestimmte Emotion oder Stimmung herbeizuführen, um den Betrachter zu entspannen oder zu unterhalten. Dies ist oft die Funktion der Kunstindustrien von Filmen und Videospielen.^[74]
3. Die Avantgarde. Kunst für politische Veränderungen. Eine der definierenden Funktionen der Kunst des frühen 20. Jahrhunderts bestand darin, visuelle Bilder zu verwenden, um politischen Veränderungen herbeizuführen. Kunstbewegungen, die dieses Ziel hatten -Dadaismus, Surrealismus, Russischer Konstruktivismus, und Abstrakter Expressionismusunter anderem - werden gemeinsam als die bezeichnet Avantgarde Künste.

   Im Gegensatz dazu scheint mir die realistische Haltung, die vom Positivismus inspiriert ist, von Saint Thomas Aquin bis Anatole Frankreich, eindeutig für jeden intellektuellen oder moralischen Fortschritt feindlich zu sein. Ich verabscheue es, denn es besteht aus Mittelmäßigkeit, Hass und langweiliger Einbildung. Es ist diese Haltung, die heute diese lächerlichen Bücher hervorbringt, diese beleidigenden Stücke. Es ernährt sich ständig von den Zeitungen und leitet sie durch die Wissenschaft und die Kunst aus, indem es den niedrigsten Geschmack sorgfältig schmeichelt. Klarheit grenzt an Dummheit, das Leben eines Hundes. - André Breton (Surrealismus)^[75]

4. Kunst als "freie Zone", entfernt von der Handlung der sozialen Kritik. im Gegensatz zu den Avantgarde Bewegungen, die kulturelle Unterschiede löschen wollten, um neue universelle Werte zu erzeugen, zeitgenössische Kunst hat seine Toleranz gegenüber kulturellen Unterschieden sowie seine kritischen und befreienden Funktionen (soziale Untersuchung, Aktivismus, Subversion, Dekonstruktion ...) verstärkt und zu einem offeneren Ort für Forschung und Experimente.^[76]
5. Kunst für soziale Untersuchungen, Subversion oder Anarchie. Während der Kunst für den politischen Wandel ähnlich ist, versuchen die subversive oder dekonstruktivistische Kunst, Aspekte der Gesellschaft ohne spezifisches politisches Ziel in Frage zu stellen. In diesem Fall kann die Funktion der Kunst einfach darin bestehen, einen Aspekt der Gesellschaft zu kritisieren.
   

   Sprühfarbe Graffiti an einer Wand in Rom
   Graffiti -Kunst und andere Arten von Straßenkunst sind Grafiken und Bilder, die sind Sprühbemalt oder Schablone an öffentlich zuständigen Wänden, Gebäuden, Bussen, Zügen und Brücken, normalerweise ohne Erlaubnis. Bestimmte Kunstformen wie Graffiti können auch illegal sein, wenn sie Gesetze verstoßen (in diesem Fall Vandalismus).
6. Kunst für soziale Zwecke. Kunst kann verwendet werden, um das Bewusstsein für eine Vielzahl von Ursachen zu schärfen. Eine Reihe von Kunstaktivitäten zielte darauf ab, das Bewusstsein für die Sensibilisierung für Autismus,^[77][78][79] Krebs,^[80][81][82] Menschenhandel,^[83][84] und eine Vielzahl anderer Themen, wie z. B. Meeresschutz,^[85] Menschenrechte in Darfur,^[86] ermordete und vermisste Aborigines Frauen,^[87] älterer Missbrauch,^[88] und Verschmutzung.^[89] Trashionmit Müll, um Mode zu machen, praktiziert von Künstlern wie Yachthafen Trümmer ist ein Beispiel für die Verwendung von Kunst, um das Bewusstsein für Verschmutzung zu schärfen.
7. Kunst für psychologische und heilende Zwecke. Kunst wird auch von Kunsttherapeuten, Psychotherapeuten und klinischen Psychologen als verwendet Kunsttherapie. Das Diagnostische ZeichnungsserieZum Beispiel wird zur Bestimmung der Persönlichkeit und der emotionalen Funktion eines Patienten verwendet. Das Endprodukt ist in diesem Fall nicht das Hauptziel, sondern vielmehr ein Heilungsprozess durch kreative Handlungen. Das daraus resultierende Kunstwerk kann auch Einblicke in die Probleme des Subjekts bieten und auf geeignete Ansätze hinweisen, die in konventionelleren Formen der psychiatrischen Therapie verwendet werden können.^[90]
8. Kunst für Propaganda oder Kommerzialismus. Kunst wird oft als eine Form der Propaganda verwendet und kann daher verwendet werden, um populäre Konzepte oder Stimmung subtil zu beeinflussen. In ähnlicher Weise beeinflusst Kunst, die versucht, ein Produkt zu verkaufen, auch Stimmung und Emotionen. In beiden Fällen besteht der Zweck der Kunst hier darin, den Betrachter subtil in eine bestimmte emotionale oder psychologische Reaktion auf eine bestimmte Idee oder ein bestimmtes Objekt zu manipulieren.^[91]
9. Kunst als Fitnessindikator. Es wurde argumentiert, dass die Fähigkeit des menschlichen Gehirns bei weitem das übertrifft, was für das Überleben in der Ahnenumwelt benötigt wurde. Einer Evolutionspsychologie Erklärung dafür ist, dass das menschliche Gehirn und die damit verbundenen Merkmale (wie künstlerische Fähigkeiten und Kreativität) das menschliche Äquivalent der sind PfauSchwanz. Der Zweck des extravaganten Schwanzes des männlichen Pfau Fisherian Runaway und Handicap -Prinzip). Nach dieser Theorie war die überlegene Ausführung der Kunst evolutionär wichtig, weil sie Kollegen anzog.^[92]

Die oben beschriebenen Funktionen der Kunst schließen sich nicht gegenseitig aus, da sich viele von ihnen überschneiden können. Zum Beispiel kann Kunst zum Zweck der Unterhaltung auch versuchen, ein Produkt zu verkaufen, d. H. Das Film- oder Videospiel.

Öffentlicher Zugang

Das Metropolitan Museum of Art in Manhattan. Museen sind wichtige Foren für die Ausstellung von Visuelle Kunst.

Seit der Antike hat ein Großteil der besten Kunst eine absichtliche Darstellung von Wohlstand oder Macht dargestellt, die häufig durch die Verwendung massiver Maßstäbe und teure Materialien erreicht wird. Es wurde viel Kunst von politischen Herrschern oder religiösen Einrichtungen in Auftrag gegeben, wobei bescheidenere Versionen nur den wohlhabendsten in der Gesellschaft zur Verfügung stehen.^[93]

Trotzdem gab es viele Perioden, in denen Kunst von sehr hoher Qualität in Bezug auf den Eigentum in großen Teilen der Gesellschaft vor allem in billigen Medien wie Töpferwaren erhältlich war, die im Boden bestehen, und verderbliche Medien wie Textilien und Holz . In vielen verschiedenen Kulturen die Keramik der indigenen Völker Amerikas werden in einem so weiten Bereich von Gräbern gefunden, dass sie eindeutig nicht auf a beschränkt waren Soziale Elite,^[94] Obwohl andere Kunstformen gewesen sein mögen. Fortpflanzungsmethoden wie z. Formen Massenproduktion erleichtert und wurde verwendet, um eine hohe Qualität zu erzielen Ancient Roman pottery und Griechisch Tanagra -Figuren zu einem sehr weiten Markt. Zylinderdichtungen waren sowohl künstlerisch als auch praktisch und sehr weit verbreitet von dem, was lose als Mittelklasse in der genannt werden kann Altes Nahen Osten.^[95] Einmal Münzen wurden weit verbreitet, und diese wurden auch zu einer Kunstform, die das breiteste Bereich der Gesellschaft erreichte.^[96]

Eine weitere wichtige Innovation kam im 15. Jahrhundert in Europa, wann Druckgrafik begann mit klein Holzschnitte, meistens religiös, die oft sehr klein und handgepflegt und selbst von erschwinglich waren Bauern Wer klebte sie an die Wände ihrer Häuser. Gedruckte Bücher waren anfangs sehr teuer, fielen aber bis zum 19. Jahrhundert stetig im Preis, selbst die Ärmsten konnten sich einige mit gedruckten Illustrationen leisten.^[97] Beliebte Drucke Von vielen verschiedenen Arten haben seit Jahrhunderten Häuser und andere Orte.^[98]

Das Kunstmuseum in Basel (Schweiz), ist das älteste öffentliche Kunstmuseum der Welt.

1661 die Stadt von Basel, in Schweizeröffnete das erste öffentliche Kunstmuseum der Welt, das Kunstmuseum Basel. Heute zeichnet sich seine Sammlung durch eine beeindruckend breite historische Spanne von Anfang des 15. Jahrhunderts bis zur unmittelbaren Gegenwart aus. Seine verschiedenen Betonungsbereiche geben ihm internationales Ansehen als eines der bedeutendsten Museen dieser Art. Diese umfassen: Gemälde und Zeichnungen von Künstlern, die zwischen 1400 und 1600 und in der Kunst des 19. bis 21. Jahrhunderts im oberen Rheinbereich aktiv sind.^[99]

Öffentliche Gebäude und Denkmäler, weltlich und religiös, von Natur aus normalerweise die gesamte Gesellschaft und die Besucher als Zuschauer ansprechen und der breiten Öffentlichkeit ausstellen, ist seit langem ein wichtiger Faktor für ihre Gestaltung. Ägyptische Tempel sind typisch dafür, dass die größte und aufwendigste Dekoration auf die Teile gelegt wurde, die von der breiten Öffentlichkeit gesehen werden konnten, und nicht die Gebiete, die nur von den Priestern gesehen werden.^[100] Viele Bereiche von königlichen Palästen, Burgen und Häusern der sozialen Elite waren oft allgemein zugänglich, und große Teile der Kunstsammlungen solcher Menschen konnten oft entweder von irgendjemandem oder von denen gesehen werden Tragen der richtigen Kleidung, unabhängig davon, wer sie waren, wie am Schloss von Versailles, wo das entsprechende zusätzliche Zubehör (silberne Schuhschnallen und ein Schwert) aus Geschäften außerhalb von Geschäften eingestellt werden konnten.^[101]

Es wurden besondere Vorkehrungen getroffen, damit die Öffentlichkeit viele königliche oder private Sammlungen in Galerien platziert hat, wie bei den Orleans Sammlung meistens in einem Flügel der Palais Royal in Paris, der für den größten Teil des 18. Jahrhunderts besucht werden konnte.^[102] In Italien der Kunsttourismus der große Tour wurde ab der Renaissance zu einer wichtigen Branche, und Regierungen und Städte bemühten sich, ihre Schlüsselwerke zugänglich zu machen. Die Briten Königliche Sammlung bleibt unterschiedlich, aber große Spenden wie die Alte königliche Bibliothek wurden daraus an die Britisches Museum, 1753 gegründet. Die Uffizi in Florenz 1765 vollständig als Galerie geöffnet, obwohl diese Funktion das Gebäude allmählich von den ursprünglichen Büros der Beamten übernommen hatte.^[103] Das Gebäude, das jetzt von dem besetzt ist Prado in Madrid wurde vor der französischen Revolution für die öffentliche Darstellung von Teilen der königlichen Kunstsammlung gebaut, und ähnliche königliche Galerien, die für die Öffentlichkeit zugänglich sind Wien, München und andere Hauptstädte. Die Öffnung der Musée du Louvre während der Französische Revolution (1793) als öffentliches Museum für einen Großteil der ehemaligen französischen königlichen Sammlung war sicherlich eine wichtige Phase der Entwicklung des öffentlichen Zugangs zu Kunst, der Eigentum in einen republikanischen Staat übertragen wurde, war jedoch eine Fortsetzung der bereits gut etablierten Trends.^[104]

Die meisten modernen öffentlichen Museen und Kunstausbildungsprogramme für Kinder in Schulen können auf diesen Impuls zurückgeführt werden, um Kunst für alle zur Verfügung zu stellen. Museen bieten jedoch nicht nur die Verfügbarkeit für Kunst, sondern beeinflussen auch die Art und Weise, wie Kunst vom Publikum wahrgenommen wird, wie Studien festgestellt werden.^[105] Das Museum selbst ist daher nicht nur eine stumpfe Bühne für die Darstellung der Kunst, sondern spielt auch eine aktive und wichtige Rolle bei der allgemeinen Wahrnehmung der Kunst in der modernen Gesellschaft.

Museen in den Vereinigten Staaten sind in der Regel Geschenke von den sehr Reichen bis zu den Massen. (Das Metropolitan Museum of Art in New York City zum Beispiel wurde von erstellt von John Taylor Johnston, ein Eisenbahnmanager, dessen persönliche Kunstsammlung das Museum aussättigte.^[106]

Es gab Versuche von Künstlern, Kunst zu kreieren, die von den Reichen als Statusobjekt nicht gekauft werden können. Einer der wichtigsten ursprünglichen Motivatoren für einen Großteil der Kunst der späten 1960er und 1970er Jahre war es, Kunst zu schaffen, die nicht gekauft und verkauft werden konnten. Es ist "notwendig, etwas mehr als bloße Objekte zu präsentieren"^[107] Sagte der wichtigste postkriegs deutsche Künstler Joseph Beuys. In dieser Zeit stieg der Aufstieg von Dingen wie Performance Art. Videokunst, und Konzeptkunst. Die Idee war, dass das Kunstwerk eine Aufführung war, die nichts zurücklassen würde oder einfach eine Idee war, es nicht gekauft und verkauft werden konnte. "Demokratische Vorschriften, die sich um die Idee drehen, dass ein Kunstwerk eine Ware ist, die die ästhetische Innovation bewirkt, die Mitte der 1960er Jahre keimte und in den 1970er Jahren geerntet wurde. Für die Auseinandersetzung mit den materiellen und materialistischen Anliegen der gemalten oder skulpturalen Form ... haben sich das Kunstobjekt -Qua -Objekt untergraben. "^[108]

Versailles: Louis le Vau eröffnete den Innenraum, um den weitläufigen Eingang zu schaffen Cour d'onneurspäter in ganz Europa kopiert.

In den Jahrzehnten seitdem sind diese Ideen etwas verloren gegangen, da der Kunstmarkt gelernt hat, DVDs von Videowerken in limitierter Auflage zu verkaufen.^[109] Einladungen zu exklusiven Performance -Kunstwerken und den von konzeptionellen Stücken übrig gebliebenen Objekten. Viele dieser Aufführungen schaffen Werke, die nur von der Elite verstanden werden, die darüber informiert wurden, warum eine Idee, ein Video oder ein Stück offensichtlicher Müll als Kunst angesehen werden kann. Der Marker des Status wird das Werk versteht, anstatt es unbedingt zu besitzen, und das Kunstwerk bleibt eine Aktivität der Oberschicht. "Mit der weit verbreiteten Verwendung der DVD -Aufnahme -Technologie in den frühen 2000er Jahren haben Künstler und das Galeriesystem, das ihren Gewinn aus dem Verkauf von Kunstwerken erzielt, ein wichtiges Mittel zur Kontrolle des Verkaufs von Video- und Computerkunstwerken in Limited Edition an Sammlern gewonnen."^[110]

Kontroversen

Théodore Géricault's Floß der Medusa, zirka 1820

Kunst ist seit langem umstritten, dh von einigen Zuschauern aus einer Vielzahl von Gründen, obwohl die meisten vormodernen Kontroversen schwach aufgezeichnet oder völlig gegen eine moderne Ansicht verloren gehen. Bilderstürmerei ist die Zerstörung der Kunst, die aus verschiedenen Gründen, einschließlich religiöser, nicht gemocht wird. Anikaonismus ist eine allgemeine Abneigung entweder aller figurativen oder oft nur religiösen Bilder und war in vielen großen Religionen ein Faden. Es war ein entscheidender Faktor in der Geschichte von Islamische Kunst, wo Darstellungen von Muhammad Besonders kontrovers bleiben. Viel Kunst wurde nur nicht gemocht, weil sie für unpopuläre Herrscher, Parteien oder andere Gruppen dargestellt wurde oder auf andere Weise stand. Künstlerische Konventionen waren oft konservativ und wurden sehr ernst genommen durch Kunstkritikerobwohl oft viel weniger von einer breiteren Öffentlichkeit. Das ikonografisch Kunstinhalt könnte Kontroversen verursachen, wie bei spätmittelalterlichen Darstellungen des neuen Motivs der Ohnmacht der Jungfrau in Szenen der Kreuzigung Jesu. Das Jünges Gericht durch Michelangelo war aus verschiedenen Gründen kontrovers, einschließlich Verstöße von Anstand durch Nacktheit und die Apollo-ähnliche Pose Christi.^[111][112]

Der Inhalt vieler formeller Kunst durch die Geschichte wurde eher vom Patron oder Kommissar als nur vom Künstler diktiert, sondern mit dem Aufkommen von Romantikund wirtschaftliche Veränderungen in der Kunstproduktion, die Vision der Künstler wurde zur üblichen Determinante für den Inhalt seiner Kunst, wodurch die Inzidenz von Kontroversen erhöht wurde, obwohl sie häufig ihre Bedeutung verringern. Starke Anreize für wahrgenommene Originalität und Werbung ermutigten auch Künstler, Kontroversen in Gerichts zu stellen. Théodore Géricault's Floß der Medusa (ca. 1820) war teilweise ein politischer Kommentar zu einem kürzlich durchgeführten Ereignis. Édouard Manet's Le Déjeuner Sur L'herbe (1863) galt als skandalös, nicht wegen der nackten Frau, sondern weil sie neben Männern sitzt, die vollständig in der Kleidung der Zeit gekleidet sind, und nicht in Roben der antiken Welt.^[113][114] John Sänger Sargent's Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884) verursachte eine Kontroverse über das rötliche Rosa, mit dem der Ohrläppchen der Frau gefärbt wurde.^[115][116] Die allmähliche Aufgabe des Naturalismus und die Darstellung realistischer Darstellungen des visuellen Erscheinungsbilds von Probanden im 19. und 20. Jahrhundert führten zu einer über ein Jahrhundert lang anhaltenden Kontroverse.

Leistung von Joseph Beuys, 1978: Jeder Künstler - auf dem Weg zur libertären Form des sozialen Organismus.

Im 20. Jahrhundert, Pablo Picasso's Guernica (1937) verwendeten Verhaftung Kubist Techniken und stark monochromatische Öle, um die erschütternden Folgen einer zeitgenössischen Bombardierung einer kleinen, alten baskischen Stadt darzustellen. Leon Golub's Befragung III (1981) zeigt einen weiblichen Nackt, der an einem Stuhl festgeschnallte Häftlinge mit Kapuze, ihre Beine geöffnet, um ihre sexuellen Organe zu enthüllen, umgeben von zwei Peinigen, die in alltäglichen Kleidung gekleidet waren. Andres Serrano's Piss Christus (1989) ist ein Foto eines Kruzifixes, der der christlichen Religion heilig und darstellt ChristusDas Opfer und das endgültige Leiden, eingetaucht in ein Glas des eigenen Urins des Künstlers. Der resultierende Aufruhr führte zu Kommentaren im Senat der Vereinigten Staaten zu öffentlichen Finanzmitteln der Künste.^[117][118]

Theorie

Vor der Moderne war die Ästhetik in der westlichen Kunst stark darum, das angemessene Gleichgewicht zwischen verschiedenen Aspekten von zu erreichen Realismus oder Wahrheit der Natur und die Ideal; Ideen, was das angemessene Gleichgewicht im Laufe der Jahrhunderte immer wieder verschoben hat. Diese Sorge fehlt in anderen Kunsttraditionen weitgehend. Der ästhetische Theoretiker John Ruskin, wer setzte sich für das ein, was er als Naturalismus von sah J. M. W. Turner, sah die Rolle der Kunst als die Kommunikation durch Kunstkunst einer wesentlichen Wahrheit, die nur in der Natur gefunden werden konnte.^[119]

Die Definition und Bewertung der Kunst ist seit dem 20. Jahrhundert besonders problematisch geworden. Richard Wollheim unterscheidet drei Ansätze zur Bewertung des ästhetischen Wertes von Kunst: die Realist, wobei die ästhetische Qualität ein absoluter Wert ist, unabhängig von jeder menschlichen Sichtweise; das Objektivistisch, wobei es auch ein absoluter Wert ist, aber von der allgemeinen menschlichen Erfahrung abhängig ist; und die Relativist Position, wobei es kein absoluter Wert ist, sondern von der menschlichen Erfahrung verschiedener Menschen abhängig ist und von der menschlichen Erfahrung abhängt.^[120]

Ankunft der Moderne

Zusammensetzung mit rot Blau und Gelb (1930) von Piet Mondrian (Niederländisch, 1872–1944)

Die Ankunft von Modernismus Im späten 19. Jahrhundert führt eine radikale Bruch in der Konzeption der Funktion der Kunst,^[121] und dann wieder im späten 20. Jahrhundert mit dem Aufkommen von Postmodernismus. Clement Greenberg's 1960 Artikel "Modernist Painting" definiert die moderne Kunst als "die Verwendung charakteristischer Methoden einer Disziplin, um die Disziplin selbst zu kritisieren".^[122] Greenberg hat diese Idee ursprünglich auf die abstrakte expressionistische Bewegung angewendet und sie als Möglichkeit verwendet, flache (nicht ilusionistische) abstrakte Malerei zu verstehen und zu rechtfertigen:

Realistische, naturalistische Kunst hatte das Medium verteilt und Kunst verwendet, um Kunst zu verbergen; Die Moderne nutzte Kunst, um die Aufmerksamkeit auf Kunst zu lenken. Die Einschränkungen, die das Malmittelmedium ausmachen - die flache Oberfläche, die Form der Unterstützung, die Eigenschaften des Pigments - wurden von den alten Meistern als negative Faktoren behandelt, die nur implizit oder indirekt anerkannt werden konnten. Unter Moderne wurden die gleichen Einschränkungen als positive Faktoren angesehen und offen anerkannt.^[122]

Nach Greenberg tauchten mehrere wichtige Kunsttheoretiker auf, wie z. Michael gebraten, T. J. Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin und Griselda Pollock unter anderen. Greenbergs Definition der modernen Kunst ist zwar erst ursprünglich als eine Art, eine bestimmte Gruppe von Künstlern zu verstehen, für viele der Kunstideen in den verschiedenen Kunstbewegungen des 20. und frühen 21. Jahrhunderts wichtig.^[123][124]

Popkünstler wie Andy Warhol wurde sowohl bemerkenswert als auch einflussreich durch Arbeit, einschließlich und möglicherweise kritisierende Populärkultur, ebenso wie Kunstwelt. Künstler der 1980er, 1990er und 2000er Jahre erweiterten diese Technik der Selbstkritik darüber hohe Kunst Zu allen kulturellen Bildherstellung, einschließlich Modebildern, Comics, Werbetafeln und Pornografie.^[125][126]

Duchamp schlug einst vor, dass Kunst irgendeine Aktivität jeglicher Art-alles ist. Die Art und Weise, wie heute nur bestimmte Aktivitäten als Kunst eingestuft werden, ist jedoch eine soziale Konstruktion.^[127] Es gibt Hinweise darauf, dass es ein Element der Wahrheit dazu gibt. Im Die Erfindung der Kunst: Eine Kulturgeschichte, Larry Shiner untersucht den Bau des modernen Systems der Künste, d. H. Bildende Kunst. Er findet Beweise dafür, dass das ältere System der Künste vor unserem modernen System (Kunst) Kunst als qualifizierte menschliche Aktivität darstellt. Zum Beispiel besitzte die alte griechische Gesellschaft den Begriff Kunst nicht, sondern Technik. Die Technik kann weder als Kunst noch als Kunsthandwerk verstanden werden, der Grund dafür ist, dass die Unterscheidungen der Kunst und Boot sind historische Produkte, die später in der Geschichte der Menschheit kamen. Die Technik umfasste Malerei, Bildhauerei und Musik, aber auch Kochen, Medizin, Reitkunst, GeometrieTischlerei, Prophezeiungund Landwirtschaft usw.^[128]

Neue Kritik und der "absichtliche Irrtum"

Nach Duchamp in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts fand eine signifikante Verschiebung der allgemeinen ästhetischen Theorie statt, die versuchte, die ästhetische Theorie zwischen verschiedenen Kunstformen, einschließlich der literarischen Künste und der bildenden Künste, auf einander anzuwenden. Dies führte zum Aufstieg der Neue Kritik Schule und Debatte über der absichtliche Irrtum. Es war die Frage, ob die ästhetischen Absichten des Künstlers bei der Schaffung des Kunstwerks, unabhängig von seiner spezifischen Form, mit der Kritik und Bewertung des Endprodukts des Kunstwerks oder, wenn das Kunstwerk sollte unabhängig von den Absichten des Künstlers nach eigenen Vorzügen bewertet werden.^[129][130]

1946, William K. Wimsatt und Monroe Beardsley veröffentlichte einen klassischen und umstrittenen neuen kritischen Aufsatz mit dem Titel "Der absichtliche Irrtum", in dem sie stark gegen die Relevanz von einem argumentierten Absicht des Autors, oder "beabsichtigte Bedeutung" in der Analyse eines literarischen Werkes. Für Wimsatt und Beardsley waren die Wörter auf der Seite alles, was wichtig war; Die Einfuhr von Bedeutungen von außerhalb des Textes wurde als irrelevant und möglicherweise ablenkend angesehen.^[131][132]

In einem anderen Aufsatz ","Der affektive Irrtum", die als eine Art Schwester -Essay für" dem absichtlichen Irrtum "diente, und Beardsley hat auch die persönliche/emotionale Reaktion des Lesers auf ein literarisches Werk als gültiges Mittel zur Analyse eines Text Leserantwort Schule für Literaturtheorie. Ironischerweise einer der führenden Theoretiker dieser Schule, Stanley Fish, wurde selbst von neuen Kritikern geschult. Fish kritisiert Wimsatt und Beardsley in seinem 1970er Essay "Literature in the Reader".^[133][134]

Wie von Gaut und Livingston in ihrem Aufsatz "The Creation of Art" zusammengefasst: "Strukturalistische und poststrukturalistische Theoretiker und Kritiker kritisierten viele Aspekte der neuen Kritik stark, beginnend mit der Betonung der ästhetischen Wertschätzung und der sogenannten Autonomie der Kunst , aber sie wiederholten den Angriff auf die Annahme der biografischen Kritik, dass die Aktivitäten und Erfahrung des Künstlers ein privilegiertes kritisches Thema seien. "^[135] Diese Autoren behaupten: "Anti-Intentionalisten wie Formalisten sind der Ansicht, dass die Absichten, die an der Herstellung von Kunst verbunden sind keinen Einfluss auf die richtige Interpretation der Arbeit haben. "^[136]

Gaut und Livingston definieren die Intentionalisten als unterscheidet sich von Formalisten, die feststellen, dass: "Im Gegensatz zu Formalisten sind die Verweise auf Absichten von wesentlicher Bedeutung für die korrekte Interpretation von Werken." Sie zitieren Richard Wollheim Als Aussage: "Die Aufgabe der Kritik ist die Rekonstruktion des kreativen Prozesses, bei dem der kreative Prozess wiederum als etwas angesehen werden muss, das nicht aufgehört hat, sondern das Kunstwerk selbst zu beenden."^[136]

"Sprachwende" und seine Debatte

Das Ende des 20. Jahrhunderts förderte eine umfangreiche Debatte als die als die Sprachwende Kontroverse oder die "unschuldige Augendebatte" in der Kunstphilosophie. In dieser Debatte wurde die Begegnung des Kunstwerks erörtert, das durch das relative Ausmaß bestimmt wurde, in dem die konzeptionelle Begegnung mit dem Kunstwerk über die Wahrnehmungsbegegnung mit dem Kunstwerk dominiert.^[137]

Entscheid für die sprachliche Wendedebatte in der Kunstgeschichte und die Geisteswissenschaften waren die Werke einer weiteren Tradition, nämlich die Strukturalismus von Ferdinand de Saussure und die anschließende Bewegung von Poststrukturalismus. 1981 der Künstler Mark Tansey schuf ein Kunstwerk mit dem Titel "The Innocent Eye" als Kritik an dem vorherrschenden Klima der Meinungsverschiedenheit in der Kunstphilosophie in den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts. Einflussreiche Theoretiker sind Judith Butler, Luce Irigaray, Julia Kristeva, Michel Foucault und Jacques Derrida. Die Kraft der Sprache, insbesondere bestimmter rhetorischer Tropen, in der Kunstgeschichte und des historischen Diskurses wurde von untersucht Hayden White. Die Tatsache, dass Sprache ist nicht Ein transparentes Denkmedium war durch eine ganz andere Form von gestresst worden Sprachphilosophie das stammte aus den Werken von Johann Georg Hamann und Wilhelm von Humboldt.^[138] Ernst Gombrich und Nelson Goodman in seinem Buch Kunstsprachen: Ein Ansatz zu einer Theorie der Symbole kam zu der Ansicht, dass die konzeptionelle Begegnung mit dem Kunstwerk ausschließlich über die Wahrnehmung und visuelle Begegnung mit dem Kunstwerk in den 1960er und 1970er Jahren dominierte.^[139] Er wurde auf der Grundlage der Forschung, die vom Nobelpreis -Psychologen durchgeführt wurde, herausgefordert Roger Sperry die behaupteten, die menschliche visuelle Begegnung sei nicht auf Konzepte beschränkt, die allein in der Sprache dargestellt wurden (die sprachliche Wendung) und dass andere Formen der psychologischen Darstellungen des Kunstwerks gleichermaßen verteidigbar und nachweisbar waren. Sperrys Ansicht setzte sich schließlich bis zum Ende des 20. Jahrhunderts mit ästhetischen Philosophen wie vor, z. B. Nick Zangwill stark zu einem moderaten ästhetischen Formalismus unter anderen Alternativen zu verteidigen.^[140]

Klassifizierungsstreitigkeiten

Das Original Brunnen durch Marcel Duchamp, 1917, fotografiert von Alfred Stieglitz Bei der 291 Nach dem 1917 Gesellschaft der unabhängigen Künstler Ausstellungsstück. Stieglitz verwendete eine Kulisse von Die Krieger durch Marsden Hartley das Urinal fotografieren. Das Ausstellungseintragsetikett ist deutlich zu sehen.^[141]

Streitigkeiten, ob etwas als Kunstwerk klassifiziert werden soll oder nicht, werden als klassifizierende Streitigkeiten über Kunst bezeichnet. Klassifizierende Streitigkeiten im 20. Jahrhundert haben einbezogen Kubist und Impressionist Gemälde, Duchamp's Brunnen, die Filme, superlative Imitationen von Banknoten, Konzeptkunst, und Videospiele.^[142] Der Philosoph David Novitz hat argumentiert, dass die Meinungsverschiedenheit über die Definition von Kunst selten das Herzstück des Problems darstellt. Vielmehr "sind die leidenschaftlichen Anliegen und Interessen, die Menschen in ihrem sozialen Leben übertragen", "so sehr Teil aller klassischen Streitigkeiten über Kunst".^[143] Laut Novitz sind klassische Streitigkeiten häufiger Streitigkeiten über gesellschaftliche Werte und wo die Gesellschaft versucht zu gehen, als um die richtige Theorie. Zum Beispiel wenn die Tägliche Post kritisiert Hirstund Emin's Arbeit durch Argumentation "Seit 1.000 Jahren war Kunst eine unserer großen zivilisatorischen Kräfte. Heute drohen eingelegte Schafe und verschmutzte Betten, Barbaren von uns allen zu machen." Hirsts und Emins Arbeit.^[144] In 1998, Arthur Dantoschlug ein Gedankenexperiment vor Künstler des Objekts. "^[145][146]

Anti-Art ist ein Etikett für Kunst, das absichtlich die etablierten Parameter und Werte der Kunst in Frage stellt;^[147] Es ist Begriff verbunden mit Dadaismus und zugeschrieben auf Marcel Duchamp Kurz vor dem Ersten Weltkrieg,^[147] Als er Kunst aus machte aus gefundene Objekte.^[147] Einer von diesen, Brunnen (1917), ein gewöhnliches Urinal, hat eine beträchtliche Bedeutung und einen erheblichen Einfluss auf die Kunst erreicht.^[147] Anti-Art ist ein Merkmal der Arbeit von Situationist International,^[148] die Lo-Fi Mail-Kunstbewegung und die Junge britische Künstler,^[147] Obwohl es eine Form ist, die immer noch von der abgelehnt wird Stecken geblieben,^[147] wer beschreibt sich als Anti-Anti-Art.^[149][150]

Architektur wird oft als eine der bildenden Künste enthalten. Allerdings wie das dekorative Künsteoder Werbung beinhaltet die Schaffung von Objekten, bei denen die praktischen Nutzungsüberlegungen auf eine Weise unerlässlich sind, die sie beispielsweise normalerweise nicht in einem Gemälde befinden.^[151]

Werturteil

Aborigines Hohlblockgräber. Nationalgallerie, Canberra, Australien.

Etwas in Bezug auf das obige, das Wort Kunst wird auch verwendet, um Werturteile anzuwenden, wie in solchen Ausdrücken wie "diese Mahlzeit war ein Kunstwerk" (der Koch ist ein Künstler).^[152] oder "Die Kunst der Täuschung" (die hoch erreichte Fähigkeit des Betrügers wird gelobt). Es ist diese Verwendung des Wortes als Maß für hohe Qualität und hohen Wert, der den Begriff der Subjektivität verleiht. Das Wert von Wert erfordert eine Grundlage für Kritik. Auf der einfachsten Ebene wird ein Weg, um festzustellen, ob die Auswirkungen des Objekts auf die Sinne den zu berücksichtigenden Kriterien erfüllen Kunst ist, ob es als attraktiv oder abstoßend empfunden wird. Obwohl die Wahrnehmung immer durch Erfahrung gefärbt ist und notwendigerweise subjektiv ist, wird allgemein bekannt, dass das, was nicht ästhetisch befriedigend ist, nicht Kunst sein kann. "Gute" Kunst ist jedoch nicht immer oder sogar regelmäßig ästhetisch für die Mehrheit der Zuschauer. Mit anderen Worten, die Hauptmotivation eines Künstlers muss nicht das Streben nach der Ästhetik sein. Außerdem zeigt Kunst oft schreckliche Bilder, die für soziale, moralische oder zum Nachdenken anregende Gründe gemacht wurden. Zum Beispiel, Francisco GoyaDas Gemälde, das die spanischen Schießereien vom 3. Mai 1808 darstellt, ist eine grafische Darstellung einer Schussgruppe, die mehrere plädierende Zivilisten ausführt. Gleichzeitig zeigt die schrecklichen Bilder die scharfe künstlerische Fähigkeit von Goya in Bezug auf Komposition und Ausführung und erzeugen angemessene soziale und politische Empörung. Daher wird die Debatte fortgesetzt, in welcher Art der ästhetischen Zufriedenheit, falls vorhanden, „Kunst“ definiert werden muss.^[153][154]

Die Annahme neuer Werte oder die Rebellion gegen akzeptierte Vorstellungen darüber, was ästhetisch überlegen ist, muss nicht gleichzeitig mit einer vollständigen Aufgabe des Strebens des ästhetisch ansprechenden Strebens auftreten. In der Tat ist das Gegenteil oft wahr, dass die Überarbeitung dessen, was im Volksmund als ästhetisch ansprechend konzipiert wird, eine erneute Erhöhung der ästhetischen Sensibilität und eine neue Wertschätzung für die Kunststandards selbst ermöglicht. Unzählige Schulen haben ihre eigenen Wege vorgeschlagen, um Qualität zu definieren, aber sie alle scheinen sich in mindestens einem Punkt zu einigen einen universellen Akkord durch die Seltenheit der Fähigkeit des Künstlers oder in seiner genauen Reflexion in dem, was als als bezeichnet wird Zeitgeist. Kunst soll oft menschliche Emotionen ansprechen und sich miteinander verbinden. Es kann erregen ästhetisch oder Moral- Gefühle und können als ein Weg verstanden werden, diese Gefühle zu kommunizieren. Künstler drücken etwas aus, so dass ihr Publikum bis zu einem gewissen Grad erregt wird, aber sie müssen dies nicht bewusst tun. Kunst kann als Erforschung der angesehen werden menschlicher Zustand; Das heißt, was es ist, menschlich zu sein.^[155] Im weiteren Sinne wurde von Emily L. Spratt argumentiert, dass die Entwicklung künstlicher IntelligenzInsbesondere in Bezug auf seine Verwendung mit Bildern erfordert eine Neubewertung der ästhetischen Theorie in der heutigen Kunstgeschichte und eine Überprüfung der Grenzen der menschlichen Kreativität.^[156][157]

Kunst und Recht

Ein wesentliches rechtliches Problem sind Kunst Fälschungen, Plagiat, Repliken und Werke, die stark auf anderen Kunstwerken basieren.

Der Handel mit Kunstwerken oder der Export aus einem Land kann gesetzliche Vorschriften unterliegen. International gibt es auch umfangreiche Anstrengungen zum Schutz der Kunstwerke. Das UN, UNESCO und Blue Shield International Versuchen Sie, auf nationaler Ebene einen effektiven Schutz zu gewährleisten und direkt im Falle von bewaffneten Konflikten oder Katastrophen einzugreifen. Dies kann insbesondere Museen, Archive, Kunstsammlungen und Ausgrabungsstellen beeinflussen. Dies sollte auch die wirtschaftliche Grundlage eines Landes sichern, insbesondere weil Kunstwerke häufig von touristischer Bedeutung sind. Der Gründungspräsident von Blue Shield International, Karl von Habsburg, erklärte eine zusätzliche Verbindung zwischen der Zerstörung des kulturellen Eigentums und der Fluchtursache während einer Mission im Libanon im April 2019: „Kulturgüter sind Teil der Identität der Menschen, die an einem bestimmten Ort leben. Wenn Sie ihre Kultur zerstören, zerstören Sie auch ihre Identität. Viele Menschen sind entwurzelt, haben oft keine Aussichten mehr und fliehen daher aus ihrer Heimat. “^{[158][159][160][161][162][163]}

Siehe auch

Anmerkungen

Literaturverzeichnis

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• Stephen Davies, Definitionen der Kunst, 1991
• Nina Felshin, ed. But is it Art?, 1995
• Catherine de Zegher (ed.). Im sichtbaren. MIT Press, 1996
• Evelyn Hatcher, hrsg. Kunst als Kultur: Eine Einführung in die Anthropologie der Kunst, 1999
• Noel Carroll, Kunsttheorien heute, 2000
• John Whitehead. Nach dem Wind greifen, 2001
• Michael Ann Holly und Keith Moxey (Hrsg.) Kunstgeschichte Ästhetik visuelle Studien. New Haven: Yale University Press, 2002. ISBN0300097891
• Shiner, Larry. Die Erfindung der Kunst: Eine Kulturgeschichte. Chicago: University of Chicago Press, 2003. ISBN978-0-226-75342-3
• Arthur Danto, Der Missbrauch der Schönheit: Ästhetik und das Konzept der Kunst. 2003
• Dana Arnold und Margaret Iversen, Hrsg. Kunst und Gedanken. London: Blackwell, 2003. ISBN0631227156
• Jean Robertson und Craig McDaniel, Themen zeitgenössischer Kunst, visuelle Kunst nach 1980, 2005

Weitere Lektüre

• Antony brant und Griselda Pollock, eds. Digitale und andere Virtualität: Neuverhandlung des Bildes. London und NY: I.B.Tauris, 2010. ISBN978-1441676313
• Augros, Robert M., Stanciu, George N. Die neue Geschichte der Wissenschaft: Geist und das Universum, Lake Bluff, Ill.: Regnery Gateway, 1984. ISBN0-89526-833-7 (Dieses Buch hat bedeutendes Material über Kunst und Wissenschaft)
• Benedetto Croce. Ästhetik als Wissenschaft des Ausdrucks und allgemeiner Sprachanlage, 2002
• Botar, Oliver A.I. Technische Umwege: Die frühe Moholy-Nagy überdacht überdacht. Kunstgalerie des Graduiertenzentrums, der City University of New York und des Salgo Trust for Education, 2006. ISBN978-1599713571
• Burguete, Maria und Lam, Lui, Hrsg. (2011). Künste: Eine wissenschaftliche Angelegenheit. World Scientific: Singapur. ISBN978-981-4324-93-9
• Carol Armstrong und Catherine de Zegher, eds. Künstlerinnen im Jahrtausend. Massachusetts: Oktober Bücher/The MIT Press, 2006. ISBN026201226X
• Carl Jung, Mann und seine Symbole. London: Pan Books, 1978. ISBN0330253212
• E.H. Gombrich, Die Geschichte der Kunst. London: Phaidon Press, 1995. ISBN978-0714832470
• Florian Dombois, Ute Meta Bauer, Claudia Mareis und Michael Schwab, Hrsg. Intellektuelles Vogelhaus. Künstlerische Praxis als Forschung. London: Koening Books, 2012. ISBN978-3863351182
• Katharine Everett Gilbert und Helmut Kuhn, Eine Geschichte der Ästhetik. Ausgabe 2, überarbeitet. Indiana: Indiana University Press, 1953.
• Kristine Stiles und Peter Selz, eds. Theorien und Dokumente zeitgenössischer Kunst. Berkeley: University of California Press, 1986
• Kleiner, Gardner, Mamiya und Tansey. Kunst im Alter, zwölfte Ausgabe (2 Bände) Wadsworth, 2004. ISBN0-534-64095-8 (Vol 1) und ISBN0-534-64091-5 (Vol 2)
• Richard Wollheim, Kunst und ihre Objekte: Eine Einführung in die Ästhetik. New York: Harper & Row, 1968. OCLC 1077405
• Will Gompertz. Was schaust du dir an ?: 150 Jahre moderner Kunst im Blinzeln eines Auges. New York: Viking, 2012. ISBN978-0670920495
• Władysław Tatarkiewicz, Eine Geschichte von sechs Ideen: Ein Aufsatz in der Ästhetik, übersetzt aus der Politur von Christopher Kasparek, Den Haag, Martinus Nijhoff, 1980

Externe Links

• Kunst und Spiel Aus dem Wörterbuch der Ideengeschichte
• Eingehender Kunstverzeichnis
• Kunst- und Künstlerdateien in der Smithsonian Libraries Collection (2005) Digitale Bibliotheken von Smithsonian
• Visual Arts Data Service (VADS) - Online -Sammlungen aus britischen Museen, Galerien, Universitäten
• RevolutionART - Kunstmagazine mit weltweiten Ausstellungen, Berufungen und Wettbewerben
• Adajian, Thomas. "Die Definition von Kunst". Im Zalta, Edward N. (ed.). Stanford Encyclopedia of Philosophy.
• Kunst bei Curlie