Schauspieler

Für andere Verwendungen siehe Akteur (Disambiguierung).
"Schauspielerin" leitet hier weiter. Für andere Verwendungen siehe Schauspielerin (Disambiguierung).
David Garrick in Richard III auf der Bühne

Ein Schauspieler oder Darstellerin ist eine Person, die eine porträtiert a Charakter in einer Leistung.[1] Der Schauspieler spielt "im Fleisch" im traditionellen Medium der Theater oder in modernen Medien wie z. Film, Radio, und Fernsehen. Der analoge griechische Term ist ὑποκριτής (Hupokritḗs), buchstäblich "einer, der antwortet".[2] Die Interpretation einer Rolle durch den Schauspieler - die Kunst von Schauspielkunst- über die gespielte Rolle, unabhängig davon, ob sie auf einer realen Person oder einer fiktiven Figur basieren. Dies kann auch als "Rolle des Schauspielers" angesehen werden, die dies aufgrund dessen genannt wurde Schriftrollen in den Theatern verwendet werden. Die Interpretation tritt auch dann auf, wenn der Schauspieler "sich selbst spielt", wie in einigen Formen von experimentellem Performance Art.

Früher in Altes Griechenland und die Mittelalterliche Weltund in England zur Zeit von William Shakespeare, nur Männer konnten Schauspieler werden, und die Rollen der Frauen wurden im Allgemeinen von Männern oder Jungen gespielt.[3] Während das alte Rom weibliche Bühnenkünstler erlaubte, erhielten nur eine kleine Minderheit von ihnen sprechende Teile. Das commedia dell'arte von Italien erlaubte jedoch professionellen Frauen, frühzeitig aufzutreten; Lucrezia di Siena, dessen Name am 10. Oktober 1564 in einem Vertrag von Schauspielern steht, wurde als die erste italienische Schauspielerin bezeichnet, die unter Namen bekannt ist, mit Vincenza Armani und Barbara Flaminia als erste Primadonnas und die ersten gut dokumentierten Schauspielerinnen in Italien (und in Europa).[4] Nach dem Englische Restaurierung von 1660 erschienen Frauen auf der Bühne in England. In der modernen Zeit, insbesondere in Pantomime und einigen Opern, spielen Frauen gelegentlich die Rolle von Jungen oder jungen Männern.[5]

Geschichte

Der erste aufgezeichnete Fall eines darstellenden Akteurs ereignete sich im Jahr 534 v. Thespis trat auf die Bühne am Theater Dionysos Die erste bekannte Person zu werden, die Wörter als Charakter in einem Stück oder einer Geschichte spricht. Vor der Tat der Thespis wurden griechische Geschichten nur in ausgedrückt Lied, tanzen und in dritte Person Narrativ. Zu Ehren von Thespis werden Schauspieler allgemein genannt Thespen. Die ausschließlich männlichen Schauspieler in der Theater des alten Griechenlands in drei Arten von durchgeführt Theater: Tragödie, Komödie, und die Satyrspiel.[6] Dies entwickelte und erweiterte sich erheblich unter dem Römer. Das Theater des alten Roms war eine blühende und vielfältige Kunstform, die von Festival Aufführungen von Street Theatre, Nackttanzen und Akrobatik, zur Inszenierung der Situation Komödien, zu hoher Stil, verbal aufwändig Tragödien.

Als die Western Römische Reich In den 4. und 5. Jahrhundert wurde der Sitz römischer Macht nach Osten nach Osten auf Konstantinopel.Aufzeichnungen zeigen das Mime, Pantomime, Szenen oder Rezitationen von Tragödien und Komödien, Tänzeund andere Unterhaltungen waren sehr beliebt. Aus dem 5. Jahrhundert, Westeuropa wurde in eine Zeit der allgemeinen Störung gestürzt. Kleine nomadische Schauspieler -Bands reisten während des gesamten Zeitraums durch Europa und traten überall dort auf, wo sie ein Publikum finden konnten. Es gibt keine Beweise dafür, dass sie alles andere als grobe Szenen produziert haben.[7] Traditionell waren die Akteure nicht von hohem Status; Daher in der Frühes Mittelalter, reisende Schauspieltruppen wurden oft mit Misstrauen betrachtet. Die Akteure des frühen Mittelalters wurden von der angeprangert Kirche während der Finsteres Mittelalterwie sie als gefährlich, unmoralisch angesehen wurden und heidnisch. In vielen Teilen Europas bedeutete traditionelle Überzeugungen der Region und der Zeit, dass Schauspieler keine christliche Beerdigung erhalten konnten.

In dem Frühes Mittelalter, Kirchen in Europa begannen, dramatisierte Versionen von biblischen Ereignissen zu inszenieren. Mitte des 11. Jahrhunderts, Liturgisches Drama hatte sich von Russland nach verteilt Skandinavien nach Italien. Das Fest der Narren ermutigte die Entwicklung der Komödie. In dem Spätes MittelalterIn 127 Städten wurden Theaterstücke produziert. Diese Volksummenge Mystery spielt oft enthalten Komödiemit Schauspielern spielen Teufel, Schurken, und Clowns.[8] Die Mehrheit der Akteure in diesen Stücken wurde aus der lokalen Bevölkerung gezogen. Amateurer in England waren ausschließlich männlich, aber andere Länder hatten weibliche Darsteller.

Im Mittelalter wurden mehrere weltliche Stücke inszeniert, von denen das früheste ist Das Spiel des Greenwoods durch Adam de la Halle 1276. Es enthält satirische Szenen und Volk Material wie Feen und andere übernatürliche Ereignisse. Farcen Nach dem 13. Jahrhundert stieg auch immer beliebter. Am Ende von Spätes MittelalterProfessionelle Schauspieler erschienen in England und Europa. Richard III und Henry VII Beide unterhielten kleine Unternehmen professioneller Akteure. Ab Mitte des 16. Jahrhunderts, Commedia dell'arte Truppen führten seit Jahrhunderten lebhafte improvisatorische Spielplays in ganz Europa durch. Commedia Dell'arte war ein Schauspieler-zentriertes Theater, das wenig Landschaft und sehr wenige Requisiten erforderte. Spiele waren lose Frameworks, die Situationen, Komplikationen und das Ergebnis der Aktion lieferten, um die die Schauspieler improvisierten. Die Stücke verwendet Lagerzeichen. Eine Truppe bestand typischerweise aus 13 bis 14 Mitgliedern. Die meisten Schauspieler erhielten einen Anteil der Gewinne des Stücks, die ungefähr den Größen ihrer Rollen entsprechen.

Eine Skizze von 1596 einer laufenden Leistung auf der Schubstufe von Der Schwan, eine typische elisabethanisch Open-Dach-Spielhaus

Renaissance Theatre, das aus mehreren mittelalterlichen Theatertraditionen abgeleitet ist, wie die Mystery spielt, "Moral spielt", und das" Universitätsdrama ", das versuchte, die Athener Tragödie wiederherzustellen. Die italienische Tradition von Commedia dell'artesowie das Erkenntnis Masken häufig vor Gericht präsentiert und auch zur Gestaltung des öffentlichen Theaters beigetragen. Seit vor der Regierungszeit von Elizabeth I, Unternehmen von Spielern wurden an die Haushalte führender Aristokraten angeschlossen und saisonal an verschiedenen Orten aufgetreten. Diese wurden zur Grundlage für die professionellen Spieler, die auf dem auftraten Elizabethanische Bühne.

Die Entwicklung des Theaters und die Handlungsmöglichkeiten hörten auf, als Puritaner Die Opposition gegen die Bühne verbot die Leistung aller Spiele in London. Die Puritaner betrachteten das Theater als unmoralisch. Die Wiedereröffnung der Theater im Jahr 1660 signalisierte eine Renaissance des englischen Dramas. Englisch Komödien geschrieben und aufgeführt in der Wiederherstellung Die Periode von 1660 bis 1710 wird gemeinsam als "Restaurierungskomödie" bezeichnet. Restaurierungskomödie ist berüchtigt für ihre sexuell Eindeutigkeit. Zu diesem Zeitpunkt durften Frauen zum ersten Mal auf der englischen Bühne erschienen, exklusiv in weiblichen Rollen. In dieser Zeit wurden die ersten professionellen Schauspielerinnen und den Aufstieg der ersten prominenten Schauspieler eingeführt.

19. Jahrhundert

Henry Irving in Die Glocken, 1874

Im 19. Jahrhundert wurde der negative Ruf der Schauspieler weitgehend umgekehrt, und das Schauspiel wurde zu einem geehrten Beruf und Kunst der Bevölkerung.[9] Der Aufstieg des Schauspielers als Berühmtheit lieferte den Übergang, als das Publikum zu ihren Lieblingsstars strömte. Eine neue Rolle entstand für die Schauspieler-Manager, der ihre eigenen Unternehmen bildete und die Akteure, die Produktionen und die Finanzierung kontrollierte.[10] Wenn sie erfolgreich sind, bauten sie eine dauerhafte Kundschaft auf, die zu ihren Produktionen strömte. Sie konnten ihr Publikum vergrößern, indem sie durch das Land auf Tour gehen und ein Repertoire bekannter Stücke wie die von Shakespeare durchführten. Die Zeitungen, privaten Clubs, Pubs und Cafés klingen mit lebhaften Debatten über die Bewertung der relativen Vorzüge der Stars und der Produktionen. Henry Irving (1838–1905) war der erfolgreichste der britischen Schauspieler-Manager.[11] Irving war bekannt für seine Shakespeare -Rollen und für solche Innovationen wie das Ausbau der Hausbeleuchtung, sodass sich die Aufmerksamkeit mehr auf die Bühne und weniger auf das Publikum konzentrieren konnte. Sein Unternehmen tourte in ganz Großbritannien sowie in Europa und den USA und demonstrierte die Macht von Star -Schauspielern und berühmten Rollen, um begeistertes Publikum anzulocken. Seine Ritterschaft im Jahr 1895 zeigte eine vollständige Akzeptanz in die höheren Kreise der britischen Gesellschaft.[12]

20. Jahrhundert

Playbill -Cover für die Shubert Theatre Präsentation von John Hudsons Frau

Bis zum frühen 20. Jahrhundert verdrängte die Ökonomie großer Produktionen das Modell des Schauspielers. Es war zu schwer, Menschen zu finden, die ein Genie bei der Schauspielerei und das Management kombinierten. Daher teilte die Spezialisierung die Rollen als Rollen auf Bühnenmanager und später Theaterregisseure aufgetaucht. Finanziell war ein viel größeres Kapital erforderlich, um aus einer Großstadt zu operieren. Die Lösung war das Unternehmensbesitz an Ketten von Theatern, wie beispielsweise von der Theatersyndikat, Edward Laurillard, und speziell Die Shubert -Organisation. Durch die Bewältigung von Touristen favorisierten Theater in großen Städten zunehmend lange lang beliebte Stücke, insbesondere Musicals. Big Name Stars wurden noch wichtiger.[13]

Techniken

Hauptartikel: Liste der Schauspieltechniken
  • Klassisches Schauspiel ist eine Philosophie des Handelns, die den Ausdruck von Körper, Stimme, Vorstellungskraft, Personalisierung, Improvisation, externen Reizen und Skriptanalysen integriert. Es basiert auf den Theorien und Systemen ausgewählter klassischer Akteure und Direktoren, einschließlich Konstantin Stanislavski und Michel Saint-Denis.
  • Im Stanislavskis SystemDie Schauspieler, die auch als Stanislavskis Methode bekannt sind, stützen sich auf ihre eigenen Gefühle und Erfahrungen, um die "Wahrheit" des Charakters zu vermitteln, den sie darstellen. Die Schauspieler setzen sich in die Denkweise des Charakters ein und finden Dinge gemeinsam, um eine echte Darstellung des Charakters zu geben.
  • Methode Schauspiel ist eine Reihe von Techniken, die für Trainingsakteure basieren, um bessere Charaktere der von ihnen gespielten Charaktere zu erzielen, wie sie formuliert werden, wie sie formuliert werden Lee Strasberg. Straßbergs Methode basiert auf der Idee, dass die Schauspieler ihre eigenen Erfahrungen verwenden sollten, um sich persönlich mit ihren Charakteren zu identifizieren, um ein emotionales und kognitives Verständnis ihrer Rollen zu entwickeln. Es basiert auf Aspekten des Systems von Stanislavski. Andere Schauspieltechniken basieren auch auf Stanislavskis Ideen wie denen von Stella Adler und Sanford Meisner, aber diese werden nicht als "Methoden Schauspiel" betrachtet.[14]
  • Meisner -Technik Erfordert der Schauspieler, sich ganz auf den anderen Schauspieler zu konzentrieren, als wäre er oder sie real und sie existieren nur in diesem Moment. Dies ist eine Methode, die die Schauspieler in der Szene für das Publikum authentischer erscheinen lässt. Es basiert auf dem Prinzip, dass das Handeln seinen Ausdruck in der Reaktion der Menschen auf andere Menschen und Umstände findet. Basiert es auf Stanislavskis System.

Als das entgegengesetzte Geschlecht

Früher konnten in einigen Gesellschaften nur Männer Schauspieler werden. Im Altes Griechenland und antikes Rom[15] und die Mittelalterliche WeltEs wurde als schändlich angesehen, dass eine Frau auf die Bühne geht; Trotzdem traten Frauen im alten Rom auf und betraten erneut die Bühne in der Commedia dell'arte in Italien im 16. Jahrhundert; Lucrezia di Siena wurde die vielleicht erste professionelle Schauspielerin seit dem alten Rom. Auch Frankreich und Spanien hatten im 16. Jahrhundert auch weibliche Schauspieler. Im William Shakespeares England wurden jedoch in der Regel von Männern oder Jungen gespielt.[3]

Wenn ein achtzehnjähriger Puritaner Verbot von Theater wurde nach dem aufgehoben Englische Restaurierung von 1660 erschienen Frauen auf der Bühne in England. Margaret Hughes wird oft als erste professionelle Schauspielerin auf der englischen Bühne zugeschrieben.[16] Bisher, Angelica Martinelli, ein Mitglied einer italienischen Commedia Dell'arte Company, trat bereits 1578 in England auf.[17] Aber solche ausländischen Gastauftritte waren seltene Ausnahmen und es gab keine professionellen englischen Schauspielerinnen in England. Dieses Verbot endete während der Regierungszeit von Charles II Zum Teil, weil er es genoss, Schauspielerinnen auf der Bühne zu sehen.[18] Insbesondere gab Charles II. Ausgestellt Patent zu Thomas Killigrew und William Davenant, die ihnen die gewähren Monopol Das Recht, zwei Londoner Theaterkompanien zu bilden, um "ernstes" Drama aufzuführen, und das Patent der Briefe wurde 1662 mit Überarbeitungen neu aufgelegt, die es den Schauspielerinnen ermöglichten, zum ersten Mal aufzutreten.[19]

Laut dem OEDdas erste Ereignis des Begriffs Darstellerin war 1608 und wird zugeschrieben Middleton. Im 19. Jahrhundert sahen viele Frauen als negativ auf, wie es die Schauspielerinnen oft waren Kurtisanen und mit Promiskuität verbunden. Trotz dieser Vorurteile sah das 19. Jahrhundert insbesondere die ersten weiblichen "Stars" Sarah Bernhardt.[20]

In Japan, Onnagataoder Männer, die weibliche Rollen übernehmen, wurden in verwendet in Kabuki Theater, als Frauen während der auf der Bühne verboten waren Edo -Periode; Diese Konvention geht weiter. In einigen Formen des chinesischen Dramas wie zum Beispiel Peking Opera, Männer spielten traditionell alle Rollen, einschließlich weiblicher Rollen, während in Shaoxing Opera Frauen spielen oft alle Rollen, einschließlich männlicher.[21]

In der modernen Zeit spielten Frauen gelegentlich die Rollen von Jungen oder jungen Männern. Zum Beispiel die Bühnenrolle von Peter Pan wird traditionell von einer Frau gespielt, ebenso wie die meisten Hauptjungen in Briten Pantomime. Oper hat verschiedene "Reithosenrollen"Traditionell von Frauen gesungen, normalerweise Mezzosopranos. Beispiele sind Hansel in Hänsel und Gretel, Cherubino in Die Ehe von Figaro und Octavian in Der Rosenkavalier.

Frauen, die männliche Rollen spielen, sind im Film mit bemerkenswerten Ausnahmen ungewöhnlich. 1982,, Stina Ekblad spielte den mysteriösen Ismael Retzinsky in Fanny und Alexander, und Linda Hunt erhielt die Academy Award für die beste Nebendarstellerin für das Spielen von Billy Kwan in Das Jahr des Lebens gefährlich. In 2007, Cate Blanchett wurde für die nominiert Academy Award für die beste Nebendarstellerin Für das Spielen von Jude Quinn eine fiktionalisierte Darstellung von Bob Dylan in den 1960er Jahren in Ich bin nicht da.

In den 2000er Jahren sind Frauen, die Männer im Live -Theater spielen, besonders häufig in Präsentationen älterer Stücke, wie Shakespeare -Arbeiten mit einer großen Anzahl männlicher Charaktere in Rollen, in denen das Geschlecht belanglos ist.[5]

Ein Schauspielerkleid als das andere Geschlecht für den Comic-Effekt zu haben, ist auch eine langjährige Tradition in Comic -Theater und Film. Die meisten Komödien von Shakespeare enthalten Fälle von offener Offenbar Cross-Dressing, wie zum Beispiel Francis Flöte in Ein Sommernachtstraum. Der Film Auf dem Weg zum Forum passierte eine lustige Sache Sterne Jack Gilford Als junge Braut anziehen. Tony Curtis und Jack Lemmon berühmt als Frauen, um Gangster in der zu entkommen Billy Wilder Film Manche mögen es heiß. Cross-Dressing für den Comic-Effekt war ein häufig verwendetes Gerät in den meisten Fällen Filme weiterführen. Dustin Hoffman und Robin Williams haben jeweils in einem Hit -Comedy -Film erschienen (Tootsie und Frau Doubtfirejeweils), in dem sie die meisten Szenen spielten, die als Frau gekleidet waren.

Gelegentlich wird das Problem beispielsweise von einer Frau, die als Mann spielt, weiter kompliziert, der dann vorgibt, eine Frau zu sein, wie sie Julie Andrews in Victor/Victoria, oder Gwyneth Paltrow in Shakespeare in Liebe. Im Es ist Pat: Der Film, Filmbeobachter lernen nie das Geschlecht der androgynen Hauptfiguren Klopfen und Chris (gespielt von Julia Sweeney und Dave Foley). In ähnlicher Weise im oben genannten Beispiel von Die Ehe von FigaroEs gibt eine Szene, in der Cherubino (eine männliche Figur, die von einer Frau dargestellt wird) sich wie eine Frau verkleidet und verhält; Die anderen Charaktere in der Szene sind sich einer einzigen Ebene der Verschleierung der Geschlechterrolle bewusst, während sich das Publikum zwei Ebenen bewusst ist.

Einige moderne Rollen werden von einem Mitglied des anderen Geschlechts gespielt, um die Geschlechtsfluidität der Rolle hervorzuheben. Edna Turnblad in Haarspray wurde von Göttlich in dem 1988 Originalfilm, Harvey Fierstein in dem Broadway -Musical, und John Travolta in dem 2007 Movie Musical. Eddie Redmayne wurde für eine nominiert Oscar fürs Spielen Lili Elbe (a Transfrau) In den Jahren 2015 Das dänische Mädchen.[22]

Die Begriff Schauspielerin

Helena modrzejewska, eine polnisch-amerikanische Schauspielerin, von Tadeusz Ajdukiewicz, 1880

Im Gegensatz zum alten griechischen Theater erlaubte das alte römische Theater weibliche Darsteller. Während die Mehrheit von ihnen selten in sprechenden Rollen eingesetzt wurde, sondern vielmehr zum Tanzen, gab es eine Minderheit von Schauspielerinnen in Rom, die in sprechenden Rollen beschäftigt waren, und auch diejenigen, die Wohlstand, Ruhm und Anerkennung für ihre Kunst erreichten, wie z. Eucharis, Dionysia, Galeria Copiola und Fabia Areteund sie bildeten auch ihre eigene Schauspielgilde, die Sociae mimae, was offensichtlich ziemlich reich war.[23] Der Beruf starb scheinbar in der späten Antike.

Während Frauen erst in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts in England auf der Bühne aufzutreten, erschienen sie ab dem späten 16. Jahrhundert in Italien, Spanien und Frankreich. Lucrezia di Siena, dessen Name ab dem 10. Oktober 1564 in einem Schauspielvertrag in Rom steht, wurde als erste italienische Schauspielerin bezeichnet, die mit Namen bekannt ist, mit Vincenza Armani und Barbara Flaminia Als der erste Primadonnas und die ersten gut dokumentierten Schauspielerinnen in Italien (und Europa).[4]

Nach 1660 in EnglandAls Frauen zum ersten Mal auf der Bühne erscheinen, die Begriffe Schauspieler oder Darstellerin wurden anfangs austauschbar für weibliche Darsteller eingesetzt, aber später von den Franzosen beeinflusst actrice, Darstellerin wurde der häufig verwendete Begriff für Frauen in Theater und Film. Das Etymologie ist eine einfache Ableitung von Schauspieler mit -ess hinzugefügt.[24] Bei Bezug auf Gruppen von Darstellern beider Geschlechter, Schauspieler Ist bevorzugt.[25]

Innerhalb des Berufs stammt die Neuanpassung des neutralen Terms an die Nachkriegszeit Zeitraum der 1950 und 190er Jahre, als die Beiträge von Frauen zum kulturellen Leben im Allgemeinen überprüft wurden.[26] Wann Der Beobachter und Der Wächter veröffentlichte 2010 ihren neuen gemeinsamen Leitfaden für Style -Style und erklärte "Verwendung ['Schauspieler'] für männliche und weibliche Schauspieler; Verwenden Sie die Schauspielerin nicht, außer wenn sie im Namen der Auszeichnung, z. B. Oscar für die beste Schauspielerin,".[25] Die Autoren des Führers stellten fest, dass "die Schauspielerin in dieselbe Kategorie wie Autorin, Komikerin, Managerin," Lady Doctor "," männliche Krankenschwester "und ähnliche veraltete Begriffe, die aus einer Zeit, in der Berufe größtenteils das Erhaltung eines Geschlechts waren, ausgelastet war (normalerweise Männer), einhergeht. . " (Sehen männlich als Norm.) "Wie Whoopi Goldberg Setzen Sie es in ein Interview mit der Zeitung: „Eine Schauspielerin kann nur eine Frau spielen. Ich bin Schauspieler - ich kann alles spielen.'"[25] Die britische Performer Union Eigenkapital Hat keine Richtlinie zur Verwendung von "Schauspieler" oder "Schauspielerin". Ein Sprecher der Aktien sagte, dass die Gewerkschaft nicht glaubt, dass es einen Konsens in dieser Angelegenheit gibt, und erklärte, dass das "... Subjekt den Beruf teilt".[25] Im Jahr 2009 die Los Angeles Zeiten erklärte, dass die "Schauspielerin" der gemeinsame Begriff in Major verwendet Schauspielkunst Auszeichnungen an Empfängerinnen[27] (z.B., Oscar für die beste Schauspielerin für die beste Schauspielerin).

In Bezug auf die Kino der Vereinigten StaatenDer geschlechtsneutrale Begriff "Spieler" war im Film in der Stummfilm Ära und die frühen Tage der Filmproduktionscodeaber in den 2000er Jahren in einem Filmkontext wird es im Allgemeinen als angesehen archaisch. "Spieler" bleibt jedoch im Einsatz in der Theater, oft in den Namen einer Theatergruppe oder Firma wie dem integriert Amerikanische Spieler, das East West -Spielerusw. auch Schauspieler in Improvisationstheater kann als "Spieler" bezeichnet werden.[28]

Die Schauspielerin Kate Winslet

Eigenkapital bezahlen

Im Jahr 2015, Forbes berichtete, dass "... nur 21 der 100 Top-Greatsing-Filme von 2014 eine weibliche Führung oder Co-Lead enthielten, während nur 28,1% der Charaktere in 100 Top-Greating-Filmen weiblich waren ...".[29] "In den USA gibt es eine" branchenweite [Lücke] in den Gehältern aller Skalen. Im Durchschnitt verdienen weiße Frauen 78 Cent für jeden Dollar, den ein weißer Mann verdient, während hispanische Frauen 56 Cent für den Dollar eines weißen Mannes, schwarze Frauen 64 Cent und indianische Frauen nur 59 Cent verdienen. "[29] Forbes ' Die Analyse von US-amtierenden Gehältern im Jahr 2013 stellte fest, dass die Liste der "... Männer auf Forbes 'Liste der bezahlten Akteure für dieses Jahr gemacht hat 2+1/2 mal so viel Geld wie die erstklassigen Schauspielerinnen. Das bedeutet, dass Hollywoods am besten kompensierte Schauspielerinnen nur 40 Cent für jeden Dollar verdient haben, den die am besten kompensierten Männer gemacht haben. "[30][31][32]

Typen

Schauspieler arbeiten in Theater, Film, Fernsehen, und Radio müssen bestimmte Fähigkeiten erlernen. Techniken, die in einer Art von Handeln gut funktionieren, funktionieren möglicherweise nicht gut in einer anderen Art von Schauspielern.

Im Theater

Um auf der Bühne zu reagieren, müssen Schauspieler die Bühnenrichtungen lernen, die im Drehbuch wie "Bühnenbühne" und "Bühne rechts" erscheinen. Diese Richtungen basieren auf der Sichtweise des Schauspielers, da er oder sie auf der Bühne steht. Schauspieler müssen auch die Bedeutung der Bühnenrichtungen "upstage" (weg vom Publikum) und "Downstage" (gegenüber dem Publikum) lernen[33] Theaterschauspieler müssen das Blockieren lernen, das heißt "... wo und wie sich ein Schauspieler während eines Stücks auf der Bühne bewegt". Die meisten Skripte geben einige Blockierungen an. Der Regisseur gibt auch Anweisungen zum Blockieren, z. B. das Überqueren der Bühne oder das Aufnehmen und die Verwendung einer Prop.[33]

Einige Theaterschauspieler müssen lernen Bühnenkampf, was simulierte Kämpfe auf der Bühne ist. Schauspieler müssen möglicherweise Hand-an-Hand-Kämpfe oder Schwertkämpfe simulieren. Schauspieler werden von trainiert von Kampfdirektoren, die ihnen helfen, das zu lernen Choreografierte Sequenz von Kampfaktionen.[33]

Im Film

Stummfilme

Von 1894 bis Ende der 1920er Jahre waren Filme Stummfilme. Stummfilmschauspieler betonten Körpersprache und Gesichtsausdruckdamit das Publikum besser verstehen konnte, was ein Schauspieler auf dem Bildschirm fühlte und darstellte. Viel Stummfilm Schauspiel kann das moderne Publikum als simpel oder simpel oder ankommen Campy. Der melodramatische Schauspielstil war in einigen Fällen eine Gewohnheit, die Schauspieler aus ihrem früheren Bühnenerlebnis übertragen wurden. Vaudeville Das Theater war für viele amerikanische Stummfilmschauspieler ein besonders beliebter Ursprung.[34] Die durchdringende Präsenz von Bühnenschauspieler Im Film war die Ursache für diesen Ausbruch vom Regisseur Marshall Neilan Im Jahr 1917: "Je früher die Bühnen Leute, die in Bilder gekommen sind, herauskommen, desto besser für die Bilder." In anderen Fällen verlangten Direktoren wie John Griffith Wray, dass ihre Akteure überlebensgroße Ausdrücke für die Betonung liefern. Bereits 1914 hatten amerikanische Zuschauer begonnen, ihre Präferenz für größere Natürlichkeit auf dem Bildschirm bekannt zu machen.[35]

Pionierfilmregisseure in Europa und den Vereinigten Staaten erkannten die unterschiedlichen Einschränkungen und Freiheiten der Medien der Bühne und des Bildschirms in den frühen 1910er Jahren an. Stummfilme wurden Mitte der 1910er Jahre weniger Vaudevillianer, da die Unterschiede zwischen Bühne und Bildschirm deutlich wurden. Aufgrund der Arbeit von Direktoren wie z. D W Griffith, Kinematographie wurde weniger stufenartig, und die damals revolutionäre Nahaufnahme ermöglichte eine subtile und naturalistische Schauspielerei. In Amerika, D.W. Griffiths Firma Biographiestudios, wurde bekannt für seine innovative Richtung und das Schauspiel, das eher zum Kino als für die Bühne geführt wurde. Griffith erkannte, dass Theaterschauspiel im Film nicht gut aussah und seine Schauspieler und Schauspielerinnen ein Wochen mit dem Training für Filmschauspiele absolvierte.[36]

Lillian Gish wurde für ihre Arbeit in dieser Zeit "erste wahre Schauspielerin" des Films genannt, als sie neue Film -Performance -Techniken leitete und die entscheidenden Unterschiede zwischen Bühnen- und Bildschirmscheiben erkannte. Direktoren wie Albert Capellani und Maurice Tourneur begann auf Naturalismus in ihren Filmen zu bestehen. Mitte der 1920er Jahre hatten viele amerikanische Stummfilme einen naturalistischeren Schauspielstil angenommen, obwohl nicht alle Schauspieler und Regisseure naturalistische, zurückhaltende Schauspielerei akzeptierten. Noch 1927 sind Filme mit expressionistischen Schauspielstilen wie z. Metropolewurden noch freigelassen.[35]

Laut Anton Kaes, einem Stummfilmwissenschaftler der University of Wisconsin, begann das American Stumm Cinema zwischen 1913 und 1921 eine Verschiebung der Schauspieltechniken, die von Techniken beeinflusst wurde, die im deutschen Stummfilm gefunden wurden. Dies wird hauptsächlich auf den Zustrom von Auswanderern aus dem zurückgeführt Weimarer Republik, "einschließlich Filmregisseure, Produzenten, Kameramänner, Beleuchtungs- und Bühnentechnikern sowie Schauspieler und Schauspielerinnen".[37]

Das Aufkommen des Sounds im Film

Filmschauspieler müssen lernen, sich daran zu gewöhnen und sich mit einer Kamera vor ihnen wohl zu fühlen.[38] Filmschauspieler müssen lernen, ihre "Marke" zu finden und zu bleiben. Dies ist eine Position auf dem mit Klebeband markierten Boden. In dieser Position werden die Lichter und die Kamerafokus optimiert. Filmschauspieler müssen auch lernen, wie man sich gut vorbereitet und gut auftrittBildschirmtests. Bildschirmtests sind ein gefilmtes Vorsprechen eines Teils des Drehbuchs.

Im Gegensatz zu Theaterschauspielern, die Charaktere für Wiederholungsaufführungen entwickeln, fehlt Filmakteuren die Kontinuität und zwingen sie, alle Szenen (manchmal in umgekehrter Reihenfolge, in dem sie letztendlich erscheinen), mit einem voll entwickelten Charakter bereits zu kommen.[36]

"Da der Film sogar die kleinste Geste fängt und sie vergrößert ... erfordert das Kino eine weniger extravagante und stilisierte körperliche Leistung des Schauspielers als das Theater." "Die Leistung von Emotionen ist der schwierigste Aspekt der Filmschauspiele für den Meister: ... Der Filmschauspieler muss sich auf subtile Gesichtszecken, Krepper und winzige Augenbrauen verlassen, um einen glaubwürdigen Charakter zu schaffen."[36] Einige Theaterstars "... haben den Theater zu Zinema recht erfolgreich überschritten (Laurence Olivier, Glenn nah, und Julie AndrewsZum Beispiel) haben andere nicht ... "[36]

Im Fernsehen

"In einem Fernsehset gibt es in der Regel mehrere Kameras am Set. Schauspieler, die bei der Schauspielerei neu sind, können verwirrt darüber, welche Kamera zu schauen ist."[33] TV -Akteure müssen lernen, Lav MICs zu verwenden (Lavaliere -Mikrofone).[33] TV -Akteure müssen das Konzept von "Frame" verstehen. "Der Begriff Rahmen bezieht sich auf den Bereich, den das Objektiv der Kamera erfasst."[33] In der Schauspielbranche gibt es vier Arten von Fernsehsendungen, die man in einer Show landen könnte. Jeder Typ variiert in Bezug auf Bekanntheit, Häufigkeit des Aussehens und Bezahlung. Der erste ist als a bekannt Serie regulär- Die Hauptdarsteller der Show als Teil der ständigen Besetzung. Schauspieler in wiederkehrend In mehreren Episoden einer Serie werden Rollen unter Vertrag erscheinen. EIN Co-Star Rolle ist eine kleine sprechende Rolle, die normalerweise nur in einer Episode auftritt. EIN Gaststar ist eine größere Rolle als a Co-Star Rolle, und der Charakter ist oft der zentrale Schwerpunkt der Episode oder integriert in die Handlung.

Im Radio

Aufnahme eines Funkspiels in den Niederlanden (1949; Spaarnestad Foto)

Funkdrama ist ein dramatisierter, rein akustischer Leistung, übertragen auf Radio oder auf Audiomedien wie Band oder CD veröffentlicht. Ohne visuelle Komponente, Radio Theater Hängt von Dialog, Musik und Soundeffekten ab, um dem Hörer zu helfen, sich die Charaktere und die Geschichte vorzustellen: "Es ist in der physischen Dimension auditorisch, aber gleichermaßen mächtig wie eine visuelle Kraft in der psychischen Dimension."[39]

Das Radio -Drama erlangte innerhalb eines Jahrzehnts seiner ersten Entwicklung in den 1920er Jahren weit verbreitete Popularität. In den 1940er Jahren war es eine führende internationale populäre Unterhaltung. Mit dem Aufkommen des Fernsehens in den 1950er Jahren verlor das Radiodrama jedoch einen Teil seiner Popularität, und in einigen Ländern hat es nie ein großes Publikum wiedererlangt. Aufzeichnungen von OTR (Altes Radio) Überleben Sie heute im Audioarchiv für Sammler und Museen sowie mehrere Online -Websites wie z. Internetarchiv.

Ab 2011Das Radio -Drama ist in den USA minimal im terrestrischen Radio präsent. Ein Groß Podcasts von Programmen aus früheren Jahrzehnten. Andere Nationen haben jedoch immer noch florierende Traditionen des Funkdramas. Im Vereinigten Königreich zum Beispiel die BBC produziert und sendet jedes Jahr Hunderte neuer Radiosspiele auf Radio 3, Radio 4, und Radio 4 extra. Podcasting hat neben der Verteilung von Vintage -Programmen auch die Möglichkeiten zur Erstellung neuer Radiodramen angeboten.

Die Begriffe "Audiodrama"[40] Oder "Audio Theatre" werden manchmal synonym mit "Radiodrama" mit einer möglichen Unterscheidung verwendet: Audio -Drama oder Audio -Theater ist möglicherweise nicht unbedingt speziell für die Sendung im Radio bestimmt. Audio -Drama, ob neu produziert oder OTR -Klassiker, finden Sie auf CDs, Kassetten, Podcasts, Webcastsund konventionelles Rundfunk Radio.

Dank der Fortschritte in der digitalen Aufnahme und der Internetverteilung erlebt das Radio -Drama eine Wiederbelebung.[41]

Siehe auch

Verweise

  1. ^ "Die dramatische Welt kann erweitert werden, um den" Autor ", das" Publikum "und sogar das" Theater "einzubeziehen; aber diese bleiben" mögliche "Ersatz, nicht die" tatsächlichen "Referenten als solche" (Elam 1980, 110).
  2. ^ "Definition des Schauspielers".Hypokriten (Bezogen auf unser Wort für Heuchler) bedeutet auch seltener, "zu antworten" tragisch Chor. Siehe Weiman (1978, 2); Siehe auch CSAPO und Slater, die Übersetzungen klassischer Quellenmaterial unter Verwendung des Begriffs anbieten Heuchelei (Schauspielkunst) (1994, 257, 265–267).
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Quellen

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